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El 19 de diciembre recibí un correo donde se me preguntaba si era yo el personaje sobre el cual el Sr. Miguel Piovesan hacía mención en su programa radial: “El que tenga oído que oiga”. Y claro que se refería a mí, ya que Piovesan afirmaba —con una seguridad implacable— que un tal Enrique Angulo Pratolongo redactó un artículo en la prensa escrita sobre ecología. Es más, en su programa radial, Piovesan me agradeció por haber escrito el artículo. Sé que se están preguntando qué dice el audio y de qué artículo se trata.

Este es el audio en mención:

Y este es el texto que generó el elocuente monólogo de Piovesan:

¡QUÉ SE MUERA EL PAVIPOLLO DE PICO VERDE! ¡QUÉ MÁS DA SI DESAPARECE UNA ESPECIE BIOLÓGICA!, publicado en mi blog: “Mi tambor de Hojalata” el domingo 23 de mayo del 2010.

En mi blog colgué un texto del crítico de teatro Alonso Alegría publicado el 16 de setiembre del 2007 en el diario Perú 21, donde criticaba la “insensibilidad” de los llamados ecologistas a quienes más le preocupa la conservación del “pavipollo de pico verde” que la hambruna de niños africanos. Así, dicho texto lo utilicé en algunas clases como material didáctico, con el fin de crear debates en clase sobre los conservacionistas y los anti-conservacionistas. Adicionalmente, al texto de Alegría le sumé dos artículos, uno de mi hermano y uno mío. En ellos le “contestamos” a Alegría de diversas maneras. Seguramente el Sr. Alegría nunca vio ni verá ambos escritos.

Eso no importa. Lo importante era crear polémica sana y constructiva para intentar entender diferentes posturas en cuanto al tema ambiental en el país. De hecho, estoy seguro que varias personas piensan como Alegría y claro, respeto su postura, pero por supuesto no comparto su manera de ver las cosas en este tema puntual. No obstante, bienvenido sea el debate y bienvenido sea el momento en el cual el Sr. Piovesan llegó a mi blog y específicamente a esa entrada. Dicho esto, Sr. Piovesan si lee estas líneas cuénteme cómo así llegó a mi humilde espacio virtual.

En realidad no tengo nada que aclarar ni me siento ofendido por lo que dice Piovesan —quien incluso me felicita y me llama sociólogo, para luego decirme que también soy periodista y un “ecologista verdadero”—, dado que nada de lo que dice ser de mi autoría, lo es. Piovesan se esmera en repetir lo que dice Alegría. Saquen sus propias conclusiones cuando escuchen el audio y lean los textos ya mencionados.

Además, la verdad es que no pienso gastar mucho tiempo en contestarle al Sr. Piovesan pues finalmente, repito, todos los argumentos que el esgrime como míos y utiliza para su “causa”, no lo son, son del Sr. Alegría. Es más, me siento actualmente desconcertado porque he sido llamado valiente y eso ha causado una terrible confusión en mí, ya que por valiente entendía otra cosa.   

Pero para los que no conocen al Sr. Piovesan, ¿Quién es él? Bueno, solo sé que es la mayor autoridad eclesiástica en el distrito de Puerto Esperanza, provincia de Purús, departamento de Ucayali y que depende del Vicariato de Puerto Maldonado. Es italiano y es uno de los principales propulsores de la construcción de la carretera Puerto Esperanza – Iñapari, la cual, según su percepción, sacaría del subdesarrollo y del aislamiento a nuestros compatriotas. A propósito, habría que preguntarle al padre italiano si, de tener que construirse una carretera, ¿no debería esta salir a Pucallpa, ciudad con la cual hay más afinidad y una relación más lógica?

Lo más probable es que la carretera —que él, algunos nativos y colonos, así como un par de Congresistas defienden a capa y espada— catalice una invasión masiva y desorganizada de la zona, la cual traería consigo todos los males posibles, tales como la desculturización asociada a violencia, alcohol, prostitución y otros males sociales imparables; impulsaría una deforestación en ese rincón con tan alta diversidad biológica (incluye la cultural), la cual no en vano está protegida mediante un Parque Nacional y una Reserva Comunal; permitiría la salida de madera; aceleraría un posible ingreso de cultivos ilícitos, entre otros males. Existen otras maneras de impulsar el desarrollo y no creo que una carretera como la propuesta cumpla ese rol. No entraré a más detalles, para no desviarme del tema. Al respecto ya se ha debatido bastante y los interesados pueden hacerle seguimiento a este asunto revisando la prensa local y especializada.

Regresemos al Sr. Piovesan. Sobre este controvertido personaje existen diversos artículos y videos en Internet. Un enlace que muestra parte de su quehacer y de su empresa es el siguiente: http://www.parroquiapurus.org/index.htmldonde, cómodamente y en su tribuna casi personal, pregona la palabra del Señor y SU palabra con total libertad (eso es bueno), sin que nadie le diga lo contrario, lo desmienta o polemice con él (eso es malo). Es decir, su “pueblo elegido” tiene una sola versión de la realidad: la realidad de Piovesan.

Nuevamente, no entraré en un debate a fondo con el Sr. Piovesan. No es necesario, solo doy a conocer lo que el señor ha dicho para que cada uno saque sus propias conclusiones. El tema de la propuesta de ley para nombrar de interés nacional la conexión terrestre entre Puerto Esperanza e Iñapari, camuflando la real intención de construir la ya mencionada carretera tiene varios vacíos e incongruencias que no vale la pena tocar en estas líneas. Al respecto ya se ha debatido y escrito bastante. Mi intención es solo, reitero, aprovechar el favor que el hombre de fe me hizo al referirse a mí mediante mi blog y un texto que yo no escribí para que todos nos conozcamos mejor.

Finalmente invito a todos los que han llegado hasta estas líneas y a todos los interesados en el tema a que revisen la información acá presentada. Y es que, el supuesto aislamiento territorial trae también consigo, al parecer, un peligroso aislamiento ideológico y de opinión. Una opinión pública local monotemática, monolineal y patriarcal no es lo mejor para una zona que justamente necesita corrientes de opinión para poder debatir sobre su futuro y tener ideas mejor sustentadas. Claro, siempre hay que echarle la culpa a alguien, por eso, los firmes candidatos para esto son: el Estado, con su poca o nula presencia y con sus pocos vuelos cívicos; las ONG con sus intereses exclusivos destinados a conservar animalitos y arbolitos sacrificando el bienestar humano; los indígenas con su incansable búsqueda de desarrollo y de bienes económicos; los colonos con su afán en explotar los recursos naturales (porque para eso están, para ser explotados); los del Sernanp con su necesidad implacable de pensar solo en su parque y en su reserva comunal; la Iglesia con su deber de llevar la palabra y la paz social a este rincón tan cristiano; y bueno todos los demás que igual son culpables por hacer o por no hacer algo al respecto.

Bienaventurados sean los que lean esto y los que busquen conocer más al respecto. Esto es tan solo un pequeño esfuerzo terrenal para dirigir la mirada a estas tierras bendecidas por el Señor.

Hace unos días cumplí cuarenta años. En realidad, cumplí cuarenta años y ocho meses y pico (¿o eran siete meses y algo?) porque yo fui concebido antes de ver la luz de un hospital en la Avenida Angamos en Miraflores. Luego, recuerdo, viví en San Isidro, cerca a la comisaria de ese distrito y, si mal no recuerdo, en lo que queda de mi mente y en un rincón inubicable, tengo unas escenas del terremoto del año 1974. A veces dudo que desde ese año (nací en 1972, te lo vuelvo a repetir) pueda recordar algo. Tal vez es una ilusión. Lo cierto es que uno de mis primeros recuerdos es cuando vivía en la calle Olavide y me pasaba horas jugando “penales” (o arco-arco) con mi hermano. Luego recuerdo las distintas guerras que hacíamos con barcos de Lego que estrellábamos uno contra el otro a ver cuál resistía más para proclamarse ganador. Infaltable son los recuerdos del laboratorio clandestino que habíamos montado en el sótano al final de un larguísimo corredor oscuro, misterioso y húmedo.    

Me demoraría toda mi niñez en nombrar todo lo que tengo en mente almacenado entre neuronas semi despiertas que me lleve a recordar lo que fue esa etapa tan fantástica que recuerdo como la época en la que fui un niño tranquilo, apacible, obediente, curioso y condenado a ser aquel joven que le sucedía; y que hasta ahora es después de cuarenta años y pico. Las épocas de mi niñez son sumamente numerosas. Recuerdo haber dado un examen o prueba o algo así para entrar a uno de los tantos nidos, Kindergarten u otros en donde he estado, lo cual fue tan fácil, lógico y normal que me asombraba mucho la celebración posterior, una vez que había pasado con éxito esa prueba. Creo que eso ocupa un lugar preocupante en mi cerebro, no sé por qué.

Recuerdo también haber creído firmemente en que, con mi Primera Comunión, ya estaba a puertas de tener mi espacio asegurado en el Cielo. Recuerdo cómo sentí ese trance. Percibí, con nueve años encima, como mi mente y alma se enriquecían de uranio para ser más radioactivo de lo que soy o de lo que debería ser (o de lo que seré, quién sabe). Solo el salir a jugar fulbito en el “patio de la B” en la Agrupación Risso, podía desviarme de mi misión bíblica de cumplir con lo estipulado en algún lugar del planeta Tierra. En ese entonces, todo era más chico, más fácil y más simple. Solo una nanométrica selección de momentos me permite idear un universo para mi época de niño, en el cual siempre me hallaré cómodo, seguro y protegido de lo que debía venir.

Lo más difícil siempre fue saber qué era lo que estaba haciendo para pagar mi derecho a pisar tierras terrícolas infestadas de otros seres que, de alguna manera tormentosa, se parecían a mí. Supe ser un perfecto desadaptado en un mundo que se adaptaba al desperfecto total. No supe nunca hacia dónde iba, pese a que tampoco era necesario. Era de suponer que nunca encontraría algo similar a lo que debería haber sido en un mundo ilusorio. La prehistoria y la realeza se confundían en mi cerebro entre paredes repletas de figuras, alcachofas con salsa de limón y aceite, figuras paleolíticas en la pared, patios de diversas letras, canciones ochenteras, excursiones al campo y aviones llenos de rusos.

Todo parecía que iba a estar bien y de hecho lo estuvo. Nunca dejó de estar bien el viajar a una ciudad cosmopolita sin razón alguna, a tierras congeladas, a pantanos llenos de patos ahora inexistentes o a lagunas citadinas. Todo tenía su explicación. Ahora lo entiendo. Bueno, siempre lo entendí, pero no sé si sabía para qué me servía entender todo lo que vivía si ahora todo es igual o mejor. No obstante, todo tiempo futuro era mejor, siempre y cuando creyese que sí valía la pena vivir para creer hacer lo correcto.  

