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Etiquetas: [anime]  [bones]  [kekkai sensen]  [OVA]  
Fecha Publicación: 2016-06-16T18:27:00.000-07:00
KEKKAI SENSEN se ha convertido en una de las pocas ocasiones en donde el anime alcanza categoría de arte, evitando comparaciones con obras del tamaño de Evangelion, Ghost in the Shell o Cowboy Beboppara beneplácito de los haters, que abundan y sobran, que ya se encargaran de siempre joder todo con alguna observación a modo de critiquilla aficionada y mala leche desde lo más hondo de sus entrañas viscerales. En esta ocasión que les den por el culo porque con la última ova, que todos nos topamos de sorpresa y seguramente a más de uno se nos puso dura inmediatamente, la serie demuestra que es hacer arte sobre el arte (bendigamos entonces el presupuesto de BONES). Ya no solo se trata de simplemente ese banal eufemismo de “buena animación” ni de encontrarle tres pies al gato e insistir en que si algo le falta a este anime siempre ha sido mejorar sus finales, en este sentido la ova es a la perfección el clásico (porque a estas alturas es clásico moderno ¿verdad?) capítulo autoconclusivo de Kekkai Sensen, nos acostumbro, donde el apartado técnico brilla, se cierra con un absoluto meh y finalmente no deja de ser el capítulo episódico en tono comedia; "El rey de los restaurantes de reyes" ha confabulado para que este anime (que sería menospreciarlo encajándolo en una categoría shonen) haya creado metareferencias y sumergirnos, para aquellos que captamos lo suficiente, en una vorágine de placer tan o más satisfactoria que la comida que aquí se sirve y que más de uno alcance el grado de superhombre al igual que Leo y Zap.  Misma comida que a muchos le resultara tan referencial a Shokugeki no Soma, pero que alcanza más referencias cinematográficas de nivel gourmet (como la mencionada “2001”) y por supuesto de entonación clásica (genialidad escuchar de fondo “La danza de los cuchillos” mientras vemos esa lucha por el plato de pescado). Podemos entonces degustar a "El rey de los restaurantes de reyes" como el ultimo bocado a modo de aperitivo para una segunda temporada o quizás termine convirtiéndose en el postre final para una anime, como cientos, que se queden en un gran “lee mi manga” en esa enorme y no siempre tan elegante mesa llamada anime que tanta porquería chatarra nos indigesta cada tres meses pero que de vez en cuando nos invita los mejores platos. Mientras tanto los  invito a resistir cualquier tristeza comiendo pan o mejor, viendo esta Ova.  
Etiquetas: [anime]  [noblesse]  [OVA]  
Fecha Publicación: 2016-06-14T16:32:00.001-07:00
Noblesse es un manhwa que como la mayoría se publica directamente en una webtoon (por lo tanto son gratis), para los que no sepan los manhwa es la forma en como llaman los coreanos a sus comics siendo los equivalentes a los mangas japoneses quizás con menos comercialización internacional lo que no signifique que dejen de ser interesantes y/o populares como el caso de “Torre de Dios” una de las historias más recomendables para aquellos que les guste el género de fantasía con dosis de shonen moderado. El manhwa en cuestión tiene un par de adaptaciones ova hechas en Japón bastante dignas de comentar sobre todo para aquellos que se encuentre huérfanos de historias de vampiros con toques de romanticismo clásico, atención que romanticismo no siempre es sinónimo de romántico por lo cual este manhwa no se parece en nada a Vampire Knight o es un harem descarado como Diabolik Lovers y Rosario+Vampire.

La primera característica por la ova que he alcanzado a ver es que Noblesse es una historia clásica de vampiros contra hombres lobos, quizás a muchos les aterre esta premisa teniendo en cuenta el estigma “Crepúsculo”, pero sin asustarlos el vínculo más grande que se encuentra es el de una lucha entre los bandos de una civilización medieval. La clave de la ova es que a partir de un tema harto manoseado crea una premisa interesante para que el espectador se interese por la continuación respectiva en su versión gráfica. La ova técnicamente no desperdicia minutos sino que se interesa en centrase entre lo que significa la lucha por el poder entre los dos seres sobrenaturales por excelencia mientras que por el medio se encuentra los hombres como peones. El protagonista tiene un estatus de noble, de ahí el título de la obra, que guarda una afinidad de protección casi antinatural por la humanidad. Esa frase de nobleza obliga se usa inteligentemente para crear todo un conflicto que al final adquiere dimensiones apocalípticas.

