"Seguiremos recordando durante mucho tiempo todos nosotros  tu sonrisa, tu elementalidad, tu naturalidad, tu discreción,  tu elegancia,  y seguiremos oyendo las músicas de tus canciones que seguirán por años y por siglos, ojalá  y cuando pensemos en Chabuca,  estaremos viendo el viejo puente, el río y la alameda". (J. Soler)

Cualquier momento es bueno para recordar a Chabuca Granda (1920- 1983) y conocerla un poco más, y lo podemos hacer gracias a un documento histórico que conservó la TVE, una estupenda entrevista que le hiciera  a ella, el periodista español Joaquín Soler en 1977, donde de la propia voz de Chabuca,  podremos conocer algunas de sus diferentes experiencias de vida. Hace poco,  el 8 de marzo se cumplieron  30 años de su sensible fallecimiento, pero por todo lo que brindó a la música peruana, ella ha seguido siempre, en una vida eterna,  cerca de todo el pueblo  peruano y de todos los que aman su música y que se encuentran  en diferentes  partes del mundo y que han aprendido a conocer las esencias y las bellezas del Perú.



La Entrevista 









 "A mi no me hice sino tres canciones: una a mi pobre voz, otra a ese arar en el mar, y la otra a quien sabe que"



“Tenía un nódulo entre la garganta y la tiroides... En el año 1958...me operaron en Nueva York y luego se me sometió a tratamiento... fue un éxito, pero mi voz nunca fue la misma... Se había hecho ronca, me cansa

con facilidad y es entrecortada. Por eso mis canciones son entrecortadas y por suerte descubrí la olvidada y tan nuestra síncopa.”

“Hice esta canción el día que pude comprender a quienes no comprendían que también cantamos los que no tenemos voz. Tímidamente, este tema intenta explicar el dulce ciclo del agua en el drama de mi voz.”

“Tengo una voz que suena como bisagra, pero con un swing que no lo tiene nadie”

(Lima, noviembre de 1964)

Citado en boocklet de  Cada Canción con su razón. (CEMDUC-2004,  varios artistas)



Pobre voz









"Hice esta canción, secretamente, para mí. Y la hice a partir de las frases inmortales de un gigante, Simón Bolívar: 'He arado en mar',"  (CEMDUC op. cit.).



Ese arar en el mar

Chabuca Granda acompañada de Martín Torres, primera guitarra, Rafael Amaranto y Vicente Vásquez con Carlos Hayre en el bajo









"Esa trilogía, ... que yo escuché en una charla espléndida de nuestro historiador Raúl Porras Barrenechea, ...que pedía piedad para 'el puente, el río y la alameda' ... eso se juntó con algo tan hermoso y carisimo para mi,  como fue la visita de la Sra. doña Victoria Angulo, señora muy limeña de raza negra, vive aun... al despedirse de mi, me dijo me voy a pie, claro yo sabía que vivía detrás del puente, 'bajo el puente' como se llama el barrio del Rímac, y recordé aquello de piedad para 'el puente, el río y la alameda'... , la prestancia la solera,  de esta señora negra, elegantísima,  que quien sabe Lima tendría que  alfombrase para que ella la paseara de nuevo y esa noche hice La Flor de la canela". 



"...Y este país (España),  por ejemplo se lo debo a María Dolores Pradera, es una mujer tan impresionantemente bondadosa,  además de gran artista, además de hermosa,  además de bella de alma,   además de valiente, fíjate tú,  que nos tiene en vigencia  20 años, a mí,  a Atahualpa, a Ferrusquilla,  a José Alfredo,  es decir que nuestras canciones,  no pasaron nunca de moda,  porque ella se encarga de mantenerlas siempre en vigencia ... "

   

María Dolores Pradera:  La Flor de la canela.











"La primera fue Lima de Veras, la  segunda fue Callecita encendida, la tercera fue Zaguán, la cuarta fue Tun Tun abre la puerta..." y (Luego La Flor de la Canela)




La primera versión de La Flor de la canela, con el trío Los Chamas cuando era su vocalista principal Humberto Pejovés quien luego formaría parte de Los Troveros Criollos











"...Dependo de mi guitarra, toda mi  vida he tenido excelentes guitarras, Martín Torres está con María Laforet;  Oscar Avilés sigue siendo la primera guitarra del Perú; don Luis Gonzáles, está con Mercedes Sosa   y ahora tengo un jóven Félix Casaverde, soy una mujer, eso, de mucha suerte y yo naturalmente, yo no canto acompañada por, yo canto con,  no,  es hacer música...."






José Antonio, del LP Dialogando (Odeon/IEMPSA, 1968), disco que Chabuca  canta sus composiciones acompañado de la Primera Guitarra del Perú: don Oscar Avilés. Es un disco memorable e histórico para la música peruana. Avilés acompañó a Chabuca por 15 años, de 1955 a 1970. 











“Violeta era una señora seis años mayor que yo y se enamoró de un joven suizo, quenista, de la edad de mi segundo hijo. Descubre entonces ante el mundo las más hermosas canciones de amor. Luego el mundo le descubre sus otros amores: sus mineros, sus obreros, sus hortelanos, sus ferrocarrileros..."  (CEMDUC op. cit.)

Chabuca Granda acompañada de Luis Gonzáles, sobresaliente guitarrista ha destacado en Argentina, De la recopilación Chabuca Granda y Don Luis Gonzáles (Xendric Music, 2010), el tema Cardo o ceniza.









Con Félix Casaverde en la Guitarra , en la TV en vivo, podemos ver acompañando a Chabuca, a Carlos "Caitro" Soto en el cajón, Rodolfo Arteaga en el cencerro.  Chabuca Granda tuvo mucha deferencia con Félix Casaverde a tal punto que incluyó uno de sus creaciones en un LP que publicó Chabuca titulado, La Tarimba Negra. Don Félix Casaverde, acompañó a  talentosas figuras de la música criolla como Tania Libertad,   Susana Baca y otras destacadas voces.







Bonus Track



"... Y descubrí que las mujeres podemos hacer canción popular,  porque escuche a Conny Méndez una Sra. venezolana invalorable que cantaba a la geografía de su país,.... y descubrí  que las mujeres podemos cantar sobre un caballo, sobre un farol,  sobre un puente"



Conny Mendez, aprovechemos para conocer a esta señora invalorable.







Conny Méndez  II







Conny Méndez III







Conny Méndez IV

Este 22 de marzo falleció Bebo Valdés,  gran pianista, compositor, arreglista y director de orquesta  cubano, legendaria figura del Latin Jazz y la música popular cubana, padre de Chucho Valdés otro excelente  pianista cubano, ex líder de Irakere. Bebo falleció a la edad de 94 años.

Tuvo una brillante carrera en Cuba, pero se exilió poco tiempo después del triunfo de la revolución cubana. Estuvo viviendo en Suecia en el anonimato hasta 1994, en que a solicitud de Paquito D'Rivera graba el álbum Bebo rides again. Luego vendría su participación en el documental Calle 54, en el que se reencuentra con su hijo Chucho,  al que había dejado viviendo en Cuba;  posteriormente  la grabación del DVD y álbum Lagrimas Negras en dueto con El Cigala,   trabajos que terminaron por llevarlo  a la consagración de dimensión mundial,  recibiendo múltiples premios como reconocimiento a su calidad interpretativa y creativa.

En esta entrada hago un pequeño recuento de su música, como un homenaje y agradecimiento por todo lo que nos deja, Bebo ha pasado a la eternidad y su música nos acompañará por siempre.



La Nota

ADIÓS A UN REFERENTE DEL SON Y EL JAZZ

Muere Bebo Valdés, el mago de los ritmos cubanos

El músico muere a los 94 años en Suecia

Protagonista de varios momentos de oro de la música cubana, fue precursor del jazz latino

MAURICIO VICENT 22 MAR 2013 - 19:26 CET

Ya se sabe que en la música cubana hay abundancia de genios y nombres imborrables. Sin duda, entre los que hay que escribir con mayúsculas está el de Bebo Valdés, fallecido en Suecia a los 94 años de edad, después de pasar los últimos años de su vida residiendo en Benalmádena (Málaga) enfermo de Alzheimer. Bebo fue protagonista de momentos de oro de la música cubana, además de ser precursor de las famosas descargas de jazz afrocubano y creador de un ritmo propio, la batanga, que arrasó en la isla en los años cincuenta. Era padre de otro pianista y compositor genial, Chucho Valdés, quien se traslado a Málaga a cuidarle en los últimos momentos de su vida. Hace aproximadamente dos semanas, los hijos de de su última esposa, la sueca Rose-Marie Perhson, que falleció el verano pasado, se llevaron a Bebo de Málaga a Estocolmo en contra de la voluntad de Chucho, pero esa es otra historia.

El verdadero nombre de Bebo era Ramón Emilio Valdés Amaro y nació el 9 de octubre de 1918 en Quivicán, un pequeño pueblo de guajiros y tierras rojas a 40 minutos de La Habana. Desde que nació Bebo llevaba la música en el ADN. Antes de salir de Quivicán fundó con un amigo de la infancia su primera banda, la Orquesta Valdés-Hernández, y desde entonces compaginó el piano con su vocación de arreglista y compositor.

En los años cuarenta, estando ya en la orquesta de Julio Cueva, compuso uno de sus primeros mambos, La rareza del siglo, en momentos en que la música popular cubana se modernizaba a toda velocidad.

A partir de 1948 y hasta 1957 trabajó en Tropicana, donde acompañó e hizo arreglos para la vedete Rita Montaner. Su orquesta, Sabor de Cuba, y la de Armando Romeu actuaban cada noche en el show del famoso cabaret y allí compartieron escenario con grandes artistas norteamericanos, incluido Nat King Cole, con quien llegó a grabar algún tema.

Por aquella época el jazz arrasaba en Estados Unidos y los músicos norteamericanos viajaban a la isla para descargar con sus colegas cubanos. Bebo participó en no pocas de aquellas legendarias jam session, que tenían como animador principal al percusionista Guillermo Barreto. En medio de aquel hervidero, el 8 de junio de 1952, con una banda de veinte músicos dio a conocer en los estudios de RHC Cadena Azul su nuevo ritmo, la batanga. Entre los tres cantantes que integraban aquella orquesta estaba el gran Benny Moré.

A finales de los cincuenta Bebo colaboró con Lucho Gatica, en México. En 1960, en medio de una gira decidió exiliarse en Estocolmo (Suecia), donde se caso con Perhson y rehízo su vida. Durante más tres décadas estuvo alejado de la música. Sólo amenizaba las veladas en el piano-bar de un hotel de la capital sueca cuando, en 1994, lo llamó Paquito D´Rivera y le invitó a grabar un nuevo disco, Bebo Rides Again, una colección de clásicos cubanos junto a temas originales de Valdés.

En el año 2000 fue el cineasta Fernando Trueba quien le redescubrió y le invitó a participar en su película ‘Calle 54’. Bebo se reencontró entonces en un escenario con su hijo Chucho y también con sus viejos amigos Israel López Cachao y Patato Valdés. Tras terminar el documental, Trueba grabó a los tres el disco ‘El arte del sabor’, que obtuvo el Grammy al Mejor Album Tropical Tradicional en 2001, primero de los nueve que obtuvo Bebo en los años siguientes gracias a su colaboración con el cineasta español.

Poco después triunfó nuevamente con Lágrimas negras, un álbum de temas cubanos con alma gitana realizado con el cantaor Diego el Cigala, con el cual obtiene otro Grammy y tres discos de platino en España. Con Trueba hizo ocho discos y se convirtió en el protagonista de su documental El milagro de Candeal, rodado en la favela del mismo nombre en Salvador de Bahía con Carlinhos Brown. También hizo la música y sirvió de inspiración para ‘Chico y Rita’, la película de animación dibujada por Javier Mariscal que fue nominada al Oscar en 2012.

Su último disco fue Bebo y Chucho Valdés, Juntos para siempre’, un homenaje en el que padre e hijo repasaron juntos el repertorio y los ritmos de la música cubana que siempre tocaron juntos y que Bebo interpretó como nadie.

Anoche, la muerte de Valdés fue recibida por Mariscal con dolor pero a la vez con el recuerdo azul de su alegría y sobre todo de su elegancia. “Bebo era la esencia de lo mejor de Cuba: todo en él era especial, su forma de tocar, su manera de caminar, su risa, su elegancia para todo”. El diseñador recordó las charlas y momentos musicales que pasaron juntos con Trueba durante la preparación de Chico y Rita y cómo, a través de los recuerdos de Bebo, él descubrió de nuevo Cuba. “Yo estaba enamorado de Cuba desde pequeño, y conocía el país y sus gentes, pero redescubrirla a través de los ojos y de la sensibilidad de Bebo fue algo especial”, afirma. “Bebo representaba la esencia de Cuba y de lo mejor de su música”.

El músico de Quivicán fue una de las inspiraciones del personaje protagonista de Chico y Rita, un pianista de la época de oro de la música cubana atrapado por el amor de una mulata y aquella Habana mágica. Mariscal, que piensa en imágenes, asegura que Bebo tocaba como “si de pequeño hubiera metido en una lavadora todas las partituras de Lecuona y de los mejores compositores de la música cubana”, atrapando fragmentos deshilachados y notas de cada uno e “incorporándolos a su espíritu”.

El contrabajista Javier Colina, que en 2007 ganó un Grammy con Valdés por Live in Vllage Vanguard, disco que grabaron a cuatro manos durante una semana en el mítico club de Nueva York, asegura que “aquella semana fue “la más feliz de su vida”. “Bebo no tenía igual”, aseguró. Chucho Valdés, que se mudo a Benalmádena a pasar junto a su padre los últimos años de su vida y se opuso a su reciente traslado a Suecia, se despidió de su padre como el “más grande” y con la felicidad de haber hecho antes de morir el disco Juntos para siempre.

Publicado en: http://cultura.elpais.com/cultura/2013/03/22/actualidad/1363976182_566151.html






Habiéndo participado en orquestas como la famosa orquesta del cabaret Tropicana, Bebo Valdés formó en 1952 su propia  "big band"  Sabor de Cuba, alcanzando gran fama. En esta orquesta, cantaron entre otros Pío Leyva y Benny Moré.  Bebo Valdés y su Orquesta Sabor.









1952 Bebo Valdés con su orquesta Sabor de Cuba, presentó un nuevo ritmo que lo denomina  Batanga.









Versión del bolero 20 años, de María Teresa Vera, en dueto con el trombonista Juan Pablo Torres incluido en el álbum Bebo rides again (Messidor Musik, 1995).  Extraordinario Bebo en el piano y una espléndida versión en trombón. Este álbum es una pieza histórica, producida por Paquito D'Rivera, reúne a Bebo con varias generaciones de músicos cubanos, el resultado es una obra maestra.







De 1992 a 1997, Bebo Valdés se dedicó a escribir música, pensando que en algún momento los grabaría en un disco, el título pensado debería ser La Suite Cubana, en él,  se propuso plasmar,  una manera particular de presentar los ritmos cubanos. El disco finalmente fue liberado el 2004 en un álbum doble de título Bebo de Cuba producido por Fernando Trueba y Nat Chediak. La composición, los arreglos y la dirección musical para una orquesta de 21 músicos, estuvo a cargo  de Bebo. Se grabó en Nueva York, con los mejores músicos del jazz latino.









El Solar de Bebo, un guaguancó es la primera pista del CD del mismo nombre que forma parte del álbum Bebo de Cuba, compuesta y arreglada para 11 músicos.











En el 2005, Calle 54 Records publica el álbum Bebo, producido por Fernando Trueba, en éste álbum Bebo cuenta los siguiente: "Un día Trueba me dijo: "Bebo, todo pianista que se precie tiene que hacer un disco de piano solo, al menos una vez." " No sé Fernando, tal vez voy a echar en falta el ritmo." "El ritmo lo tienes tú dentro." Así que decidí intentarlo. El resultado, lo tiene ahora usted en sus manos".     Álbum: Bebo:  La Caridad











Bebo tuvo una activa vida artística a pesar de su avanzada edad, es así  que fue convocado a participar en la grabación de la banda sonora de la película animada Chico y Rita (2010). Bebo ejecuta el piano del joven protagonista del film,   Idania Valdés  es la voz de Rita, ella es una joven cantante cubana hija de Amadito Valdés hijo.  Sabor a mí









Padre e hijo se juntan para grabar un álbum que quedará para la historia. Juntos para siempre, (Calle 54 Records, 2008), producido por Fernando Trueba y Nat Chediak. En este álbum podrán escuchar en el canal izquierdo a Chucho y a Bebo en el derecho, tal como ellos tocaron, cara a cara, en el estudio de grabación. De este álbum, el tema Tea for two conocida canción de 1925 escrita por Vincent Youmans, convertida en el tiempo, en un estándar del Jazz. Chucho y todos los amantes de la música, quedamos unidos juntos para siempre con el gran Bebo, 

En esta oportunidad una pequeña recopilación de canciones para conmemorar tan importante día. No podemos convertir a esta celebración en una fecha de saludos y homenajes cursis y frívolos. EL origen de esta celebración está en la inmolación de la mujeres que pugnaban por la equidad y por mejores condiciones laborales y el asunto es que todavía  quedan muchas batallas por librar a  las mujeres y la sociedad en su conjunto. Todavía hay países donde la mujer ocupa un lugar de segunda categoría: tiene derechos recortados para educarse,  para trabajar, hasta no se les permite cantar en público, son tomadas como esposas desde muy niñas, y para colmo en algunos lugares la "circuncisión" de adolescentes es obligatorio, para "librarlas" de la posibilidad de ser " tentadas" por el  pecado  y finalmente la vestimenta obligatoria está basada en más o menos ideas parecidas. Pero sin ir muy lejos en países como el nuestro, por ejemplo la prostitución infantil es un tema recurrente, la violencia física y psicológica contra la mujer. ocurre muy a menudo, en  fin además encontraremos inequidades de género probablemente con facilidad.

No pretendo tener aquí una visión sociológica o política de temas que enfrenta actualmente a l a sociedad en general. pero si puedo decirles que queda mucho por hacer, pero como la música y el arte son producto de realidades concretas, aquí una pequeña recopilación de canciones cantadas en español, a las mujeres con espíritu combativo y democrático.





Niña. Autor: Pedro Guerra. Canta Pedro Guerra con la colaboración de Silvio Rodríguez. Album: Hijas de Eva (2001, BMG Music Spain). Pedro Guerra, el cantautor originario de Islas Canarias, en el año 2001 fue invitado en su ciudad natal a componer canciones que se relacionaran a la situación de discriminación que sufre la mujer, por lo cual compuso varias canciones que se estrenaron en un concierto especial en 2001.   Al año siguiente las canciones se publicaron en un álbum que contó con la colaboración de Silvio Rodríguez y Fito Paez.









Mujer. Autor: Gloria Martín. Canta: Amparo Ochoa. Álbum  Mujer (1987, Discos Pueblo, México). Amparo Ochoa (1946-1994) cantante contestaria, natural de México y representante de "Nuevo Canto" latinoamericano recopiló en un álbum en 1987 diversas canciones del folclore latinoamericano en las que se canta las vivencias de las mujeres de estos países.









Oro santo. Autor: Concha Buika-Javier Limón) Álbum: Mujeres de Agua (2010, Universal Music). EL productor Javier Limón reunió a 12 intérpretes mujeres, todas del Meditarráneo para interpretar música de raíz afincadas en sus orillas para cantar por la mujer iraní, que tiene prohibido cantar en público. Aquí una versión interpretada por Buika acompañada excelentemente en la guitarra por Javier Limón. Escuchar a Buika emociona.









Justicia. Lila Downs. CD Lila Downs y la Misteriosa en Paris, Live a FIP (2010, World Willage). Apoteósica interpretación llena de colorido  comienza con aires andinos y con sorprendentes texturas vocales irradia un arco iris de armonías urbanas y latinoamericanas para surgir como na sola voz por nuestra naciones: ¡Justicia!.









María Sueños. Autor: Chabuca Granda. Interpretado por Chabuca Cranda. Un ocho de marzo de 1983, es decir hace 30 años, precisamente en el Día Internacional de la Mujer, falleció Chabuca Granda, una de las más brillantes exponentes de la música criolla, de la música de la costa peruana, imposible dejar de recordarla y ella canta en esta vieja grabación una canción que tituló María Sueños. María es la  mujer latinoamericana, la que escarpa cordilleras, de dura vida,  pero donde sueña y florece María Sueños. Bella canción.