Fui muy noble e ingenuo. Me arrepiento de haber sido uno más del montón, pero me alegro de haber sido el único entre millones. Ver más allá de lo evidente me ha permitido sobrevivir a un mundo bipolar. Desarrollar el instinto de supervivencia hasta casi naufragar en un vaso de agua me ha sido de mucha utilidad. Ser un templario de la soledad y leer condenado casi a la ceguera, me ha valido un premio: ingresar a un mundo paralelo del que entro y salgo repetidas veces confundiendo mi día a día con una epopeya de una cabeza en un mundo o de un mundo en una cabeza. Nunca llegué a ver doble y esa es una de mis frustraciones.

Echado en una llanura medieval pensaba en solo vivir lo que me tocaba mientras comía hierba. Me sobrepuse a tempestades tenebrosas pensando siempre en lo que se venía y no en lo que me pasaba. Eso me salvó. Y es que, como decía mi pata El Turco, no queda otra que ir “pa’lante como el cangrejo”. En fin, así pasa cuando sucede.

Acá estaba hasta hace unos días. En esta época he aprendido a valorar lo poco que tengo y a ver las cosas de la manera más crítica posible para el bien de la humanidad. No he sido el más ordenado, ni el más dedicado, ni el más justo y menos el más respetuoso y cuerdo. He cometido barbaridad y media; y de hecho me arrepiento de muchas cosas. Mi confianza absurda en la supremacía de lo caótico y del desorden, me ha llevado a cometer muchos errores humanos imperdonables para un ser de mi calaña.  

Sabe Dios qué partes de mi existencia he perdido o he dejado en algún lugar donde he de regresar. La suma de mis errores, de mis experiencias, de mi aprendizaje, de mi genialidad, de mi desfachatez, de mi torpeza y de mi locura me ha restado posibilidades de llegar más rápido a sumergirme en miasmas necesarias. Soy la suma de todo lo que he hecho y pensado en este tiempo; pero, eso no es todo, me falta seguir haciendo desbarajustes con mi vida y seguir demostrando mi ineptitud para entender lo que se me ponga al frente, así no sepa para qué.

Acá estoy con el ánimo en alto y la moral por los suelos; o si se quiere, desanimado y con la moral al tope. Sea como fuere, lo que me queda es seguir renegando, seguir escribiendo, seguir creyendo en que el ser humano es un perfecto idiota, seguir viendo mi novela, seguir creyendo en que Jorge y Gerald me acompañan de manera permanente y que contestan mis preguntas, seguir ilusionándome con lo más simple, seguir siendo —en secreto— un ser solitario y huraño; y finalmente seguir pensando que toda esta situación no tiene remedio a menos de que me hagan caso.

Tenía que escribir todo esto solo porque soy un atormentado y un obsesivo que no termina de creer que es un relajado e incompetente para hacer lo que debe hacer. Ya escribí estas líneas Wilbur, ¿estás contento? No del todo, porque sé que las has escrito por obligación y no porque realmente las sientas. Tienes razón maldito verdugo de mis esperanzas. Pero es verdad, deja de escribir para sorprender a esos demonios y fantasmas. Escribe para sacar esos espíritus malignos que tú y yo conocemos. Ojalá los pueda coger del cogote y se los pueda retorcer para que me dejen en paz. Ya deja describir, ya te pasaste las mil palabras. Además, ya ni siquiera sabes, ni sabemos para qué y por qué estás escribiendo esto. Yo no lo sé. Tú sí lo sabes. Mentira, ni tú ni yo no lo sabemos.

En estos últimos días me he enterado de una serie de cosas que me han hecho pensar más de lo normal. Si bien se me ha aclarado en algo el panorama, me he dado cuenta de muchas verdades, me he quedado atónito, me he decepcionado y también me ha dado pena enterarme de algunos sucesos. En resumen, cada día me convenzo más que el universo tiene los días contados y con ello, nosotros también. Pero, ¡a quién le importa! No hemos venido a este mundo a sufrir, sino a gozar el sabroso bembé.

Por ejemplo, de que el continente americano fue poblado con hordas de humanos procedentes de Asia, eso ya lo sabíamos, no obstante, de lo que no estábamos enterados es de cuántas oleadas de hambrientos y malandrines asiáticos llegaron a este continente. O por lo menos, yo, no lo sabía. Y claro, lo que sí sabíamos era (o es) que nuestros antepasados asiáticos vinieron por el Estrecho de Bering. Ahora sé que los asiáticos vinieron en tres grandes oleadas a lo largo de 15,000 años.

Hubo una primera gran oleada y luego dos menores. No sé si mis antepasados vinieron en la primera, en la segunda o en la tercera. ¡Qué importa! La vaina es que me jodieron, porque ahora resulta que me hubiese gustado quedarme en Asia. ¿Por qué tuve yo que venir de polizonte en unos malditos genes que se americanizaron? No me parece. Un equipo de científico analizó cerca de 370,000 muestras de ADN de homínidos modernos que habitan desde Canadá hasta Chile.

Pero como nada es fácil, la investigación sobre las raíces de nuestros antepasados fue muy complicada debido a la fuerte mezcla de sangre entre indios americanos, europeos, africanos y hasta asiáticos modernos. No obstante, no en vano tenemos aparatos sofisticados y se logró aislar esos bichos contaminantes que no dejaban a los expertos analizar nuestro maldito ADN amerindio.  

Recién, hace cerca de 500 años, recibimos sangre europea y asiática, empero, nuestros primeros antepasados procedentes de Asia ya habían llegado al continente americano hace poco más de 15,000 años. Al principio, estos recios y valientes primeros pobladores se alimentaban de mamuts y de mastodontes.

Las pruebas de ADN hechas en 52 grupos de pobladores americanos originales demuestran que la gran mayoría de estos humanos vinieron en una primera oleada y que al poco tiempo se lograron instalar ya en su nuevo continente. Posteriormente, estos grupos empezaron a expandirse y a ocupar la mayor cantidad de lugares, total, espacio era lo que más había. En resumen, existen tres grandes líneas de origen que hicieron posible que este continente sea hoy esta tierra de locos, de nadie y de lo absurdo.

Bueno, no me queda otra  que aceptar que vengo de Asia. Ahora, por qué mis antepasados decidieron llegar acá a Perú. ¿Debo asumir que todos esos idiotas, caraduras, fanfarrones, tarados e ineptos que forman parte de lo que algún desadaptado nombra como “mis compatriotas” vinieron en una de esas oleadas? Para diferenciarme de ellos, ¿puedo decir que yo y mis antepasados vinimos en la primera oleada y que los anteriormente nombrados llegaron en la tercera oleada y que el clima los afectó? Por favor ¡díganme que sí! Así sea mentira, quiero creer eso, sino, entraré en una profunda depresión.

El descubrimiento del bosón de Higgs o de la también llamada “partícula de Dios” ha revolucionado el mundo científico. En Suiza se dio a conocer esta maravillosa noticia. Ahora el reto es saber qué se va a hacer con ese descubrimiento. Bueno, esa pregunta es para nosotros los cabrones ciudadanos de a pie. Los científicos ya saben qué deben hacer.

El modelo estándar para describir el mundo se basa en una caja de construcción compuesta por doce partículas elementales que son los componentes principales de todos los átomos y que hacen que tengamos la materia como base fundamental para todo. Cada una de esas partículas tiene una “anti partícula” con una carga eléctrica contraria. Dicho modelo era el que regía hasta hace poco, pese a que tenía algunas inconsistencias. Así por ejemplo, se tiene, en ese modelo, partículas que no tendrían masa, pese a que sin masa, todas las partículas podrían moverse tan rápido como la luz. Pero sin masa, no existirían los átomos, ni las estrellas y ni siquiera el hombre.

Pero, la realidad parecer ser otra. Para eso, el físico inglés Higgs y sus colegas crearon un mecanismo que permitía otorgarle una masa a estas partículas. Para entenderlo mejor, debemos alucinar una fiesta en la que aparece un personaje conocido. Los invitados forman el campo de Higgs. Si el personaje famoso quiere cruzar el ambiente, muchos de los invitados rodearán a la partícula (al bosón) y lo detendrán. De esta manera, la partícula ganará masa. El bosón de Higgs es entonces el rumor de que el famoso quiere cruzar el ambiente. Rápidamente las demás partículas se acercarán inmediatamente a él para evitar que se vaya. De esta manera, ese “rumor” se instala en todo el ambiente o en todo un espacio determinado y produce una aglomeración.

Entonces, para probar la existencia de este campo de Higgs, se debía descubrir al bosón. Y eso parece que ya se dio. No obstante, aún hay varias dudas por resolver. Una de ellas es la existencia de la llamada “materia oscura”, la cual sería responsable de casi el 20% del universo. El resto estaría formado por la “energía oscura” en su gran mayoría y por la materia normal en un 4 o 5%. Se sabe que esa materia oscura debe existir con una fuerza de atracción que determina su accionar. Así por ejemplo, las galaxias giran tan rápido que simplemente se dispersarían una de otras, si estuviesen compuestas por materia normal. Pero como no lo están, se mantienen todavía como estructuras que se rigen por las fuerzas de atracción presentes en la materia oscura.

Sin embargo, todavía no se ha podido observar la materia y la energía oscura. No se sabe cómo se podrían ver y para eso, este importante descubrimiento podría dar algunas luces. Para todas estas complejas mediciones, lo que se ha hecho, descrito de manera sencilla, es lo siguiente: se ha bombardeado protones con otras partículas para analizar lo que resulta de esas colisiones. Es como si se disparara pelotas de tenis rellenas de alverjitas. Es decir, no solo colisionan las pelotas, sino también todo lo que está en el interior. Producto de eso, surgen diversas fuerzas, campos eléctricos y magnéticos, reacciones y otros fenómenos que permiten entender mejor cómo es que está formado este maldito universo. Pero como no todo es color de rosa, aún está pendiente crear un acelerador para poder estudiar mejor el comportamiento de todas estas partículas, dentro de las cuales está el bosón de Higgs.  

Con esto, me queda claro lo siguiente: No somos nada.

No exagero cuando digo que, pese a sus casi 30 millones de habitantes, el DF (o distrito federal) me pareció más limpio, cuidado, moderno, acogedor y hospitalario que la pálida y sucia Lima. No estoy de acuerdo cuando se dice (aunque yo lo pensaba antes de viajar) que somos la misma vaina. Es cierto, a veces dicha frase es muy cierta, pero en general pienso que cada vez somos más distintos. Y tomando como ejemplo lo que he visto en la capital mexicana (claro, en el entendido de que era turista; que no visité la periferia ni los lugares “feos”; que estuve en días festivos —semana santa— cuando no había mucha gente en el DF; que recorrí y conocí muy poco de la ciudad —en cuanto a tiempo y a espacio— y que dada mi alergia social reciente que me aleja de las masas, solo entablé el mínimo contacto con los mexicanos; no puedo, lo sé, generalizar) estoy apto para poder afirmar, con temor a un apanado, que Lima es una ciudad de mierda (ya sé que si no me gusta, pues debo irme. Pero como dice el Negro Mama: “algún día”) y creo que algunos de sus habitantes son peor.