Muy bien todo lo correspondiente a las luchas, junto con ese nivel de gore moderado. El drama se hace presente porque se enfrentan la venganza por la muerte al ser querido y la amistad que le da un equilibrio a dos bandos que son rivales a muerte, la chica que se muestra en la ova es aire fresco para todos aquellos que odian a las protagonistas lloronas a pesar de que la ova no da tiempo para conocer mejor a los personajes se condensan muy bien todo lo respectivo a los vínculos sentimentales y afectivos. Quizás la primera ova marque mejor la presentación del trió protagonista entre otros. El lado más endeble de la historia llega por mostrar a los hombres como seres manipulables que viven en constante guerra muy de la época de conquistas y etc muy bien narrado al  inicio de la ova con un acompañamiento musical melancólico. A nivel de diseño el lobuno podría pasar como un Dark schneider de "Bastard" mientras que el vampiro protagonista es un señorito elegante prácticamente con síntomas de autismo. La animación es de nivel siendo la imagen del puente en pedazos lo más llamativo. En fin Noblesse queda como una historia auto conclusiva y sobre todo una premisa, creo que en el manhwa representa todo un arco así que ha esperar más adaptaciones anime o en su caso a darle una mirada a la versión gráfica.      
Etiquetas: [anime]  [cine]  [madhouse]  [mamoru hosoda]  [ookami kodomo]  
Fecha Publicación: 2016-06-10T18:30:00.002-07:00
Últimamente estoy revisionando varias películas de anime y de paso liberando espacio en disco duro. Así que le tocó el turno a una película del año 2012 que la tenía guardada (y casi olvidada) que por esos azares la baje con ocasión del estreno de “El niño y la bestia” que apropósito hace poco me entere que se estrenara en las salas de cine locales para este agosto, con lo cual será pretexto para el respectivo comentario.

Ahora la razón de Ookami Shojo no Ame to Yuki es que cuelga mucho de la misma vertiente sobrenatural, en ambas vemos confabulado tanto el realismo mágico como el mensaje a modo de fábula calzados para el anime. Entiéndase que la película en cuestión, con toda su manufactura técnica, se limita al tono infantil acercándose mucho a los derroteros propios de Ghibli y Miyazaki. El problema que tengo con este tipo de películas es que son sumamente delicadas a la hora del mensaje escondido, la moraleja de la identidad es tan positiva que termina cayendo en un drama susceptible a una sola interpretación. 

La película se desarrolla (in)favorablemente desde el punto de vista de una madre cuya autosuficiencia es tan digna como chocante, sirviendo para exaltar la figura de la mujer. A su misma vez comienza a sortearse una suerte de enfrentamiento en donde vemos dos bandos bien definidos, primero el de la hija llamada Yuki quien se desencanta de su lado más “bestia” para intentar acercarse a una personalidad más humana, quizás el mejor entendimiento de esto es el del lado más banal femenino cuyos romances llegan con el nuevo estudiante y los vestidos. Mientras tanto el hermano menor, Ame, comienza una suerte de reencuentro consigo mismo, la debilidad imprimida desde el comienzo se entiende como un contrapuesto para ese “liderazgo” que siente a partir de un accidente en el rio y de comenzar a relacionarse con un "rey de la montaña". El naturalismo y la sensibilidad de los animales quizás es el punto más álgido de la historia, obviándose toda el lado violento (reflejándose perfectamente en la escena del oso) y donde el mensaje final llega cuando el llamado de los suyos pesa más que la el llanto de la madre, o quizás luche contra ese cautiverio al que se ve sometido el lobo del parque y que lo sensibiliza convirtiéndose en una manifestación de libertad pura.

