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Nacido en Buenos Aires, Argentina, en Enero de 1954, Miguel Ángel Mateos es un cantante, compositor, productor, guitarrista y tecladista que marcó una página importante en el Rock gaucho de las décadas de los 80's y 90's. Con apenas 12 años, formó su primera banda, llamada Cristal, y más adelante, en 1979, creó ZAS junto al bajista Jorge Infusino, al guitarrista Omar Moretti (reemplazado luego por Tito Infusino) y al baterista Alejandro Mateos.
Su trayectoria con ZAS, entre 1979 y 1990, se plasmó en 5 álbumes en estudio, que lo llevaron a convertirse en un éxito en su país y en otros lugares de Sudamérica, como Chile y Perú: "ZAS" (1982), "Huevos", (1983), "Tengo Que Parar" (1984), "Solos En América" (1986) y "Atado A Un Sentimiento" (1987), además del "Rockas Vivas" (1985), un disco en concierto, y 2 Maxi Singles, "Mensajes" y "Llámame" (ambos editados en 1986).
En 1990, Miguel Mateos decide emprender una carrera solista, cuya primera entrega fue el disco "Obsesión", producido junto a Michael Sembello y publicado por BMG Records, en el que colaboró además el hoy renombrado Gustavo Santaolalla. El tema que dió nombre a este trabajo, fue una de los primeros acercamientos de Mateos al Synth-Pop, que lo ayudó a marcar distancias de su trabajo previo con ZAS, más enfocado en el Rock y Pop.
Desde entonces, el argentino ha lanzado 7 álbumes más en estudio, y 2 en vivo. Su más reciente disco ha sido "Primera Fila" (Sony Music, 2011), que incluye además un DVD/Blu Ray, un trabajo en concierto con formato acústico, que fue grabado en la Casa de la Música (ex-Biblioteca Nacional) de su natal Buenos Aires, en la participan como invitados su hijo Juan Oliver, la cantante española Malú y los mexicanos Reik, con quienes realizó una nueva versión de "Obsesión".
Esta semana ha sido bastante nefasta para el ambiente de la Música Disco. A la reciente pérdida de Donna Summer, nos llega la noticia del sensible fallecimiento de Robin Gibb, cantante e integrante del recordado trío Bee Gees, quien luego de luchar durante un buen tiempo contra el cáncer de colon e hígado que lo aquejaba, entró en estado de coma el mes pasado tras contraer una neumonía, déjandonos hoy a los 62 años de edad.
Nacido el 22 de Diciembre de 1949 bajo el nombre completo de Robin Hugh Gibb, en la Isla de Man, Reino Unido, fue gemelo de Maurice (fallecido en Enero de 2003), además de tener 3 hermanos más: Lesley, Barry y Andy (fallecido en 1988). Fue justamente con Barry y Maurice que Robin formó en 1958 el recordado trío vocal Bee Gees, cuyo sello distintivo fue el uso de los falsettos. El trío llegó a editar 22 álbumes en estudio, 2 en vivo, 10 compilatorios y 4 soundtracks, entre los cuáles sobresalieron, en la segunda mitad de los 70's, los de las películas "Saturday Night Fever" (dirigida por John Badham en 1977) y su secuela "Staying Alive" (dirigida por Sylvester Stallone en 1983).
En 1970, Robin comenzó además una carrera solista en paralelo a su trabajo con Bee Gees. Siempre con el sello Universal Music, llegó a editar 7 discos en estudio, siendo el primero de ellos "Robin's Reign" (1970), y el más reciente "Titanic Requiem" (2012). Hoy lo recordamos con uno de sus mayores hits en solitario, "Juliet", que fue uno de los singles de su segundo álbum de 1983, "How Old Are You?", editado 13 años después del "Robin's Reign". El disco fue co-producido por los gemelos Robin y Maurice, junto a Dennis Bryon. Curiosamente, "Juliet" no tuvo una buena aceptación en el Reino Unido y los Estados Unidos, pero llegó a encabezar los rankings en Alemania, Suiza e Italia, además de ser #2 en Austria.
En el aspecto personal, Robin se casó en 1968 con Molly Hullis, con quien tuvo 2 hijos: Spencer (en 1972) y Melissa (en 1974), divorciándose en 1980. Su segunda esposa fue Dwina Murphy, con quien tuvo su tercer hijo, Robin-John (en 1983). Entre sus múltiples logros personales, Robin Gibb fue inducido en 1994 al Songwriters Hall of Fame de Los Angeles, California, y en 1997 recibió el mismo honor junto a Bee Gees en el Rock and Roll Hall of Fame. En 2002, fue nombrado Comandante de la Orden del Imperio Británico, mientras que en 2004, junto a su hermano mayor Barry, quien es el único varón de los Gibb que queda en vida, recibió el Grado Honorario de Doctor en Música de la University of Manchester. Recordémoslo como se debe, con su música. Descansa en paz, Robin Gibb.
Teniendo como eje principal de su propuesta musical a la Electrónica y al Dance, Utah Saints es un dúo proveniente de Leeds, Inglaterra, fundado en 1990 por los productores y músicos Jez Willis y Tim Garbutt, a quienes dedicamos nuestro post sabatino.
Hasta la fecha, han sido 3 los álbumes editados por la dupla inglesa, que suele convocar a otros músicos como colaboradores en sus trabajos. Su exitoso primer disco fue "Utah Saints", editado en 1992 primero en los Estados Unidos, para ser publicado al año siguiente en el Reino Unido. Este álbum los hizo conocidos a nivel internacional, llegando a escalar hasta la ubicación #10 del UK Albums Chart, obteniendo además un Disco de Plata por sus ventas. Aquí destacaron los singles "What can you do for me?" (que incluía samples de otros temas como "There must be an angel (Playing with my heart)" de Eurythmics, "Ain't nothin' goin' on but the rent" de Gwen Guthrie, y del disco "Alive II" de Kiss), "Something good" (que sampleaba una parte de la canción "Cloudbusting" de su compatriota Kate Bush), y "Believe in me" (con samples de "Love action" de The Human League, "Do ya wanna funk?" de Sylvester y "You gave me love" de Crown Heights Affair).
En Octubre de 2000, Utah Saints lanzó al mercado "Two", su segundo disco, a través de los sellos Echo Records (Estados Unidos) y Nettwerk Records (Estados Unidos/Canadá). Aquí sobresale la canción que posteamos hoy, "Power to the beats", en la que colaboró el rapero estadounidense de los Public Enemy, Chuck D, y que además utiliza samples del conocido "Enter sandman" de Metallica. Los otros singles promocionales del "Two" fueron "Love song", "Funky music" (con Edwin Starr como cantante) y "Lost vagueness" (con la colaboración de Chrissie Hynde de The Pretenders).
Finalmente, diremos que el más reciente trabajo de Willis y Garbutt ha sido "Freshtraxxx Vol 3", álbum que se encargaron de mezclar, y en el que participan también artistas como Finger Lickin' Allstars, Slyde, A-Skillz, Drumattic Twins, Alex Metric, Alex Dolby, Shimon & Nixon y Unison, entre otros. En Agosto de 2010, los Utah Saints anunciaron públicamente la creación de un nuevo sellos discográfico, llamado Sugarbeats, cuyo primer lanzamiento fue el disco "Drop The Bomb" de Santero.