En mi defensa debo traer a colación algunos argumentos que sustentan mi afirmación. En primer lugar, en la ciudad que me vio nacer viven demasiados energúmenos que no tienen la menor consideración por los demás. Pienso que la “Ciudad de los Reyes” alberga a una inmensa fauna de gente egoísta, desconsiderada, grosera, cochina y conchuda. Esto es razón suficiente para que esta urbe sea considerada como poco amigable. Pero claro, acá vivo, así que por ahora, poco puedo hacer por acabar con eso. ¿Cómo puede uno explicarse los diversos sucesos que vemos a diario? La brutalidad de los choferes de combi por ganar pasajeros; los taxis que se meten por doquier sin respetar nada; la gente bruta que saca la mano en cualquier lugar para parar un taxi o combi y que estos paren sin pensar en el orden ni en el caos que ocasionan; la manera como los apacibles citadinos tocan la bocina; el hecho de que se suba una persona a un medio de transporte público con sus parlantes a todo volumen, se siente a tu costado y ponga su música sin importarle que a ti no te guste sin respetar el espacio público (¿qué es esa vaina?); la movilidad escolar que pasa a las 6.06 am tocando la bocina para que bajen las criaturas sin importarle los vecinos, cuando puede bajar a tocar el timbre; que el idiota del auto moderno pase con la música a todo volumen sin ningún miramiento; que la gente tire la basura por todos lados habiendo basureros (casi siempre); que la gente hable por celular en el cine y que te calle si les exiges que dejen de hablar; que no cedan el asiento en los buses; que se quieran colar en la cola; y otras, no son razón suficiente para preocuparse por esta ciudad infestada de malos elementos.

Pero regresando a México, el DF cuenta con un servicio de transporte público muy bien estructurado que está adaptado a una ciudad enorme. Ya con eso, me parece, nos lleva décadas de ventaja. Además, la gente allá sí quiere a su ciudad (y sí la siente como suya) y la respeta cuidándola. Eso ya es razón suficiente para que nos haga pensar un poco más sobre cómo nos comportamos. A eso debo decir que Lima está ya a punto de colapsar. Ya solo el tráfico infernal es algo que puede sacar de quicio a cualquiera, pero además lo peor es que el caos vehicular es peor, debido al comportamiento de la gente. Es cierto, la ciudad no está preparada para la avalancha de energúmenos (dentro de los cuales me incluyo) y de carros que circulan a diario, pero estaría menos jodida si no fuese por la gente inconsciente que cree que la calle es su chacra. En fin, ya no ahondaré más al respecto.

Pero bueno, debo también plasmar un par de cosas más para poder quedarme tranquilo. La comida mexicana no me gustó y no me convenció del todo por lo que me siento frustrado por eso. Además, sentí una silenciosa frustración por no haber encontrado buen chocolate y buen café. Eso me tiene hasta la fecha deprimido. Pero lo que más me ha causado algo de preocupación e incluso, ya con el tiempo, algo de sarcasmo es el hecho de que varios guías me hayan dicho que los mayas conocían la rueda pero que no la usaron porque, como tenía la forma del sol, no podían colocar nada encima de ella porque era algo sagrado. No puedo creerme ese cuento por más que intento. Quiero creer que es mentira, pero varios guías y personas en la zona de Chiapas me dijeron lo mismo. Estaré atento a los que quieren aclarar ese punto y lógicamente presentar la verdad (o lo más cercano a ella).  

Tal afirmación me ha dejado preocupado. No puedo creer que eso sea cierto y seguro muchos mexicanos lo van a desmentir. Me parece lo más razonable, pero me quedó un sabor agridulce tras dicha vehemencia. Seguro que tal afirmación de índole regional no es compartida por todos los demás, pero bueno, la dejo ahí por si acaso.

Igual me quedé fascinado del país de donde era mi abuela paterna. México lindo y querido, ya regresaré a tus fabulosas tierras tal vez para quedarme escapando del infierno limeño (y peruano). Prometo saborear con más calma tu comida, tomarme más tiempo para degustar tu café, deleitarme con tu cacao, pasear más por tus entrañas, escuchar tu música dejándome llevar por tus dulces, dolorosas y a la vez alegres melodías; y bueno, tengo tantos pendientes México que debo regresar a las buenas o a las malas.   

En una rebobinada musical me puse a escuchar un cd de Silvio Rodriguez, específicamente Días y Flores, y me detuve a reflexionar en la canción Sueño con Serpientes que empieza con una frase de Bertolt Brecht; esa que dice: “hay hombres que luchan… y bla bla bla” (para lo cual debo decir que, tras escuchar de nuevo un par de cd del cubano, su letra me parece panfletaria y sosa, pero ese es otro tema que no tocaré por ahora. Sin embargo debo decir que la calidad musical de Silvio es innegable). Y bueno, no sé si por una coincidencia propiciada por deidades paganas o por un acto inconsciente, acabo de terminar el libro de MVLL La orgía perpetua. Flaubert y Madame Bovary.

Así, en las últimas páginas del libro, MVLL analiza raudamente las comparaciones que siempre se han hecho (y que seguramente se siguen haciendo) entre Brecht y Flaubert. Me llamó la atención el hecho de que nuestro Nobel afirme que “… curiosamente, pese a representar cada uno dos extremos de la manera de entender la vocación del escritor y la naturaleza de la obra literaria, tienen, me parece, algo común: haber obtenido, cada cual, en su obra respectiva, en un caso más de contradicción entre intenciones y realizaciones de que está repleta la literatura, resultados opuestos a los que se propusieron al concebirlas”.

La comparación sigue su curso y me va tomando por sorpresa llegar a algo que, me parece, percibo en nuestra realidad. Veamos. Para MVLL, “… es difícil imaginar dos artistas más alérgicos uno al otro. El punto de partida tiene en los dos, sin embargo, algo similar: el odio al ‘burgués’. Pero es verdad que en Brecht burgués significa clase social explotadora, dueña de los medios de producción, y en Flaubert poco menos que sinónimo de hombre: la excepción son un puñado de escritores…”. MVLL califica luego a Brecht como “un ser de ideas sociales generosas, un hombre sensible a la injusticia (…) y también, un optimista: creía que esa situación podía cambiar con una revolución y que la literatura contribuiría al cambio abriendo los ojos y alertando la consciencias de la gente sobre la ‘verdad’”.

Por supuesto que con todo lo último que viene sucediendo en la sociedad peruana, todos son poseedores de la verdad, todos están o a favor o en contra, todos luchan por la razón y cada vez nos polarizamos más. Están los “defensores de todo” y los que “quieren todo”. Tenemos también los que a todo le buscan culpables para que se haga justicia y salvar sus almas; y a los que solo les queda defenderse. Tenemos de todo, pero siempre o de izquierda o de derecha; o de justo o de injusto; o de mafioso o de paladín de la decencia; o de aliancista o de crema; o de mafioso o de no mafioso; o de católico o de evangelista; y así una larga lista de extremos, cada cual convencido de tener la razón.

Sigue MVLL sobre Flaubert anotando que “… en cambio, era un profundo egoísta en lo que respecta a la injusticia social, y, a lo largo de su vida, no se preocupó sino de los problemas que atañían a su persona y la literatura (…) y en lo que se refiere a la historia era terriblemente pesimista: el futuro siempre sería peor que el presente, que era peor que el pasado y nada tenía remedio, lo que, por lo demás, tampoco le parecía injusto pues los hombres no se merecían otra cosa”. Leyendo lo que MVLL comenta sobre Flaubert, no me queda más que bendecir esas palabras pues pienso casi igual que el escritor francés. Así como se siguen dando las cosas en el planeta Perú, lleno de caudillos, de corruptos, de luchadores “sociales” con fines políticos y con hambrientos depredadores, no veo un panorama alentador. Pero sigamos viendo más sobre ambos escritores ya que MVLL afirma que “El democrático Brecht escribe una obra que, en la práctica, parece suponer el infantilismo o la ineptitud de su público: todo debe serle explicado y subrayado para no dar la menor oportunidad al equívoco, a la interpretación incorrecta (…) El ‘mensaje’ es impuesto al lector o espectador (…) sin dejarle escapatoria ni elección: la literatura resulta así, como las dictaduras, algo que no deja otra disyuntiva que el sometimiento o el rechazo totales”.

El peruano prosigue en relación al autor de Madame Bovary: “El despectivo Flaubert, en cambio, realizó una obra que en la práctica supone (en la medida que las exige) la adultez y la libertad del lector: si hay una verdad en la obra literaria (porque es posible que haya varias y contradictorias), se halla escondida, disuelta en el entramado de elementos que constituye la ficción, y le corresponde al lector descubrirla, sacar por su cuenta y riesgo las conclusiones éticas, sociales y filosóficas de la historia que el autor ha puesto ante sus ojos. El arte de Flaubert respeta por sobre todas las cosas la iniciativa del lector”. Al tratar de superponer estos temas en nuestra realidad siento el miedo que se cierne sobre mí porque no puedo ser objetivo (de hecho no lo soy) para poder intentar explicar alguna pincelada de nuestro comportamiento (tampoco es mi función) como “masa pensante”.

Sin embargo, la verdad es que por un lado me frustra no poder entender todas esas cosas que pasan por esta tierra; y por el otro, creo que es en vano hacerlo pues de nada sirve una interpretación sin la venia de los seres pensantes e intelectuales que rigen esta sociedad decrepita. Para rematar, MVLL sostiene en su ensayo que “La diferencia con Brecht es que en Flaubert la ideología es implícita a la ficción, una estructura conceptual que resulta de lo creado y nunca lo procede, algo que yace en lo profundo de la historia y frente a esa verdad sumergida el autor y el lector tienen los mismos derechos para bucear tras ella y sacarla a la luz. (…) Paradójicamente, el novelista que odiaba a los hombres concibió una literatura respetuosa del lector, en la que éste es tratado como un igual y comparte con el autor la tarea de acabar la obra descifrando su significado, y, en cambio el hombre que amaba al hombre (Brecht) concibió una literatura que implica desdén o, cuando menos, una tenaz desconfianza hacia el lector ya que únicamente exige de él obediencia y credulidad”.

Y así, tras perder de vista el fin original de estas líneas, pido, de manera anticipada, disculpas a las luminarias que todo saben y que siempre tienen respuesta para todo, por tremenda desfachatez mía de tocar un tema tan sensible como la eterna disputa entre los de izquierda y los de derecha. No quiero obligar al lector a que asuma una posición que ni yo mismo logro cristalizar en letras.