TEMA OFICIAL






http://song.unwomen.org/es

Aquí está la segunda parte de un apretada recopilación de temas del genial Caetano Veloso, y cuya primera entrega la hice  hace varias semanas atrás, justamente cuando celebrábamos su 70 cumpleaños, mil disculpas por la demora, estuve  atareado con otras actividades  que tenía que cumplir. En el ínterin Caetano fue galardonado con el máximo premio que otorga la Academia Latina de la Grabación  (Latin Grammy), el personaje del año 2012, en una ceremonia donde múltiples interpretes le rindieron homenaje cantando sus temas.

Al comenzar este nuevo año 2013 quiero agradecer  a todos aquellos que están pendientes de una u otra manera de mis entregas y por el apoyo recibido en el año que terminó.  Para todos Uds. y a los que están leyendo estas líneas que el nuevo año les depare dicha y prosperidad.



Album: Outras Palavras (1981, Phillips). En este LP,  producido por el mismo  Caetano Veloso,  se muestra diferente a sus trabajos de los años 60 o 70,  pero sigue sorprendente con sus creaciones y  por sus excelentes letras. Un álbum con  mezclas de  ritmos brasieños, especialmente  música nordestina (Nordeste de Brasil) y ritmos de la época, mostrando  la riqueza musical de Brasil, ya que el mundo ya conocía ampliamente a ritmos como la Samba y el Bossa.

Veamos el primer tema del álbum de nombre homónimo,  le pertenece a Caetano Veloso, tiene una base rítmica de influencia nordestina y una lírica que experimenta con la sonoridad de las palabras.

Músicos: Guitarra: Perinho Santana; piano: Tomás Improta; batería: Vinicius Cantuária; bajo: Dadi; Percusión: Bolao; Ovation:Caetano Veloso; Agogó (Campana):Caetano y Bolao







En 1982, Caetano,   publica el álbum Cores Nomes (Phillips) , sería el segundo disco que entregaría en forma anual hasta 1984. Caetano es acompañado por la banda Outra Banda de la Terra y es  un álbum con una sonoridad muy  similar al anterior (Outras Palavras). Caetano  recoge en hermosos versos y exquisita melodías, los colores de la naturaleza. En el disco  en el que interpreta varios temas de otros autores,  destaca este que insertamos aquí, que es de su creación: Trem da cores y que ha formado parte de su repertorio en sus presentaciones en vivo a lo largo de los años.

Músicos: Piano: Tomás Impronta. Craviola: Perinho Santana. Contrabajo: Arnaldo Brandao. Batería: Marcelo Costa. Bongó: Edu Gonçalvez (Bolao), Guitarra: Vinicius Cantuária. Arreglos A Outra Banda de la Terra.









Album Uns (1983, Phillips/ Polygram, Universal 1993). Fue el tercer álbum que Caetano Veloso, también produjo y publicó entre 1981 y 1984. Tema: Peter Gast, que pertenece a Caetano Veloso. En la carátula de la funda está una foto con su familia, quizá para reforzar el carácter muy personal del álbum.

Músicos: Guitarra acústica y voz: Caetano Veloso; Piano eléctrico: Tomás Improta; Guitarra: Perinho Santana; Bajo: Arnaldo Brandao. Arreglos Caetano Veloso y A Outra Banda da Terra.











Podres Poderes (Caetano Veloso)







Lingua (Caetano Veloso)







En 1986, Caetano colabora con Fito Paez en la publicación de un EP de título Corazón Clandestino. Caetano y Fito cantan a dúo y en portugués una versión extendida de este tema que ya había sido grabado en español por Fito en el disco Del 63.







Álbum Totalmente Demais (Live) (1986, Universal Music/ Phillips). Uno de los grandes éxitos de este álbum grabado en directo fue Vaca Profana, que fue versionado posteriormente  por varios cantantes. Veloso interpreta célebres clásicos de la MPB como Lealdade, Calúnia, Kalú, Amanha y Solidao un tema de Antonio Carlo Jobim; también el tango de Gardel Cuesta abajo. Versiona un  gran tema de Joao Gilberto Oba-la-lá Bim bom.  También incluye temas de su creación.  Una impecable actuación de Caetano Veloso, cantando solo con su guitarra, un auténtico trovador.



Vaca Profana (Caetano Veloso)









El álbum Circuladô (Nonesuch, 1992) fue todo un suceso, por lo que se publicó  posteriormente una presentación en vivo cantando las canciones de este disco.  En la primera pista del álbum, está el tema Fora de ordem, que trata de problemas sociales en  las ciudades de Brasil, y sugiere que el nuevo orden mundial debe estar fuera de orden. Incluye temas como:  Circuladô de Fulô, que es un extracto de la obra "Galaxias" un clásico de la literatura brasileña del poeta Haroldo de Campos;  Itapuá que es una elegía para la hermosa playa y es  respaldo por arreglos muy contemporáneos para un cuarteto de cuerdas y la sección rítmica; Ela Ela que son improvisaciones sobre improvisaciones de la guitarra de Arto Lindsay, completan por darle un carácter muy vanguardista a este muy bien trabajado disco producido por Arto Lindsay. El tecladista Ryuichi Sakamoto participa  artista invitado,  así como Nana Vasconcelos.



Fora da Orden (Caetano Veloso)







Fina Estampa (Polygram, 1994), producido por Jaques Morelembaum y Caetano Veloso. En este álbum  Caetano Veloso recoge  lo más emblemático y tradicional de la música popular hisponaméricana, muchas de ellas que había escuchado frecuentemente desde niño y las que canta  totalmente en español. Integran el disco canciones como las  cubanas Rumba Azul, Contigo en la distancia, María la O, Mi Cocodrilo Verde; de Argentina: Un Vestido y un Amor de Paez, Vete de mí, Vuelvo al Sur de Piazzolla, estos dos últimos en clave de Bossa; de México: María Bonita y La Golondrina; de Paraguay, la emblemática Recuerdos de Ypacaraí;  de Venezuela,  Tonada de Luna Llena de Simón Díaz y de Perú,  Fina Estampa de Chabuca Granda, tema que también da nombre al  disco, y  personalizando a  Veloso como un "Caballero de fina estampa". Es un álbum pulcro, delicado, cantado con mucha sensibilidad y delicadeza, sin vibratos. La interpretación de María Bonita está acompañada únicamente de una guitarra acústica y los arreglos musicales de J Morelembaum,  se apoyan fundamentalmente en la cuerdas y la sección rítmica renunciando a las orquestaciones que muchos de estos temas tenían.  Fue un disco con fuertes ventas y  de los más importante de la producción de Veloso de los años 90. Dado el éxito de ventas,  se produjo un álbum en vivo con las canciones del disco.



Fina Estampa (Chabuca Granda) del DVD Fina Estampa (ao vivo) (Polygram 1995).









Livro (Polygram do Brasil, 1997;  Nonesuch, 1999) fue un álbum de estudio producido por Caetano Veloso y Jaques Morelembaum, es una de sus obras maestras e imprescindible en la discografía de Caetano Veloso. Ganó el  premio Grammy 2000,  en la categoría Mejor Álbum World Music  y uno en el Primer Latin Grammy como el  Mejor Álbum de MPB del año.   El álbum resume toda la experiencia musical vivida por  Caetano hasta entonces, reviviendo y reconceptualizando la Tropicalia, adentrándose en una mezcla de canturreo y de sonidos contemporáneos con el soul brasileño y bahiano. Fue enriquecido con su bibliográfica experiencia de Verdade Tropical. Livro es un disco que se disfruta ampliamente. Caetano dijo que había escuchado mucho las colaboraciones de Miles Davis y Gil Evans por aquel tiempo y cuyas influencias  encontramos en piezas como Manhata.



Livros (Caetano Veloso). Percusión: Marcelo Costa; Guitarras: Pedro Sá; Bajo: Fernando Nunes; Arreglo para orquesta: Jaques Morenbaum y Luiz Brasil

Superada su etapa de  destierro,  en 1973,  publica su quinto álbum de estudio, que llevó el título de Araçá Azul (1973, Phonogram/Phillips). Este es un álbum "difícil" y experimental, cúspide y a la vez desafiante y transgresor,  poco similar a sus anteriores trabajos,  se desvincula sin abandonar del todo  la orientación pop-rock, algún tema rock encontraremos, un disco ecléctico sin duda. El álbum fue muy criticado pero a la vez aclamado por los críticos. Un track experimental en el disco, es el medley De conversa y Cravo e canela, el primero es un tema sin letra y sin melodía, una experimentación de sonidos y voces en forma creciente para concluir con la segunda canción que es un tema tradicional. Sorprendente con Gilberto Misterioso. Sacude con Eu quero essa mulher que es un track fuertemente eléctrico, sicodélico y quizá un preámbulo al futuro hard-rock. Parafrasea a los Beatles con la canción Sugar cane fields forever . y con el tema Tu me acostumbraste, un bolero de Frank Domínguez,  cantando en español,  sería una de las piedra fundamental del estilo que conservaría en todas sus obras maestras que nos entregaría  en los siguientes años.







En el álbum Cualquer coisa (1975, Phillips), Veloso renuncia a cualquier efecto o sonido eléctrico, es solamente el trovador:  voz y guitarra,  versos y  melodía. Las pistas del disco son hermosas canciones mucha de ellas, latinoamericanas. Entre  ellos está la bellisima interpretación del vals de Chabuca Granda: La Flor de la canela.









El tiempo ha pasado y en 1976 Caetano Veloso, Gal Costa, María Bethânia, y Gilberto Gil, todos bahianos , se vuelven a reunir y conforman el grupo "Doces Bárbaros" publicando un LP de nombre homónimo (1976, Philllips).  Fue una hermosa manera de celebrar los diez de carrera artística que ya llevaban ellos.  Una parecida experiencia ocurriría muchos años más tarde, los cuatro volvieron a subirse a un escenario en un concierto gratuito, celebran 35 años de trayectoria y los 60 años de vida de Caetano y de Gilberto. Aquí vemos una presentación alegórica y teatralizada para su presentación en vivo cantando Os mais doces bárbaros.







Bicho (1977, Phillips) es uno de los destacados álbumes de los años setenta de Caetano Veloso, quien  alguna vez se refirió al disco como "dulces melodías sobre un ritmo caliente".  Caetano había visitado hacía poco tiempo Nigeria quedando muy influenciado por su cultura y en especial por su música. Aquí podemos escuchar Odara. (Odara palabra tomado de lengua nativa de Nigeria)







Caetano publicó Muito (Dentro da estrela azulada) (1978, Phillips) en esos momentos ya era numerosa su producción discográfica algunos discos polémicos y otros tantos incluían hermosos temas, pero este álbum, me parece es una de sus primeras grandes obras maestras. De este hermoso álbum incluimos Sampa cantado en vivo en un video de la época. Un tema dedicado a la ciudad de Sao Paulo que se convirtió en casi un himno para los paulistas.







Lua de Sao Jorge es una canción del álbum Cinema Trascendental (1979, Polygram/ Phillips), un álbum casi totalmente acústico con composiciones basados en grooves brasileños. Con una creatividad torrencial, caetano comienza a entregar una tras otro, exquisitos discos.







Cajuina xote (estilo de danza) del nordeste brasileño, interpretación en vivo







Continuaremos...







Fuentes:

www.caetanoveloso.com.br 

Wikipedia

www.itunes.apple.com/br

Ha fallecido en la ciudad de Cali, Colombia a la edad de 62 años, Jairo  Varela Martínez, quien fuera nada menos que fundador y director de la famosa y recordada orquesta de Salsa  "Grupo Niche". Había nacido en Quibdo capital del departamento de Chocó, Colombia.

Jairo Varela, fue continuador de el camino que trazaron en los años setenta, Julio Ernesto Estrada, más conocido como "Fruko" y del gran  Joe Arroyo que asimilaron la música salsa y le inyectaron la riqueza de la música colombiana.

Jairo Varela, presentó una propuesta novedosa  al incluir en su ejecución  de la salsa, armonías muy propias de sus ancestros afrodescendientes de la costa pacífica de Colombia. Varela revitalizó la salsa,  en momento que el  auge de las estrellas de La Fania comenzaba a declinar,  presentando un estilo muy propio que sería conocido como salsa colombiana.

Jairo Varela fue el director, compositor y arreglista de la mayoría de los éxitos del grupo, además era percusionista y vocalista, pero no escribía música, pero si tuvo, gran capacidad de asimilar ritmos y melodías que le permitía componer música, las que dictaba a sus colabodores.

El Grupo Niche comenzó a ganar popularidad en los primeros años de la década de los ochenta, tiempo en que graban varios discos, pero no es si no hasta en 1985,  teniendo como vocalista líder a Alfonso "Moncho" Santana que publican el famoso Cali Pachanguero, con lo cual se despuntan hacia el éxito  total en Colombia, éxito que se desbordaría hacia otros países. Su prestigio internacional se consolidaría con temas como Ana Milé, que es cantado por el mismo Jairo Varela, que debutó como vocalista con este tema. Además de la salsa  con  sabor colombiano que tenia el grupo y de los temas con contenido social , las canciones de Jairo tenían un fuerte contenido romántico.

Una de las voces más emblemática de los Niche, a mi entender fue Tito Gómez, un portorriqueño que se incorporó al grupo en 1986 y que falleciera en el 2007. Precisamente es en el  año de 1986 el Grupo Niche se presentó en el Madison Square Garden de Nueva York  en ocasión del Festival Mundial de La Salsa, y tuvo un éxito indiscutible. Charlie Cardona también es una de las voces más populares del grupo ya por los años 90, el grupo para entonces se vuelve más melódico, era la época de la llamada "salsa sensual".

El Grupo Niche aquí en Perú, tuvo y aun conserva una química muy especial con sus inmensa legión de seguidores. En 1989 se organizó un concierto gratuito realizado en el  Campo de Marte en Lima. El concierto tuvo un éxito sin precedentes y quizá irrepetible,  es con seguridad el concierto con mayor asistencia que haya tenido una orquesta de salsa en el mundo y desde luego nadie ha podido reunir tanto público en Perú. La leyenda habla de 800,000 asistentes.

El grupo ha tenido innumerables presentaciones en nuestro país con las diversas formaciones que ha tenido a lo largo de su historia y siempre ha sido acogido con mucho calor y esta historia ha continuado hasta épocas recientes.

En este post, como un homenaje al maestro Jairo,  he recopilado videos de sus presentaciones en Perú, principalmente del legendario concierto de Campo de Marte y que quedan como documentos históricos de la especial estima que tuvieron en Perú,  Jairo Varela y el Grupo Niche, los salseros peruanos  no podrán olvidarlo.





Ese día, canta Jairo Varela en Lima







El amor vendrá.  En vivo. Campo de Marte, Lima, Perú. Tito Gómez: primera voz, Jairo Varela y Javier Vásquez en los coros 







Entrega,  canta Javier Vásquez. Lima 1989







¿Cómo podré disimular? . Tito Gómez en la primera voz.  Lima 1989.







Nuestro sueño.  Montaje con video con Tito Gómez  saludando a Perú,  algunos años después.







Perder para amar, canta Jairo Varela: En el momento de improvisaciones cantan el famosos estribillo dedicado al Perú. "Si pudiera elegir el lugar donde quisiera morir, sería el Perú, sería el Perú". Estribillo que le serviría a Jairo Varela componer  una salsa dedicada al Perú:  Me sabe a Perú. (Montaje con solo audio).









Me sabe a Perú es el título del álbum que el Grupo Niche grabó en el Perú (Iempsa, 1989), la primer pista ea el tema del mismo nombre. 







Bonus Track 



Ana Milé.    

Hasta siempre maestro Jairo!

Chavela Vargas (Foto: Facebook CH.V. Oficial)

"Gata valiente de piel de tigre con voz de rayo de luna..." (J. Sabina)

Y el tiempo que es tirano en la vida, nos recuerda constantemente los plazos inexorables que tenemos los mortales, y hay momentos que esos plazos nos son recordados con demasiada frecuencia, estamos perdiendo continuamente  aquellos grandes artistas que acompañaron, siempre o en muchos momentos,  nuestras vidas con la música que supieron entregarnos  La partida de Chavela Vargas es una de esas noticias  que entristecen hasta formarse un nudo en nuestra garganta.

"La Chamana" como ya muchos los conocían, como si quisiera compensar los años que nos dejó de regalar sus canciones, estiró su vida muchos años, no perdiendo contacto con su público hasta los últimos días de su vida. La Luna Grande,  se titula el último trabajo discográfico que entregó a sus 93 años, hace tan solo pocas semanas y que dedicó al gran poeta granadino Federico García Lorca.

La inolvidable Chavela, la de las incontables leyendas, ya está en la eternidad muy cerca de la Luna Grande, junto con todos sus ilustres "cuatachos" que partieron como ella,  estará por siempre con su canto quebrado y rasgado. Cuando más nos duela la tristeza, la escucharemos, para que "las amarguras no sean tan amargas".

Comparto con Uds. amigos. un muy buen artículo del diario El País y una recopilación de,  a mi entender, sus canciones más emblemáticas y que recordaremos por siempre.

Fallece Chavela Vargas, la mujer que forjó un mito latino

La cantante mexicana tenía 93 años

Fue amiga de los grandes artistas del siglo XX y conquistó ambos lados del Atlántico

SALVADOR CAMARENA México 5 AGO 2012 - 20:21 CET

Dirán que este 5 de agosto ha muerto en Cuernavaca, Morelos, Isabel Vargas Lizano, nacida en 1919, natural de Costa Rica, referente de la canción mexicana, amiga de grandes artistas del siglo XX, cantante de oficio y dueña de un sentimiento que conquistó ambos lados del Atlántico. Pero la verdad es que Isabel Vargas Lizano, mejor conocida como Chavela Vargas, la voz que trascendió rancheras, boleros, corridos revolucionarios, tangos y canciones cubanas para forjar un estilo dulce y desgarrado, hondo y bravío, macho y femenino… la verdad es que no ha muerto, solo ha comenzado esta noche de agosto su balada inmortal.

Chavela era como los toreros, siempre se despedía y siempre regresaba. No se le dio la gana morirse en su último viaje a España, cuando el 12 de julio fue ingresada en el hospital por agotamiento. Los peores augurios tuvieron que esperar. Pisaría de nuevo México. Todo fue aterrizar para que comenzara el canto chavelesco: “Ya vine de donde andaba, se me concedió volver. A mí se me figuraba, que no les volvería a ver”. La letra de El Ausente fue el saludo que pusieron sus amigos en la cuenta de Twitter abierta a nombre de la Vargas. “México lindo y querido, qué bello es volver, qué bello es respirar tu aire y ver la luna junto al Chalchi. México creo en ti”. Del Chalchi, su escarpada montaña de Tepoztlán, se despediría el 30 de julio, cuando se la llevaron al hospital donde dejó de respirar a los 93 años.

No la venció el alcohol ni el olvido. No se perdió en la fama ni en los recuerdos. Mostraba la misma pasión por los grandes que por las simples cosas. Le aburría que le preguntaran por Frida Kahlo, pero le divertía recordar, de buenas a primeras, lo que vivió con la pintora y con Diego Rivera al poco de haber llegado a México.

“Me invitaron a una fiesta en su casa. Y ya me quedé, me invitaron a quedarme con ellos a vivir y aprendí todos los secretos de la pintura de Frida y Diego. Secretos muy interesantes que nunca desvelaré, jamás. Y éramos felices todos. Éramos una gente que vivía día con día, sin un centavo, tal vez sin qué comer, pero muertos de la risa. Todo el tiempo. Me fui acostumbrando a ellos, acostumbrándome a sus costumbres”, le dijo Chavela a Pablo Ordaz, de EL PAÍS, en abril de 2009, fecha en que celebró sus primeros noventa años.

Cuando ya nadie creía que podía cantar dio un recital en el Teatro de la Ciudad en 2009. Cuando ya todos se resignaban a la eternidad de clásicos como La Macorina o Piensa en Mí, produjo el año pasado el disco La Luna Grande. Cuando pocos creían que podría viajar, regresó la primera semana de julio a Madrid, donde la muerte le coqueteó sin éxito. Murió viviendo. Con su última gira todavía fresca, como los grandes, sin importar la edad, activa como siempre desde que descubrió su destino y no supo hacer más nada que cantar y amar. “Las personas, simplemente, aman o no aman. Los que aman, lo harán siempre a todas horas, intensa y apasionadamente. Los que no aman, jamás se elevarán ni un centímetro del suelo. Hombres y mujeres grises, sin sangre”, dijo alguna vez.