Hoy, Jueves 17 de Mayo de 2012, nos ha dejado una de las grandes voces del Disco y del Pop: Ladonna Adrian Gaines, mejor conocidas por todos nosotros como Donna Summer. Es por ello que le queremos dedicar el post del día como un sentido homenaje, en agradecimiento por tantas buenas canciones que nos ha dejado, y que nos permitirán recordarla siempre.
Esta artista nació en Boston, Massachussets, un 31 de Diciembre de 1948, siendo una de las hijas del matrimonio formado por Andrew Gaines, un carnicero, y por Mary Gaines, maestra de escuela. En 1967, se mudó a la ciudad de Nueva York, en donde integró una banda de Blues/Rock llamada Crow, para luego vivir por unos años en Alemania y Austria, formando parte del ensamble vocal Family Tree. Fue en 1971 que la cantante editó su primer single con Decca Records, "Sally go 'round the roses", un cover de The Jaynetts.
En 1974, Ladonna Gaines se casó con el actor austríaco Helmuth Sommer, con quien tuvo una hija llamada Mimi. Este matrimonio no duraría mucho, y la pareja se divorció al año siguiente. Sin embargo, Gaines decidió seguir usando la traducción en inglés del apellido de su ex-marido, adoptando el nombre artístico de Donna Summer desde entonces. A lo largo de su larga trayectoria musical, Summer publicó 17 discos en estudio, 2 álbumes en vivo, y 6 recopilatorios, recibiendo 6 American Music Awards y 5 Grammy Awards, además de ser incluída en 2 oportunidades en el Dance Music Hall of Fame.
Lamentablemente, a sus 63 años de edad, el cáncer nos ha privado de tenerla aún con nosotros. Donna Summer estaba casada actualmente con Bruce Sudano, con quien tuvo 2 hijas más: Brooklyn y Amanda. Hoy le rendimos tributo con "Hot stuff", uno de sus grandes éxitos, perteneciente a su séptimo disco, "Bad Girls", lanzado en 1979 por Casablanca Records, bajo la producción de Giorgio Moroder y Pete Bellotte. Este álbum fue #1 del Billboard 200, del R&B/Hip-Hop Albums Chart y del Canadian RPM 100 Top Albums Chart, mientras que "Hot stuff" lideró el Billboard Hot 100 Singles Chart y el Club Play Singles Chart de la misma publicación. Descansa en paz, Donna Summer, y gracias por la buena música!
Con una propuesta musical enmarcada dentro del Alternative Rock con tintes industriales, Stabbing Westward fue una banda vigente entre 1985 y 2002. Sus inicios se dieron cuando Christopher Hall (voz/guitarra/teclados) y Walter Flakus (teclados/programación) se conocieron en la ciudad de Macomb, Illinois, mientras estudiaban en la Western Illinois University. Al año siguiente, se mudaron a Chicago, y se les unió el guitarrista Jim Clanin.
Este trío se encargó de darle forma al primer EP del grupo, "Iwo Jima" (1992), compuesto por 4 canciones: "Violent mood swing", "Shame (Do you think God is dead)", "P.O.M.F." y "Plastic Jesus". Poco después, la alineación de Stabbing Westward se completó con el ingreso del bajista Jim Sellers y el baterista de Nine Inch Nails, Chris Vienna, quien luego fue reemplazado por David Suycott. Fue así que en 1994, y a través de Columbia Records, esta banda publicó su disco debut, llamado "Ungod", producido por John Fryer y con la inclusión del guitarrista Stuart Zechman. Tras el lanzamiento del disco, y en plena gira de promoción, David Suycott se retiró del grupo, que convocó entonces a Andy Kubiszewski para tomar la posición de baterista.
Sus dos siguientes discos también serían publicados por Columbia Records: "Wither Blister Burn & Peel" (1996), con buenos temas como "Shame", "Crushing me" o "Falls apart"; y "Darkest Days" (1998), que fue co-producido por Dave Jerden y Ulrich Wild, en donde sobresale largamente la canción que posteamos hoy, "Save yourself", que llegó hasta el lugar #4 del U.S. Mainstream Rock Chart, siendo el single mejor ubicado en la trayectoria de los Stabbing Westward. Otros temas recomendables de este tercer disco son "Sometimes it hurts" y "Haunting me".
El cuarto disco de Hall y compañía fue "Stabbing Westward" (Koch Records, 2001), bajo la producción de Ed Buller, que tuvo como sencillo promocional a la canción "So far away". En esta época, Derrek Hawkins se había sumado al grupo como guitarrista. Antes de comenzar a grabar el que sería su quinto disco de estudio, los miembros de Stabbing Westward anunciaron la disolución de la banda en Febrero de 2002, luego de lo cuál tomaron caminos separados, formando nuevos proyectos musicales. En 2010, corrieron algunos rumores de una posible reunión del grupo, lo que fue desmentido por Christopher Hall a finales de 2011.
"The things you said" fue el track #2 del gran disco "Music For The Masses" (1987), el sexto en la extensa discografía de Depeche Mode, una de las bandas más importantes del Synth-Pop mundial, que fue producido por David Bascombe y editado por Mute Records, sello fundado en 1978 por Daniel Miller, importante productor, músico y colaborador permanente de este grupo, que además es recordado por haber formado parte de otros importantes proyectos musicales como The Normal, Duet Emmo y Sunroof.
Gracias a "Music For The Masses", Depeche Mode logró abrir las puertas del mercado estadounidense con memorables canciones como "Never let me down again", "Strangelove", "Behind the wheel", "Sacred", "Little 15" y "Nothing". Ya en ese entonces, Depeche Mode estaba conformado por la que ha sido su alineación más prolongada y conocida: Dave Gahan (voz), Martin Gore (teclados/guitarra/voz/coros), Andrew Fletcher (samplers/coros) y Alan Wilder (teclados/samplers/piano/coros). Fue justamente Gore quien compuso todas las canciones de este álbum, además de interpretar 2 de ellos: "The things you said" y "I want you now".
El disco llegó a vender casi 2 millones de copias en todo el mundo ese año, obteniendo Discos de Platino en Estados Unidos y Francia, Disco de Oro en Alemania y Disco de Plata en el Reino Unido, colocándose en el Top 10 de los rankings en Francia, Alemania, Italia, España, Suecia, Suiza y el Reino Unido.
Hoy les traemos uno de las mejores versiones que hemos escuchado de "The things you said", llamada Kernfusion Remix, realizada por Dominatrix, un prolífico remixer de Depeche Mode, quien en 2008 editó de forma independiente un disco no autorizado (o "bootleg") titulado "KernFusion 11: Fusion Of The Universe", en el que se incluyen sus versiones de canciones como "Somebody", "Stripped", "Everything counts", "Sacred on", "Nodisco", "In your memory" y "Love in itself", además de 3 megamixes de Depeche Mode. Si son fanáticos de Depeche Mode, no deben dejar de escuchar las remezclas de Dominatrix, muchas de ellas de muy buena calidad, como ésta. Que la disfruten.