Pero sí debo decir que creo y asumo que mi mensaje va cargado de veneno para muchos de los reaccionarios modernos que solo se quejan e intentan imponer sus ideas a como de lugar. No obstante, también deseo disparar veneno contra los que intentan imponer sus intereses sin contemplaciones y sin miramiento alguno. Si hay algún otro mensaje que ustedes creen que yo intento decir entre líneas, por favor, adelante, tómenlo o rechácenlo. La verdad es que yo no tengo ni idea qué puede ser, pues hace rato que perdí el hilo conductor de este texto. Ustedes pueden interpretar lo escrito que como les dé la maldita gana, yo no impongo nada.

Mayo 2012

Por Enrique Angulo Pratolongo
Coordinador de Comunicaciones de ProNaturaleza*

Tras la Cumbre del Clima de la ONU**, celebrada en la ciudad sudafricana de Durban, quedan muchas incógnitas y desafíos por delante. Los ánimos están bajos y la percepción del sinsabor y de que no hemos alcanzado nada a nivel mundial para frenar el calentamiento global y por ende el cambio climático, llena de pesimismo a varios. Se tiene la apreciación genuina de que las grandes potencias han “huido” del Protocolo de Kyoto en vista de que no piensan detener su desarrollo. Seguir contaminando el medio ambiente, en una vorágine de crecimiento económico, sonaría lógico, ya que la única manera de tener industrias es emitiendo dióxido de carbono al medio ambiente (por lo menos de manera barata y cuando nadie te exige hacerlo de manera limpia).

La necesidad de un nuevo Protocolo de Kyoto es inminente, dado que es un hecho que el mundo no se detendrá en cuanto a su crecimiento económico y sobre todo, en lo que se refiere a más seres humanos. Un claro ejemplo de ello es China —convertida en el país que más CO2 emite en el planeta— que crece a pasos agigantados y que, según algunos, ya desplazó a Estados Unidos como primera potencia mundial. Asimismo, los otros países “emergentes” como India, Brasil e incluso la misma Sudáfrica no piensan firmar si no es que China y los Estados Unidos no se comprometen a estampar su firma, es decir, estamos frente a un “tira y jala” de nunca acabar.

¿Y todo esto, cómo influye en el Perú? Al parecer, lo único que nos queda es buscar acciones concretas y bien estudiadas para mitigar y adaptarnos al cambio climático, el cual ya estamos sintiendo y el que a su vez nos viene afectando (para bien o para mal). Nuestras emisiones de CO2 son ínfimas si las comparamos con otros países, por lo que, si bien también debemos pensar en reducir las emisiones de dióxido de carbono, más nos debe preocupar problemas como la desertificación y salinización de los suelos; la pérdida de glaciares; la escasez de agua; la deforestación, así como el avance no planificado de las poblaciones humanas y de actividades productivas mal manejadas como la agricultura, ganadería, pesca y otras.

Debemos pensar, como país, en políticas gubernamentales que incorporen medidas claves para buscar alternativas a los problemas arriba mencionados, los cuales se agudizan severamente con el cambio climático. Un tema primordial es el agua. Dada nuestra condición de país tropical con glaciares que se derriten progresivamente y de ser uno de los países que más sufrirán los embistes del calentamiento global, urge pensar en ello y ¡actuar! Si bien, escuchamos repetidamente que somos un país con una gran diversidad biológica y que debemos aprovechar la diversidad de productos naturales de los que disponemos, no olvidemos que el agua nos puede ser esquiva si no pensamos en ella como un recurso natural que debe ser conservado y manejado.

Así por ejemplo, toda el agua que discurre al mar, ya sea al Océano Pacífico o Atlántico, se pierde. Además, es un hecho de que el agua del subsuelo (de la napa freática) es cada vez más escasa (basta con ver el ejemplo, para los limeños, del valle del río Lurín), debido al uso excesivo de pozos y norias para riego y para el creciente consumo humano. No podemos quedarnos de brazos cruzados; el cambio climático ya está entre nosotros para quedarse. Por supuesto, no podemos entrar en pánico, ni echarle la culpa de casi todas nuestras desgracias, pero sí debemos asumir y reconocer que estamos aún muy pasivos frente a esta realidad y que si no tomamos al toro por las astas, este nos puede embestir con fatales consecuencias.

ProNaturaleza – Fundación Peruana para la Conservación de la Naturaleza es una organización privada sin fines de lucro fundada en 1984. Contribuimos a la conservación de la diversidad biológica del país e incentivamos el desarrollo de actividades amigables con el medio ambiente que garanticen una mejora de la calidad de vida de los pobladores de las zonas donde trabajamos. Apoyamos también la gestión de áreas naturales protegidas y el manejo de recursos naturales, fomentando actividades que demuestran que la conservación y el uso responsable de nuestra diversidad biológica pueden ir de la mano.

En el barrio más avezado de los Estados Unidos en el siglo XIX, Five Points en la naciente Nueva York, un testigo de la época describió así el ambiente que reinaba: “Los cerdos que deambulaban por las calles se deben sorprender de ver a los otros cerdos de dos patas caminando”. Este es el escenario en donde está ambientada la ultima película de Martin Scorsese: “Pandillas de Nueva York”. Nos referimos al punto en donde “América” nace, luego de verter en un mismo recipiente a los nativos descendientes de los ingleses, hordas de inmigrantes irlandeses, chinos trabajadores y disimulados, así como esclavos sueltos. Un barrio en donde el asesinato, alcoholismo, prostitución, violencia y maltrato son el pan de cada día.

Como muchos de los filmes de Scorsese, este se sitúa en su patria, aunque todo el escenario del barrio neoyorquino fue montado en Roma para los ocho meses de grabación. En alguna escena del principio vemos a Leonardo Di Caprio, prototipo del inmigrante irlandés perseguido, arrojar la Biblia al agua y como esta se sumerge teatralmente entre las aguas del mal. Esta escena puede ser interpretada, bajo una mirada psico-social, como el deseo irremediable de los irlandeses católicos de olvidar la religión de sus ancestros para asegurar su supervivencia en el nuevo mundo (aunque por otro lado, para sobrevivir, muchos se “metían a la religión”). En el fondo, es una trama histórica que incluye violencia y revancha política, así como la herencia del conflicto racial. Scorsese trata de documentar la arqueología de la violencia de la sociedad americana y lo logra acertadamente con esta cinta.

New York es en 1860 el mortero de muchas razas y culturas, en donde los nativos se defienden con infinita brutalidad ante la invasión europea. Bill the Butcher (Daniel Day-Lewis), “el carnicero” de porte casi satánico, es el líder de los nativos y el asesino del cabecilla de los irlandeses, el reverendo Vallon (Liam Neeson), padre de Amsterdam Vallon (Leonardo Di Caprio). Amsterdam es testigo del asesinato de su padre por parte de Bill. Su futura venganza, tras 16 años de ausencia en el barrio, impone el accionar de la película marcada por el enfrentamiento, la miseria y la corrupción. Entre Amsterdam y Bill se entremezcla la carterista Jenny Everdeane (Cameron Diaz), quien mantiene una pálida y curiosa relación con ambos pero sin darle un giro distinto a la trama en sí.

Estamos sin lugar a duda ante un film de violencia, en el que solo en un momento de la trama esta cesa. Los irlandeses se unen y se postran frente a su iglesia como muestra de resistencia con velas y niños de por medio. Luego, la brutalidad sigue su ruta desenfrenada entre cuchillos, machetes, dagas y otras armas blancas. La ambientación, perfectamente lograda, nos hace recordar a Charles Dickens y a sus esmerados relatos sobre la pobreza y la miseria humana. La cinta está dedicada al nacimiento de la nación americana cargada inevitablemente de un trasfondo político ante los hechos actuales y los del 11-S. Sin embargo, es posible afirmar que el film épico al estilo americano es una especie extinguida. Scorsese no lo cree así y nos lo demuestra con esta cinta. “Pandillas” es altamente recomendable donde verá al quizá futuro ganador de un Oscar por mejor actuación: Daniel Day-Lewis, sin desmerecer el trabajo de Di Caprio.

Diciembre 2003

El 2003 se puede convertir en un año catastrófico para muchos mortales. Con “The Matrix Revolutions” culminó la trilogía de los hermanos Wachowsky y en algunas semanas veremos la tercera parte de la saga de “El Señor de los anillos” y luego, ¿qué viene? (la ultima esperanza es el Episodio III de George Lucas). En 1999 se escribió parte de la historia del cine con la aparición de “The Matrix”, trasladándonos de la histeria colectiva de “La guerra de los mundos” de Orson Wells a la alucinante era de las computadoras, en donde el campo de batalla es el “ciberespacio”. En esta realidad se encuentran los humanos esclavizados, reclutados en una especie de almacén gigante con el único fin de alimentar de energía a las máquinas. En contraparte, se les ofrece un mundo virtual, el cual representa nuestra realidad: un gigantesco programa informático denominado Matrix.

En “Revoluciones” volvemos a encontrar a los carismáticos agentes de negro con lentes oscuros, vestimenta avantgarde y armas perfectamente cromadas. Dentro de ellos destaca el agente Smith (Hugo Weaving). Smith ya no es un agente más, ni un servidor de la fuerza del mal reinante, sino, se ha convertido salvajemente en un programa desenfrenado. En “Reloaded” se apreció como podía convertir a cualquiera en una copia fiel de él mismo. En “Revoluciones” nos muestra algo más. Ya no aparece en grupo, sino en batallones de Smiths, dispuesto a eliminar a Neo (Keanu Reeves), el Mesias, el Computer-Nerd. En “Revoluciones”, Smith puede introducirse en cualquiera que viva fuera del mundo artificial de la matriz. La “gran ciudad” digital que aparece en las dos primeras películas, ha sido colonizada por Smith de tal manera que ahora se ha convertido en “la ciudad de Smith”, en Smithopolis, Smith City, y con ella el film.

Durante la primera media hora los personajes del mundo real y virtual revolotean sin ninguna dirección y orientación pérdidos totalmente asegurándose el uno al otro de no tener la menor idea de nada. Solamente la fe en el Mesías es lo único que los mantiene unidos. Neo se encuentra sin embargo en coma y atrapado entre la matriz y el mundo real. Tras la corta aparición de “Merowinger” y de su acompañante Persephone (Monica Bellucci), Neo abandona el estado de coma y decide dirigirse al mundo de las maquinas para combatir junto con ellas al descontrolado Smith. Neo solicita a cambio de su ayuda, la paz entre las maquinas y los hombres. De los humanos no hay más que decir. Adicionalmente a estar vegetando en sus “plantaciones”, los humanos se hallan inmersos en una feroz lucha contra las máquinas. La humanidad está condenada a desaparecer si no llega la paz ofrecida por Neo, el Mesías, quien al igual que Jesús ofrece sacrificar su vida.

En “Revoluciones” persiste casi únicamente Smith tras su “industrialización”. Neo debe desaparecer a Smith, sin embargo, esto no es necesariamente la consecuencia final y necesaria de todo este embrollo. Al margen de esto, todo lo que tiene un principio debe tener un fin, esto justifica la desaparición de Neo, Smith y finalmente de toda la trilogía. Por esto, dentro del mundo real esperamos que nos quede ahorrado un cuarto capitulo, pese a que la pregunta de la niña a la pitonisa hace presumir algo distinto.