El calendario de la vida de Chavela está hecho de saltos y leyendas que incluso confunden la fecha misma de su nacimiento (se enojaba cuando intentaban corregirle la mentira sobre su edad). De recuerdos amargos de Costa Rica, país que dejó a los 14 o a los 17 años, la fecha que gusten es buena, y al que regresó al arrancar el siglo XXI para confirmar, siete meses después, que ella era de México, pero ya no de la capital, con sus fríos, sus chubascos traicioneros y sus madrugadas de fiesta. Para amanecer en sus últimos años eligió Tepoztlán, un pueblo de clima templado donde ella amanecía dialogando con El Chalchi, su monte-chamán.

“El Chalchi me habla y se queda callado de una estrella a la otra, se queda de un silencio armonioso, es muy bello, y como sabe que yo detesto el invierno, que vienen los fríos, las noches de Agustín Lara. En esta noche de frío/ de duro cierzo invernal/ llegan hasta el cuarto mío/ las quejas del arrabal…”, así contestaba una pregunta de EL PAÍS en noviembre pasado, mitad hablando, mitad canción que salía incontenible.

“A comienzos de los años cincuenta, en un momento que resultó decisivo para la historia de la música en aquel país, se cruzaron las trayectorias del compositor que llevó la canción mexicana hacia lo más alto y la cantante que la puso boca abajo, que le dio la vuelta para mirar a lo más hondo”, dice Enrique Helguera de la Villa, en el prólogo Dos vidas necesito: las verdades de Chavela, volumen editado en España por la propia cantante y su coautora y amiga María Corina.

El arrabal reivindicado. Hoy que escuchar rancheras puede ser hasta chic. Hoy que mujeres vestidas de hombre son cool. Hoy que ser lesbiana es por fin y poco a poco reconocido como lo que siempre fue, una condición que no admite adjetivos, hoy el tamaño de Chavela solo ha crecido, pues vivió cada etapa sin pedir permiso, sin rogar perdón. “Yo nací así. Desde que abrí los ojos al mundo. Yo nunca me he acostado con un señor. Nunca. Fíjate qué pureza, yo no tengo de qué avergonzarme... Mis dioses me hicieron así”, dice Chavela, citada en el documento que el gobierno mexicano sometió en la primavera al premio Príncipe de Asturias al hacer de la cantante su candidata para el galardón de las artes.

En ese mismo dossier, Carlos Monsiváis explica: “Cuando Chavela Vargas empezó a cantar a finales de los cincuenta, sorprendió por su actitud desafiante y su apuesta radical. No sólo fue su apariencia la que se saltaba las reglas establecidas, sino que musicalmente prescindió del mariachi, con lo que eliminó de las rancheras su carácter de fiesta y mostró al desnudo su profunda desolación”.

El recientemente fallecido Carlos Fuentes dijo que “oír a Chavela es saber que no somos parte del rebaño, parte del montón. La oímos y sabemos que canta para nosotros, y sentimos que nos quiere, que nos aprecia, que nos necesita”. Quizá eso pasaba por la honestidad de la cantante: “jamás ensayé, jamás preparé nada. Era la espontaneidad. Era entrar en una cosa sagrada, cada canción, y así las iba cantando, a veces conciertos de horas, y no me daba cuenta”, dijo Chavela a este reportero en su casa de Tepoztlán en noviembre pasado.

Las décadas pasaron y ella se quedó sola. Murieron sus compositores y amigos José Alfredo, Álvaro Carrillo, Tomás Méndez, Tata Nacho, Cuco Sánchez, Manuel Esperón. Se volvieron mito Pedro Infante, Diego Rivera, Frida Kahlo y Trotsky. Desaparecieron escenarios como El Patio y otros entraron en letargo, como El Blanquita. El México de los años setenta se hundió en la crisis económica y Chavela en el alcohol. Pero ella resurgió. En 1991, cantó en Coyoacán y volvió a convivir con los grandes, para empezar con Werner Herzog, que la invitó a El grito de piedra. Quince años de retiro que no hicieron mella: “se me abrieron las puertas: esperaban que yo volviera”.

El año siguiente ya era un triunfo en España, donde en 1992 recibió la medalla de Oro de la Universidad Complutense de Madrid. Participa en Kika (1992) La flor de mi secreto (1995) y Carne Trémula (1997), cintas de su “alma gemela” Pedro Almodóvar. El Olympia de París le programa en 1994, el Carnigie Hall en 2003. Los discos suman 80 y son variadas sus participaciones en películas, entre ellas Frida (2002) de Julie Taymor y Babel (2006), de Alejandro González Iñárritu.

“Yo quiero que algún día se entienda que mi mensaje ya no es de la garganta, ya no es de disco, ya no es de concierto: es la voz inmensa del individuo humano que está callada, que no tiene nombre, que no puede llamársele de ninguna manera. Eso es lo que yo siento, eso es lo que no me deja morir hasta que la gente sepa que mi canto no es canto, que es algo más allá del dolor, más allá de la angustia, más allá del saber, más allá de todo, del arte en sí mismo”, dijo en una entrevista realizada en Madrid y publicada en la revista Letras Libres en septiembre de 2003.

“Me voy. Les dejo de herencia mi libertad, que es lo más preciado del ser humano”, dice en esa charla. Pero estuvo nueve años más de un lado a otro, y visitó en julio sus “madriles”, y volvió a la Residencia de Estudiantes de Madrid para evocar a Lorca y brindarle La Luna Grande, y ya rumbo a México el 26 de julio mandó decir en Twitter: “Mil gracias por todo España. Recogí mi alma, pero volví a dejar mi corazón en Madrid y para siempre...". Su alma solo esperó a llegar a Tepoztlán para empezar a tenderse sobre todos los que alguna vez han llorado, gritado y amado, como y con Chavela Vargas.

Publicado en:  http://cultura.elpais.com/cultura/2012/08/01/actualidad/1343803995_525687.html



La Noticia







Versión especial en directo de La Macorina., es uno de los temas más emblemáticos de Chavela Vargas, Esta versión difiere de una primera grabación que hizo y que era la musicalización de  un poema de Alfonso Camín un asturiano radicado en Cuba, y que está  inspirado en la figura de una mítica mujer de  vida libertina que vivió en La Habana y sobre la cual giran muchas historias, como la que cuenta, que ella fue la primera mujer en obtener una licencia de conducir en Cuba, por los años veinte. Los versos del poema discurren entre metáforas que aluden a la mujer comparándola con diversos frutos, cargándolo de sensualidad, al que se suma el perturbador estribillo cantado por Chavela "Ponme la mano aquí Macorina".







Versión original de La Macorina







Piensa en mí bolero de Agustín Lara del álbum homónimo (1991, Orfeón).







Paloma Negra Primera versión. Existe una primera versión de Paloma Negra  en el álbum Chavela Vargas, con el cuarteto de Lara Foste (1961, RCA Victor). No puedo asegurar si esta es la versión de este disco, el usuario que ha subido el tema no da mayor información al respecto.





En un rincón del alma, composición de Alberto  Cortez





La Llorona  escenas del film "Frida", La Llorona es un tema tradicional mexicano.





Tu me acostumbraste (Frank Domínguez) en la banda sonora de Film "Babel" de Alejandro Gonzáles Iñárritu





Somos, del compositor argentino Mario Clavell, en la banda sonara de la película "Carne Trémula" de Pedro Almodóvar.







Un mundo raro. Bolero ranchera de José Alfredo Jiménez. En la guitarra  Luis Manuel Guarneros, talentoso guitarrista que acompañaba frecuentemente a Chavela Vargas. 







Chavela Vargas, cantando en vivo el vals peruano El Andariego del compositor mexicano Alvaro Carrillo.







En el último trago, composición de de José Alfredo Jimenez, cantado en directo. 







La Luna Grande



La Luna Grande es el último trabajo discográfico que publicara Chavela Vargas, hace solamente, muy pocas semanas antes de su lamentable pérdida. Es un disco - libro que está dedicado al poeta granadino Federico García Lorca. El disco consiste en el recitado de dieciocho poesías y dos canciones inéditas: Angel que no veía  y ¿Qué hicieron con tu muerte?.  Famosas canciones que cantó Chavela acompañan los versos.



Reportaje













El Disco





Título: La luna grande. Homenaje de Chavela Vargas a Federico García Lorca

Fecha de lanzamiento (2012),

Lugar: México

Sello:  Discos Corasón y Fundación Federico García Lorca)

Formato: CD, Digipack, incluye booklet

Producción: Mary Farquharson y Eduardo Llerenas



Track List:

1. Arbolé arbolé (Noche de ronda)

2. Noche del amor insomne (Si no te vas)

3. Yo soy la madre de doña Rosita (Sombras)

4. Yo ansío verte llegar (Se me hizo fácil)

5. Cabellos de emperadora (Macorina)

6. El cielo tiene jardines (La llorona)

7. El poeta habla por teléfono con el amor (Amar y vivir)

8. Amor, amor (Cruz de olvido)

9. Toda mi vida (Nosotros)

10. Casida VII, De la rosa (La rosa)

11. Romance de la pena negra

12. Volaré por el hilo de plata (Mujer)

13. Ángel que no vela (Santa)

14. Canción de jinete 1860 (Luz de luna)

15. Gacela III, Del amor desesperado (Soledad)

16. ¿Qué hicieron con tu muerte? (Piensa en mí)

17. Os doy mi corazón (Somos)

18. Canción de jinete (María Tepozteca).



Homenajes



Joaquín Sabina, Víctor Manuel y  Lucrecia, con Chavela cantando a José Alfredo Jimenez







Por el Bulevar de los sueños rotos. Joaquín Sabina en directo en 1994









Fuentes:

http://buenavistavcuba.blogcindario.com/2006/08/00097-ponme-la-mano-aqui-macorina.html

Wikipedia

Los boleros "cantineros", "corta-venas" o "cebolleros", como se les conoció, comenzaron a sonar insistentemente en las radios de música popular y la fama les llegó a estos  boleristas, lo que les permitió trajinar por los teatros y emprender giras frecuentes ganando gran popularidad la misma que trascendería nuestras fronteras.

Lucho Barrios y Pedrito Otiniano abrieron camino para numerosos boleristas, guitarristas y compositores que terminaron por darle personalidad propia al bolero peruano. Pero el tiempo pasó y las rockolas y las cantinas comenzarían a desaparecer, pero el género ya tenía vida propia y no sería olvidado.

Pedrito Otiniano ("El Ruiseñor del amor"), se nos adelantó,  ahora acompaña en la eternidad a Lucho Barrios ("Mr. Marabú") y a otros boleristas que ya se marcharon como Anamelba ("La Novia del Bolero"), y se fueron con esos títulos que le supieron poner la gente común, de la calle,  que amaban y aun aman la música que hicieron.

Nuestro homenaje a Pedrito Otiniano,  que junto con aquellos boleristas,  escribieron una página tan importante en la historia de la música popular peruana.



Lucho Barrios y Pedrito Otiniano  (en vivo) cantando juntos, y recordando aquellos viejos temas que identificaron al bolero peruano y que aun se recuerdan con nostalgia. Pedrito Otiniano ahora acompaña en la eternidad a Lucho Barrios.







Kio, Kio







Cinco centavitos







Tres amores







Que te vaya bien







Pedro nunca olvidó sus origenes como cantante de música criolla peruana, continuamente solía interpretarlos y grabó discos con este género.

En el programa Danzas y Canciones del Perú, que se transmitía por TV en la década del 70, Pedrito Otiniano es presentado por Nicomedes Santa Cruz, para que interprete el vals Esperaré del compositor Pablo Casas Padilla. (Solo audio).

Posteriormente formaría parte de los Hot Blowers, grupo en la que también participó otra figura emblemática de la música uruguaya como es  Rubén "Negro" Rada.

En la década de los sesenta, formó  junto con su hermano Hugo,  la fundacional banda Los Shakers, que empezó versionado a los Beatles, pero que fue madurando hasta generar sus propias composiciones convirtiendose en banda mítica, punto de partida del rock rioplatense  y de gran influencia  en otros países.

Tiempo después, en 1969,  los hermanos Fattoruso, ya radicando en los Estados Unidos formaron  la banda Opa, comenzando la novedosa experiencia de fusionar ritmos como el jazz, rock y música latinoamericana, como el candombe de origen uruguayo, y ritmos cubanos y brasileros. Nuevamente esta agrupación se convertiría en una banda mítica e influyente con las nuevas armonias que creaban.

En los primeros años de la década de los ochenta, radicó en la ciudad de Buenos Aires donde tuvo ua prolífica actividad artistica junto a su compatriota Rubén Rada y los argentinos Luis Spinetta, Fito Paez y Lito Nebia. Grabó numerosos discos con la cantante y compositora uruguaya Mariana Ingold.

En el 2000 revivieron el Trio Fattoruso junto con su hermano Hugo y Francisco, hijo de éste.

En el 2005 la banda original se vuelve a reunir ralizando varias presentaciones y publicando el disco Bonus Tracks.

Cuelgo la presente entrada con algunos pasajes  de su trayectoria como un homenaje a un músico fundamental para Uruguay y latinoamerica.

Osvaldo Fattoruso, un músico clave de la música rioplatense

A causa de un cáncer, en la madrugada de ayer murió un integrante de esa verdadera familia de artistas: los Fattoruso.



El cantante y baterista uruguayo Osvaldo Fattoruso, integrante de una familia artística de enorme influencia en la música rioplatense, falleció en la madrugada de ayer, a sus 64 años. Osvaldo, integrante de formaciones fundamentales de la música popular de su país como Los Shakers y Opa, murió en la ciudad de Montevideo tras una larga lucha contra el cáncer.



Dueño de un talento que asomó desde niño cuando comenzó a pisar los escenarios, Osvaldo alcanzó su gran popularidad en la década del 60’ junto a su hermano, el excepcional pianista, guitarrista y cantante Hugo Fattoruso, con quien conformó un tándem inquieto, prolífico y audaz. Los alcances de esa propuesta sanguínea parida de una personal y exquisita manera de cruzar el jazz, el rock, el candombe y la milonga, hizo que su toque trascendiera las fronteras uruguayas para contaminar de inspiración los oídos atentos de músicos y oyentes de toda Iberoamérica



Osvaldo, que nació el 12 de mayo de 1948 en Montevideo, debutó con apenas 8 años tocando la batería en el Trío Fattoruso, que lideraba su padre Antonio Fattoruso. Pero el gran paso lo concretó hacia mediados de la década del 60’, cuando también con Hugo (guitarra y voz), Roberto Capobianco (bajo) y Carlos Villa (batería), dio forma a la agrupación de inspiración beatle Los Shakers. El cuarteto encaraba impecables covers de Los Beatles, pero su máximo hit fue “Rompan todo”, un tema propio cantado en inglés y parte insalvable de un repertorio que fue conocido en otras latitudes. Lejos del terruño pero con la sensibilidad a flor de piel, los “Fatto” sumaron al bajista Ringo Thielmann y, más tarde, a Rubén Rada, para plasmar una venerada fusión de rock, jazz, candombe y ritmos cubanos y brasileños.



El descomunal trabajo quedó plasmado en placas como “Goldenwings” (1976), “Magic Time” (1977) y “Otroshakers” (1981), y ya en los albores de la década del 80, Osvaldo retornó a Uruguay y más tarde se radicó en Buenos Aires donde tocó con grandes del rock nacional como Litto Nebbia, Luis Alberto Spinetta, Alejandro Lerner, León Gieco y Fito Páez, entre otros. En 2000, los hermanos Hugo y Osvaldo recrearon aquel fundacional y familiar Trío Fattoruso, ahora con Francisco (hijo de Hugo) como bajista, formación desde la que surgieron dos nuevos títulos a la imponente galería musical.



Como parte de ese viaje al pasado y de una indómita personalidad, los hermanos Fattoruso también propiciaron hacia 2005 el regreso de Los Shakers luego de 37 años y grabaron “Bonus tracks” en los estudios Circo Beat de Buenos Aires.

Publicado en:  http://www.larazon.com.ar/show/Osvaldo-Fattoruso-musico-musica-rioplatense_0_373200036.html



Testimonio de Rubén Rada









Los Fattoruso  en Perú 

"Era 1966 y nuevos visitantes internacionales llegaban al Perú. Los primeros fueron Los Shakers. El grupo uruguayo liderado por los hermanos Fattorusso era considerado la respuesta latinoamericana a los Beatles. Sin embargo supieron evolucionar rápidamente y compusieron brillantes temas propios. Personalmente, considero su disco de 1968, La Conferencia Secreta del Toto's Bar, como el mejor disco psicodélico salido de cualquier escena latinoamericana. En sus inicios de Punta del Este tocaban a la vez en un grupo de jazz be bop y luego se cambiaban el traje e iban a otros garitos a tocar rock, hazaña esquizofrénica  que pocos músicos pueden lograr. Habiendo conquistado Argentina emprendieron una gira a Perú. Iempsa organizó un encuentro con Los Shain's,  que fueron al aeropuerto a recibirlos tocando el tema Break it all, de los uruguayos. Los Shakers tocaron en Cancionísima y frecuentaron a Los Shain's que les organizaron fiestas en casa de Gerardo y Carlos Manuel Barreda. El cumpleaños de Hugo Fatturusso, por ejemplo, se celebró en casa de Gerardo. Su madre le preparó al visitante uruguayo una torta de cumpleaños. Además tocaron en un festival y dieron juntos varias entrevistas. Los uruguayos también hicieron varias presentaciones con Los Dolton's. Sin embargo, el acontecimiento más importante fue el mano a mano que protagonizaron con Los Shain's en el cine Excelsior. La policía tuvo que cerrar tres manzanas debido a la afluencia de público." 

Extraído del libro "Demoler. Un viaje personal por la primera escena del rock en el Perú 1957-1975" de Carlos Torres Rotondo. Revuelta Editores, Lima Perú. Julio 2009.



Los Shakers



Los Shakers es la banda que en 1964,  formaron  en Punta del Este, los hermanos  Hugo y Osvaldo Fattoruso junto a Roberto "Pelín" Capobianco y Caio Villa. En 1965 son contratados por la disquera Odeón  y se trasladan a Buenos Aires donde en 1965 graban su primer disco: Los Shakers, en este disco se  encuentra el tema  Break it all con el que alcanzaron el éxito total no solo en Argentina y Uruguay sino también en todos los países vecinos.







Los Shakers evolucionaron rápidamente, y en su álbum de 1968 el LP títulado La Conferencia Secreta de Toto's Bar, que fue el último que presentaron como Los Shakers,  entregaron  una acertadísima propuesta, que en realidad era la continuación más avanzada de su LP anterior Skakers For You (1966),  resumieron  las manifestaciones musicales de la época, comandadas principalemente por la psicodelia, a la que incluso añaden una visión propia del interior del país,  rescantando ritmos típicos como el candombe, el resultado es un álbum para la historia. Algunos consideran a este álbum como el Sgt. Pepper de América Latina.

Internauta Orfeu1948, subió este que aquí pego , tres temas del álbum 1.- La Conferencia Secreta de Toto's Bar / Mi tía Clementina; 2.- Candombe









Otros tres temas del LP La Conferencia Secreta del Toto's Bar, en este caso son los tres últimos:

9.-  El Pino y La Rosa (memorable tema); 10.- Señor Carretera, el Encantado y 11.- Más largo que el Ciruela (con bandoneón incluído)







Opa



Opa, la segunda banda formada en lo años setenta, por los hermanos Fatturosso en complicidad con el estadounidense Ringo Thielman, realmente fue una banda espectacular en la fusión del jazz, rock y candombe. En el video el trío original se reúne nuevamente con una formación extendida donde son invitados otros músicos, como Ruben Rada, que en algún momento fue parte de la banda.







Con Mariana Ingold



San Martín de Porres es un tema extraído del  disco Candombe en el tiempo (Ayuí/ Tacuabé, 1994) publicado con Mariana Ingold músico, cantante y compositora uruguaya. Con ella, Osvaldo Fatturoso publicaron una decena de discos.







El Trío Fattoruso



Después de 50 años Los Fatturoso revivieron  al trío, incorporando esta vez a Francisco, quien es hijo de Hugo y toca el bajo eléctrico.







Maestro



Osvaldo Fattoruso: Batería, candombe y docencia.







Osvaldo Fatturoso:  disertando, Influencias Africanas

Carlos Hayre



Domingo, 22 de julio de 2012 | 4:30 am

Ha fallecido el maestro Carlos Hayre, uno de los auténticamente grandes de la música peruana. Uno de los que dejan huella imborrable por la verdad y honestidad de su obra. Instrumentista virtuoso, compositor fino e indagador de nuevas alamedas para nuestra música tradicional criolla, Hayre representa una cumbre que crece y se apreciará cada vez mejor con el tiempo.