Hoy nos enfocamos en el más reciente disco en estudio de los británicos Nitzer Ebb (de quienes ya hemos posteado anteriormente los temas "Control I'm here" y "Murderous"), uno de los grupos referentes más importantes del género conocido como Electronic Body Music o EBM.
El nombre de dicho álbum, que fue producido por el renombrado Mark "Flood" Ellis, es "Industrial Complex", publicado en 2010 por los sellos Major Records (Europa), Alfa Matrix (Bélgica) y Artists's Addiction Records (Estados Unidos). Actualmente, el grupo está conformado por sus 2 miembros fundadores, Douglas McCarthy (voz) y Vaughan "Bon" Harris (voz/programación/sintetizadores/batería), quienes desde 2007, tras la salida de Kourtney Klein, son acompañados por el baterista Jason Payne.
La edición original editada por Major Records incluyó 12 tracks, mientras que las versiones publicadas en Bélgica y Estados Unidos contenían 17 tracks en total, con el añadido de varios remixes. Entre los temas que conforman el disco destacan "Once you say" (en el que participa Martin L. Gore de Depeche Mode haciendo los coros), "Down on your knees", "Kiss kiss bang bang" y "Payroll", que mantienen el carácter industrial y enérgico tan característico de Nitzer Ebb.
En esta ocasión compartimos con ustedes la canción que abre el "Industrial Complex", titulada "Promises", que inmediatamente hace que uno tenga ganas de moverse, gracias a su rítmica y pegadiza línea de bajo, y sus siempre sólidas bases percutivas. Este tema ha sido usado en los soundtracks de la serie policial estadounidense "NCIS: Naval Criminal Investigative Service" en 2009, así como en la película de terror "Saw 3D: The Final Chapter", dirigida en 2010 por Kevin Greutert. En dicha banda musical también participaron las bandas japonesas Boom Boom Satellites y Dir en Grey, así como el proyecto paralelo de Chester Bennington (vocalista de Linkin Park), llamado Dead by Sunrise.
A pesar de tomar el nombre de la capital alemana, Berlin, esta agrupación de Synth-Pop y New Wave se formó en 1978 en ciudad de Los Angeles, California, siendo sus miembros originales Terri Nunn (voz), John Crawford (bajo), Dan Wyman (teclados), Jo Julian (teclados), Chris Ruiz-Velasco (guitarra) y Daniel Van Patten (batería).
Su primer disco fue "Information" (Zone H Records, 1980), con la salida de la cantante Terri Nunn, quien fue reemplazada por Virginia Macolino. Como dato interesante, diremos que Terri Nunn se alejó de Berlin para enfocarse en su carrera como actriz, audicionando para el rol de la Princesa Leia en la primera película de la saga "Star Wars". Para su segundo álbum, "Pleasure Victim" (Enigma Records, 1983), Berlin sufrió varios cambios más en su alineación, en la que solo se mantuvo John Crawford: Nunn volvió como vocalista, Ric Olsen se hizo cargo de las guitarras, David Diamond de los teclados y Rod Learned ingresó como baterista, además de la colaboración de Chris Ruiz-Velasco como guitarrista adicional y de Daniel Van Patten, quien además fue el productor musical.
Compuesto por 7 canciones, este disco fue el más exitoso en la carrera del grupo, gracias en gran parte a canciones como "Sex (I'm a...)" y la recordada "The metro", cuyo vídeoclip fue dirigido por Dominic Orlando. Este último tema ha sido versionado en años posteriores por otros artistas como System of a Down, John Frusciante y Hannah Fury. Tras editar 2 álbumes más, "Love Life" (Geffen Records, 1984), producido por Mike Howlett; y "Count Three & Pray" (Geffen Records, 1986), que fue co-producido por Giorgio Moroder y Bob Ezrin, en el que se incluyó la balada "Take my breath away", que se hizo famosa por la película "Top Gun", dirigida por Tony Scott en 1986, Berlin se desintegró en 1987.
Sin embargo, en 1998 y por iniciativa de Terri Nunn, el grupo se reunió, con una nueva formación, lanzando desde entonces los discos "Voyeur" (iMusic, 2002), que tuvo como singles a los temas "Blink of an eye" y "With a touch"; y "4Play" (Majestic Recordings Inc., 2005), que fue un disco mayormente conformado por covers. En 2009, bajo el nombre de Terri Nunn & Berlin, se editó el recopilatorio "All the way in", a través del sello Fuel 2000. En la actualidad, Nunn es la co-anfitriona de un programa llamado "Between the Sheets", transimitido como podcast y webcast por la estación radial on-line Hottalkla.com.
Charly García (voz/teclados/guitarra), David Lebón (voz/guitarra/bajo), Pedro Aznar (voz/bajo/guitarra/sintetizadores) y Óscar Moro (batería/percusión) fueron, entre 1978 y 1993, los responsables de dar vida a una de las agrupaciones más importantes y representativas en la historia del Rock Argentino, quienes engalanan nuestra publicación del viernes: Serú Girán.
Este grupo nació en Buenos Aires, capital argentina, de las cenizas de otra muy buena banda de Progressive Rock llamada La Máquina de Hacer Pájaros, integrada por García (ex-Sui Géneris), Moro (ex-Los Gatos), Carlos Cutaia (ex-El Huevo y Pescado Rabioso), Gustavo Bazterrica (ex-Reino de Munt) y José Luis Fernández (ex-Crucis). Anteriormente, García, Aznar, Moro y Lebón se unieron al cantante ítalo-argentino Giuliano Canterini (aka Billy Bond) dando vida a Billy Bond and the Jets, editando un único álbum con el mismo nombre. Tras el alejamiento de Bond, los otros cuatro miembros decidieron continuar bajo el nombre de Serú Girán.
La muy importante discografía de este grupo consta de 5 álbumes en estudio: "Serú Girán" (Music Hall, 1978), "La Grasa De Las Capitales" (Music Hall, 1979), "Bicicleta" (SG Discos, 1980), "Peperina" (SG Discos, 1981) y "Serú '92" (Sony Music, 1992), además de 3 discos en vivo. Hoy nos centramos en su último trabajo "Serú '92", un verdadera obra maestra, producido por los propios integrantes del grupo, que fue grabado en los Estudios Del Cielito por Peter Baleani y mezclado por Joe Blaney.
Destacan aquí brillantes canciones como "Si me das tu amor", "No puedo dejar", "A cada hombre, a cada mujer" y la excepcional "Déjame entrar", compuesta e interpretada por Pedro Aznar, quien la primera separación de Serú Girán en 1982 se fue a estudiar a la prestigiosa Berklee College of Music de Boston, Massachussets, siendo invitado más adelante a formar parte de The Pat Metheny Group. No dejen de prestar atención a la letra de "Déjame entrar", de una calidad superlativa, y a la buenísima y muy elegante sección instrumental del tema, fruto del talento de estos cuatro grandes músicos, considerados en la actualidad como íconos en su país. Para terminar, recordaremos que el baterista Óscar Moro falleció en 2006, a la edad de 58 años, víctima de una úlcera sangrante, debido a su adicción al alcohol.