Al margen de todo, “Revoluciones” culmina con éxito la trilogía, pese a que el gran efecto, o la escena clave y grandiosa, no aparece. Este híbrido entre el maravilloso mundo digital y la base formada por algunos fascinantes diálogos intelectuales puede ser ensombrecido con la aparición de las escenas bombásticas de acción. La magnificencia de la primera parte no es alcanzada por “Recargado” ni por “Revoluciones”. Aquel que espera las respuestas al mundo de laberintos de “The Matrix”, puede resultar decepcionado. Los hermanos Wachowsky han logrado tras las pinceladas de críticas culturales un buen final agregándole una pizca de patriotismo y heroísmo.

Noviembre 2003

Las escenas que nos vienen a la mente de África están quizás pobladas de elefantes, cebras, leones y demás fieras en la amplia pradera africana. Imaginarnos a una familia alemana de origen judío en Kenia escapando del terror nazi en la Alemania de 1938, previa a la Segunda Guerra Mundial, es un poco difícil e inusual. La productora alemana Caroline Link nos ofrece la filmación del libro de Stefanie Zweig del mismo nombre (Nirgendwo In Afrika, En un lugar de África), el cual relata de manera cronológica, las peripecias, dificultades y facetas de un padre, madre e hija en el corazón de África.

Esta película ofrece una muy buena fotografía y la buena actuación de los personajes, en especial de la niña y del cocinero oriundo. Nos ubicamos en enero de 1938 en Alemania, en donde Jettel Redlich (Juliane Köhler), de origen judío, vive con su hija de cinco años Regina (Lea Kurka, después con doce años representada por Caroline Eckertz). Su esposo, el abogado Walter (Merab Ninidze) también de origen judío y por eso sin trabajo en la Alemania nazista, escapa a África vaticinando la debacle que se cierne ante el pueblo alemán.

Walter se instala en Kenia y trabaja para un inglés como ganadero. Desde África le sugiere a su mujer que abandone Alemania y que se vaya con él. Jettel y su hija emprenden el viaje al continente africano. Una vez que la familia se reúne en África deberá afrontar un cambio brusco de costumbres. El cocinero de la familia Owuor (Sidede Onyulo) se convertirá en un punto de referencia para la familia, en especial para Regina y servirá como nexo con el continente y sus costumbres.

El inicio de la guerra involucrará, pese a la distancia, pronto a la familia de distintas maneras. Por un lado, la incertidumbre de saber el porvenir de los familiares en su tierra natal, crea las primeras chispas en la relación. Por otro lado, la familia es llevada por el gobierno colonial de los británicos a un refugio especial, por ser alemanes, pese a que nadie apoya la política nazi y la guerra.

Esta entrega de la alemana Link resulta muy buena y no tiene nada que envidiarle a las producciones de Hollywood. Muy al contrario, este film plasma de manera grandiosa una historia tan real y humana. Link centra el desarrollo del film en las tres figuras principales. Las grandes luchas y debacles ocurren fuera de la pantalla y conlleva a concentrarnos en las luchas internas de la familia Redlich. Una de las trabas que la película supera exitosamente es lograr una ilación narrativa que pueda ser contada no como un anuncio turístico del continente (pese a la buena fotografía), sino como una historia real en un lugar exuberante. Los personajes no se convierten en entes aislados en una geografía extraña para ellos, sino, se integran de manera eficaz y armoniosa. La lección que aprende la familia de su experiencia africana se convierte en el reconocimiento de las mejores cualidades de dos civilizaciones distintas pero con un elemento común: la sobrevivencia, sorteando distintos cambios de rumbo y modos distintos de ver la realidad.

Los personajes deben superar las malas noticias procedentes de su tierra natal e interiorizar una vida más real ajena a los pormenores de la guerra. Un aspecto rescatable de esta historia radica en el cambio de percepción de Jettel. A su llegada registramos una arrogancia hacía los habitantes del continente, la cual desaparece con el tiempo a través de un mecanismo de integración social con los judíos exiliados procedentes de otras naciones (como Suiza).

Este film es recomendable por tratarse de una historia que no ahonda en un tratamiento psicológico de dos sociedades distintas y en la confrontación entre ellas, haciéndola demasiado profunda y pesada. Es un relato magistral que nos deja también un mensaje muy interesante. El hombre es un ser que se adapta a un sinfín de situaciones, rescatando lo mejor de ellas para asegurar su supervivencia pese a las adversidades y trabas culturales.

Esta facultad es socavada muchas veces por intereses particulares y con móviles destinados a mantener en la ignorancia y en la marginación a muchos. La última escena del filme contiene un pequeño dialogo sencillo pero profundo, en donde Jettel contempla a los vendedores ambulantes que merodean el tren. Ella le dice a la vendedora que no tiene dinero para comprarle una banana, pero que le apetecería bastante comer una, la mujer le responde entonces; si tienes hambre y deseas una, hay que darte la banana y se la da sin dudarlo un segundo. ¿Así de simple no debería ser siempre?

Agosto 2004

La última película de Steven Spielberg ha desatado una serie de críticas y comentarios de todos los calibres hacia él y su obra. Lo han tildado de provocador, de judío traidor y hasta de pacifista disfrazado. Sin embargo, Spielberg lanza al espacio a través de este film, la pregunta que intenta desentrañar hacia dónde conduce la violencia y si esta puede ser enfrentada únicamente con más violencia. En esta entrega no se aprecia, como en otras cintas de Spielberg, un happy end o un enemigo claramente definido, sino más bien la búsqueda de una explicación.

El conflicto entre Israel y Palestina es, creo yo, el caso que reúne una serie de elementos inciertos, incomparables e incongruentes entre sí, en todos los aspectos como ningún otro. Además, este intento de reconstrucción y análisis se presta para buscar un tipo de explicación que no puede dejar satisfecho a todos. Adicionalmente, tal cual como sucede en la vida real, cada uno tira para su lado y justifica su accionar según su conveniencia e intereses (uno de ellos puede ser la venganza).

Spielberg intenta agarrar al toro por las astas y contar esta trágica parte de la historia mundial de la manera más objetiva posible. Pero, ¿existe la objetividad? La respuesta está en la mente de cada uno de nosotros. Si debemos tomar partido por alguna de las partes, debemos conocer de cerca este problema histórico, cultural y religioso para obtener la mayor cantidad de elementos de juicio. Esta cinta es uno de ellos.

El secuestro de atletas israelíes dentro de la Villa Olímpica de Munich en 1972 por terroristas palestinos, desencadenó una presencia mundial del tema palestino en los medios de comunicación y la consiguiente atención de la opinión pública internacional. De esta manera, se origina un operativo israelí destinado a asesinar a los que planearon dicha acción terrorista. El líder del comando de cinco personas, es Avner (Eric Bana) y es designado por la Primer Ministro Israelí, Golda Meir (Lyn Cohen) y el Jefe del Servicio de Inteligencia, Ephraim (Geoffrey Rush).

Avner lidera un equipo de cuatro personas que no se conocen entre sí y con cuya ayuda deberá realizar su misión. Dicho equipo deberá “trabajar” sólo en países de Europa, evitando países comunistas e islámicos. La consigna es utilizar, en la medida de lo posible, bombas ya que llaman más la atención. Avner inicia su labor retomando contacto con antiguos conocidos para establecer, a través de ellos, los vínculos para ubicar a sus víctimas.

Es así como logra conocer al francés Louis (Mathieu Amalric), quien le ofrece una inesperada protección y las valiosas pistas para la caza. El clan familiar de Louis se encuentra entre los dos frentes y comercializa la información como unos efectivos y bien remunerados “dateros”. Este singular personaje nos demuestra el poder que proporciona disponer y manejar la información.

Llama la atención, pese a la eficacia del “team”, la inexperiencia de sus integrantes. Avner había sido anteriormente un guardaespaldas. El especialista en la construcción de bombas fungía, antes de trabajar con Avner, de desactivador de explosivos (sus bombas fallan en algunas ocasiones o tienen un efecto mayor del deseado). ¿Es creíble que un Servicio de Inteligencia organice un equipo “amateur”? Asimismo, parece sospechoso retractar a los terroristas como personas apacibles o padres de familia. “Munich” nos ofrece estas situaciones que durante el transcurso del film parecen pasar desapercibidas.
Spielberg no se concentra en los hechos ocurridos en la Villa Olímpica, sino que toma la lupa para analizar y describir el operativo de venganza de las fuerzas israelíes. En la narración aparecen los buenos y los malos entremezclándose por momentos, condicionándonos tal vez a tomar partido por alguno o incluso a sentir alguna simpatía por el comando israelí.

El director incluye una escena que corta con todo el hilo conductor de la narración y que parece escapársele de la mano, o al menos no logra su cometido. Mientras Avner se encuentra en el punto máximo del acto sexual con su esposa, se interponen en sus pensamientos las escenas de terror y sangre en el aeropuerto de Munich. Una escena macabra que pudo tal vez ser dejada de lado, pues no aporta nada.

Al final de la película apreciamos una conversación entre Avner y el contacto con el gobierno israelí. El fondo es Manhattan en el año 1973, el año en que se terminó las obras del World Trade Center. Tal vez resbala por ahí alguna insinuación a lo que ya todos conocemos: el 11-S (Nueva York, 2001), el 11-M (Madrid, 2004) y el 7-J (Londres, 2005). En especial, la escena parece anunciar el suceso que cambió el mundo: el ataque a las Torres Gemelas.

Munich es una buena película y merece ser vista. La actuación de Bana es buena, pero por momentos parece no convencer. Su mirada apuntando a la nada y dudosa ante toda situación, hace perder fuerza al argumento. Por otro lado, no deberíamos polemizar sobre el trasfondo ideológico y político, pues así se pierde mucha energía en encontrar una explicación (aunque de eso se trata). Algo rescatable de esta cinta es su capacidad de romper un poco el molde establecido por Hollywood de los buenos y malos. Algo difícil de encontrar en un mundo cada vez más polarizado, pero a la vez más cerca de todos.

Febrero 2005

A fines de la década de los ochenta, el caso de una asesina en serie acaparó las primeras planas de los diarios en los Estados Unidos y conmocionó a la opinión pública. Aileen Wournos, una prostituta callejera, asesinó a siete de sus clientes a sangre fría. Al momento de escuchar su sentencia, saltó de su asiento y despotricó contra los jueces injuriándoles que cómo se les ocurre mandar a la muerte a una mujer que fue violada por su padre cuando era niña. La productora Patty Jenkins debuta con este filme que retracta de manera verosímil la historia de esta asesina en serie de manera didáctica, sin muchos artificios ni voyeurismo.