En resumidas la película me dejo a deber bastante, no la recordaba tan floja (y eso que apenas paso un par de meses), aclarando que se trata de una película que retrata un ambiente bonito y cuya característica principal es el respeto a la naturaleza y la madre tierra (que te da de comer y te protege). Las tomas se acompañan muy bien, la musicalización es rescatable mientras que las escenas mejor logradas son las finales pero a su vez pesa demasiado el recuerdo del padre de los niños, como último respeto a una especie en extinción. El diseño de personaje es regular para nada sobresale las transformaciones en lobos al contrario hay mas esfuerzo es reflejar el lado mas kawai de los pequeños lobos convirtiéndolos casi en dos peluches moe, mientras que el romance inicial es exquisitamente japones. Finalmente la verdadera protagonista es la madre que tiene que batallar con sus dos monstritos.    
Etiquetas: [cine]  [sebastian]  
Fecha Publicación: 2016-06-07T19:34:00.000-07:00
Si comparamos a SEBASTIAN, la más reciente película nacional en cartelera, entramos en terrenos de pseudo dramas que siguen la misma línea argumental que la noventera “No se lo digas a nadie”o la más reciente "Contracorriente". Se trata de mostrar un retrato poco convincente de un tema que a duras penas logra ser realista, salvo ciertos maquillajes más pendientes del culebrón que el de una película con aspiraciones. En sencillas palabras SEBASTIAN es el otro cine peruano, el que esta lejos de llevar 1 000 000  millón de espectadores como “Locos de Amor” pero que tampoco merece gran mérito sobre todo por un guion arcaico pensando mas en una sociedad de los ochentas.

Como toda película cuyo título toma el nombre del protagonista la historia gira entorno a un único personaje, el primer plano que notamos es el de estigmatizar una sociedad actual cuyo ambiente es la no tan lejana ciudad de Chiclayo, a pesar que la película llame pueblo al lugar de origen del protagonista falla en un retrato de verdadero caserío local, entonces se comienza a desdibujar el tema de los prejuicios y la homofobia para un lugar que perfectamente podría ser el centro de lima o en su defecto algún distrito de los conos de la capital, después de todo la mototaxi es marca Perú.

En fin la película basa su drama en el regreso del protagonista a causa de la enfermedad de la madre. Hasta ese momento la trama da paso a un “remenber” con un amor del pasado, Leticia trabaja de enfermera y es la opción más regia como compañía del protagonista sobre todo comparándola con la amiga gorda. La película se encarga de quemar toda su pólvora cuando se convierte en un triángulo amoroso de lo más risorio, cuyas escenas procuran ser más explicitas por el lado homosexual que del heterosexual. Quizás el punto de rescate de esta película sea el de no estereotipar al homosexual haciéndolo incapaz de sostener una relación puramente sexual con una mujer. Pero de ahí no pasa.

Llegando a un momento a dispersarse por completo y terminando por suplir las deficiencias argumentales por momentos mal logrados o en su caso impostado como la escena frente al espejo de Leticia y la amiga. El caso es que la película no termina de cerrar una idea clara y menos de ser convincente consigo misma. Quiere abarcar el drama de manual familiar para elevar al personaje por encima de los prejuicios de la sociedad, misma que termina comparándose con una liberal sociedad norteamericana. Apela al sentimentalismo de la muerte pero al final se termina convirtiendo en una película irregular, que no se termina de entender, con actuaciones pobres, sin soporte técnico y deficiencias de cámara "nerviosa" en mas de una toma, y cuyos diálogos solo estigmtatizan profesiones como ser chef o jugar vóley como síntoma de homosexualidad. Finalmente SEBASTIAN termina cayendo en un mensaje social tan rebuscado como simplón porque a estas alturas ser gay ya no escandaliza ni es pecado ¿o me equivoco?.  
Etiquetas: [beauty and the beast]  [cuarta temporada]  [kristin kreuk]  
Fecha Publicación: 2016-06-04T19:00:00.001-07:00
Al igual que los vampiros de la CW otro de los placeres culposos de este blogger aficionado es ver Beauty andthe beast, tortuoso camino (cuyas espinas se prolongaban más que las “bestias” de esta serie) que seguí durante los últimos cuatro años, y perfectamente podría dejar secuelas más graves que la última temporada de The vampires diaries salvo por un bálsamo llamado Kristin Kreuk cuya belleza mestizo rescata cualquier hemorragia cerebral que imposibilite mi ardua y sacrificada labor. Beauty and the beast con el perdón de los fans y mayor respeto posible es una pérdida de tiempo, a pesar de eso trece horas viendo en pantalla (de monitor LCD) recompensa el último esfuerzo con tal de seguir apreciando a Cat Chandler y sus piruetas karatecas.