Para muchos (entre los que nos incluímos), el octavo disco en estudio de The Cure, "Disintegration", editado en Mayo de 1989 por Fiction Records, es uno de los hitos más brillantes en la larga trayectoria de esta banda icónica del Gothic Rock, Post-Punk y New Wave, que hizo de los sacones negros, los cabellos despeinados sobre la cara y las sombras oscuras alrededor de los ojos su marca registrada, siempre liderada por la figura de su tímido y enigmático vocalista, el gran Robert Smith.
La formación de The Cure en esta época es la mejor de toda su historia, con Smith complementado magistralemente por Simon Gallup (bajo), Porl Thompson (guitarra), Roger O'Donnell (teclados) y Boris Williams (batería). Durante la fase de producción del disco, Laurence "Lol" Tolhurst, uno de los miembros fundadores del grupo en 1976, fue despedido del grupo, por lo que Roger Donnell, quien se unió a The Cure en 1987 como músico invitado y cuya trayectoria musical previa incluyó a The Psychedelic Furs, Thompson Twins y Berlin, quedó desde entonces como integrante estable hasta el día de hoy. Sin embargo, Tolhurst aparece en los créditos del disco, como ejecutante de "otros instrumentos" (sic).
Volviendo al "Disintegration", mencionaremos que este álbum fue grabado en los Hookend Recording Studios de Oxforshire, Inglaterra, bajo la producción musical de David M. Allen y Robert Smith. A lo largo de sus 12 canciones, el disco transita siempre por ambientes sonoros densos, lúgubres, melancólicos y hasta depresivos, algo que siempre supieron trasmitir muy bien, y que es una de las características que los han llevado a convertirse en una banda emblemática en ese estilo. El disco llegó hasta la posición #3 del UK Albums Chart, mientras que en los Estados Unidos solo escaló hasta el puesto #12 del Billboard 200.
Con grandes canciones como "Pictures of you", "Lovesong", "Lullaby", "Disintegration", "Plainsong" y la excepcional "Fascination street" (que fue el único sencillo del álbum promocionado en los Estados Unidos, encabezando el Modern Rock Tracks Chart de Billboard, con una memorable línea de bajo ejecutada con maestría por Simon Gallup), este disco es hasta el día de hoy el más vendido de The Cure, con millones de copias repartidas por todo el mundo, habiendo sido considerado por la prestigiosa revista británica Melody Maker como el Mejor Disco de 1989, y por otras publicaciones como Rolling Stone, Q, Pitchfork, Slant Magazine y Entertainment Weekly entre los mejores álbumes de los 80's y de todos los tiempos.
Gorillaz es una "banda virtual", nacida en Londres, Inglaterra en el año de 1998, como un proyecto paralelo de Damon Albarn (vocalista del también grupo británico de Brit-Pop Blur) y el diseñador y artista de comics Jamie Hewlett. Desde un principio, los integrantes de la agrupación fueron presentados como personajes de dibujos animados, respondiendo a los nombres de 2D (voz/guitarra/melódica), Murdoc Niccals (bajo/cajas de ritmo), Noodle (guitarra/teclados/coros) y Russel Hobbs (batería/percusión), con un estilo musical que combinaba Electrónica, Hip-Hop, Dub, Pop y Alternative Rock.
Este peculiar concepto hizo que el disco debut homónimo de Gorillaz, publicado en Marzo de 2001 por Parlophone Records, co-producido por Tom Girling, Jason Cox y Daniel "Dan the Automator" Nakamura consiguiera sendos Discos de Platino en el Reino Unido, Canadá y Estados Unidos, gracias a los sencillos "Tomorrow comes today", "Clint Eastwood", "Rock the house" (en los que colaboró el rapero estadounidense Teren Delvon Jones, bajo el seudónimo de "Del tha Ghost Rapper") y "19-2000".
"Demon Days" (Parlophone Records, 2005) fue el segundo álbum del proyecto, producido por Brian "Danger Mouse" Burton, Jason Cox y James Dring, que llegó a encabezar los charts de Francia y el Reino Unido. El primer single de este disco fue el tema que les traemos hoy, "Feel good Inc.", que fue #1 del Hot Modern Rock Tracks Chart de la Billboard y del Spain Top 50 Singles Chart. El vídeoclip de esta canción fue dirigido por Jamie Hewlett y Pete Candeland, y fue premiado con dos MTV Video Music Awards (en 2005) y un Grammy Award (en 2006).
Los restantes dos lanzamientos de Gorillaz fueron "Plastic Beach" (2010) y "The Fall" (2010), siempre con Parlophone Records. El single más reciente de grupo, "Do ya thing", fue presentado en Febrero de 2012. En Abril de este año, Damon Albarn y Jamie Hewlett anunciaron públicamente su decisión de separarse por un tiempo, por lo que Gorillaz ha quedado en un período de pausa indefinida. Cabe destacar que en las últimas presentaciones en vivo de la banda, que se presentaba con pantallas de LEDs en las que aparecían los 4 "miembros virtuales", habían estado colaborando con la banda "real" que interpretaba las canciones, Mick Jones (ex-cantante y guitarrista de The Clash y Big Audio Dynamite), así como Paul Simonon (ex-bajista de The Clash).
Hoy nos enorgullece dedicar el post del día a uno de los músicos jóvenes que está poniendo muy en alto a la música peruana por todo el mundo. Con un innegable talento y sensibilidad artística, este multi-instrumentista autodidacta, que interpreta con maestría instrumentos tan variados como la guitarra, el piano, el charango, el cajón, la quena, la zampoña y la batería (solo por citar algunos), está ayudando a que las nuevas generaciones de peruanos se interesen cada vez más por la música de su país, lo que ya representa un enorme mérito. Nos estamos refiriendo a Lucho Quequezana.
Los pininos musicales de Quequezana, nacido en Lima, se dieron a la temprana edad de 11 años. A los 13, ya componía sus primeras canciones, siempre influenciado por los diversos matices de la música de su país: los ritmos afro-peruanos de la costa (como el Festejo, la Marinera, el Landó, etc.), y las cálidas, y muchas veces nostálgicas y melancólicas melodías de los andes peruanos, que tienen al Huayno como su género musical más destacado.
En 2002, fundó su propio estudio de grabación, llamado Cabina Libre, en el que comenzó a componer música para películas y comerciales de radio y televisión, siempre con la música peruana como su principal inspiración. Un año más tarde, Lucho Quequezana comenzó a dar forma a un ambicioso proyecto musical, al que denominó "Sonidos Vivos", que en 2005 lo hizo acreedor de una residencia otorgada por la UNESCO-Aschberg MMM en Montreal, Canadá, que consistió en enseñar la música andina peruana a otros jóvenes músicos de todo el mundo, entre los que estuvieron Huu Baac (Vietnam), Shu Hang Rao (China), Ismail Fencioglu (Rumania) y Francois Taillefer (Canadá). Con ellos, Quequezana realizó una gira internacional en la que el grupo interpretaba sus composiciones, con la peculiaridad de que cada uno de los artistas interpretaba instrumentos oriundos de sus países natales, lo que daba al sonido una riqueza y universalidad sobresalientes.