Wournos fue calificada de “Monster” por los diarios sensacionalistas de la época, sin embargo, para Wournos, el único monstruo es el recuerdo de su espeluznante pasado. A Jenkins no le interesa indagar el motivo por el cual se convirtió en asesina. Su traumática infancia es tratada de manera muy superficial. Asimismo, Jenkins no apunta contra la sociedad americana que margina a sus ovejas negras y las mantiene como un estiércol, del cual hay que huir y mantenerlo marginado hasta su propia autodestrucción.

Aileen (Charlize Theron) aparece bajo el puente de una carretera ocultándose de la inclemencia de una feroz lluvia. También conocida como Lee, Aileen está a punto de quitarse la trágica vida de prostituta (empezó a los 16) al margen de la sociedad. Lee desiste y conoce a Selby (Cristina Ricci), una lesbiana incomprendida. Selby propicia un acercamiento con Lee, quien en un principio la rechaza hasta que, producto del alcohol, la desesperación y la búsqueda de calor, decide irse con ella, pese a no tener ninguna inclinación por las de su mismo sexo.

Para Lee está relación se convierte en la ultima esperanza de aferrarse a algo, es por eso que la asume con decisión e ímpetu. La prostituta de horribles facciones, obesa y de malograda dentadura se aferra a su nueva pareja con una fuerza casi varonil y machista. Lee le promete a Selby velar por ella y darle una vida holgada, llena de lujos, libre de toda persecución y con todo el amor necesario para su felicidad. Lee decide dejar su único oficio y conseguir un trabajo digno para llevar el pan a su impaciente amante. Esta búsqueda fracasa, pues Lee nunca terminó la escuela y se ve obligada a volver a ejercer de prostituta y soportar la humillación y maltrato por parte de sus clientes.

“Monster” es un buen filme pese a presentar algunas debilidades en cuanto al manejo del ritmo, el cual se pierde tras el acercamiento de Lee a Selby, centrándose casi exclusivamente en Lee y en su transformación anormal. La apreciamos con un caminar típico parecido al de los cowboy, símbolo inequívoco de los denominados “white trash”.

Un aspecto interesante del film radica en la figura de Selby, a quien no se le puede creer totalmente en esa faceta de simple expectante exigiendo más atención por parte de su amante y ofreciendo una imagen ambigua ante las circunstancias, ocasionando en el espectador una cierta duda a la verosimilitud de su rol. El largometraje intenta una ligera insinuación a arrancarnos una cierta simpatía por la asesina, ensayando quizá una explicación sociológica de su comportamiento demencial. El amor lésbico no se convierte en escándalo como es representado en los medios, sino una manera de saciar el hambre de amor ante la terrible situación personal de marginación y de desesperanza.

En resumidas cuentas, “Monster” es una película con ciertas debilidades pero que vale la pena ser vista con las ganas de querer informarse sobre la vida de esta asesina en serie. No debemos esperar un análisis sociológico ni psicológico de este sonado caso. Charlize Theron recibió el Oscar por su apreciable transformación el 2004, Aileen Wournos recibió la inyección letal en octubre del 2002. El espectador puede recibir una historia simple, en la cual resalta únicamente la actuación de Theron. No debemos tocarle la cara cubierta por make-up para descubrir que se trata de una de las actrices más bellas del momento y no de un monstruo.

Abril 2004

La ganadora del Premio Nobel de Literatura de este año, la escritora austriaca Elfriede Jelinek comentó en alguna ocasión: “Desde que terminé con mi familia, nunca más quise tener algo que ver con la gente”. No sé si Almodóvar conozca esta frase, sin embargo, me parece que de alguna manera la aplicó en su última entrega reemplazando la familia por la educación.

A diferencia de sus ultimas producciones con importantes personajes femeninos (Cecilia Roth, Penélope Cruz, Rosario Flores, Marisa Paredes y Antonia San Juan, por mencionar algunas), si apreciamos detenidamente los créditos iniciales de “La mala educación”, vemos que todos los protagonistas son hombres. Esto nos hace presumir una película sobre la homosexualidad o en esa línea. No es una expresión prejuiciosa, pero conociendo a Pedro Almodóvar se hace fácilmente deducible y en este caso no nos equivocamos.

Almodóvar obtuvo en 1999 un Oscar por el mejor film extranjero con “Todo sobre mi madre” y en el 2002 otra estatuilla por el guión de “Hable con ella”, además de numerosos premios en festivales como el de Cannes, Nueva Delhi, Venecia, San Remo, Berlín, etc. El director manchego ha confirmado ser un excelente productor que camina muy tranquilo y a gusto entre las fronteras del arte, la confusión, el drama y el cliché. Esta facilidad hace que podamos catalogarlo como un excéntrico y un maniático de los detalles.

Es también notoria su fijación extrema por los personajes, a los cuales los induce magistralmente a una metamorfosis para mostrar un mundo de sátira, drama, comedia e historias sexuales de todo tipo (últimamente, de preferencia homosexuales) con extraordinaria credibilidad y sobre todo tremendamente humanas. Y es que así de fatal puede ser la naturaleza humana. Almodóvar nos lo recuerda y nos lo refriega en la cara. El director español presenta un collage bien logrado del ser humano y de distintos aspectos que pueden resultar incómodos, pero no por eso dejan de ser parte de nuestra sociedad y estar más cerca de lo que muchos quizá imaginamos.

En esta última producción encontramos una trama bastante confusa y por momentos casi disparatada pero que en su conjunto está bien lograda, salvo quizá la última parte del relato que se vuelve un poco lenta.

La historia ocurre en la España de principios de los años ochenta, periodo de la “movida”. El productor Enrique (Fele Martínez) se rompe la cabeza eligiendo alguna historia de los periódicos para su nuevo film cuando aparece Ignacio (Gael García Bernal), el que fue su mejor amigo en el colegio y su primer amor también. Ignacio es ahora actor bajo el nombre artístico de Ángel y se encuentra buscando trabajo. Pero Ángel no llega con las manos vacías y le ofrece a Enrique una historia titulada “La visita”, que narra la infancia en común de los dos, durante la cual aflora el amor entre ellos y su afición mutua por el cine (uno de los refugios perfectos para sus experiencias sensoriales).

Enrique ha encontrado su historia y Ángel su papel y así surge un juego erótico de seducción y atracción mutua. Otras historias paralelas aparecen y se entremezclan para un final desconcertante. En la segunda mitad del film se produce un asesinato que le da un giro distinto (casi a lo Hitchcock.) a la verdadera historia. Tras este giro, la trama pierde un poco en fuerza y los roles empiezan a confundirse y a entreverarse. Asimismo, los misterios que Almodóvar nos tenía reservados empiezan, tras confirmadas especulaciones, sutilmente a resolverse. El desenlace no es quizá el deseado dejándonos un sabor agridulce.

Almodóvar juega a presentarnos una historia de amor, deseo, maltrato y muerte con una técnica muy buena que maneja tres y hasta cuatro coordenadas de tiempo e incluso con una película dentro de la película. La búsqueda de creatividad, identidad y de la misma personalidad es el “Leitmotiv” de esta entrega que utiliza la homosexualidad como un artificio verdadero y posible, quizá producto de su propia experiencia personal (así como lo son sus años en un colegio religioso). Igualmente se puede establecer un motivo autobiográfico resumido de su experiencia como productor en los años ochenta. Es por estas dos razones que encontramos un Alter Ego bañado con un singular ingrediente de ironía, erotismo, sátira y perfecta sensibilidad.

“La mala educación” es una película altamente recomendable capaz de mostrarnos una realidad semejante a una hermosa rosa con una espina ponzoñosa aniquiladora, capaz de rematar hasta al más resistente y macho. Al inicio, en la búsqueda de algún tema para una de sus obras, el productor Enrique reflexiona sobre la noticia de una mujer que se arroja a una fosa llena de cocodrilos y es devorada por estos sin chistar. Pese a la tremenda violencia de la escena, presume que la desdichada señora gozaba silenciosamente de sus últimos minutos. Esta escena puede reflejar quizá la situación de los involucrados en una relación tormentosa, pasional, de entrega y sacrificio, llena de dolor y desesperanza. Eso es lo que prima a veces en nuestra sociedad. Vayan a verla, de hecho no se van a arrepentir.

Octubre 2004

La última entrega del director Sydney Pollack presenta una peculiaridad. Este es el primer film que se graba en el edificio de las Naciones Unidas. El permiso provino del mismísimo Secretario General de la ONU, Kofi Annan, tras haber recibido el visto bueno de los 15 miembros del Consejo de Seguridad. Los dos protagonistas; Nicole Kidman y Sean Penn convencen, sin embargo, prevalece la sensación de que hubiesen podido dar mucho más.

Es necesario mantenerse bien atento para seguir el hilo conductor. El film se inicia en un estadio vacío y en un país africano ficticio. El estadio representa de manera clara una crítica severa a los regimenes totalitarios (se nos viene a la memoria algunos países vecinos y por qué no el nuestro). En él vemos a unos niños jugando, los mismo que demostrarían luego qué tipo de educación reciben y en qué condiciones viven. Aquellos son educados (o entrenados) solo para servir en guerras civiles sin solución como sucede aún en estos días. Si bien esto se da en un país africano, pudo haberse dado en alguna republica “bananera” de nuestro querido continente.

Silvia Broome (Nicole Kidman) es una intérprete en la ONU que nació y se crió en África. Estudió en Europa, domina varios idiomas y algunos dialectos africanos. Tras una alarma de bomba en el edificio de la ONU (esto demuestra la paranoia con la que viven los vecinos del norte) y el desalojo de todos los presentes, Silvia regresa a recoger su bolso. Es ahí cuando escucha de casualidad una conversación entre susurros que planea la muerte de Zuwanie, el Presidente del país africano donde Silvia pasó su infancia.

El detective designado para la seguridad del Presidente Zuwanie, Tobin Keller (Sean Penn) debe confrontar a Silvia por lo que ella escuchó. Keller desconfía plenamente de Silvia, sin embargo, con el desarrollo del film, se convertirá en su protector. Los hechos se tornan más complicados con cada escena. Silvia es amedrentada y perseguida. Su vida corre peligro. Mientras el detective se encarga de protegerla y rebusca en su pasado, Keller presume que Silvia está involucrada en el asesinato del presidente africano.

Silvia es una joven que cambió las armas por las palabras. Según su punto de vista, ella trabaja justamente en la ONU como interprete ya que piensa que existen conflictos debido a la mala comunicación y a la fallida traducción de los mensajes que existe entre los pueblos. Una visión un poco simplista de las cosas. Diplomacia en vez de guerras. Si así de fácil fuese todo esto, no habrían tantos conflictos. Eso queda a juicio personal.

El final de la película es un poco débil. La forma como se resuelve el asesinato nos hace recordar a las típicas películas de Hollywood. La manera conciliadora como se muestra la política exterior de los EEUU no convence y menos nos convence la ONU. Los diálogos entre Penn y Kidman son interesantes ya que es una discusión sobre determinados puntos de vista que le dan a la historia diferentes matices de interpretación. A ambos les aqueja la pena de haber perdido un ser querido. Este factor hace que ambos personajes con el tiempo se vayan compenetrando.