Fue un limeño de toda la vida, abierto al mundo con naturalidad y sin pose. De formación autodidacta, nunca cesó de aprender e investigar. No buscó ni se conformó con el éxito necesariamente pasajero y engañoso. Su obra revela una profunda vocación de trabajo y disciplina al servicio del arte. La música criolla tuvo en él un cultor pero también un pionero.

Fue un profundísimo conocedor de la guitarra. Su virtuosismo y su inagotable talento para explorar las posibilidades del instrumento y lograr con él hallazgos sensibles y creativos, hicieron de él un intérprete fino y rico de matices. Quienes alguna vez lo oímos interpretar con la guitarra, no olvidaremos jamás su capacidad expresiva y muy especialmente su capacidad para la improvisación.

No se subrayará nunca con énfasis suficiente su aporte como musicólogo: investigador incansable de nuestra música, recopilador acucioso de temas extraviados o perdidos, rescatador metódico de un acervo que padece indiferencia y olvido generalizados. Y todo ello sin apoyo de ningún mecenas estatal o privado. Fue el suyo un esfuerzo individual, quijotesco, a cambio de nada material, por amor a lo nuestro.

Hayre supo colaborar y trabajar creativa y eficazmente en equipo. Su colaboración de muchos años con la gran Alicia Maguiña, una de las más bellas experiencias de colaboración artística en nuestro medio, produjo joyas que solo en parte quedaron registradas en disco, mientras otras quedarán hasta el último día en la memoria de quienes tuvieron el privilegio de asistir a sus conciertos.

También queda como rica joya de nuestro acervo su colaboración creativa con el gran Manuel Acosta Ojeda, cuyo fruto son decenas de canciones insuficientemente difundidas a pesar de su belleza musical y literaria. Hay que rescatar estas creaciones, así como el conjunto de la obra de Hayre, para el gusto popular enervado por el bombardeo permanente de hits deleznables.

Al forjar su obra con honestidad y verdad, Carlos Hayre dio un ejemplo muy necesario a los peruanos de hoy, excesivamente deslumbrados por el dinero, el éxito, la fama, conseguidos como sea. En esta época en que pululan los imitadores y remedadores, el ejemplo de vida de Hayre reivindica la dignidad y la validez invencible de la creación y la autenticidad.

(Ronald Gamarra Herrera)

Publicado en:  http://www.larepublica.pe/columnistas/causa-justa/carlos-hayre-22-07-2012



Entrevistas 



Una emotiva entrevista le efectúa algún grupo de estudiantes al maestro Hayre, quién como sabemos estuvo residiendo en los Estados Unidos ejerciendo docencia. En la entrevista narra brevemente su formación musical e inclusive con el instrumento que acompañó tantas años de su vida y  a pesar de la dificultad que ya tenía, explica con claridad didáctica los valiosos aportes que hizo a la música criolla peruana, en los arreglos musicales y en acompañamiento con  la guitarra, incluyendo armonías modernas.









Entrevista efectuada por el premiado cineasta y documentalista peruano Javier Corcuera







Manuel Acosta Ojeda



Con Manuel Acosta Ojeda,  brillante y destacado compositor y letrista de la música criolla de la costa peruana, le une una amistad que comenzó cuando ambos eran todavía adolescentes, durante esa larga amistad compusieron juntos varios hermosos valses que lamentablemente nunca llevaron al disco 

Carlos Hayre y Manuel Acosta Ojeda aparecen juntos en Programa de TV , conducido por Augusto Polo Campos e interpretan el valse Siempre. En esta presentación también estuvo invitada Alicia Maguiña que aparece en imágenes. Carlos Hayre estuvo casada con ella durante 25 años.







Adiós y sombras en homenaje en 2007 a Carlos Hayre,  nuevamente se juntaron y subieron a escena e interpretar este hermoso vals.







Poema-canción 



Casi adelántadose a los movimiento musicales de la Nueva Canción que se estaba gestando en los años 60, Carlos Hayre pone arreglos musicales a poemas de César Calvo y Reynaldo Naranjo y con ellos graban un disco LP con título: Poemas y canciones(RCA Víctor, 1967), donde el mismo maestro Hayre pone el marco musical acompañando la interpretación de los versos que canta el propio poeta César Calvo.  El poema Para un gorrión caído fue dedicado al guerrillero y poeta Javier Heraud, que había fallecido en la selva del departamento de Madre de Dios.







Acompañando a César Calvo, poema  De no acabar







La despedida







Carlos Hayre y Alicia Maguiña, la armonía vanguardista



Carlos Hayre introduce formas vanguardistas en la ejecución de la guitarra y en los arreglos musicales para los valses, marineras, festejos y otros ritmos propios de la costa peruana, Carlos Hayre y Alicia Maguiña que se habían casado en 1969, publican el álbum Alicia y Carlos (1970, Iempsa, CD en 2011) este álbum es uno de los principales hitos de la nueva corriente que proponía Hayre.  Aquí colgamos uno de los cortes que es una recopilación de antiguas marineras limeñas. Participa el cajón de Eusebio Sirio "Pititi" instrumento que también es revalorizado a partir de este álbum. Como no hay marinera sin contrapunteo participa una leyenda de la marinera limeña como es Don Augusto Ascuez. Podrán apreciar la calidad del maestro Hayrecon calidad impecable acompañando con mesura y dando el protagonismo a los vocalistas.







Escuchen con atención la interpretación que hace Alicia Maguiña con el acompañamiento de Carlos Hayre  de este vals que tiene por título Por eso 







Carlos Hayre aparece acompañando a Alicia Maguiña que interpreta  el tema Zaña completamente como un tondero norteño según es explicado en el video;







Docencia 





Método de guitarra es un álbum doble (1969, Iempsa/ Líder) que fue publicado con un manual que incluía las lecciones del disco







Tropical



 Con NicomedesSanta Cruz, casi anecdóticamente compusieron esta cumbia y que grabara posteriormente La Sonora Matancera. Saguate Cumbia fue muy popular en México y Colombia asi como en otros países. En Colombia pasaría a convertirse en parte de ese grupo de música tradicional y emblemática para ese país. 









Carlos Hayre formó y dirigió una orquesta de música tropical . Carlos Hayre y Orq.  Un álbum  que publicó es Ritmo al rojo vivo (1975, El Virrey), un disco de guarachas, boogaloos y otros ritmos de influencia cubana. Orquídeas es un tema compuesto por Hayre.







Carlos Hayre y orq. Me gusta Boogaloo, un sencillo incluido en el álbum mencionado, es uno de los temas  de culto de los seguidores actuales de este género.









Fuentes:

Darío Mejía en www.peruan-ita.org

www:vinilosperuanos.blogspot.com

www.criollosperuanos.com

wikipedia

El pasado 30 de junio, falleció el excelente músico puertorriqueño,  Yomo Toro, a quién  recordamos por haber llevado el "cuatro",  instrumento musical de cuerdas típico y emblemático de su país,  a las grandes formaciones salseras en los años 70 del siglo pasado. Yomo compartió escenarios con lo más representativo de la música salsa, entre otros,  con Larry Harlow, Willie Colón, Héctor Lavoe y todas las estrellas de La Fania.

Yomo Toro, cuyo verdadero nombre fue Víctor Guillermo Toro Vega, había nacido en Guánica en Puerto Rico,  un 28 de julio de 1933. Sus inclinaciones musicales,  en especial por el cuatro comenzaron a edad muy temprana  tocando en formaciones típicas de su país, y todavía joven viajó a la ciudad de Nueva York donde conocería a las grandes estrellas de la salsa, y a partir de este episodio, la historia de Yomo y el cuatro puertorriqueño alcanzaría dimensiones mundiales.

El cuatro es un instrumento musical de  cuerdas de Puerto Rico que acompaña a los cantos y bailes típicos, consta de 10 cuerdas (cinco cuerdas dobles).

No podía obviar dedicarle una entrada, como un pequeño homenaje, a tan destacado artista, y a su gran aporte y trabajo por la música latina. Lo recordamos con nostalgia, pero nos alegrará el alma a menudo por su carisma, su calidad  y todos sus trabajos que nos deja como herencia. Yomo Toró seguirá siendo el Rey del cuatro. Descanse en paz maestro.

Quítate tú pa’ ponerme yo

Domingo, 08 de julio de 2012 | 4:30 am

Yomo Toro era un virtuoso del cuatro, un instrumento de cuerdas tradicional puertorriqueño que les dio a los artistas de la orquesta de la Fania la máxima expresión de la salsa, su sello de identidad. El 30 de junio falleció a los 78 años y dejó un impresionante legado musical. Los artistas de la época de oro de la Fania grabaron con él o lo llevaron a sus conciertos en todos los continentes. Intervino en cerca de 200 álbumes de los más diversos géneros. Todo empezó cuando su papá le obsequió un instrumento de madera que él mismo fabricó.

Por Ángel Páez/

Se formó en las fiestas y bailes populares de su pueblo, y cuando aprendió a dominar las cuerdas, partió para la capital, San Juan, donde prefirió dedicarse al bolero, que estaba en su momento de ebullición.

Formó parte de los Cuatro Ases, con el legendario Bury Cabán (grabaron el famoso tema “Amor con amor se paga”). Después de una gira en Nueva York, en 1953, Yomo prefirió quedarse, vinculándose con otros artistas y agrupaciones melódicas, en particular puertorriqueños, como el cantante Johnny Albino, la voz principal del Trío San Juan, que competía con Los Panchos. En 1958, Chucho Navarro, líder de Los Panchos, despidió a Hernando Avilés y lo reemplazó con Albino, que se quedó con los mexicanos hasta 1968. En ese periodo, John Albino llamó a su amigo Yomo Toro como músico de apoyo de las sesiones de grabación de los discos de Los Panchos.

El productor peruano Alberto Maraví Chombo fue testigo de esa etapa de Yomo: “Yo era amigo de Chucho Navarro como de Johnny Albino. Yomo Toro y Albino se conocían desde los años 50 en Nueva York. Cuando Johnny dejó a Los Panchos, hizo una carrera solista en la que Yomo Toro también lo acompañó. Eso fue mucho antes de que él formara parte de la Fania. Yomo hizo historia primero con el bolero, luego con la salsa. La fama no lo cambió. Lo conocí antes y después del estrellato con la Fania y siguió siendo el mismo modesto músico que te pasaba la voz en la calle”. Maraví fue el representante de la Fania en el Perú, de modo que sabe de lo que habla. Era un tiempo en que los géneros que Yomo Toro manejaba con maestría estaban en el centro de la popularidad. Por eso el Canal 41 de Nueva York lo contrató para que presentara a los mejores artistas del momento. El virtuoso de las cuerdas condujo el programa “Yomo Toro Show”, entre los años 1965 y 1975, donde desfilaron las estrellas de la época. Yomo era rey.

Y Johnny Pacheco llamó a Yomo Toro para ver qué salía. En un principio no estaba previsto un cuatro para la grabación de Asalto Navideño sino una guitarra eléctrica. Yomo no se hizo problema y le puso cable al cuatro. Johnny, Willie y Héctor quedaron asombrados con el resultado. Entrevistado por el Proyecto del Cuatro Puertorriqueño, una organización que preserva la tradición del Borinquen, Yomo contó lo sucedido: “Cuando a mí me llamaron me dijeron que fuera con una guitarra electrónica para grabar con Willie Colón, y en vez de yo coger la guitarra electrónica, cogí un cuatro: me lo enganché en la espalda y me fui para el estudio. Pacheco estaba dirigiendo la grabación, y cuando me vio con el cuatro creyó que yo me había equivocado. (Johnny, Willie y Héctor) se quedaron calladitos. Pero cuando terminamos de grabar, Willie me dijo: ‘Yo creo que esto va a ser un hit’. Y exactamente fue uno de los hits más grandes de la Fania”.

El cuatro de Yomo Toro se luce de punta a punta, pero con peculiar brillo en “La Murga” y “Esta Navidad”. El gran jefe de la Fania, Johnny Pacheco, se entusiasmó con la magia del cuatrista y grabó una segunda parte, Asalto Navideño volumen II (1973). Pero esta vez el crédito de Yomo Toro aparece en la carátula junto con Willie Colón y Héctor Lavoe, como se lo merecía. Incluso ilustra la portada disfrazado de Papá Noel. El trío se reencontró en otro título de antología, The Good, The Bad, The Ugly (1975). Al decidir Colón seguir su propio rumbo, lo reemplazó el veterano Daniel Santos, uña y carne de Yomo. Grabaron con Lavoe el título Feliz Navidad (1979). Yomo recordó así a Daniel Santos: “Cuando llegaba a Nueva York y tenía que actuar con una orquesta siempre me llamaba para que tocara el cuatro. Le decía al empresario: ‘Yo canto, pero me tienes a Yomo Toro tocando el cuatro’. Cuando preparábamos un show, él ensayaba con un botella en la mano”. El maestro de la cuerdas, sin embargo, no bebía ni fumaba. Solo le encantaba la comida. No había un gran disco de la Fania en el que no estuviera. Intervino en Solo (1979, El Baquiné de Angelitos Negros (1977) y Fantasmas (1981), álbumes fundamentales de Willie Colón; así como en Metiendo mano (1977), de Willie Colón con Rubén Blades, y Vigilante (1983), de Héctor Lavoe con Willie Colón; además de Felicidades (1973), de Cheo Feliciano, y De ti depende (1978), de Lavoe. Y no podemos obviar los conciertos en vivo, porque es en directo cuando se disfruta mejor el arte de Yomo. La candela te quema más rápido: Nuestra cosa (1972), Live en San Juan (1973), En vivo en África (1974), Live At The Cheetah (1974, donde se registra el famoso “Quítate tú”, de 16 minutos), Live At Yankee Stadium (1975) y Live in Japan (1978), por mencionar algunos. Yomo Toro sobrevivió varios años a la era de la Fania y pudo grabar sus propios discos y experimentar con otros artistas. Era un espíritu inquieto. Es el caso de El espíritu jíbaro, que grabó con el espectacular trombonista Roswell Rudd y que tiene como invitado al mítico instrumentista maliense Toumani Diabaté. Asombra porque explora ámbitos inimaginables y de una belleza inexplicable. Hasta ahí namá.

Llegó a Lima en 1995 y el productor de “Descarga en el Barrio”, Omar Córdova, tuvo la oportunidad de entrevistarlo. “En esa ocasión, además de Harlow, llegó con Ray Barretto y Sal Cuevas. Hablamos de la época en que trabajó con Héctor Lavoe. Me dijo que Héctor era como un niño y que él asumió el papel de padre. Yomo Toro era una persona sencilla y jovial. Te trataba como si te conociera de años. Me contó que le encantaba la música peruana. Para mi sorpresa sabía mucho del Cholo Berrocal. A Yomo le apasionaba su manera de tocar la guitarra y de cantar”, narró Omar Córdova. Probablemente a Yomo Toro el estilo de Berrocal le recordaba la época de los boleristas puertorriqueños, que cantaban con el corazón roto en la mano.

Como todo grande, era muy versátil. Fue parte de la banda sonora de Bananas (1971), la película de Woody Allen. Grabó Rei Momo (1989), del ex Talking Heads David Byrne. Regresó a los boleros con Frenesí (1992), de Linda Ronstadt. Y tocó con los chicos de Zon del Barrio, de Nueva York, en la placa Cortijo’s Tribe (2007). Yomo Toro no sabía decir no porque era un hombre del campo cuya carrera comenzó cuando su papá le regaló un cuatro de palo. Eso jamás lo olvidó, ni siquiera en la época que reinaba con la Fania. Ahora que se ha ido al cielo, debe estar rumbeando con el cuatro que le fabricó su padre.

¡Y no va a ser!

Publicado en: http://www.larepublica.pe/08-07-2012/quitate-tu-pa-ponerme-yo



Nota en TV.







Disco Asalto Navideño (1970, Fania), catapultó a la fama a Yomo Toro y el cuatro. Es uno de los discos más importantes de La Salsa. Yomo compartiendo escenario con las figuras más destacadas de la salsa 











Traigo la Salsa en vivo otro famoso tema del álbum Asalto de Navidad.  Yomo con su cuatro acústico está en primera fila como figura estelar en un  show televisado en Puerto Rico.









Todas las estrellas de La Fania, entre ellos Yomo Toro.









Con la orquesta del legendario Pianista Larry Harlow. Yomo en extendido solo con una variedad sorprendente de ritmos y melodías 

Entre octubre y diciembre del año pasado, Charly García, como celebrando cumplir 60 años, presentó tres conciertos, inolvidables para los que tuvieron la oportunidad de asistir, fueron tres noches en que no repitió ningún tema, presentó 60 canciones que forman parte de su extensa trayectoria creativa que abarca 40 años, con las que nos hace recordar a las legendarias bandas en que participó como Sui Generis, PorSuiGieco Serú Girán, La Máquina de hacer Pájaros, y  tambíén de su etapa como solista. Charly  reunió a la banda que ahora lo acompaña (The Prostitution) con un trío de cuerdas, además de bandoneón a cargo del músico Fernando Samalea, a la que se sumó la voz en coros de Rosario Ortega. Una atmósfera simfónica con aires porteños, excelente puesta en escena, musical y visual y todo dirigido por el mismo Charly.



Muchos elementos que destacar de las presentaciones como la vestimenta "SayNoMore", el maniquí percusivo, las narraciones en off , la proyección de Un Perro Andaluz de Luis Buñuel homenajeando al surrealismo, etc, etc.



"La Vanguardia es así", "Detrás de las Paredes" y "El Ángel Vigía", son los nombres de los conciertos que enmarcaron semejante despliegue musical y que tuvo invitados de la talla de Nito Mestre, Pedro Aznar, Fito Paez, con los que trabajó en diferentes etapas de su vida artística.



Estos tres conciertos ha sido reunidos en una superlativa producción, un box-set de lujo, con el título de 60 x 60 que reúnen 3 dvd con más de 3hs de concierto, 3 Cd de audio,  un libro de 44 pág, un  póster gigante y  un dibujo original de Charly. La producción, la calidad de las grabaciones, el despliegue espectaular de los músicos, los arreglos justos, hacen que esta producción nos presente una renovada y refrescante  reedición de las ya legendarias e inolvidables creaciones de Charly, piezas fundacionales, que forman parte de la historia musical no solo del rock argentino sino de la música del continente e inspiradora constante de sucesivas generaciones.



Verdaderamente una suerte de haberlo tenido nuevamente en Lima y en concierto,  nos hace renovar lazos de identidad con la música que amamos y  nos hace tener presente que  la música es una arma poderosa para derrotar a fuerzas oscuras y nos hace recordar que Charly cumplió su papel de artista cuando con creatividad supo sacarle la vuelta  a los censura ejercida por individuos de recortada capacidad en épocas oscuras de la historia argentina. Say no more.

60 x 60 refleja un momento vital e intenso de Charly García. Y es la expresión tangible de "La Vanguardia es así", "Detrás de las Paredes" y "El Ángel Vigía", los conciertos que, con su banda The Prostitution (Cristine Brebes, Julián Gándara, Carlos García López, Carlos González, Kiuge Hayashida, Rosario Ortega, Fernando Samalea, Toño Silva, Alejandro Terán y Fabián Von Quintiero) realizó en el Teatro Gran Rex a fines de 2011.



Este box set contiene 3 DVD con más de tres horas de concierto y extras adicionales, 3 CD con el audio de los recitales, un libro de fotos de 44 páginas con más de 80 excepcionales fotografías, un póster de 0,40 x 1m, las letras de todas las canciones y un dibujo original de Charly, de reproducción numerada.



Una edición fundacional que también es una verdadera antología musical de García en vivo: Desde Canción para mi muerte a Eiti Leda, desde Chipi chipi hasta Influencia, 60 x 60 es una recorrida por cuarenta años de composiciones indelebles que hicieron brillar a nuestro Rock Nacional con la mirada y arreglos de Charly 2012 (que incluyen cuerdas, bandoneón y vibráfono). Y con invitados de lujo: Pedro Aznar, Juanse, Nito Mestre, Fito Páez, Graciela Borges y Juan Alberto Badía.



Los conciertos fueron registrados en sistema High Definition con doce cámaras, grabados y mezclados por Pichón Dal Pont -ganador de 3 premios Grammy- y masterizados por Ted Jensen en Sterling Sound, Nueva York, con Joe Blaney como ingeniero consultor.