En 2011, este gran artista presentó su disco instrumental "Kuntur" ("Cóndor", en quechua), que llegó a ser el disco más vendido del año en el Perú, un mérito que no pasó desapercibido por los medios locales, que le han dado en este tiempo la atención que merecidamente se ha ganado en base asu trabajo serio y sostenido. Ojalá que el ejemplo dado por Lucho Quequezana motive a muchos otros artistas peruanos a persistir hasta alcanzar sus metas, porque está demostrado que talento es lo que sobra por estos lares.
"Head Music", producido por Steve Osborne y Bruce Lampcov, y editado en Mayo de 1999 por Nude Records, fue el cuarto y hasta hoy penúltimo disco de la banda londinense Suede, tras los exitosos "Suede" (1993), "Dog Man Star" (1994) y "Coming Up" (1996). Los integrantes del grupo en ese entonces, y que se mantienen hasta el día de hoy, eran Brett Anderson (voz), Mat Osman (bajo), Richard Oakes (guitarra), Neil Codling (teclados/guitarra) y Simon Gilbert (batería).
Cabe recordar que el proceso de grabación de este álbum fue bastante problemático, debido en gran parte a que entonces el cantante Brett Anderson estaba pasando por una etapa de seria adicción al crack, mientras que el tecladista Neil Codling sufría de Síndrome de Fatiga Crónica, lo que prolongó considerablemente las grabaciones del "Head Music". Sin embargo, al ser editado, este trabajo siguió la senda exitosa de sus antecesores, consiguiendo liderar los charts del Reino Unido, Suecia y Noruega, mientras que en Estados Unidos solo escaló hasta el lugar #25 del Heatseekers Albums Chart de la Billboard.
Su primer single fue "Electricity", seguido de "She's in fashion", nuestra canción preferida de este disco, cuyo sonido se alejaba un poco del Alternative Rock y el Brit-Pop tan característico de Suede, lo que se refleja en su introducción de onda oriental, que luego da paso a una canción en tempo medio, con un marcado aire de sensualidad. Curiosamente, este tema, que llegó hasta la posición #13 del UK Singles Chart, fue compuesto por Anderson y Codling que, como ya mencionamos, no pasaban entonces por una buena época en cuanto a su salud.
Suede se mantiene activo hasta hoy, tras un período de pausa entre 2003 y 2010, habiéndose presentado el año pasado en el reconocido Coachella Valley Music ans Arts Festival, realizado anualmente en California, Estados Unidos, además de seguir girando por todo el mundo. Sus próximas presentaciones se darán en el Optimus Primavera Sound en Porto, Portugal (7 de Junio), el Hop Farm Music Festival en Kent, Inglaterra (1ro. de Julio), el Low Cost Festival en Benidorm, España (27 de Julio) y el Lokerse Feesten en Lokeren, Bélgica (8 de Agosto).
Donald "Don" Henley fue uno de los miembros fundadores de Eagles, la célebre banda de Rock fundada en 1971 en Los Angeles, California, cuya primera alineación tuvo a Glenn Frey (voz/guitarra/teclados/armónica), Bernie Leadon (guitarra/coros), Randy Meisner (bajo/coros) y el ya mencionado Henley en voz, batería y guitarra. Dicha agrupación hizo una pausa entre 1980 y 1994, época en la cual Don Henley aprovechó para embarcarse en una carrera en solitario, de la que nos ocupamos en este post.
En 1982, Henley (nacido el 22 de Julio de 1947 en Gilmer, Texas) editó su primer disco en solitario, titulado "I Can't Stand Still", a través de Asylum Records, sello de propiedad de David Geffen y Elliot Roberts. Los singles más destacados en este trabajo fueron "Dirty laundry" (#1 en Estados Unidos y Canadá), "Johnny can't read" y "You better hang up". Su segundo disco fue "Building The Perfect Beast" (Geffen Records, 1984), que obtuvo Disco de Plata en el Reino Unido y Triple Disco de Platino en los Estados Unidos, gracias a temas como la brillante "Boys of summer", "All she wants to do is dance" o "Not enough love in the world".
El tercero de los cuatro álbumes de Henley hasta la fecha fue "The End Of The Innocence" (Geffen Records, 1989), que ha sido su disco más exitoso, con Disco de Oro en el Reino Unido, Doble Platino en Canadá y Séxtuple Platino en los Estados Unidos. Este trabajo fue producido por un selecto staff en el que se incluyen Bruce Hornsby, Greg Ladanyi, Stan Lynch, Danny Kotchmar y el propio Henley. En el aspecto musical, cabe destacar la participación de artistas como Edie Brickell, Sheryl Crow, Melissa Etheridge, Stanley Jordan, Jeff Porcaro (de Toto) y Axel Rose.
La hermosa balada que dió nombre al disco, composición conjunta de Don Henley y Bruce Hornsby, fue el primer single del álbum, liderando el Billboard Album Rock Tracks, y ubicándose también en el #3 del RPM Top Singles y RPM Adult Contemporary Charts de Canadá. El vídeoclip oficial de la canción, que ganó el MTV Video Music Award a Mejor Vídeo Masculino en 1990, fue dirigido por el cineasta David Fincher (responsable de grandes películas como "Seven", "Fight Club", "The Social Network" o "The Girl With The Dragon Tattoo"). A continuación, los dejamos con una versión en vivo de "The end of the innocence".
Adam Nathaniel Yauch, mejor conocido por los seudónimos de MCA o Nathanial Hörnblowér, fue en 1979 uno de los integrantes de Beastie Boys, una de las bandas màs importantes de la escena neoyorkina del Hip-Hop y del Rap. Yauch nació el 5 de Agosto de 1964 en la zona de Brooklyn, siendo hijo de Frances y Noel Yauch.
En 1979, junto a Michael "Mike D" Diamond y Adam "Ad-Rock" Horovitz, fundó Beastie Boys, agrupación de la que ya habíamos hablado anteriormente en nuestro blog, con quienes editó 8 álbumes en estudio, siendo el más reciente "Hoy Sauce Committee Part Two" (Capitol Records, 2011). Lamentablemente, en 2009 MCA fue diagnosticado con cáncer a la glándula parótida, enfermedad que hoy, 4 de Mayo de 2012, acabó con su vida, a la edad de 47 años.
Es por este triste motivo que hoy hemos decidido dedicarle un pequeño homenaje póstumo, recordándolo con la canción "Three MC's & one DJ", perteneciente al disco "Hello Nasty", el quinto en la discografía de los Beastie Boys, editado por Capitol Records en 1998, en el que aparece además el DJ Mix Master Mike, uno de los colaboradores más habituales de Yauch, Diamond y Horovitz. Este vídeo fue dirigido por MCA Yauch bajo el alias de Nathanial Hörnblowér, quien también dirigió muchos otros clips del trío neoyorkino, como "Looking down the barrel of a gun", "Shake your rump", "Shadrach", "Ask for Janice, Part II", "Slow and low", "Pass the mic", "So what'cha want", "Jimmy James", "Sure shot", "Intergalactic", "Body movin" , etc.