En una de las conversaciones entre los personajes, Silvia le hace referencia al detective Keller de una palabra en el dialecto africano: “kepela” que significa estar al otro lado del río. Esta idea nos hace reflexionar sobre la necesidad de definir en qué lado del río nos encontramos y si deseamos cambiar de orilla para bien (o para mal). No podemos actuar de manera ambivalente. Esta palabrita puede a su vez hacernos pensar en lo que dijo el “redentor” Bush: o están conmigo o están contra mí. Esto también queda a juicio personal, sino, no termino nunca esta crítica.

En resumidas cuentas, la cinta vale la pena. Penn y Kidman actúan muy bien (insisto en que se les pudo haber exigido más) y nos ofrecen interesantes diálogos que no son solo complementos a las escenas de intriga y terror. Otro punto a favor es que no hay buenos ni malos a diferencia de lo que estamos acostumbrados. Los personajes obedecen a diferentes circunstancias, algo rescatable en esta buena obra.

Junio 2005

La última entrega del director Rob Marshall, basada en el bestseller de Arthur Golden del mismo nombre, es un film que al anunciarse parece grandioso y majestuoso, sin embargo, no llega a convencernos del todo. El misterioso y fascinante mundo que ofrece las condiciones para el surgimiento de estas doncellas que dominan las artes de satisfacer a los hombres, queda a un lado. Si bien la película fue producida por el renombrado Steven Spielberg y nos muestra bellos escenarios, así como un excepcional vestuario y maquillaje, no satisface la expectativa que había generado en nuestra cartelera.

La historia de una exitosa japonesa es representada por una actriz china, lo cual causó más de un problema. En los círculos de Internet se realizó una vasta campaña nacionalista en rechazo a la representación de un personaje japonés a cargo de una renombrada actriz china. Esta inconcebible figura para la República Popular, ocasionó que las autoridades prohíban su proyección en el territorio de la Gran Muralla. El Gobierno proclamaba que de proyectarse la cinta, esta podría desencadenar algunos sentimientos contra el Japón. Sin embargo, la versión DVD aparecida en las tiendas de Beijing se agotó como pan caliente.

La narración se inicia en algún pueblo de pescadores de la costa japonesa alrededor de los años treinta. En una de las casas apreciamos a dos pequeñas escondidas, espiando la conversación que tiene su padre con un extraño, mientras la madre se encuentra moribunda en cama. Minutos después, las dos niñas son transportadas en la carroza del desconocido visitante entre las lágrimas y los quejidos de ambas, pues temen ser separadas para siempre.

Tras estas escenas, presenciamos la historia de una de las hermanas, Chiyo (representada como niña por Suzuka Ohgo) quien es obligada a trabajar como doméstica en la casa de la conocida Geisha, Hatsumono (Gong Li). Durante toda esa estadía, tendrá que afrontar las intrigas y conflictos que desata Hatsumono, hasta que por casualidad se topa con un reconocido empresario (Ken Watanabe). Dicho encuentro cambiaría su destino.

La tensión aumenta con la transformación de Chiyo; de una simple sirvienta a una celebrada y cotizada Geisha, conocida luego como Sayuri. Esta transformación es bien lograda, ya que podemos apreciar los cambios externos e internos que supone convertirse en tan aclamada figura. Una Geisha puede dominar al hombre como a ella le plazca, pues conoce casi a la perfección las pasiones y sentimientos de sus futuros clientes y sabe cómo tenerlos, a través de la seducción, a sus pies.

Los renombrados actores de esta cinta luchan para ofrecer al espectador ese mundo exótico y lleno de detalles. Sin embargo, el film ofrece la impresión de que el director se dedica a ahondar en otros aspectos, tales como mostrar el renacimiento del Japón antes de la guerra. Esa construcción coloca a los actores en un segundo plano y puede llegar a aburrir al espectador, pues por momentos parece una exhibición de diseños y no de la crónica de una transformación.

El film parece desperdiciar la posibilidad de explotar la historia de una mujer como Sayuri, en una sociedad patriarcal y con las condiciones que forman ese universo complejo, difícil de entender, pero que no deja de ser fascinante. Así, nos queda también la sensación de presenciar la historia de una niña que quería ser Geisha a toda costa para impresionar al hombre del que se hallaba totalmente enamorada.

Los miedos y el lado oscuro de su “profesión” quedan de lado. Empero, percibimos un desfile de glamour, así como de vestimentas, que si bien no dejan de ser interesantes, son sólo una parte del misterioso mundo de las Geishas y de la cultura del país del sol naciente.

La reacción que generó este film en China parece graficar de alguna manera las tendencias actuales. El país de Mao atraviesa por un boom y crecimiento industrial imparable de la mano de un impensable —hasta hace unas décadas— capitalismo. Mientras, el Partido Comunista intenta de manera desesperada frenar el avance cultural que trae consigo la economía de mercado y sus posibles transformaciones. Esto, al parecer, sin mucho éxito, como lo demuestra la demanda de esta cinta en el país más poblado del mundo.

En resumen, esta cinta es interesante, en especial para los que gustan de las tradiciones japonesas, sin embargo, no logra escarbar en la psicología, ni en el difícil mosaico de la sociedad nipona. La aparición de Memorias de una Geisha nos ofrece una pequeña reflexión en base a la libertad de expresión, ya que en China muchos comentaristas han ido a parar a la cárcel por difundir sus ideas. Pese a todo, el público está dispuesto a apreciar la cinta, desafiando las posibles consecuencias. Asimismo, osados periodistas han dado sus impresiones y comentarios sobre el film, pese a la represión.

Hace unos meses, cuando el buscador Google inauguró su página web en chino, el Gobierno censuró palabras “críticas” como democracia y derechos humanos. Antes de ello, las autoridades bloquearon el diccionario virtual “Wikipedia”. Pero para entender la actual situación, necesitamos remontarnos al pasado y entender sus distintos componentes, esta cinta es una buena oportunidad.

Abril 2006

Para dar el gran golpe se necesita tener ingenio matemático, agudeza, muchas agallas y, definitivamente, contar con la lealtad de todos los cómplices. En este caso el plan no tenía fallas, era perfecto y habían pensado hasta en el más mínimo detalle. Todo salió muy bien, el robo y el escape se ejecutaron a la perfección... salvo un pequeño detalle. Justamente ahí es que se origina el trama de “La Estafa Maestra”.

Este filme es uno de esos muy particulares casos en que el “remake” es mejor que el original y ello se debe al acertado manejo de secuencias de acción, combinadas con suspenso, chispazos de humor y una notable sofisticación, proveniente sin duda, del director F. Gary Gray.

Basada en la cinta del mismo nombre (The Italian Job) que en 1969 protagonizaran Michael Caine y Noel Coward, esta nueva versión incorpora los populares autos Mini Coopers. Estos, además de ser las “otras” estrellas del largometraje, se convierten en los únicos personajes que pueden lograr grandes velocidades en los inaccesibles túneles del metro de Los Angeles.

En la romántica y bella Venecia, cuando para felicidad de los locales se han ido ya la tormentosa masa de turistas, se produce un robo perfecto comandado por el ladrón profesional Charlie Crocker (Mark Wahlberg), director y cerebro de la banda. Cada uno de los miembros aporta sus “cualidades” para el robo: un veterano experto en abrir cajas fuertes, John Bridger (Donald Sutherland), el informante, Steve (Edward Norton), el experto en explosivos, Left-Ear (Mos Def), el corredor de autos, Handsome Rob (Jason Statham) y el genio de las computadoras, Lyle (Seth Green). Tras la fuga y prontos a la repartición del botín son traicionados por uno de los miembros quien desaparece con todo el botín. El objetivo siguiente es la venganza y la recuperación del preciado tesoro. Para esta misión se incorpora a la banda Stella (Charlizze Theron), una ladrona de cajas fuertes con nervios de acero.

Cubiertos de una capa de “gracia”, Croker y su grupo son presentados como los “buenos” de la película y como las víctimas de una traición, renuentes a utilizar armas en sus atracos. Esto puede llevarnos a idealizarlos como los chicos buenos, simpáticos e inteligentes, dejando en un segundo plano la maldad intrínseca de un delito grave como es el robo, así como el móvil de la venganza que puede impulsar a medidas violentas y descabelladas.

Estamos frente a un film con un estupendo manejo de las secuencias de acción combinadas con suspenso y sofisticación por parte de su director. El film es recomendable y puede quizá permitirnos pasar un momento grato sin pensar en los problemas cotidianos y más bien ofrecernos la manera perfecta de realizar un atraco de está índole. Si bien en nuestra querida capital esto sería imposible debido al caos vehicular, soñar no cuesta nada.

Setiembre 2003

Hollywood nos mantiene últimamente oscilando entre algunos “remakes” (Godzilla, Batman, Charlie y la fabrica de chocolates) y nuevas historias, lo que denota una cierta crisis de imaginación en la meca del cine, sin nombrar su actual disputa a muerte contra el DVD. Con “King Kong” llega un mito a su final y en contradicción con el propio “remake”, este film narra la aventura de una iniciativa por filmar algo nuevo y desconocido, sin contar que un personaje de casi siete metros de altura, cuatro toneladas de peso y valorizado en 207 millones de dólares, se cruzaría violentamente en el camino. El realizador neozelandés Peter Jackson nos entrega una cinta muy bien lograda y nos sumerge en ese mundo fantástico al cual ya nos acostumbró con su trilogía de “El Señor de los Anillos”.

Ubiquémonos en el año 1933 en Nueva York durante la época de la “Gran Depresión” y de la Ley Seca. Las imágenes nos sitúan en esos años de desesperación donde solo unos cuantos sobreviven y los otros deambulan sumergidos en la inagotable lucha diaria por sobrevivir. La fotografía nos muestra, a través de los cielos nublados y grises, las calles abarrotadas de basura y mendigos recolectores de lo que sea para saciar el hambre, es decir, el perfecto escenario para entender la desazón reinante en la “Gran Manzana”. La actriz de cabaret, Ann Darrow (Naomi Watts) acaba de perder su trabajo y camina hambrienta por las calles, hasta que se topa con el productor, Carl Denham (Jack Black) quien justamente está buscando a la protagonista de la película que rodará en una isla misteriosa en el Océano Atlántico. Luego de convencerla, parten esa misma noche.

Al llegar a la isla e intentar filmar todo ese mundo desconocido, el productor y su gente se enfrentarán a diversos peligros y al gran “Kong”. Este enorme simio es casi imbatible, sin embargo, la astucia del hombre parece siempre primar, sino para qué llevar en un barco botellas de cloroformo si no es para cazar animales y bestias. Luego de narcotizar a “King Kong” y llevarlo a New York (¿Cómo? el film no lo revela) el gran simio se liberará de sus cadenas e irá en busca de su amada, la encantadora Naomi.