Publicado en http://www.charly60x60.com.ar/




El Box-Set



DVD 1 - LA VANGUARDIA ES ASI

Concierto 27 de octubre de 2011



Tracklist:

01 - Tango en segunda

02 - El amor espera

03 - Cerca de la Revolución

04 - Rock and Roll Yo

05 - Anhedonia

06 - No importa

07 - Nos siguen pegando abajo (Pecado mortal)

08 - Viernes 3AM

09 - La grasa de las capitales

10 - Me siento mucho mejor

11 - 20 trajes de lágrimas I

12 - Tu vicio

13 - Chipi Chipi

14 - Demoliendo hoteles

15 - No voy en tren

16 - Desarma y sangra

17 - Los Dinosaurios

18 - No toquen

19 - Confesiones de invierno



DVD 2 - DETRAS DE LAS PAREDES



Tracklist:

01 - Instituciones

02 - Pasajera en trance

03 - Rezo por vos

04 - Yendo de la cama al living

05 - Necesito tu amor

06 - Hablando a tu corazón

07 - Influencia

08 - 20 trajes de lágrimas II

09 - Fantasy

10 - Canción de Alicia en el país

11 - No soy un extraño

12 - No me dejan salir

13 - Cuchillos

14 - Inconciente colectivo

15 - La sal no sala

16 - Promesas sobre el bidet

17 - Perro andaluz

18 - No llores por mí, Argentina

19 - Rasguña las piedras

20 - Fanky



DVD 3 - EL ANGEL VIGIA

Concierto 1ro de diciembre de 2011



Tracklist:

01 - Piano Bar

02 - Canción de 2 x 3

03 - I´m not in love

04 - Plateado sobre plateado

05 - La chica que se robó al mundo

06 - El día que apagaron la luz

07 - Deberías saber porqué

08 - Nuevos trapos

09 - Popotitos

10 - Llorando en el espejp

11 - No te animás a despegar

12 - 20 trajes de lágrimas III

13 - Raros peinados nuevos

14 - Rap del exilio

15 - Asesíname

16 - Canción para mi muerte

17 - No se va a llamar mi amor

18 - Eiti Leda



MÚSICOS



Christine Brebes : violín

Julián Gándara : cello

Alejandro Terán : viola



Fernando Samalea : bandoneón, vibráfono, maniquíes, gong



Carlos García López : guitarra

Carlos González : bajo

Kiuge Hayashida : guitarra

Toño Silva : batería

Fabián Von Quintiero : teclados electrónicos



Rosario Ortega : voces



Invitados especiales:

Pedro Aznar

Nito Mestre

Fito Paez

Os Paralamas do Sucesso

Juanse

Juan Alberto Badía y Graciela Borges (Narración off)



Edición: DSX Films



Promoción







No me dejan Salir  del concierto  "Detrás de las paredes". El tema forma parte del tercer álbum como solista de Charly, Clics Modernos (1983, SG Discos), un disco revolucionario en el momento grabado en Nueva York, con músicos americanos y con Pedro Aznar que en esos momentos formaba parte de la banda de Pat Metheny.







Desarma y sangra, emotivo tema compuesto por García para Serú Girán, forma parte del álbum Bicicleta (1980, SG Discos), el disco fue uno de los más importantes del grupo y le permitió alcanzar amplio reconocimiento. El tema lo interpreta García en dueto con la inolvidable Mercedes Sosa en su álbum Cantora 2







Canción de Alicia en el pais. Tema de Charly García del álbum Bicicletas de Serú Girán







Eiti Leda interpretado en el concierto denominado "El Angel vigía". Como se conoce esta canción compuesta por Charly García muy joven,  surgió en la época de Sui Generis, debía formar parte del disco nunca editado "Ha Sido". El tema originalmente se llamaba "Nena", que fue interpretado en el concierto "Adiós Sui Géneris" (1975) y no fue incluido en el disco doble que se editó en base a este concierto. En 1994 fueron encontradas las grabaciones por el productor de Sui Géneris, publicándose Adiós Sui Géneris Vol III  (1994, Talent Microfón) donde se incluye este tema con el nombre de Eiti Leda, pues ya se conocía así por que había sido grabada por Serú Girán (Serú Girán, 1978, Music Hall).







Con Nitro Mestre, Instituciones ejecutado en el  concierto "Detrás de las paredes".  Es el tema que abre el tercer álbum de estudio de Serú Girán, titulado Pequeñas anécdotas sobre instituciones (1974, Talent Microfon), un disco cuyos temas estaban cargados de referencias sobre el momento en que se vivían por ese entonces,  caracterizado por la represión y la censura. En aquel momento el grupo  ya era un cuarteto pues además de Charly y Nito  lo conformaban Rinaldo Rafanelli y Juan Rodríguez y sonaba más eléctrico pues Charly puso en uso todas la innovaciones que trajo de su viaje a Estados Unidos.







Con Pedro Aznar: No llores por mi Argentina del concierto "Detrás de las paredes",  es el primer tema del álbum homónimo (1982, SG Discos)  el quinto de Serú Girán grabado en directo, en un concierto que precisamente, sirvió para despedir a Pedro Aznar bajista de la banda.  Uno de los brillantes discos de la historia musical argentina.







Con Pedro Aznar: El Perro Andaluz en concierto "Detrás de la Paredes". El tema data de la época de Serú Girán compuesto por García fue incluido en el histórico álbum La Grasa de las capitales (1979, Sazam Records, Music Hall), segundo disco de la banda.







Con Fito Paez:  No se va a llamar mi amor en el concierto "El Angel vigía", el tema compuesto por Charly  que pertenece su cuarto álbum como solista titulado Piano Bar (1984, SG Discos).  En la banda que acompañaba a Charly se encontraba   Fito Paez en los teclados.









En Lima 

Pedro y Charly, se juntaron nuevamente en escena (Foto: difusión)

Pedro Aznar  recibió una distinción muy especial  en el Palacio Legislativo de la ciudad de Buenos Aires, legisladores de este recinto decidieron  reconocerlo como "Personalidad Destacada de la Cultura", organizaron por este motivo una ceremonia donde luego de las palabras propias de la ocasión y del agradecimiento respectivo de Pedro Aznar, este ofreció un pequeño recital  el mismo que fue acompañado por  Roxana Amed, Víctor Heredia y Charly García que reapareció cantando luego del incidente con su salud en reciente presentación.

Sin duda es  un reconocimiento justo para la genialidad de este gran músico, compositor y cantante, que mantiene una nutrida actividad en favor de la cultura, no solo de Buenos Aires, porque su trabajo trasciende fronteras

Leer la nota al respecto.

Distinguieron a Pedro Aznar, y Charly García estuvo de visita



El músico fue reconocido "Personalidad Destacada de la Cultura" de Buenos Aires por la Legislatura porteña.

Martes 19 de Junio del 2012 | 23:16



Pedro Aznar fue reconocido "Personalidad Destacada de la Cultura" de Buenos Aires por la Legislatura porteña, en una ceremonia que terminó con un breve recital que compartió hacia el final con Charly García.



"La música me dejó crecer, volar, me dio una familia hermosa y amigos, pocos pero como debe ser. La palabra gracias me queda chica", dijo Aznar en su discurso tras recibir la distinción de manos de los diputados Cristian Ritondo, vicepresidente primero del cuerpo legislativo, y Rafael Gentili (Proyecto Sur).



Antes de la ceremonia y de interpretar algunas canciones de su repertorio, Aznar compartió el camarín con David Lebon, con quien integró Serú Girán entre fines de los '70 y principios de los '80.



Aznar comenzó una presentación junto a la cantante Roxana Amed, con que quien realizó los temas "Amor de juventud", de Aznar, y "Después", del disco solista de la intérprete, actuación que continuó con el Ciudadano Ilustre de la ciudad, Víctor Heredia.



Aznar y Heredia interpretaron "Caja de música", tema con música de Aznar y letra de Jorge Luis Borges, y "Todavía cantamos", de Heredia. Por último, el músico presentó a Charly García, con quien realizó "Mala señal" y "Tu amor", incluido en el disco Tango 4 que Aznar y García grabaron en 1991.

Publicado en: http://tn.com.ar/musica/hoy/00099932/distinguieron-a-aznar-y-charly-estuvo-de-visita



En la legislatura porteña con Roxana Amed - Amor de Juventud







Después de todo el tiempo con Roxana Amed







Con Víctor Heredia interpretan  El Gaucho poema de José Luis Borges, musicalizado por Pedro Aznar,    incluido en el álbum Caja de Música







A dúo con Víctor Heredia  Todavía cantamos









Pedro Aznar y Charly García recordando temas como Mala Señal y Tu amor del  álbum que grabaron juntos: Tango IV (Columbia, 1991)









Encuentro en el estudio



Lalo Mir conduce el programa "Encuentro en el estudio", del Canal Encuentro que patrocina el Ministerio de Educación del estado argentino, y hace algunas semanas, le hizo una refrescante entrevista a Pedro Aznar, finalmente los responsables del programa colgaron en su canal de YouTube toda la entrevista, el mismo que era esperado con mucho interés por los seguidores del artista. En apenas una semana el video tiene cerca de 70 mil hits.

En la entrevista Pedro, hace un recuento biográfico de su vida, sus primeros pasos musicales, su experiencia con Mono Fontona y Lito Espumer, sus peripecias a lo Jaco Pastorius, su participación en legendaria y germinal banda Serú Girán, sus colaboraciones con el Flaco Spinetta, sus estudios en Berklee y la experiencia vivida al ser invitado a formar parte de la banda de uno de los grandes músicos de la escena mundial como Pat Metheny. Toda esta historia es matizada con intervenciones musicales de Pedro.









Al final de la transmisión, en la presentación de los créditos escuchamos su versión de María Landó de Chabuca Granda, que como peruanos, nos emocionó especialmente.





María Landó, presentación en directo







María Landó, en dueto con Mercedes Sosa, magnífico.







Con Eva Ayllón. Pedro produjo el álbum Eva que fue nominado en el Grammy Latino 2003 en la categoría "Mejor Álbum Folclórico".

Paul en reciente boda (Foto: www.hola.com)

No puede haber un cumpleaños número 70 que no sea digno de celebrar, y si el personaje que lo cumple es Paul McCartney la celebración se torna en un acontecimiento de magia. Paul es para muchos y entre ellos yo,  uno de los héroes de nuestra vida, porque haciendo música se puede ser también héroe. Los Beatles significaron mucho en nuestras vidas, estuvieron presentes a lo largo de ella, desde la niñez, como una banda sonora, marcando muchos pasajes de nuestra vidas. Paul con una persistencia imperturbable ante el paso de los años, nunca dejó de regalarnos  y envolvernos con la magia de su música, por eso cuando llegó a nuestra ciudad el año pasado, hicimos un resumen generacional de nuestra vidas, y pudimos corear junto a él y con nuestros hijos: A day in the life, Yesterday, Let it be y tantos otros temas. en un concierto que marcó nuestra vida y dejó una huella indeleble, como las que  dejaron  sus composiciones e interpretaciones en nuestras vidas. Fue un 9 de mayo de 2011, que no olvidaremos.

Le deseamos a Paul, que siga cumpliendo muchos años más y esto, con seguridad, es un sentimiento mundial.





Los saludos de Ringo por los 70s de Paul 







Happy Birthday Paul!







No será un video bien logrado, pero servirá para recordar el inolvidable concierto de Paul en Lima, efectuado el 09 de mayo de 2011, visto y sentido desde las tribunas con todo el fervor y entusiasmo vivido aquella noche, fue una verdadera fiesta familiar en que se unieron padres, hijos, nietos y etc, bajo el embrujo musical de Paul y su banda que nos cantaron  las canciones que  acompañaron nuestras vidas.







Paul con The Beatles en temprano All my Loving








Paul con su composición Eleanor Rigby del histórico álbum Revolver.








Band on the run, Paul sin los Beatles, con The Wings  continuó con la leyenda.







Say, say say, históríco video con Michael Jackson, sencillo con millonarias ventas







Paul empezando como solista: Press







Paul infatigable, ofreciendo conciertos por el mundo. En el vídeo, emotivo concierto en Estadio Monumental de Lima, cantó y encantó.







Paul actual, interpreta My Valentine, de su último álbum. Paul se toma licencia de genio y de los años vividos y nos entrega  un álbum singular  

1. Sympathy For The Devil (Jagger/ Richards), tema incluido en el álbum Beggards Banquet (London Records, Dic. de 1968), álbum que marca el retorno de los Rolling Stones a los fundamentos del rock de los 60's. Según el web site de la banda es el álbum favorito de los Stones. La carátula del álbum y temas como éste resultaban "indecentes" y desafiantes en tiempos de ebullición de movimientos juveniles en el mundo. En la versión original intervine como voces invitadas Marianne Faithfull (por ese entonces pareja de Jagger) y Anita Pallenberg (novia de Brian Jones) y la intervención de Richards en diferentes segmentos del tema es espectacular. Es una de las mejores grabaciones de la historia del rock.







Fuentes: www.rollingstones.com y wikipedia.

Tania Libertad y Víctor Merino (Foto: Facebook de Víctor Merino)

Cantando a los poetas

A lo largo de una trayectoria de 50 años dedicadas al canto, Tania Libertad ha estado permanentemente ligada a la poesía y los poetas, llevando a la canción, hermosos poemas de los más trascendentes autores de nuestra lengua hispana.

Una de las canciones que le permitió ser conocida en el Perú, en los inicios de su vida artística, fue precisamente un tema del poeta Juan Gonzalo Rose, poeta al que cantaría muchas veces, publicando inclusive un álbum cantando poemas de este autor, (El mismo puerto, 1978).

Eran épocas en que poetas se detenían a mirar su entorno social, creían con fervor que la poesía a través de las canciones, era una forma de aproximarse más a la gente en épocas tan complicadas para difundir el arte.

También eran tiempos artistas en que  cantores, poetas, compositores, y músicos  impulsaban el movimiento de la Nueva Canción Latinoamericana en un entorno político muy difícil. La Nueva Trova y el folclore latinoamericano fueron soportes importantes y Tania no fue ajena a este proceso

Ya en México, Tania cantó a menudo a los poetas, y casi siempre en complicidad de un gran músico y arreglista, que le puso música a tantos hermosos poemas, haciéndolos doblemente bellos nos referimos a Víctor Merino, peruano, un maestro.

En esta entrada hemos tratado de recopilar esos poemas hechas canción interpretadas por la dulce voz de   Tania Libertad. Lo hacemos como un nuevo homenaje por su 50 aniversario como cantante,



Prologo de José Saramago, Premio Nobel de Literatura de 1998, en el booklet del álbum, La vida ese paréntesis (1998), en el que Tania Libertad canta poemas musicalizados de Mario Benedetti:


Juan Gonzalo Rose



Poeta peruano, (Tacna, 1928 - Lima, 1983), en su obra está presente tanto el tema social como amoroso, tuvo una activa vida política y militante por lo que le valió la detención y el destierro. Hacia la década de los 70, Gonzalo Rose como corolario de una antigua afición, compuso una serie de valses, de letra muy hermosa y romántica y que estuvo enmarcada en  una renovación que vivió  la canción criolla, de esta manera acercaba la poesía al pueblo a través de sus canciones (Fuente: Wikipedia y "Las canciones de Juan Gonzalo Rose" por Juan Anchante en;http://www.aduni.com.pe/ururi/24/links/13.pdf)



Poema:  Tu voz

La  trayectoria artística de Tania Libertad  estuvo desde  el principio  muy cerca del poeta Juan Gonzalo Rose,  es con el poema Tu voz, con el que Tania consigue el salto a la fama cuando lo interpretó en el por entonces Festival de Chiclayo. Juan Gonzalo Rose compuso letra y música de este vals para participar en el Festival de Chiclayo de 1970, originalmente lo debió  cantar Lucha Reyes, quien declinó viajar a esa ciudad, por lo que la interpretación la asumió Tania, cuentan que la interpretación fue estupenda y una agradable sorpresa y además se asegura, que fue mejor lograda que la versión que se llevó al disco











Poema: Si un rosal se muere 

Poema grabado  como vals con los arreglos musicales de Víctor Merino. No tengo información cuando fue grabado por primera vez  y si formó parte de algún album o solamente fue un sencillo, pero podemos encontrarlas en varias recopilaciones como: Lo Mejor de Tania Libertad Vol 2 (Sello Virrey-Orfeon, 2000) o en  Una Voz y un romance Vol 1 (2009) 












Poema: El mismo puerto.

En 1978, Tania graba  para el sello El Virrey un álbum dedicados a cantar canciones y poemas de Juan Gonzalo Rose, este  LP lleva el nombre de uno de sus poemas: El mismo puerto, y que es la primer pista del disco. El álbum fue reeditado por sello Orfeon de México en el año 2000.







Poema: Exacta dimensión

Este poema pertenece al poemario  "Simple Canción"  que Juan Gonzalo Rose publicara en 1960, y que es un conjunto de poema escritos con bastante sencillez pero cargadas de romanticismo y ternura y entre los que destaca este bellísimo poema.  Musicalización de Víctor Merino







Poema: Marisel

Poema que pertenece también a "Simple canción". Este tierno poema con la música de Víctor Merino y la dulce voz de Tania  suena maravilloso y es inolvidable. Con la voz del poeta.







Manuel Scorza

(Lima, 1928 - Madrid, 1983), Poeta y novelista, de activa política, su narrativa estuvo muy vinculada al realismo social mostrando la realidad campesina e indígena de los Andes peruanos. Escribió y publicó varios poemarios, antes de entregarse a su ciclo novelista en 1970.



Poema: Serenata

Del poemario "Los Adioses"  (1960), Tania incluye una adaptación de este poema en su álbum Amar Amando (México, 1996 sello Mulata para Sony ) que es un álbum que reúne temas románticos pertenecientes al cancionero latinoamericano.







Martín Adán 



Seudónimo de Ramón de La Fuente Benavides (Lima, 1908-1985),  es un poeta representante de la Adcorriente vanguardista latinoamericana, donde la novedad y  la libertad en construir los versos eran características principales, corriente que posteriormente abandonaría. Fue en extremo bohemio.



Poema: Las manos desasidas 

Con ocasión de la celebración del centenario del descubrimiento de Machu Picchu, se organizó un concierto en el que una de las interpretaciones de Tania Libertad fue la adaptación de este poema que pertenece al poemario "Canto a Machu Picchu"  (1964). Brillante interpretación de Tania, de este Poema y brillante también que en aquella ocasión se cantaran los dos más importantes poemas que cantan a Machu Picchu, pues por su parte Los Jaivas interpretaron sus conocido Alturas de Machu Picchu de la obra de Pablo Neruda. El Poema de Adán es en cierta manera contrapuesto al canto espectacular de Neruda, es más bien introspectivo y angustiante, pero en la voz de Tania  esa angustia pasó desapercibida. No tengo confirmado si los arreglos musicales fueron de Víctor Merino.







César Vallejo

(Stgo. de Chuco, Perú 1892 - París 1938), es uno de los más grandes poetas de habla hispana y de la humanidad.



Poema:  Dios

De "Los Heraldos Negros" (1918), Tania, interpretó este Poema en la Feria Internacional del Libro en la ciudad de Livorno, Italia, en el año 2008, fue invitada a participar en el homenaje que se realizó en honor de  César Vallejo.









Pablo Neruda

Seudónimo de Ricardo Neftalí Reyes Basoalto, (Parral, 1904 - Santiago 1972), poeta chileno, Premio Nobel de Literatura  de 1971, es una de la figuras más influyente y trascendente en la poesía del siglo XX, mantuvo una vida militante y activamente política



Poema: Poema 20

Extraído de "Veinte poemas de amor y una canción desesperada" (1924) e incluido en el LP.: Como una campana (... de cristal)  (Polygram 1984) además se incluyó en el recopilatorio: La más completa colección (Universal Music México, 2007). 