Yauch, con su característica voz ronca, siempre supo imprimir su estilo en cada interpretación que hizo, tanto en sus discos como en las presentaciones en vivo. Este gran artista tuvo una hija en 1998, llamada Tenzin Losel, con su esposa Dechen Wangdu. Además, practicaba el Budismo, y fue uno de los activistas más constantes del Movimiento por la Independencia Tibetana, causa a la que dedicó buena parte de su vida en los últimos años. Descansa en paz, MCA, y gracias por tanta buena música.
Dia Frampton. Recuerden este nombre, porque seguramente lo oirán más seguido. Esta cantante estadounidense, nacida en Octubre de 1987 y oriunda del estado de Utah, ganó notoriedad en los Estados Unidos el año pasado, gracias a su participación en la primera edición del reality show "The Voice", transmitido por la cadena NBC.
En dicha competencia, que buscaba a nuevas estrellas en el canto, Dia Frampton llegó hasta la etapa final, obteniendo al final el segundo lugar del certamen, por detrás de Javier Colón, otro brillante cantante. Mérito que vale aún más teniendo en cuenta al exigente y calificado jurado encargado de evaluar y ayudar a los participantes, que estuvo integrado nada menos que por la gran cantante Christina Aguilera; el vocalista de Maroon 5, Adam Levine; el productor y cantante del dúo Gnarls Barkley, Cee Lo Green; y el artista de Country Music, Blake Shelton.
La carrera musical de Dia Leaf Frampton se inició en 2004, cuando junto a su hermana, conformó la dupla Meg & Dia, que hasta la fecha ha llegado a editar 4 álbumes en estudio: "Our Home Is Gone" (2005), "Something Real" (2006), "Here, Here And Here" (2009) y "Cocoon" (2011). Durante su participación en la etapa semifinal de "The Voice", Dia interpretó a su estilo un cover de "Losing my religion", hermosa canción de los ya disueltos R.E.M., que fue el primer single del disco "Out Of Time", editado en 1991 por Michael Stipe y compañía. El resultado de la versión de Frampton, que le imprime su frágil y melodiosa voz a la canción, fue bastante sobresaliente, al punto que le valió el pasaje a la final del concurso.
A pesar de no haber ganado, esta artista consiguió firmar un contrato con el importante sello discográfico Universal Republic Records, que le permitió publicar en Diciembre de 2011 su primer disco solista, "Red", en la que Frampton co-escribió la totalidad de las canciones. Este álbum confirmó la buena aceptación del público hacia la cantante, llegando al #1 del Top Heatseekers Albums Chart de la revista Billboard. Disfruten de este muy buen cover, y de la bella voz de Dia Frampton.
Volumen Cero es una banda fundada en 1993 en la ciudad de Miami, Florida, originalmente bajo el nombre de Orgamic Bliss, con una alineación integrada por Luis Tamblay (voz/bajo), Marthín Chan (guitarra/sintetizadores), Cris Escuti (guitarra) y Fernando Sánchez (batería), quienes representan la mixtura latina de Miami, debido a sus raíces provenientes de Perú, Colombia, Chile y Estados Unidos. En 1996, aún bajo el nombre de Orgasmic Bliss, el grupo edita su primera producción discográfica de manera independiente, llamando la atención en la escena del Alternative Rock en Miami.
Fue recién a mediados de 1997 que deciden cambiar de nombre por el de Volumen Cero, particpando en el concurso "Buscando Bandas", convocado por la cadena de televisión Telemundo, evento en el que logran obtener el segundo lugar. Tras firmar con el sello Grita!, editan en 1998 su primera producción, "Andrómeda", bajo la dirección del también músico argentino Richard Coleman (Soda Stereo, Fricción, Los 7 Delfines), con claras influencias del New Wave y Post-Punk.
Su segundo álbum fue "Luces" (WeaRock, 2002), en el que destacó claramente la canción "Hollywood", en cuyo vídeo, que compartimos con ustedes hoy, aparecen Beto Cuevas (ex-vocalista de los chilenos La Ley) y el porn-star Ron Jeremy. Otros temas recomendables de ese disco son "Célula", "Dime", "Escapar" y "Ginger ale". En 2004, ya reubicados en Los Angeles, California, y a través de WEA International, Volumen Cero editó "Estelar", su tercer disco, ya como un trío, con Josh Sonntag (guitarra/sintetizadores) sumándose a Chan y Tamblay. Resaltan aquí los temas "Bailarinas", "Despiértame", "Luces" y "Autos". Gracias a este disco, fueron nominados a los Grammy Awards a Mejor Álbum de Rock.
El más reciente disco de la banda ha sido "I Can See The Bright Spot" (Adrenaline Records, 2008), que fue co-producido por ellos junto a Brendan Buckley, teniendo como single de promoción a "El mar", e incluyendo temas cantados en inglés como "Did you fall asleep?", "Chinese connection" o "Strangely ways". Actualmente, Volumen Cero ha pasado a las filas del sello Tiger One Records, sin novedades aún de un nuevo disco.
Para comenzar bien el fin de semana, posteamos hoy "Girls & boys", una buenísima canción del tercer disco de los británicos Blur, "Parklife", que fuera publicado en Abril de 1994 por Food Records (Reino Unido) y SBK Records (Estados Unidos), con Stephen Street como responsable de la producción musical. Este disco volvió a poner en el ojo de la atención pública a este cuarteto de Britpop integrado por el vocalista Damon Albarn, el bajista Alex James, el guitarrista Graham Coxon y el baterista Dave Rowntree, tras la tibia acogida de su trabajo anterior, "Modern Life Is Rubbish" (Food/SBK Records, 1993).
"Girls & boys" fue el primer single de promoción del "Parklife", que hasta el momento es el sencillo con mejor ubicación en los rankings estadounidenses, en donde llegó hasta la posición #4 del Modern Rock Tracks Chart de la Billboard, mientras que en el Reino Unido, se ubicó como #5 del UK Singles Chart. En el aspecto meramente musical, destacan aquí la rítmica línea de bajo de Alex James, bien complementada por la base rítmica de Rowntree, con el hi-hat acentuado a contratiempo, que pusieron a sacudir las pistas de baile a nivel mundial, y convirtieron a la canción en todo un himno del Britpop.
Los premios no tardaron en llegar, con Blur consiguiendo sendos galardones como Single del Año en los rankings anuales de las afamadas revistas musicales británicas New Musical Express (NME) y Melody Maker, además de ser nominada a Mejor Canción del Año en los MTV Europe Music Awards. Posteriormente, "Girls & boys" ha sido reinterpretada por otros artistas como Pet Shop Boys, Blaqk Audio y Mélanie Pain, además de ser utilizada en la banda musical de los vídeojuegos "Just Dance" (producido en 2009 para la consola Nintendo Wii por Ubisoft) y "Dance Central" (lanzando para Xbox 360 por Harmonix en 2010).
En cuanto a su vídeoclip, dirigido por Kevin Godley, éste presenta a los miembros de la banda interpretando la canción delante de una pantalla azul, en la que se proyectan imágenes diversas con colores llamativos, así como tomas de gente divirtiéndose en una piscina. Otros temas del disco "Parklife" que les recomendamos escuchar son "This is a low", "Parklife", "To the end" y "End of a century".