Un aspecto de la película que satura un poco y nos trae a la mente escenas similares a las de Jurassic Park, es la persecución de un grupo de pacíficos dinosaurios por unos avezados saurios carnívoros, mientras los humanos se confunden entre las bestias. Por un lado, nos hace entender que esta cinta se basa casi en su totalidad de efectos especiales, y por el otro nos vuelve a mostrar qué tan insignificante fue, es y será el hombre ante la naturaleza.

Jackson le da al gran rey de los monos una personalidad casi humana. Esta característica se aprecia claramente cuando se ve al gran simio con su amada mirando la puesta del sol y viviendo un idilio en plena jungla. También la vemos cuando “Kong”, ya cansado y sobre el Empire State, decide dejar esa inútil situación ante la conducta belicosa del humano civilizado.

Una de las escenas que refleja (quizás sin querer) una ley imperante en la tupida selva (y en todas las sociedades humanas) es aquella que muestra a la bella blonda cuando huye de una especie de iguana carnívora gigante y se refugia bajo un tronco húmedo. Ahí se aparece un ciempiés de espantosa proporción mientras la iguana acecha a la rubia. Segundos después, la iguana cazadora se convierte en presa de un Tyrannosauros Rex: el más grande caza al más pequeño. La heroína huye y se refugia en un acantilado sin percatarse que algo similar a una roca que pasa desapercibida, es nada menos que otro simpático Tyrannosauros. En ese momento, quién más podría aparecer que no sea “King Kong”, el ser supremo y dominante de la isla. Siempre hay un ser vivo en la cúspide de la pirámide, esta isla no es la excepción.

“King Kong” es un simio con rasgos humanos en un mundo digital que no nos ofrece un elemento cultural rescatable, ni una naturaleza real, únicamente nos entornilla en un escenario al que somos definitivamente ajenos y en el cual solo podemos ser tácitos espectadores. No podemos ser parte de esa interpretación —bien manejada por Jackson— y a la que le ha sabido inyectar rasgos emocionales. Solo podemos ser meros espectadores. Esto radica en gran parte, en el uso casi exclusivo de los efectos especiales. El simple espectador queda en medio de dos mundos: el virtual y el real, anonadado tal vez en simple compañía de su mente voladora, de su canchita y de su gaseosa (el film dura tres horas, ¡asegúrense!), con la única posibilidad de admirar lo que se puede crear.

En esta cinta no muere la libertad o el lado salvaje de la civilización, solo muere un gorila que puede llegar a ser agradable: “Kong”. Un héroe del cine que aún puede luchar con sus propias manos y que tal vez esté en la condición de amar a una humana. Lamentablemente, esta figura es sólo una animación digital. Pese a esto, deben existir héroes de carne y hueso, ¿o es que tenemos que recurrir siempre a la imaginación?

Vayan a ver “King Kong” es una buena película. Es muy rescatable la actuación de Jack Black y de Naomi Watts. Aunque no lo nombré, también actúa Adrien Brody, ganador del Oscar por su excelente interpretación en “El Pianista”, quien en esta cinta pasa un tanto desapercibido. Hace unos días escuché en la radio que Jack Black se “loqueó” durante las grabaciones de esta cinta, pues entró en un estado de excitación y delirio. Seguramente pocos entenderían el por qué de esa situación, sin embargo, que más delirante puede ser enfrentar al rey de los simios, casi tan humano como uno mismo pero que no existe, pese a que lo hacemos existir. Cosa de locos.

Enero 2006

Hoy en día es muy difícil coparse con un film de suspenso realmente bueno. La gran mayoría utiliza escenarios bien logrados e increíbles efectos, sin embargo, la trama es muy predecible y deja mucho que desear. “Identidad” nos demuestra lo contrario. Lo que da la impresión de comenzar como una serie de asesinatos en serie en una noche de lluvia, se convierte hacía el final en un “ah! así es esto entonces”.

El director James Mangold impulsó a la joven Angeline Jolie a un Oscar por su trabajo en “Girl interrupted”, asimismo le pudo dar a Silvester Stallone en “Cop Land” una oportunidad para que luzca algunas cualidades actorales, quizá las únicas y ultimas para el actor de Rambo. El productor norteamericano es considerado como uno de los mejores dentro del género. Su última obra, “Identidad”, un thriller psicológico de horror nos lo demuestra. La escenificación está muy bien lograda y destaca un guión inteligente apoyado en un buen reparto y en destacadas actuaciones.

La suerte, o más bien un diluvio apocalíptico, obliga a un grupo de diez personas a refugiarse en un motel en el desierto de Nevada. Todas las vías de acceso se encuentran cerradas por el torrencial y todo tipo de comunicación es imposible a causa del mal tiempo. Una serie de hechos casuales desencadena un accidente en la carretera luego de que una pareja con su hijo se detuviera a arreglar la llanta baja de su automóvil.

La madre es embestida por otro auto conducido por el chofer de una actriz, Ed (John Cusack), la víctima es conducida al motel. Una pareja de recién casados y la prostituta Paris (Amanda Peet) son los siguientes en llegar. Como último huésped llega el policía Rhodes (Ray Liotta) con un preso como acompañante, el cual debería ser trasladado a la cárcel. Los problemas empiezan cuando el preso escapa del control del policía y Ed encuentra en la lavadora la cabeza de su empleadora.

En una primera impresión la trama de “Identidad” puede ser la de un film como cualquiera de este género, sin embargo, los fantásticos pequeños saltos de imágenes en una secuencia lógica temporal, demuestran la calidad de Mangold, manteniendo al espectador pendiente del doble juego de confusión y suspenso. Conforme avanzan las dos tramas y se entrecruzan, resaltando el accionar del asesino en serie, la cinta se vuelve más lograda permitiéndonos apreciar la exactitud detallista de Michael Cooney, autor del libro en el que se basa la película.

Tras los dos tercios del film, Mangold nos desvela el misterio dándole un giro distinto pero no totalmente pues aún no sabemos con exactitud qué es lo que está sucediendo. Los personajes empiezan a tambalearse en su integridad sin llegar a someterse a tanto misterio. Conforme avanzamos, logramos juntar las piezas del rompecabezas para desentrañar todo el misterio, el cual se resuelve prácticamente en la última escena.

“Identidad” es un film muy recomendable, el cual nos depara momentos de tensión, nos hace pensar, racionar, adelantarnos a los hechos y nos invita a verla por segunda vez para fijar alguna escena y poder analizarla a cabalidad. Felizmente el verano se aproxima y las “lluvias” limeñas se alejan. Un consejo: cargue bien su celular si sale fuera de Lima.

Febrero 2005

La concepción de convivir con robots (término que proviene del vocablo checo “robotnik”: servidor) que se adapten a las necesidades de sus dueños, que planchen, cocinen, hagan las compras y hasta saquen a pasear a sus mascotas, no deja de tener algo de seducción para los humanos. En el film de Alex Proyas, un gran consorcio produce y distribuye en la mayoría de hogares de los Estados Unidos los robots multifuncionales de apariencia casi humana. Estos son producidos en serie bajo el modelo NS-4 y son un híbrido entre empleados del hogar, portero y mascota. Esta inusual fantasía es una reproducción de los relatos producidos por Isaac Asimov en 1950 adaptados para el cine.

En el año 2035, casi cada familia cuenta con uno de estos multifacéticos robots, los cuales son como un miembro más de la familia. Su inteligencia es simulada y controlada, a fin de evitar que cometan algún error o tomen una decisión de fatales consecuencias. Para resguardar su comportamiento, el Dr. Alfred Lanning (James Cromwell) inventó e impuso las tres leyes de la robótica. Las leyes funcionaban al parecer a la perfección, pues nunca se reportó algún incidente que lamentar. Pero justamente el Dr. Lanning muere en circunstancias extrañas.

Todo apuntaba a que se trataba de un suicidio, sin embargo, antes de su muerte el doctor dejó un mensaje al detective Spooner (Will Smith) que en realidad trajo consigo más preguntas que respuestas. El detective es quizás la única persona que cuestionaba la relación tan cercana de los humanos con los robots. Así, al iniciar las investigaciones, el detective encuentra al prototipo de robot de la nueva serie NS-5 en la habitación del doctor, con lo cual se inicia la intriga. Serán las tres leyes de la robótica quizá no tan perfectas, tal como lo asegura Lawrence Robertson (Bruce Greenwood), dueño del gigantesco consorcio que produce a los cuestionados androides. O tal vez existe una tercera mano en este juego.

Al detective Spooner se le asigna la científica Susan Calvin (Bridget Moynahan) y ambos deberán empezar a armar el rompecabezas tras la misteriosa muerte. La historia nos proporciona el asidero mínimo para plantearnos varias preguntas; tales como: ¿Cuánto poder se le debe asignar a una maquina?, ¿Hasta dónde se puede promover la investigación en este campo? ¿Lo moderno significa automáticamente lo óptimo? ¿Tienen los robos derechos y deberes? Quizás no lleguemos a responder estas preguntas tras ver este film, sin embargo, en la búsqueda de un “yo” para las maquinas queda siempre está reflexión.

En la entrega de Alex Proyas no se ahonda en el contenido, como quizá debería ser, sino más bien, la cinta ofrece escenas de acción, comentarios sosos, un héroe “cool” y una pincelada de romance. Estos elementos infaltables en el cine actual deben de estar presentes para poder encontrar dichos enlatados en Blockbuster. Pese a la buena actuación de Smith como el detective casi aislado e incomprendido, la verdadera estrella es el robot Sonny, algo similar quizá al Gollum del Señor de los Anillos.

En algunas escenas este robot presenta mucha más carisma que el propio Smith. No obstante, la película ofrece buenas escenas y efectos especiales, pero después de haber visto las otras producciones de Proyas, como “The Crow” y “Dark City”, no podemos esperar mucho.

La frontera entre las máquinas y el hombre aparece al principio del film muy bien delineada y establecida Con el transcurso de la trama, empieza a perderse entre tanta acción y reflexiones que parecen lógicas y consecuentes. El espectador incluso puede empezar a sentir cierta atracción hacía el robot y a cuestionarse si detrás de tanto cable existe verdaderamente una computadora o un cerebro humano con sentimientos. En algún momento, el robot Sonny debe de ser “desconectado” en una especie de silla eléctrica. Quizá uno sienta hasta cierto temor y pena por el “robot”. ¿Es esto posible? ¿Se adelanta al futuro a esta visión? El ser humano es muy querendón, ¿O no?

En resumen, “I, Robot” es una cinta entretenida. No será el film que muchos esperan en cuanto a la profundización de este tema tan controversial, pero sí merece ser visto pese a que desperdicia una magnifica oportunidad para agarrar al toro por las astas y analizar este tema. Para nosotros, esta visión no es muy lejana y quizá lleguemos a tener uno de estos en unas décadas, esperemos que no sea aquel que baila a otro ritmo y se sale de la formación.

Agosto 2004