Mario Benedetti



(1920 - 2009), fue un escritor y poeta uruguayo, de intensa vida política, su obra plasmaba su visión militante respecto a la problemática social y política y en ese contexto se convierte en un importante impulsor del movimiento de La Nueva Canción Latinoamericana, cuando este aparece en los años 60 y 70, musicalizando poesía. Aporta numerosos poemas para ser cantados y que el autor recopiló  en "Letras de Emergencia" (poemas de 1969 a 1973) y que cantaron entre otros Nacha Guevara y Daniel Viglietti. Posteriormente Benedetti  colaboraría con Joan Manuel Serrat para la musicalización de sus poemas en el álbum "El sur también existe" (1985). En el año 2000 nuevamente hace una recopilación de sus poemas-canciones en el poemario "Canciones del más acá",  el título refleja con claridad la nueva percepción del entorno por parte del poeta, que evidentemente se diferencian de los agitados y oscuros años 70's.  Cuando aparece este poemario a Benedetti ya se le conocía como el poeta del amor y de lo sencillo.  En 1998,  el músico peruano Víctor Merino, musicaliza diez poemas de la obra "La vida, ese paréntesis" para ser cantados por Tania Libertad y que quedaron perennizados en un álbum que lleva ese nombre y que fue auspiciado por la editorial Alfaguara. La música de Merino, es una sorprendente y exquisita variedad de sonidos y ritmos  que acompañan a la maravillosa voz de Tania Libertad cantando los versos de los poemas de Benedetti, con semejante sinfonía, los poemas fluyen cristalinos dejando translucir con inusitada fuerza todos los sentimientos de amor y humanidad plasmados por el poeta.

Ya lo mencionamos líneas arriba, este trabajo fue prologado por el premio Nobel José Saramago

Reedición del CD en 2010.



Poema: Papel Mojado

La primera pista del álbum La vida ese paréntesis, es el poema Papel Mojado, interpretado en dueto con Joan Manuel Serrat que es invitado a participar, recordemos que Serrat ya había grabado un álbum con poemas de Benedetti.  Serrat refuerza a los tres elementos que ya mencionamos constituyen este disco, dándole más fuerza estética. 







Poema: Te quiero







Poema: Piernas 







Poema: Muchacha. Tania Libertad Feat. Willie Colón.







Poema: Nostalgia











Poema: Recién Nacido











Poema: Niños y Niños











Poema: No sé quien es 

Tania Libertad,  está cumpliendo 50 años de  vida artística, toda una vida dedicada a la canción, 50 años cantando y encantándonos,  y  lo está celebrando, muy por lo alto, con una serie de presentaciones, que la traerá  dentro de muy poco a nuestra ciudad. Por este motivo y en homenaje a esta celebración,  va esta entrada,   en la que compilamos sus interpretaciones más destacadas. Por la extensa y nutrida carrera de Tania , de hecho necesitaré  más de una entrada.

Como sabemos Tania Libertad  empezó a subir a los escenarios, en la ciudad de Chiclayo al norte del Perú, cuando era muy niña. Apenas a los nueve años ya había grabado su primer disco.  Posteriormente se trasladaría a Lima donde con el tiempo se convertiría en una de las grandes protagonistas de una época dorada para la música criolla peruana, época que se vivió en el Perú, en la década de los años 70.

Tania conquistó rápidamente fama en el Perú, ganó varios festivales de canciones, vendió muchos discos, no le faltaban  presentaciones en vivo y convirtiéndose al mismo tiempo en figura estelar en la TV local.

En esta entrada rememoramos ese periodo vivido, como cantante en el Perú, escuchando y deleitándonos con sus primeras interpretaciones,

El sitio oficial de Tania Libertad se informa que son 38 sus trabajos discográficos, sin embargo no hemos podido completar la lista completa. Existe muy poca referencia, por lo menos en Internet sobre sus primeras grabaciones ojalá que quienes nos leen, puedan colaborar con información al respecto.

DISCOGRAFÍA de TANIA LIBERTAD



El primer plano (1972)

La contamanina (Con Manolo Ávalos) (1974)

Despertar (Con Pepe Torres)

Soy peruana

La dulce voz de Tania Libertad

El mismo puerto (1978)

Alguien Cantando (1982)

Lo inolvidable de Chabuca Granda (1983)

Como una campana de de cristal (1984)

Boleros (198?)

Nuevamente Boleros (1986)

Me voy pa’ la pachanga (1986)

Trovadicción (1987)

Mucho corazón (1988)

Alfonsina y el mar (1989)

Razón de Vivir ((dueto con Djavan) (1989)

Tania canta a José Alfredo Jiménez (dueto con Vicente Fernández) (1990)

Boleros (1991)

México lindo y querido (1992)

África en América (1994)

La Libertad de Manzanero (1995)

Amar Amando (1995)

Blue Note, en vivo en Nueva York (1996)

Tania y su sabrosa Libertad (1996)

Himno al amor (1997)

Mujeres apasionadas (1997)

Tómate esta botellla (1998)

Armando la Libertad (1998)

La vida, ese paréntesis (1998)

Arias de Ópera (20019

Costa negra (2002)

Alfonsina y el mar XX Años (2003)

Negro color (2004)

DVD Voz en Libertad (2005)

DVD La vida ese paréntesis (2009)

Fuente http://www.serperuano.com/2011/10/tania-libertad/



El Principio



Tania Libertad canta el vals Cariñito, en el histórico programa  "Danzas y Canciones del Perú" (TV) en 1974. Este tema fue incluido en el LP La Contamanina grabado en 1973, para el sello Virrey con el acompañamiento musical de Manolo Avalos.







 En un atardecer, vals de  Manuel Acosta Ojeda. Audio de una interpretación de Tania Libertad  en el inolvidable programa  "Danzas y canciones del Perú"  de 1974  en TV. Tania es presentada por otra protagonista de años briosos de la canción criolla, ella es Cecilia Bracamonte. 







"Danzas y canciones del Perú",  fue uno de los principales sustentos de años dorados para la canción peruana en especial del la música criolla de la costa peruana, en el video un collage de la época en base a fotos y peliculas grabadas por un particular, es decir, al parecer,  no son segmentos de video, del programa. Podemos distinguir a Tania Libertad, por cierto muy jóven y a otras destacadas figuras del momento que le 

dieron un extraordinario impulso a nuestra música. 







En 1974 continuaba el programa. Siete años duró la emisión del Programa que se transmitió por Panamericana Televisión. Agradecimiento a "Jose2385" quien subió los respectivos clips







Revelación



El vals Tu voz, música y letra de Juan Gonzalo Rose, con el cual ganó el festival de Chiclayo un 30 de junio de 1970, es un tema hito en la biografía artística de Tania, le abrió las puertas de la fama localmente.  Tania lo interpretó casi a último momento pues Lucha Reyes quien debió cantarlo desistió repentinamente  a viajar a Chiclayo. No puedo averiguar aún en que álbum se incluyó por primera vez, o solo fue un sencillo.   El tema se encuentra incluido en la recopilación Lo mejor de Tania Libertad, Volumen II,   del sello Virrey-Orfeón del año 2000. 











Las primeras grabaciones



zCreo que el primer LP de Tania Libertad es el titulado: El primer plano de 1972 en el sello Virrey, en el video un corte de este disco el  Tema: Tic Tac, tema  del que quisiera mayor información. El acompañamiento musical es proporcionado por la orquesta de Peter Delis. Se asegura que el disco es una recopilación de canciones que Tania solía interpretar y algunos que  había grabado en los últimos años de los sesentas y de los que no tenemos datos disponibles. (Fuente: fanzine Sótano Beat).







Muchacho Muñeco, no tengo información sobre el tema, del álbum El Primer Plano









Muñeca rota, vals de Serafina Quinteras primera pista del LP La Contamanina, aclamado álbum de Tania que tuvo un  gran volumen de copias vendidas. Estos temas estuvieron muy de moda en la radio y TV, época dorada de la música criolla. Un hermoso poema que en la voz de Tania alcanzaba belleza máxima,  se convirtió en clásico de nuestro acervo criollo y que hasta hoy escuchamos con frecuencia. El marco musical lo puso el maestro Manolo Avalos







La Contamanina, autor de música y letra Javier Torres, pista 7 en el álbum del mismo nombre. Uno de los temas más emblemáticos de la etapa peruana de la trayectoria musical de Tania Libertad. , También incluido en la recopilación Lo Mejor de Tania Libertad publicado por Virrey/ Orfeón en año 2000.







El regreso vals de Mario Cavagnaro, tema que se hizo conocido con la versión de Los Dávalos, casi un himno para los naturales de la ciudad de Arequipa. Incluído en el álbum La Contamanina.







En Trujillo nació Dios, tondero de Alcides Carreño Blas,  incluido en el lado B del LP La contamanina.







Mi querido Guayaquil, incluido en lado B del disco La Contamanina. Aparece en varias recopilaciones como: Lo Mejor de  Tania Libertad, sello Virrey/ Orfeón (2000) y Tania por siempre, Orfeón (2011). Este vals es inspiración de Alicia Maguiña. 







Hacia 1974, ya había alcanzado localmente total fama y reconocimiento, en ese contexto publica su 5to- LP La dulce voz de ... para el Sello El Virrey un vinilo con 12 temas, El primer track era un vals de la época muy de moda y con muchas versiones y ventas:  Cada domingo a las 12 después de la misa, de A. Polo. Arreglos. Con guitarra de Pepe Torres, versión en directo audio de la época, presentado por José Lázaro Tello, presentador que es toda una leyenda en la música criolla de la costa peruana, clip cortesía de Perú Visión. En este álbum Tania canta valses de Chabuca Granda, Cavagnaro, y otros entre ellos un vals de Roberto Cantoral.











 La última pista del lado "B", del mismo LP, una polka de Pedro Espinel:  La campesina con arreglos de Pepe Torres. 









Tania Libertad grabó el álbum Despertar para sello Virrey, acompañado de la criollísima guitarra de "Pepe" Torres, de este álbum el tema Amada mía de Augusto Rojas Llerena







Despertar es la primera pista del lado A del Lp del mismo nombre, vals de Carlos Hayre.







Ayúdame tú,  vals de Augusto Polo Campos, última pista del lado A del disco de 33 rpm Despertar







Sonrisas es una alegre polka compuesta por  Pedro Espinel contenido en el álbum Despertar.







Emblemático



Concierto para una sola voz,  letra es de Acho Manzi (Homero Luis Manzione) y la música de Saint Preaux, con este tema que se convirtió en hit llegó a ser la canción más emblemática e identificatoria de Tania Libertad para su trayectoria en Perú ¿En qué álbum se publicó por primera vez?.

Concha Buika nacida en 1972, es una cantante afroespañoña, originaria de Palma de Mallorca e hija de padres migrantes de Guinea Ecuatorial, se interesó por la música a temprana edad y a lo largo de su vida tuvo muchas experiencias e intentos para exponer sus cualidades artísticas, intentos que lo llevó incluso hasta Estados Unidos.

Es en el 2001 en que graba su primer álbum, pero no es sino hasta el 2006, con la producción del gran Javier Limón en que publica su disco Mi Niña Lola, que se convirtió en un singular éxito de ventas, luego vendrían Niña de Fuego y  El último trago, también producidas por Javier Limón, además la casi inmediata  publicación de ediciones especiales de sus anteriores discos, consolidando su fama a nivel internacional con ventas que ya suman varias centenas de miles de discos.

Con la inclusión de  su voz en la banda sonora del film "La piel que habito" del cineasta Pedro Almodóvar, su reconocimiento crece como la espuma, ella interpreta dos temas que estremecen por todo el sentimiento que logra transmitir con su canto.

Buika, fusiona excelentemente diversos estilos, pues canta tanto boleros, como jazz, pero es con las coplas y el flamenco donde su voz alcanza su mejor interpretación.

Su último disco publicado el 2011, titulado En mi piel, es un álbum doble y es un recopilatorio de los temas más significativos de su discografía el cual incluye las dos canciones de la película que mencionamos e incluye también dos temas inéditos, así como colaboraciones que ha ejecutado a lo largo de su carrera. Es un disco que nos permite conocer gran parte de su trayectoria artística. Buika también es compositora.




El disco





Título: En mi piel

Artista: Concha Buika,

Género: Flamenco, Latino, fusion

Sello: Warner Music Spain

Producción: Javier Limón (Casa Limón)

Fecha de lanzamiento: /09/2011

Track List

A propósito de la visita a nuestra ciudad de Totó La Momposina, nombre artístico de la colombiana Sonia Bazanta, revisamos su última producción musical que entregó al público el 2009 y que se tituló La Bodega, el mismo que lo hizo después de siete años sin entregar material discográfico, según afirma la artista, ella es un artista  más de escenarios, y la venta de discos no lo considera de mucha importancia.

Al igual que su álbum debut y que publicó en Europa en 1983, en ese disco nos hace conocer toda la sorprendente, festiva y colorida riqueza musical de Colombia y llevándonos  en un viaje al pasado,  a visitar las bodegas de los coloniales puertos de la costa colombiana, donde, se almacenaba las mercancías descargadas de las naves que arribaban de Europa, mercancías que podrían ser fascinantes instrumentos musicales, como la guitarra española o el acordeón alemán. Pero a las bodegas  también llegaban los esclavos africanos y  también llegaban criollos e indígenas. convirtiéndose las bodegas en lugares fundamentales del mestizaje y la fusión cultural para la historia de Colombia, proceso similar ocurría en los demás países latinoamericanos.

Tres años le ha llevado a Totó, trabajar el material de este álbum, una afinada recopilación de los más consagrados compositores colombianos, con arreglos musicales que se acercan a las raíces de los ritmos que han hecho bailar a casi la humanidad entera.

Una sinfonía de ritmos, cumbia, porro, zambapalo, palenque y otros, bajo el mágico tronar de tambores, corazón de la música colombiana, de los bombos, del guasá, las maracas, y las guacharacas, más las gaitas, y al que se le suman la fuerza de los instrumentos de viento, los acordes de las cuerdas el resonar de los   eléctricos, creando una atmósfera tan tropical,  que solo quedamos invitados al baile.

2009-03-20 05:00:00



Totó La Momposina



La poesía, las gaitas y los millos indígenas fueron reunidos con los tambores, maracas y guarachas de los esclavos africanos, con la guitarra española y con el acordeón alemán en las llamadas bodegas, que eran grandes tiendas donde los mercaderes descargaban sus productos. Fue allí donde nacieron las primeras bandas en el Caribe colombiano, las que amenizaban los eventos sociales de tipo popular.

De ahí surge ‘La bodega’, el nuevo álbum de la canta’ora y folclorista Totó La Momposina, tras un largo silencio discográfico de más de siete años y con el cual regresará a Europa a mediados de este año.Ya son 50 dedicados a la música tradicional colombiana, impactando primero en el exterior, para luego ser reconocida en su país como la señora canta’ora.“Una canta’ora es un todo, es una mujer que pertenece al espacio y es consecuente con lo que le rodea, pero vino con el don del canto y el don de la convocatoria”, afirma Sonia Bazanta, más conocida por Totó La Momposina.Sin afanes, pero siempre vigente en los escenarios de Colombia y el mundo, La Momposina trabajó pacientemente durante tres años en ‘La Bodega’, buscando rescatar los sonidos heredados de tan rico legado popular.“Siento que es un compromiso por las diferentes vertientes que tengo en mi familia y, más profundamente, con un legado cultural que está allí y que no hay que dejarlo perder, porque cuando se derrumba la casa, se derrumban los cimientos de una identidad”, continúa la folclorista.

República independiente

Los sellos discográficos no dan espera. Fue así como Totó La Momposina recibió su carta de libertad, para ahora emprender la aventura de hacer su música de manera independiente, con sus propios recursos y bajo su propio riesgo.Según Totó, “ahora trabajando de manera independiente empiezo a entender muchas cosas del mundo de la música. Entiendo que hacer un disco requiere de una gran inversión con muchos riesgos. Es una experiencia chévere. Me involucré de lleno en lo que llaman la producción ejecutiva. Todo en la vida tiene un aprendizaje”.Reconoce que cada vez que llegaba a un nuevo escenario, sus seguidores no dejaban de preguntarle cuándo volvería a grabar un disco.“Las preguntas nunca faltaron, pero creo que mi carrera no ha estado fundamentada en la realización de los discos, sino de los espectáculos y la participación en festivales. Mi carrera no está amarrada a la venta de discos porque soy una artista de escenarios”, afirma la colombiana.

Hablando de escenarios, recuerda que hace poco leyó en un diario que ella había hecho mil conciertos. “Creo que se quedaron cortos porque yo hice en el Radio Music Hall de Nueva York 385 conciertos en 1974. Seis años más tarde hice en Rusia 185 conciertos. Imagine todo lo que he hecho desde esa época”, comenta entre risas.Por eso se prepara para volver a Europa. “Allí tienen lo que nos falta a nosotros, una cultura para la cultura. Eso es una gran ventaja, porque tienen un concepto claro de la cultura, los dirigentes tienen que saber de qué están hablando y no son puestos políticos, entonces hay un desarrollo total”.Agrega: “Hasta que tengamos claro que la cultura se maneja a través de conceptos de cultura, seguramente no saldrán las políticas verdaderas de formación artística descentralizada. Hay que dejar de pensar que los conceptos culturales se pueden imponer desde un escritorio en Bogotá, cuando cada pueblo maneja su propio universo cultural, con una realidad propia y una identidad que hay que respetar”.

Dentro de La Bodega

Para Totó La Momposina ‘La Bodega’ es el encuentro de toda la información de sus influencias musicales que han gestado su carrera de medio siglo. “Como canta’ora, estoy en la búsqueda para que esta música brille para la posteridad”. Dentro de las nueve canciones que hacen parte de ‘La Bodega’ se encuentra ‘Dueña de los jardines’, un tema escrito por la propia Totó. “A todas las canciones uno le va poniendo versitos que nacen cuando la vas interpretando. Pero en este caso particular me dejé inspirar y escribí una canción completa interpretada a ritmo de sexteto palenquero”. Incluyó canciones de Pablo Flórez, Abel Antonio Villa, Adriano Salas y Mario Gareña, a ritmo de porro palitiao, cumbia, zambapalo, merengue, abozao y afro.Confiesa que le faltó incluir alguna de las 985 composiciones que realizó José Benito Barros, compositor habitual en sus producciones, y quien decía que nadie mejor que Totó para interpretar sus canciones.En el panorama actual de la industria discográfica tres años es bastante tiempo para una producción musical, pero la canta’ora afirma que para los artistas el tema del tiempo no es valedero, “siempre hay todo el tiempo del mundo. No hay impaciencia, sólo calma. La idea es que la gente sienta cómo nosotros hacemos la música con amor”.

Cada una de las canciones grabadas ha sido probada cientos de veces en el escenario, al cual Totó siempre llega con su agrupación. “Estamos en pleno aprendizaje, porque buena parte de la agrupación son jóvenes, con grandes inquietudes que hay que saber canalizar. Buscamos expandirnos y cada experimento musical siempre es con la idea de ponerlo al servicio de la música tradicional colombiana y no al contrario”. De ahí que la artista se atreviera en el escenario a invitar a la guitarra eléctrica, “siempre que se porte bien y esté al servicio de nuestra música e identidad”.La guitarra eléctrica sólo es utilizada en ciertos escenarios y no en la producción discográfica. En ‘La Bodega’, La Momposina buscó otras influencias dentro de la propia música colombiana, como el uso del triple. “Hay que ser respetuosos, pero no cerrados, hay que experimentar, pero siempre sabiendo que la música de la identidad es la que se debe beneficiar de todo ese proceso. De lo contrario son procesos inertes y modas que pasan volando”.Tiene la fe puesta en las nuevas generaciones de músicos colombianos, “ellos están en plena búsqueda, la cual se dificulta, pues la música colombiana no se escucha en la radio o en los grandes medios de comunicación, entonces son más influenciados por el rock. Así, ellas suelen utilizar la música colombiana al servicio del rock, algo que es razonable, porque están creciendo en medio de esta música y múltiples manifestaciones extranjeras”.

Vea además en la edición impresa Recorrido de la Momposina

Publicada por Sergio Villamizar D. / Colprensa

Publicado en: http://www.vanguardia.com/historico/23919-toto-la-momposina




El Disco:




Título: La Bodega

Artista: Totó La Momposina

Género: World Music

Fecha lanzamiento: Marzo, 2009

Estudios: The Arc y Riverside Studios, Inglaterra

Sello: Astar Artes Recording

Producción: Sonia Bazanta, Johm Hollis y Marco Vinicio Oyaga

Track list:

01. Manita Uribe - Autor: Abel Antonio Milla (cumbia) - 5:02


02. Margarita (zambapalo) de Toño Fernández y Mañe Mendoza - 5:13

03. Sueño Español (merengue) de Adriano Salas - 3:50

04. Yo Me Llamo Cumbia (cumbia) de Mario Gareña - 4:29

05. Tembandumba (afro) - de Alvaro García, de Esteban Valencia y Guillermo Valencia "Compae Gallo" - 4:33

06. Fidelina (abozao) de Antonio María Peñaloza - 3:17

07. Cosas Pa´Pensar (cumbia) de Pablo Flores y Jorge Aguilar - 3:27

08. Dueña de los Jardines (sexteto palenquero) de Paulino Salgado y Sonia Bazanta - 4:39


09. Fiesta Vieja (porro palitiao) de Pablo Flores - 6:24







Entrevista




Totó La Momposina

marzo 5 de 2009











Margarita







Sueño español, merengue vallenato de Adriano Salas







Yo me llamo cumbia, autor: Mario Gareña







Dueña de los jardines   autor: Paulino Salgado conocido como Batata







Fiesta vieja, clip con homenaje al autor Pablo Florez







Bonus track



Agrego a este post, video grabado en directo .