La ciudad de Vancouver, Canadá, fue el punto de origen en 1981 de Moev, una muy buena banda de Synth-Pop, Industrial y Electronic Body Music, fundada por Cal Stephenson (voz/teclados) y Tom Ferris (sintetizadores/secuencias), a quienes se unieron poco después Madeleine Morris (voz) y Mark Jowett (guitarra).
El primer álbum de los canadienses fue "Zimmerkampf" (Go! Records, 1982), que solo fue editado en formatos de vinilo y cassette. En 1984, Moev pasó a las filas de Nettwerk Records, con el ingreso de Michella Arrichiello en lugar de Madeleine Morris, quien dejo al grupo un año antes. "Dusk And Desire" (Profile Records, 1985) fue su segundo disco, con buenos temas como "Alibis", "Circles and squares" o "Sweet nothings".
"Capital heaven", una de nuestras canciones favoritas de Moev, fue editada como single en 1987, siempre por Nettwerk Records, en donde se incluyeron dos versiones especiales del tema: el Extended Mix (que pueden escuchar más adelante) y el Squeaky Dub Mix. Esta canción formó parte también del tercer disco de Moev, titulado "Yeah Whatever", publicado en 1988 y que fue su álbum más exitoso, en el que se incluyen otros muy buenos tracks como "Wanting" y "Crucify me". Para entonces, además de Tom Ferris, el grupo estaba compuesto por Dean Russell (voz), Kelly Cook (bajo) y Anthony Valcic (teclados), quien duró muy poco tiempo como integrantes de Moev.
Ya como trío, editaron en 1990, siempre con Nettwerk Records, su cuarto disco, "Head Down", en el que colaboró su compatriota Sarah McLachlan, quien se hizo cargo de los coros en los temas "In and out", "Noise" y "Head down". En 1994, tras la muerte del vocalista Dean Russell, la banda se separó, pero en 2007, Tom Ferris decidió revivir a Moev, esta vez junto a Julie Ferris como cantante. Esta nueva formación, en la que han participado también Jeff Sawatzky (bajo) y Kevin Kane (guitarra/coros), fue la responsable en 2010 de "Ventilation", el más reciente disco de Moev, que tuvo como single de promoción a la canción "A thousand lashes".
Live es una banda de Alternative Rock de York, Pennsylvania, de la que ya hemos hablado en un post anterior. En aquella ocasión (Abril de 2011), los miembros del ya grupo, el guitarrista Chad Taylor, el bajista Patrick Dalheimer y el baterista Chad Gracey, habían puesto una demanda judicial a Ed Kowalczyk, cantante de Live, y su antiguo manager, debido a asuntos económicos y a problemas de índole legal sobre la compañía Black Sole Publishing, de la cuál acusaban a Kowalczyk de haberse apropiado sin el consentimiento del resto de ex-integrantes de la banda, disuelta en 2009.
En Junio de 2011, Taylor, Dalheimer y Gracey anunciaron que estaban grabando nuevos temas de Live, ya sin la participación de Kowalczyk, quien había decidido continuar su carrera como solista. Fue recién en Marzo de 2012, que la nueva alineación de Live, con Chris Shinn (ex-miembro de Unified Theory) como nuevo vocalista, hizo una presentación en el Strand-Capitol Performing Arts Center de la ciudad de York. En dicho concierto, también participaron el guitarrista Sean Hennesy y el tecladista Alexander Lefever.
Hoy queremos recordar uno de los temas del primer disco de Live, "Mental Jewelry", que fue editado en Diciembre de 1991 por Radioactive Records, bajo la producción musical de Jerry Harrison. "Pain lies on the riverside" fue el segundo single de ese álbum, y llegó a escalar hasta la ubicación #24 del Modern Rock Tracks Chart de la revista Billboard.
Éste fue uno de los puntos más sobresalientes del "Mental Jewelry", junto a "Operation spirit (The tyranny of tradition)" y "The beauty of gray", otras 2 grandes canciones de la primera etapa de esta excelente banda, que hemos seguido a lo largo de toda su trayectoria, que ha tomado nuevos rumbos en la actualidad, y de la que estaremos pendientes para informarles de un futuro nuevo lanzamiento.
El Manguebeat es un movimiento contracultural surgido en la década de los 90's en la ciudad de Recife, capital del estado de Pernambuco, en Brasil. Una de sus principales manifestaciones se dió en la música, en donde este estilo combinó ritmos oriundos de la zona, como el Maracatu, con Rock, Funk, Hip-Hop y Electrónica. Entre sus mejores exponentes se encuentran artistas como Chico Science & Nação Zumbi, Jorge Cabeleira, Mestre Ambrósio y el grupo que reseñamos hoy, Mundo Livre S/A.Esta agrupación se fundó en 1984, en el barrio de Candeiras, en Recife. Sus miembros fundadores fueron Fred Zero Quatro (voz/guitarra/cavaquinho), Areia (bajo), Léo D. (teclados), Otto Pereira de Cordeiro (percusión) y Xef Tony (batería). Fue recién diez años después de su creación que Mundo Livre S/A (nombre surgido de discursos del ex-presidente estadounidense Ronald Reagan) editó su primer disco, "Samba Esquema Noise", a través del sello Banguela Records, producido por Charles Gavin y Carlos Eduardo Miranda.En 1996, ya con Tom Rocha en reemplazo de Otto Pereira como percusionista, los pernambucanos presentaron su segundo álbum "Guentando A Ôia" (Excelente Discos), que fue seguido por "Carnaval Na Obra" (Abril Music, 1998), "Por Pouco" (Abril Music, 2000), "O Outro Mundo De Manuela Rosário" (Candeeiro Records, 2004) y "Novas Lendas Da Etnia Toshi Babaa" (Coqueiro Verde Records, 2011).Hoy compartimos con ustedes el tema "Meu esquema", perteneciente al disco "Por Pouco", y que posteriormente fue incluído también en el disco "Putumayo Presents: Brazilian Lounge", editado en 2006 por el conocido sello de World Music y Chill Out, así como en el recopilatorio "Combat Samba - E Se A Gente Sequestrasse O Trem Das 11?", lanzado por Mundo Livre S/A en 2008. Esta canción solo confirma que los brasileños tienen un sentido privilegiado del ritmo y la melodía, que siempre se refleja en las diferentes expresiones musicales de ese país, de las que este grupo es un muy buen ejemplo. Para más información sobre ellos, visiten su página web oficial.