En la foto faltan Morente, Carrasco y Arvanitaki. (Foto: EL País)

Nada más apropiado para la celebración del Día Internacional de la Mujer (8 de marzo), que hacer referencia a un disco que está producido no solo como una manifestación de capacidad creativa, sino que además  está pensada como un homenaje reivindicativo a las mujeres.

El título del trabajo que les traemos en este post es Mujeres de Agua (Javier Limón, Universal Music, 2009).

Javier Limón, compositor, músico y genial productor musical, tiene en su haber extraordinarios trabajos,  con una  persistente vocación de trabajar la música flamenca, explorando en sus raíces e  influencias con otros géneros. La producción de Lágrimas Negras que fusiona flamenco con latin-jazz y bolero con El Cigala y Bebo Valdés,  la fusión del  flamenco y música hindú con Anoushka Shankar o el  reciente trabajo La orquesta del Titanic, y que  colgamos en este blog  con el dúo Serrat - Sabina, son apenas algunos de sus pergaminos.

Limón encontró en el Meditarráneo y las diversas culturales que están afincados  en sus orillas o muy cerca, otra fuente de inspiración para explorar y trabajar un disco con afinidades de la música de esos lugares, con la música flamenca. En el proceso de búsqueda de melodías e interpretes descubrió que las mujeres iraníes tienen prohibido cantar en público, ominosa situación, al igual que otras abusivas prácticas contra las mujeres de parte de algunas comunidades musulmanas apoyadas por gobiernos fuertemente verticales.

Limón, reivindica a la mujer iraní,  reuniendo en este disco a doce mujeres, todas "Mujeres de Mar",  para que canten por ellas, el resultado por supuesto es un disco superlativamente bueno.

Justo es,  que en este día,  de una manera u otra, mostremos nuestra indignación por situaciones como las que vive la mujer iraní.



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“Mujeres de Agua”, música para reivindicar a las mujeres iraníes

Escrito por AmecoPress17-09-2010

El proyecto de Javier Limón reúne a doce voces femeninas

Doce voces femeninas se unen en este disco dedicado a las cantantes iraníes perseguidas y silenciadas y que será publicado el próximo 21 de septiembre. Las diferentes culturas musicales a orillas del Mediterráneo y las voces de sus mujeres son el hilo conductor de este proyecto. Un disco donde conviven fados, coplas por bulerías, soniquetes del Kurdistán, pasodobles turcos o cante tradicional griego.

Algunas de las mejores y sugerentes voces nacionales e internacionales se han sumado a este trabajo: Estrella Morente, Buika, Carmen Linares, Mariza, La Susi, La Shica o Elefteria Arvanitaki entre otras. Y podremos escuchar su canto en vivo, primero en Madrid, y después en Lisboa, Atenas, Estambul, París y Estados Unidos.

Con el álbum “Mujeres de Agua”, el músico y productor Javier Limón reivindica a las cantantes iraníes perseguidas y silenciadas. ¿Por qué? Porque en su constante investigación y producción, fue a buscar una cantante iraní, “que son las que mejor cantan del mundo” y se dio cuenta de que esto no era posible porque “para ellas era ilegal cantar en público, no las dejan”, explica Limón en varias entrevistas concedidas a los medios de comunicación.

De formación clásica y con raíces andaluzas, Limón comenzó su carrera como compositor, escribiendo temas para Enrique Morente, Pepe y Paco de Lucía, Estrella Morente, Remedios Amaya y Vicente Amigo, o El Cigala, entre otros. A principios del 2000 conoce a Fernando Trueba con el que entabla una fértil relación personal y profesional de la que nace Lágrimas Negras, donde Javier contacta por primera vez con el latinjazz.

A raíz de estos encuentros el sonido Limón, habitualmente relacionado con el flamenco, empieza a contagiarse de una música muy cercana a la raíz de este arte gitano-andaluz, y así aparecen músicos cubanos jóvenes en discos como “El pequeño reloj” de Morente, “El Cantante” de Calamaro, o “Cositas Buenas” de Paco de Lucía. Incluso el directo de estos artistas se ve influenciado por esta corriente, hasta el punto de que el propio de Lucía incluye algún músico cubano entre sus filas habituales.

Publicado en: http://elmercuriodigital.es/content/view/30060/139/






El disco

Título: Mujeres de Agua

Artista: Javier Limón

Género: World

Fecha de Lanzamiento: 21/09/2010

Lugar: Madrid

Sello: Universal Music y Casa Limón

Formato: CD

Grabación: Estudio Casa Limón

Mezcla: PKO Estudio

Producción: Javier Limón.



Track List:





1. Amanecer En Estambul (Obertura) - Aynur Dogan

2. ¡Las Caritas Desnudas! (Paso A Dos Tunecino) - La Susi

3. Manuela (Pasodoble turco) - Estrella Morente

4. Fadista Louco (Fado) - Mariza

5. Media Luna Me Sonríe (Túnez E Influencias Del Este) - Carmen Linares

6. Oro Santo (Canción Isleña) - Buika

7. El Beso Libanés (Canción Libanesa-Iraquí) - Montse Cortés

8. La Calle del Olivar (Copla y Oud por bulerías) - Sandra Carrasco

9. Agua Misteriosa - La Shica

10. Komo El Pasharo Ke Bola (Repertorio Ladino) - Yasmin Levy

11. Milo Mou Kai Mandarini (Tradicional Griego) . Eleftheria Arvanitaki

12. Un Lugar Casi Vacío (Buzuki Flamenco) - Genara  Cortés

Bonus track

13. El hijo pródigo - Javier Limón. Instrumental  (Solo en Itunes)

Músicos:

Guitarras y Buzukis: Javier Limón

Bajo: Charlie Mendes

Percusión: Ramón Porrina

Cuerda y teclados: Sonny Pasos

Coros en el tema 7: Javier López y Pablo López

Coros en el tema 8: Juan Debel y Davinia Jaén



Con la participación especial de:

Dhafer Youssef en voz masculina y oud

Hüsnü Selendirici al clarinete


Javier Limón presentando el disco











Nota















Amanecer en Estambul - Obertura - Aynur Dogan, procede del Mediterráneo más oriental, de Estambul.  Letra y música de Javier Limón.











Las caritas desnudas - Paso a dos tunecino - voz de La  Susi, estupenda cantaora. Letra y música de Javier Limón.











Manuela -  Pasodoble turco - voz de Estrella Morente. "Su voz es una bendición para el cante y la copla" . Letra y música: Javier Limón. 











Fadista louco - Fado- voz de  Mariza - "Mariza...es emoción pura y dura"  Letra y música: Alberto Janes.











Media luna me sonríe  - Túnez e influencia del este - voz de Carmen Linares. "Dama del cante y señora del arte". Letra y música:  Javier Limón.













 Oro Santo  - Canción isleña -Voz de Buika. - Letra y música:  Concha Buika y Javier Limón. Una voz tan especial la de Buika natural de Palma de Mallorca. 









El Beso Libanés - Canción libanesa-iraquí - Voz de Montse Cortés. "... Su canto es dulce como el almíbar y afilado como el hielo",  Letra y Música: Javier Limón











La Calle del Olivar - Copla y oud por bulerías - Canta  Sandra Carrasco. "... tiene la sabiduría del olivo en su voz ...".  Letra y música: Javier Limón.






















Milo Mou kai mandarini - Tradicional griego - canta Eleptheria Arvanitaki - Letra y música: Tradicional griego. "Eleftheria es el origen de esta obra, con ella empezó toda", en alusión a que Javier Limón viajó a Atenas a encontrase con ella para coordinar alguna posible  producción, estar ahi, el mar y la música griega le dieron la idea inicial para esta producción. 











Un lugar casi vacío - Buzuki flamenco-Canta Genara Cortés - "Indomable como un mihura, su cante es  salvaje, gitano y libre ...". Letra y música: Javiér Limón. Buzuki es un instrumento musical (parecido a la mandolina) básico para la música griega. Mihura sgnifica muérdago en lengua vasca (euskera).











Nota: Las frase entrecomilladas, se han obtenido del libreto que acompaña al disco y escrito por Javier Limón.

Lucio Dalla (Foto AP)

Ha fallecido en la ciudad de Montreux, Suiza, el destacado cantautor y músico italiano Lucio Dalla, justo a pocos días de cumplir 69 años. Perteneció a aquella generación de cantantes que conocimos en Latinoamérica y particularmente en Perú gracias a la época de apogeo del Festival de San Remo, entre los años 60 y 70 del siglo pasado. La cosa está negra, negra es uno de los temas que popularizó ampliamente en nuestro país y que aun hoy suenan en esas radios especializadas dirigida a  personas con varias décadas encima. En aquellos tiempos también hizo conocidos temas como Un hombre llamado Jesús (en su idioma original "4/03/1943" finalista en San Remo) y El cielo. A lo largo de sus 50 años de vida artística  mantuvo una intensa actividad, de interprete paso a componer canciones y también ejecutó como músico y director de orquesta. Dalla nos deja una extensa  discografía a menudo sorprendente y que alentaría a  otros interpretes y compositores tenerlo como inspirador  y en ese legado dejado,  destaca con nitidez universal su composición Caruso que conociéramos gracias a las genial interpretación de Pavarotti y o la de Bocelli que lo incluyó en su álbum Romanza o a otras  numerosas  versiones.

La ceremonia fúnebre se ha realizado este domingo 4, en su ciudad natal Bologna.  Q.E.P.D. Maestro.

Lucio Dalla, de España a "El Cielo"

1/03/2012 - 15:16

Madrid, 1 mar (EFE).- Figuras del panorama español como Ana Belén, Víctor Manuel o Joaquín Sabina certificaron con numerosos tributos la trascendencia en España de un autor, el italiano Lucio Dalla, que hoy ha fallecido en Suiza, dejando tras de sí una estela de temas inolvidables, muchos en español con acento transalpino.

El cantante y compositor italiano saltó a la fama con su tercer puesto en el Festival de Sanremo de 1971 con la canción "4/3/1943" y su éxito, fraguado gracias a piezas como "Caruso", pronto se dejó sentir también en esta orilla del Mediterráneo.

"El cielo", "Niño Jesús" o "Atento al lobo" son algunos de los cortes más conocidos de su discografía, que cambiaron ligeramente su fisonomía nativa para, sin alterar su espíritu, transmitir de forma aún más cercana la fuerza de sus letras, alejadas de los manierismos y las erudiciones.

Los coleccionistas más ávidos podrían tratar de rescatar aquel sencillo en el que el artista, en plenos años 60 y con impronta beat, interpretaba en español "El Cielo", con la orquesta de Luiz Enrique, y "Está la cosa negra negra".

Tras su exitoso paso por Sanremo, grabaría "4 marzo de 1943" (1973), fecha de su nacimiento, del que surgió la canción del mismo nombre. Llamado originalmente "Gesu Bambino", tuvo que cambiar su título por una fórmula menos "irrespetuosa" para la moral italiana, pese a cual, en español se registró como "Niño Jesús".

Los flirteos de Dalla con la lengua de Cervantes prosiguieron hasta tarde. En 2004, por ejemplo, participó en el disco colectivo "Neruda en el corazón", con motivo del centenario de este otro autor emblemático de las letras españolas.

Otras piezas que conocieron versiones suyas en castellano fueron "Atento al lobo", con el sello de Rafael Abud, así como "Jesús mío", "Felicidad" y "Vida", con letra de Víctor Manuel.

En esa tarea de adaptaciones jugó un papel especialmente relevante este cantautor asturiano, quien tradujo muchos de los temas de Dalla. Lo hizo por ejemplo con "Si yo fuese un ángel" (Se Io Fossi Un Angelo) o con "Canción", muchos de los cuales fueron interpretados por su mujer, Ana Belén.

Ésta última fue incluida en el disco que Ana Belén dedicó a la canción italiana, "Viva L'Italia" (2003). Probablemente, la madrileña es la cantante española que más veces ha prestado su voz a la poesía del italiano.

Durante la gira "Víctor y Ana en vivo", de 1983, el matrimonio ya interpretó "Banana Republic" y, para su disco en solitario "Mírame" (1997), la artista cantó a dúo con el propio Dalla "Caruso", probablemente su pieza más emblemática, dedicada al tenor Enrico Caruso y famosa en la versión de su compatriota, Luciano Pavarotti.

En 1987, fue Joaquín Sabina quien le arropó durante un concierto en el Palacio de los Deportes de Madrid, durante las fiestas de San Isidro, aunque no fue el último en una nómina nacional, que también incluyó a figuras internacionales como Montserrat Caballé.

Su última visita a España se produjo 21 años después, en 2008, para participar en otro concierto, esta vez en el patio del Conde Duque de Madrid. Allí presentó su disco "Il contrario di me", así como un abanico de temas suyos cantados por artistas españoles, como la mencionada Ana Belén, Sabina o Luis Eduardo Aute.

El músico declaró entonces a Efe que, a pesar de haber tardado tan tiempo en regresar a actuar, se consideraba un amante de la cultura española y fantaseó con la posibilidad de trabajar con el director de cine Pedro Almodóvar, tras comentar que "Atento al lobo" tenía para él "un componente estético muy almodovariano".

Tras su muerte, cobran otra dimensión aquellos versos que dicen: "Amor, no debes sentir pena/Que la vida es una cadena/Aunque a veces hace mal/Mira cómo estoy tranquilo yo/Aún cuando cruce el bosque/con la ayuda del buen Dios/estando siempre atento al lobo".

Javier Herrero

4 de Marzo de 1943 - Gesu Bambino (Niño Jesús) Festival de San Remo 1971







Un hombre  llamado Jesús, (versión en español)







Está la cosa Negra Negra







Lucio dove vai

Joan Manuel Serrat y Joaquín Sabina, estuvieron juntos por nuestro continente en gira el 2007,  en aquella oportunidad pudimos "matar" Dos pájaros de un tiro, y con un solo ticket  presenciar en el escenario a estos dos grandes cantautores. En este año, 2012, los "Dos pájaros contraatacan", y nuevamente cruzan el charco y  llegan a nuestras costas, embarcados  con La Orquesta del Titanic, para presentar una serie de conciertos en diferentes ciudades de Argentina, Uruguay, Paraguay y Chile, que se prolongará hasta el mes de mayo, en que retornarán a Europa para, aprovechando el verano en el hemisferio norte, emprender una extensa gira que culminará en octubre, mes en que se embarcarán nuevamente con dirección  a nuestro continente para continuar con la  gira, la misma que terminará triunfalmente en Lima el 4 de diciembre.

En esta oportunidad la gira estará pautada por un disco de estudio liberado recientemente,  en el que se han incluido  11 temas inéditos, creados "a  cuatro manos", por el dúo Serrat - Sabina. La Orquesta del Titánic, título de este trabajo, está inspirado en la famosa orquesta Wallace Hartley Band, que según se cuenta siguió tocando hasta que el Titanic se hundió. Al decir de estos grandes artístas   es que en las actuales circunstancias de crisis económica y social en "que todo se hunde",  los músicos deberían seguir tocando hasta el final, de ahí el título del disco.

El trabajo entregado por esta dupla está caminando muy bien en ventas, pero sin embargo no faltan críticas, de los que quieren un Sabina con mucha guitarra eléctrica o un Serrat, como aquel compositor de tantos temas eternos. Lo cierto es que este disco,  al alimón es un cesión de algo de cada uno,  el resultado es un disco muy prolijo en los arreglos musicales y los versos ni decir y la producción corrió a cargo de otro grande, Javier Limón, con lo cual queda garantizado que este álbum será para recordarlo hasta después del naufragio.

A propósito, ¿Habrá botes salvavidas para todos?.

El salvavidas del buen decir

Por Pedro Squillaci / La Capital

De elegante traje negro, bombín y con los pies descalzos. Ese es el carácter de "La orquesta del Titanic", el nuevo disco de Joan Manuel Serrat y Joaquín Sabina, con canciones inéditas, en las que la dupla española volvió a demostrar que, como bien reza uno de sus temas en homenaje a Mario Benedetti, son "mucho más que dos".

"Hasta que se inundó de sal el diapasón del violonchelo/la orquesta del Titanic no dejó de tocar/ «El fox de los ahogados sin consuelo»" cantan Serrat y Sabina en el tema que abre este disco.

Ellos son La Orquesta del Titanic, la que toca hasta que todo desaparece.

Lo suyo es un guiño a la resistencia, El Nano y Joaquín se asumen como una dupla inspirada, un bastión de calidad entre tanta mediocridad, y hasta se podría leer como una metáfora de la crisis social y económica española. Todo vale para este tema, y no en vano es el título del disco.

El material, hecho a cuatro manos, es un trabajo sin fisuras, equilibrado, disfrutable.

Los dos se muestran en plenitud, tanto que a veces se nota quien metió más mano en cada canción y otras se confunde el trazo de autor. Es como que Serrat se "asabineó" y Sabina se "aserrateó", y esa metamorfosis es quizás uno de los puntos más atractivos de este trabajo.

Una de las mayores alegrías que ofrece este disco es que el vuelo poético de ambos está intacto. No importa que a Serrat le cueste dar el tono justo en "Maldito blues" o que Sabina suene repetitivo temáticamente en "Después de los despueses". Porque es superador que en "Idiotas, palizas y calientabraguetas" se animen a cantar que "los locos no son tan tristes /porque un buen polvo no es un trofeo / porque los buenos no son tan grises / ni los sabios tan serios / ni los pobres tan feos". Ese peso específico del contenido de sus temas los distingue del resto.

"Martínez" tiene la virtud de ser una bella canción y tocar un tema muy sensible a ambos. Porque está inspirado en un hombre que enfrenta y vence a la muerte una y otra vez, y dado que tanto Serrat y Sabina sufrieron graves problemas de salud se deduce lo autorreferencial. Sin dejar de lado su veta romántica, Sabina y Serrat demuestran que la elegancia en el decir sigue siendo su marca, y todo indica que, aunque el barco se hunda, sus canciones son el mejor salvavidas.

El toque flamenco

La sutileza estética de “La orquesta del Titanic” pasa por el responsable de las perillas en la consola de sonido. Y es Javier Limón, el mismo que produjo “Lágrimas negras”, de Bebo Valdés y Diego El Cigala, y el que a través de su Casa Limón le dio una suerte de marca flamenca a artistas de la talla de Andrés Calamaro y Paco de Lucía. En “Canción de navidad” y “Dolent de Mena”, Limón da su toque de calidad.

Publicado en:  http://www.lacapital.com.ar/escenario/El-salvavidas-del-buen-decir-20120224-0024.html





El disco



Título: La Orquesta del Titanic

Artista: Joan Manuel Serrat - Joaquín Sabina

Genero: Cantautores

Fecha de lanzamiento:  07/02/2012

Lugar: Madrid (simultáneo mundial)

Sello: Sony Music

Produción: Javier Limón (Sony Music yTaller de Ultramarinos)

Track List

1. La  Orquesta del Titanic 4'53

2. Después de los despueses    4'42

3. Idiotas, Palizas y Calientabraguetas  3'43

4. Canción de Navidad   3'35

5. Quince o veinte copas  4'15

6. Acuérdate de mí     4'17

7. Hoy por tí, mañana por mí  4'08

8. Dolent de Mena   (Malo por naturaleza)   4'59

9. Martínez 4'49

10. Cuenta Conmigo   4'50.

11. Maldito Blues

(Todas las canciones de J. M. Serrat y Joaquín Sabina).

Crew:

Javier Limón - Guitarra flamenca, acústica, charango, zambomba, teclados

Iván "Melón" Lewis  - piano, teclados.

Tino di Giraldo   . Batería

 Noé Socha  - guitarra

Charlie Mendes - bajo

Reinier Elizalde - contrabajo

Alain Pérez - bajo

"Bandolero" - percusión

Belén López -  Baile, castañuelas

Mara Barros, Lorena Calero - Coros

Antonio García de Diego - Guitarra, acústica, eléctrica y portuguesa

También colaboraron: Alejandro Sanz, David Trueba, Sandra Carrasco,





La Nota







EPK



Sabina y Serrat EPK producción del álbum







Tracks



La Orquesta del Titanic, canción que da título al álbum exponiéndo la razón filosófica del trabajo, mucho sabor de época, reconstruyendo partituras de la orquesta abordo del Titanic,  "que no dejó de tocar el fox de los ahogados sin consuelo". 