Hijos de padre peruano y madre alemana, los hermanos Rainer (voz/guitarra) y Michael Torres Kessler (batería), decidieron en 2005 fundar una banda de Alternative Rock llamada Pony Asteroid en Lima, Perú, junto a Alessandra Robertson (bajo) y Jarot (guitarra), tras lo cuál empezaron a hacer presentaciones en diferentes locales de la capital peruana. Su interesante y novedosa propuesta musical consiguió rápidamente que el grupo consiguiera cierta notoriedad en la escena rockera limeña.En 2006, los Torres Kessler se mudaron a Alemania, dejando a la banda en stand-by, volviendo al Perú al año siguiente para retomar la senda musical. Fue también en 2007 que Pony Asteroid editó su primer EP, "Move Like Fire", de forma independiente. A finales de ese año, el grupo presentó su disco debut homónimo, conformado por 10 canciones de muy buena factura, con letras en inglés, entre las que sobresalen "We get louder", "All is happening", "Eyes of attraction" y "42", tema que posteamos el día de hoy.En 2008, y con los hermanos Torres nuevamente viajando a Alemania, la música de Pony Asteroid siguió expandiendo su radio de influencia, al punto que el cuarteto ganó un concurso convocado por la prestigiosa cadena BBC de Londres, con la canción "We get louder", lo que les dió una importante difusión en Inglaterra y Alemania, además de ser elegidos para abrir el concierto de los ingleses Placebo, realizado en la Explanada del Estadio Monumental de Lima el 20 de Abril de 2010, en donde tuvieron una muy buena performance.Actualmente, los Pony Asteroid se encuentran dando los toques finales a la que será su nueva placa discográfica, grabada en Estados Unidos junto al Ingeniero de Sonido peruano Reuven "Paquirri" Amiel, que aún no tiene fecha de lanzamiento confirmada. Para seguir las novedades de la banda, los invitamos a visitar sus perfiles en MySpace y Facebook. 
Patricia Mae Andrzejewski, mejor conocida por todos como Pat Benatar, es una cantante nacida el 10 de Enero de 1953 en Brooklyn, Nueva York, hija de padre polaco y madre irlandesa. Su inicio en la música se dió a los 8 años, cuando interpretó la canción "It must be spring", en la Daniel Street Elementary School. Más adelante, con tan solo 19 años, Patti, como la llamaba su familia, se casó con Dennis Benatar, su novio de la secundaria, quien era soldado de la armada estadounidense.
En 1973, tras asistir a un concierto de Liza Minelli, Pat Benatar decidió dejar su trabajo como cajera de banco para emprender una carrera musical. Fue al siguiente año, que la cantante participó en el disco compilatorio "Coxon's Army Live From Sam Miller's Exchange Cafe", en el que grabó 4 temas. Sus primeros discos como solista fueron "In The Heat Of The Night" (1979), "Crimes Of Passion" (1980), "Precious Time" (1981) y "Get Nervous" (1982), todos ellos exitosos y publicados por Chrysalis Records.
Los productores Neil Giraldo y Peter Coleman fueron los responsables de su quinta placa discográfica, siempre con Chrysalis, que se llamó "Live From Earth", editada en Octubre de 1983. La mejor canción de este álbum, y una de las mejores de su carrera, es sin duda "Love is a battlefield", escrita por Holly Knight y Mike Chapman a pedido de Benatar. Este gran tema fue #1 del Billboard Top Tracks Chart, encabezando además los rankings en Australia y Holanda.
El vídeoclip de "Love is a battlefield" fue filmado en su ciudad natal, y es considerado como el primero en incluir textos hablados aparte de la canción. Gracias a ella, Benatar ganó el Grammy Award por Mejor Interpretación Vocal Femenina de Rock. Ella misma actúa en el vídeo, junto al actor Trey Wilson, quien hace las veces del padre de una adolescente rebelde (Benatar) que es echada de su casa, y recorre la ciudad, en la que se involucra con diferentes personales y termina, según se sugiere, metida en el mundo de la prostitución, hasta que se rebela contra su proxeneta. Toda la ambientación y el look del vídeo reflejan la estética vigente en los 80's, sirviendo de marco para esta excelente canción.
"Blind" fue el segundo álbum de The Sundays, excelente banda británica que co-produjo este disco junto a Dave Anderson para los sellos Parlophone y Geffen Records en 1992. Para ese entonces, el grupo contaba en su alineación con Harriet Wheeler en la voz, David Gavurin en guitarra, Paul Brindley como bajo, Lindsay Jamieson en la pandereta y Patrick Hannah como baterista.Anteriormente, ya habíamos reseñado gran parte de la trayectoria de The Sundays, con un post de otro de sus grandes temas, "Here's where the story ends", de su primer disco de 1990, "Reading, Writing And Arithmetic", publicación que los invitamos a leer aquí. Hoy recordamos el primer single de aquel segundo disco, "Love", que llegó a colocarse como #2 del Modern Rock Tracks Chart de la Billboard en los Estados Unidos. El otro single del "Blind" fue el track "Goodbye". que fue #27 del UK Singles Chart y #11 del Modern Rock Tracks Chart de Billboard.En "Love" vuelve a sobresalir la cálida voz de Harriet Wheeler, que impregna cada una de las canciones de The Sundays con una atmósfera relajante que envuelve, siempre bien acompañada por las melódicas guitarras de David Gavurin, responsables de la composición de la mayoría de canciones de la banda, cuyo estilo se puede catalogar dentro del Modern Rock y el Dream Pop.Cabe recordar también que solamente en la versión editada en los Estados Unidos del disco "Blind", se incluyó una versión de "Wild horses", un clásico de sus compatriotas The Rolling Stones, originalmente grabada por Mick Jagger y compañía en 1971. Disfruten pues de esta gran canción y déjense llevar por la hermosa voz de Harriet Wheeler. Saludos a todos! 
Nacida en Mayo de 1984 en Nagoya, Japón, y conocida simplemente por el alias de AMWE, esta artista de Electrónica que produce, escribe y canta sus propias composiciones, tiene como principal influencia al New Wave de los 80's, aunque en sus inicios se dedicó a hacer covers de Jazz.Su carrera se inició en 2008, tras ganar el Diesel U Music Competition, siendo invitada al año siguiente por el sello francés Kitsuné a participar del compilatorio "Kitsuné Maison 8", en el que colaboró con el track que les traemos hoy, "Friction between the lovers". En ese mismo disco, participaron otros grupos de la escena electrónica internacional actual, que ya han tenido su espacio en nuestro blog, como los australianos Midnight Juggernauts, los irlandeses Two Door Cinema Club y los ingleses Delphic.También en 2009, en el mes de Octubre, AMWE publicó el single "Birth", mientras que en Setiembre de 2010, y siempre a través del sello Pure Groove, publicó un CD/DVD titulado "Girls", producido por Lee Jay Powm en el que se incluyeron sendos covers de Blur ("Girls and boys"), Deee-Lite ("Groove is in the heart") y My Bloody Valentine ("Only shadow"), además de varios temas propios de la artista nipona. Un mes después, se editó el álbum "I Am AMWE", compuesto por 8 temas, entre los cuáles se encontraban varios de sus singles previos.A finales de 2010, AMWE fue elegida por iTunes Japan entre los 10 mejores artistas del año, según una votación realizada entre gente relacionada a la industria musical japonesa. Un mérito nada despreciable para esta interesante artista, de la que pueden conocer más a través de su página web oficial. Finalmente, les contaremos que en Febrero de 2011, se lanzó una edición limitada para Europa del disco "I Am AMWE", que incluyó 2 nuevos remixes de "Friction between the lovers", realizados por We Are Enfant Terrible y Pierre Du Son. 