La Orquesta del Titanic







Después de los despueses. Clara influencia Sabinera,  acordes de ranchera como en algunas de sus antiguas canciones.







Idiotas, palizas y calientabraguetas, jocoso e irreverente 







Canción de Navidad, corte que se adelantó  en la pasada temporada navideña,  funge como villancico, con castañuelas y taconeo que le da aires flamencos, pero con versos muy serratianos y sabineros. 







Quince o veinte copas







Acuérdate de mí. se lucen con melodía, lírica e interpretación, muy sentimental







Hoy por ti, Mañana por mi, se presentó como sencillo a mediados de enero, inspirado en versos de Benedetti. 









Dolent de Mena (Malo por Naturaleza). Sorpresa,  Sabina cantando en catalán. Guitarra portuguesa es de Antonio García de Diego. 







Martínez, ¿sobre la vida o sobre la muerte?, es que se muere muchas veces en la  vida. Genial letra (Serrat?)







Cuenta conmigo, primer sencillo del álbum, hermosa melodía en los arreglos musicales,  cargada de mucha melancolía que nos lleva muy cerca a las mornas caboverdianas, de excelentes versos. Fácil mi preferida, (Sabina??). 









Maldito Blues, asabinado cierre del álbum con solo de guitarra de Alejandro Sanz.

Beth Carvalho Foto: www.bethcarvalho.com

Estos días son días de carnaval, y los carnavales nos trae a la memoria, las innumerables y coloridas fiestas que se realizan en diversas localidades de nuestro país o el extranjero, pero el Carnaval de Río de Janeiro es  sin duda el más famoso de todas estas festividades. EL Carnaval de Río, una fiesta multicolor y de desenfado tienen como protagonista principal a la samba. El carnaval alcanza  su punto más elevado con el desfile de las escolas de samba a lo lo largo del tradicional sambódromo de la ciudad carioca,  danzando interminablemente al ritmo de samba. La samba o más propiamente: el samba, es la música más representativa de Brasil, pero a su vez este género musical tiene como a una de sus figuras más representativas a Beth Carvalho, cantante de sambas y también guitarrista y compositora, es conocida como la "Madrinha de las escuelas de samba", perteneció a la tradicional escola Mangueira donde llegó a ser muy estimada llegando a considerarla como su madrina. Beth ya lleva cantando más de 40 años y es dueña de una extensa discografía, el último de ellos publicado el año pasado. Yo la vengo siguiendo ya buen tiempo. Su carrera la inició con la bossa nova  que surgía por ese entonces, pero su canto apasionado y romántico se extendió hasta llegar inclusive a la canción protesta. En coherencia con los temas de contenido social que solía componer se marchó a las colinas de Río a confundirse con las escolas de samba, conviviendo en las mismas fabelas con lo que da origen al color y la alegría del carnaval. Pasó mucho tiempo con las escolas de samba y particularmente con Mangueira. Cantó temas de compositores populares a quienes los lanzó a la fama. Inició y formó parte con otros artistas del movimiento que renovó y dió nueva vida a samba, y que se conocería como "samba pagode",  que incorporó nuevos instrumentos y que tomó para su lirica el modo de hablar de los cariocas y temas románticos o asuntos muy cercanos a la población. Este es la variante de samba más conocida y popular. Este estilo está presente en la "samba enredo" que consiste una serie de canciones consecutivas que narran una historia  y que ejecutan los cantantes y las baterias en los desfiles de los días de carnaval. Aquí una pequeña recopilación con lo más destacado de la vasta discografía de Beth Carvalho. Les dejo como desafío:  si es posible ver y escuchar estos videos sin dejar de mover los pies.  



O que é o que é 

Samba de Areré 







Vou Festejar  con bateria Mangueira







Coisinha do pai 







1800 colinas 







Samba no quintal y Doce refugio 







As rosas nâo falam  del álbum Beth Carvalho Canta Cartola 











Beth Carvalho Carnaval de Salao (Marchas)

El  pasado ocho de febrero falleció en la ciudad  de Buenos Aires, Luis Alberto "El Flaco" Spinetta, Compositor, cantante, guitarrista y poeta, "El Flaco"  fue una de las piedras fundamentales del rock argentino y también del rock en español, guitarrista autodidacta, nos legó una nutrida discografía adornadas de profundo lirismo.Sus canciones de metafórica poesía pusieron una valla muy alta a la trayectoria del rock argentino y como consecuencia varias generaciones de buenos rockeros pudieron tener. Con las varias agrupaciones que formó y también como solista nos legó una extensa discografía. Fue un artista que no se dejó arrinconar por parámetros comerciales, estuvo en escena guiado por una "declaración de principios", en sus presentaciones, solía repartir manifiestos y en algunos de sus discos incluía libretos donde expresaba con claridad las intenciones de su propuesta  musical, pero muchas veces no fue comprendido y sus metáforas molestaba por que no eran fácilmente digeribles. Las disqueras no apostaron por su difusión internacional, o le pusieron poco empeño, aquí en nuestro país, conocimos a Spinetta, por las referencias leídas en la ya mítica revista "Pelo" o por su mención en en la canción de los Enanitos Verdes: Aún sigo cantando. Pudimos finalmente conocer su música, cuando comenzó el copia a copia de los  cassettes o con los piratas "cultos" que existían en la calle Quilca, dónde encontrábamos los cassettes con música imposible de conseguir. Finalmente gracias a Internet hemos conocido con amplitud la vida y obra de este personaje de culto de la música rock en español.  Descansa en paz Flaco, gracias por tu música.

Editado: Almendra se presentó en el Festival de la Canción de Ancón en1969, primera presentación internacional de la banda.  Click aquí para ver la evidencia, un documento de la arqueología rockera.

En esta entrada hacemos un recuento de las bandas que formó y sus principales creaciones.

Luis Alberto Spinetta: su luz brillará por siempre

Luis Alberto Spinetta murió este miércoles 8 de febrero a los 62 años.Un repaso por su música, sus bandas y su paso por Córdoba. Videos.

Por Germán Arrascaeta 09/02/2012 10:38

Con la muerte de Luis Alberto Spinetta se extingue un microcosmos único de música y poesía, cuya luz, sin embargo, seguirá brillando por siempre. Quedan los discos, claro, pero también una actitud intransigente frente al negocio, la pauperización del arte y la banalización cultural. Porque Spinetta siempre peleó, con discreción pero con firmeza, contra las convenciones a las que un músico debía someterse.

Esas convicciones también tiñeron su partida: ahí donde cualquier celebridad hubiera puesto un agente de prensa para informar sobre su estado de salud, Luis eligió batallar contra su mal lejos de todo bullicio. En silencio, al margen de todo. Del mismo modo en el que pergeñaba sus discos.

Si bien empezó como cancionista psicodélico al frente de Almendra a fines de la década de 1960, la carrera de Spinetta siempre desafío sus propios estándares y esgrimió un lirismo generado a partir de la expansión de la percepción. Por caso, su primer gran éxito, Muchacha ojos de papel, recicló el surrealismo de André Breton en el afán de buscarle una vuelta al imperio de la música beat. Desde entonces, toda expresión “spinetteana” se ajustó a ese desajuste sensorial. Y entonces, en su obra las serpientes viajan por la sal, los duraznos sangran, los atolones se sublevan, los paquidermos se galvanizan, la canción llega hasta al fin, el sorgo alcanza dimensión bursátil, un tren se convierte en la “fucking Gioconda”.

En suma, Luis Alberto Spinetta sostuvo en el tiempo, y ante cualquier circunstancia, el mandamiento “la imaginación al poder”. Otro detalle del lirismo de Spinetta está en la omnipresencia de las musas. En muchas de sus canciones hay un “ella” al que se le debe cierta redención o simplemente se convierte en objeto de un amor inextinguible. Es así desde El blues de Cris, de Pescado Rabioso, hasta el más reciente Perdido en ti.

Ese tácito femenino se enfocó en los últimos tiempos en la madre tierra. Lean lo que le dijo Spinetta al periodista Santiago Ramos en 2009: “En general son productos de mi imaginación, pero como siempre es lindo cantarle a la mujer, hay que encontrarle otro nombre. Por ejemplo, en mi nuevo disco, que no sé si se va a llamar Espuma mística (finalmente se editó como Pan y ese quedó como el nombre de un tema), hay un tema titulado Proserpina, que es nombre de mujer también. Pero no se trata de una novia imaginaria. Proserpina es la diosa de la fertilidad en la tierra, la que nos provee las cosas tan impresionantes que podemos producir en nuestro suelo”.

Y así como en pleno ejercicio surrealista unió el término “prosperidad” con Argentina para obtener Proserpina, casi al cierre de la década pasada, en los primeros ‘80, aludió a la desaparición de Maribel como un sueño en el que, al partir, se encuentra una brisa enorme de libertad.

Toda la vida tiene música

Spinetta había nacido un 23 de enero de 1950, en una familia de clase media del barrio porteño de Belgrano. Su padre era un cantor de tangos aficionado y acaso haya sido su influencia el disparador de su amor por la música.

Almendra fue el grupo que armó con compañeros de secundaria (Emilio del Guercio) y amigos del barrio (Edelmiro Molinari y Rodolfo García). Pescado Rabioso, un intento por alinearse al rock furibundo de Hendrix para el que usó la base de un Pappo’s Blues (Black Amaya y David Lebón) que ya había allanado el asunto de los vúmetros a mil. Invisible fue un trío fascinante, que llevó el ideal de fusión a un nivel cósmico. Para entonces, también usó una base de Pappo (Pomo y Machi Rufino).

Luego vino Spinetta Jade, un experimento jazz rock con varios discos editados con el que trabajó con varios pianistas-tecladistas (Juan Del Barrio, Leo Sujatovich, el fallecido Diego Rapoport) y bajistas con groove (Beto Satragni, Frank Ojstersek, el cordobés César Franov, Paul Dourge).

Más cercana en el tiempo está su última experiencia grupal: Los Socios del Desierto, un power trío con el que logró reinstalarse en la década de 1990. Entre todas esas experiencias, claro, hubo lugar para una carrera solista sinuosa y alucinada, que tiene cimas compositivos como Artaud (1973), concebido por las suyas pero editado como de Pescado Rabioso y que fuera proclamado en todas las encuestas como el mejor disco del rock argentino de todos los tiempos, y como Kamikaze (1982), una delicia acústica en la que se permitió incluir una zamba, Barro tal vez, compuesta a sus tiernos 15. La letra de esa canción resume los propósitos estéticos de Luis Alberto Spinetta: “Si no canto lo que siento, me voy a morir por dentro”.

Córdoba, con shows memorables

A todos sus proyectos los mostró en Córdoba mediante shows memorables, que legaron un anecdotario frondoso: un show tardío en Atenas, allá por 1986, con equipos prestados por Carlos la “Mona” Jiménez porque los de Luis se habían quemado junto a un camión que los transportaba, a la altura de Marcos Juárez. O la reunión de Almendra en La Falda en febrero de 1981, que tuvo a Luis y al resto deambulando por la ciudad serrana como auténticas estrellas. Sus asociaciones con Fito Páez en el Chateau Rock de 1987, con la idea de desgranar el doble La la la. Jade en La Tablada. Los Socios en el Cosquín Rock. Invisible en Juniors. Cada cordobés tendrá su sagrado momento spinetteano.

Spinetta fue un músico popular pero no masivo. El acceso a su obra exigía de parte del público un compromiso interpretativo enorme, que dejaba afuera a todo aquel que buscara algo más asequible. Ahora bien, el que accedía, por la razón que fuera (encantamiento espontáneo, subyugación poética o ambas cosas después de aceptar la sugerencia de un amigo), se convertía en incondicional. El carácter insular de su expresión hacía sentir especial a todo aquel que conseguía atraparla, como parte de una logia cuyo fin último era flashear, abstraerse de todos los males de este mundo.

Spinetta era el antídoto contra esos males. Pero su poder sigue intacto. Porque hay cosas que la muerte no puede vencer. Y además, un guerrero no detiene jamás su marcha.

Hombre de luz

Por Pablo Leites

"Nunca hubo en mí semejante intención moralizadora, yo no predico; yo vivo y lo hago con un convencimiento". Alguna vez, sin querer y a propósito de una pregunta sobre Todas las hojas son del viento, Luis Alberto Spinetta definió buena parte de su sintética filosofía de vida: sería extraño encontrar a alguien ética y estéticamente más coherente en la música de este país (Piazzolla tal vez, Saluzzi, Leguizamón y pocos más).

Como siempre, como nunca, uno de esos convencimientos se revelaba -también- sobre el escenario en los últimos años, cada vez que aparecía con una remera en la que se leía: "Todos somos, todos fuimos, todos podemos ser". La tragedia del Colegio Ecos en 2006, ese grupo de alumnos fallecido trágicamente cuando viajaba de Chaco a Santa Fe por culpa de un conductor de camión alcoholizado se había convertido en su desvelo. 8 de octubre, compuesta junto a León Gieco, fue su homenaje, su himno personal y la constancia musical de su última gran lucha: conseguir que la educación vial sea ley y que conducir a conciencia deje de ser un eslógan.

La otra, la antigua, giró siempre en torno al ambientalismo bien entendido, diciendo lo justo y haciendo mucho. Como en 2007, cuando subió al mismo escenario que Jaime Torres y el Chango Spasiuk en un festival en Catamarca. "Me cago en el rock. Pero no en nuestra patria, y en poder verla antes de morirme como debería ser. No a las ventas ilegítimas de tierras, no a la contaminación de las minas", fue su arenga esa vez. "Tenemos que conservar hasta el fin la tierra de aquéllos que nacieron, vivieron y construyeron acá. Ojalá pueda ver algún cambio antes de irme de este mundo", seguía en su encendida defensa de los pobladores de parajes a punto de ser rematados en beneficio de una empresa Texana.

Pero volvamos a Todas las hojas... "Cuando digo 'Cuidalo de drogas', estoy diciendo: 'cuídalo de tu propia droga´, explicó. Detrás de sus dos preocupaciones, lúcido, El Flaco había entendido que había que cuidar al hombre del hombre. Su legado, inconmensurable y eterno, es ante todo el de un humanista.

Publicado en: http://vos.lavoz.com.ar/pop/rock/luis-alberto-spinetta-su-luz-brillara-siempre



Reportaje: Vida y obra de Luis Alberto Spinetta







Almendra: es el nombre de la banda que fundó en 1967 con sus compañeros de escuela: Del Guercio(bajo), Molinari (Guitarra) y García (batería) . En diciembre de 1969 publicaron el álbum Almendra en la que incluyen canciones de profundo lirismo como: Plegaria para un niño dormido







Almendra, : Rutas Argentinas del álbum doble de 1970







Spinettalandia y sus amigos: es el nombre de un disco que publicó en 1971,  un disco sicodélico en una etapa de transición antes de formar su siguiente banda. Spinetta  cambia de sello discográfico y se pasa a RCA. Originalmente se llamó nuevamente "Almendra", lo que le valió enfrentar un juicio por reclamo de la otra disquera. Se reeditó en 1978 con el título La Búsqueda de la estrella. Finalmente en la edición de 1995 por Sony Music se le tituló con este nombre.  Entre los amigos que participaron estuvo, otra legendaria  figura: Miguel Abuelo.







Pescado Rabioso. Con los músicos Frascino y Black Amaya funda el trío "Pescado Rabioso" y presentaron en 1972  el álbum Desatormentándonos editado por Microfón. En 1972 ya contando en los teclados con Carlos Cutaia y con David Lebón en el bajo, reemplazando a Frascino,  empezaron a grabar el disco doble Pescado 2 que fue publicado en 1973. Cristálida  del  álbum Pescado 2. 







Todas las hojas son del viento  del álbum Artaud de 1973 Presentado como de Pescado Rabioso. A estas alturas, realmente "Pescado Rabioso" ya se había disuelto. Es un álbum de Spinettta como solista pero asume el mismo nombre ya conocido e invita a su hermano Gustavo y sus antiguos amigos, Del Guercio y  García a que  se desempeñen como sus músicos. Inspirado en el poeta Francés  Artaud,  se convirtió en el álbum más emblemático y significativo para  Spinetta y el rock argentino.







"Invisible":  Hacia finales de 1973, Spinetta forma un nuevo grupo bautizado como "Invisible", lo conformó con Carlos Alberto "Machi" Rufino (Bajo) y Héctor "Pomo" Lorenzo (batería). La banda grabó algunos sencillos y tres álbumes a lo largo de su existencia que terminó en 1976. El último álbum que grabó el grupo se hizo para el sello CBS.  El álbum  de título: El Jardín de los Presentes, se convirtió en otro clásico de la música rock. Un álbum de Rock Fusión, Progresivo. Otra de las grandes creaciones de Spinetta en el álbum: El anillo del Capitán Beto







Banda Spinetta. En 1977 se reúne con el tecladista  Diego Rapaport, quien falleció recientemente, además con Oscar López en la batería y nuevamente con Carlos Albert "Machi" , unidos por una aventura escapista, apostaron por el Jazz fusion, donde mostraron con claridad el virtuosismo  musical de "El Flaco" y  sus acompañantes. Es una etapa de lujo en la trayectoria de Spinetta, pero por el mismo estilo que adoptaron no pudo ser seguido por multitudes. A 18' del sol es el título del álbum que publicaron en 1977, con temas instrumentales  y también otros  con una lírica muy refinada y abstracta de gran sentido poético. Destaca Toda la vida tiene música hoy.







Hacia 1979 y con el patrocinio del tenista Guillermo Vilas es invitado a Estados Unidos a grabar, y lo hace con todo el soporte digno de un "super star", se le puso a su disposición una orquesta de cuerdas, al compositor Gino Vanelli y un plantel de eximios músicos sesionistas entre ello vale la pena anotar, al peruano Alex Acuña que residía en Los Angeles. El álbum Only love can sustain,  es el único álbum que grabaría en idioma inglés, contenía temas de su creación pero también de otros autores, álbum del que posteriormente Spinetta renegaría, pues lo consideró que no reflejaba su estilo.  







Nuevamente Almendra. La formación original de la banda se vuelve a reunir en 1979, Hicieron sucesivas presentaciones en vivo presentando el disco de estudio grabado en Los Angeles de título  El valle interior, además la presentación serviría de material para una película, que nunca se concretó, pero los temas interpretados sirvieron  para publicar el álbum doble Almendra en Obras ("Obras", nombre del estadio donde realizó el concierto). Ambos fueron liberados en 1980.









Spinetta Jade.  En 1980 y sin disolver Almendra, formó la banda Spinetta Jade, cuya existencia con algunas interrupciones, se prolongó hasta 1985. No fue una formación estable, diversos pero excelentes músicos en algún momento pertenecieron al grupo como, Diego Rapaport y Betro Satragni ya fallecidos, también formaron del grupo Pedro Aznar, Lito Vitale, Lito Spumer, Juan Carlos "Mono"  Fontana y Leo Sujatovich entre otros.  Como Spinetta Jade se publicaron 4 álbumes: Alma de Diamantes (1980, Mordisco), Los niños que escriben en el cielo (1981, Universal), Bajo Belgrano (1983, Universal), Madre en años luz (1984, Universal). La música del grupo se movió entre el jazz, el jazz fusión, jazz-rock y rock progresivo.







Spinetta  solista. Aún con el proyecto Jade vigente, Spinetta entregó  un álbum como solista titulado Kamikaze (BMG, 1982) que fue un disco acústico  y Mondo di cromo en 1983 retornando al sonido eléctrico. En 1985 publica Privé incluyendo el dueto con Charly García: Rezo por voz y No seas fanática con León Gieco. Hacia 1986 se lanzó la producción del dueto con Fito Paez de título La, la, la. No sería  sino hasta 1988 en que se publicaría el álbum Téster de violencia reencontrándose con una temática conceptual, al igual que el siguiente: Don Lucero de 1989. Luego vendrían Exactas en 1990 y Pelusón of Milk en 1991. Hacia 1994 organizó el trío "Spinetta y los Socios del Desierto".  publicando con Sony Music un álbum con  nombre de la banda,  en 1987, luego entregarían  San Cristóforo en 1997 y Los Ojos en 1999. 









Fuentes: Wikipedia, Pescadorabioso.com.ar,