No descubrimos nada si comienzo esta review critica diciendo que la serie sigue igual de perdida argumentalmente, que no logro consolidar un universo propio y cuya mitología solo aporta un maquillaje en el rostro varonil de Jay Ryan y cualquier otro “mutante” que aparezca hasta la fecha. Entonces comenzamos por el lado romántico, jalando quizás la pita más sólida de la serie y cuyo trampolín se encuentra en la química de los protagonistas. Aparte de los líos amorosos la serie ha sido incapaz de sostener una trama correcta lo que significa que a priori tendremos un viaje en círculo cuyo parecido a la tercera temporada salta a vista y termina casi calcada con luces de adorno incluidas, bravo por el ahorro de presupuesto. Mientras que la aparición de un nuevo chico cw ya comienza a matar... en la cama.

Como antes había mencionado en review anteriores, quizás si los que están detrás de esto hubieran apelado más un procedimental (que lo tuvo en algún momento) totalmente relajado en donde lo que más explotara fueran esas discusiones de alcoba del ahora matrimonio Keller-Chandler la serie tendría un futuro más prometedor. En cambio todavía rebuscamos en la idea de que el mito de la super bestia, echa a puro fármaco y tecnología, sigue siendo el punto atractivo (no solo para la cama) de muchos otros, que mientras unos quieren experimentar otros simplemente quieren cazarlo pagando exorbitantes sumas de dinero llegando a los 5 000 000 de dólares. Lo que pone esfuerzo en pagar a un sujeto con tendencias maniáticas y aficionado a "Jack el destripador". Creíble poco, pero así es la serie sujeta siempre a cambios tontos de guion y relajada a momentos en donde solo basta un par de patadas y un susto a “lo bestia” para que nuestro primer muerto termine clavado en pleno pecho. Por lo demás la detective central, ahora jefa y macho alfa en una relación donde JT quiere dejar de ser el sacolargo amaña todo para que pase piola sin más. Por su puesto Tessa es número uno en estos asuntos y ahora que la miro una buena alternativa para doble de Jeniffer López en Shade of Blue. Finalmente con todo el amor me confieso fan de Krintin Kreuk (por sino lo notaste), lo demás es una mierda.
Etiquetas: [mtv]  [scream]  [segunda temporada]  [series]  
Fecha Publicación: 2016-06-01T11:56:00.000-07:00
SCREAM es consciente de sus limitaciones argumentales, de que el asesinato es un círculo en sí mismo y lo usa como pretexto para jugar con un grupo de adolescentes americanos y/o americanizados, cuyas referencias a las películas son innegables, como la película original fue una referencia en sí misma. Entonces SCREAM the tv seriesqueda como un relajo, como ese entretenimiento veraniego americano (por estos lados empieza el frio invierno) cuya virtud es que no termina de caer en la parodia y sobre todo explora el mundo tecnológico como herramienta del mal, es justo esa vulnerabilidad a la privacidad lo que da más miedo que el mismo Brandon James. En donde ser un slasher es a precio de 0.99 céntimos en appstore.

La segunda temporada es un reto para los creadores, conjuga más de lo mismo como la segunda película de la franquicia. Los peones del tablero comienzan a moverse y otros a ser víctimas del juego. No significa que todos sean libres al contrario la primera temporada marco una especie de estigma en cada uno,  donde el chiste estaba en que eras menos sospechoso solo si te convertías en la siguiente víctima. El sexting de Jake le juega una mala pasada, pero no es ese ajusticiamiento el más lógico posible para un cretino que siempre la termina cagando. Lo mismo pasa para Audry la chica lesbiana ahora celebrity del pueblo; mientras que al acecho un nuevo “stalker” comienza a jugar con su psique y con aquello que hizo el verano pasado.

Sera acaso que en esta temporada pasaremos del ¡Hello Emma! al ¡Hello Audry! y cuanto durara esta nueva cacería por la rendencion de hacerse amiga de quien no debe. Justo es la psique el tema de conversación en el salón de clases, la profesora psicóloga fomenta la conversación sobre los sueños y las pesadillas lo que da lugar al ya acostumbrado monologo de Noah mientras suena el leitmotiv conocido por todos, su compañera negra parece interesarse en el tema, señal de nuevo interés amoroso o de victima en potencia (no olvidar que "... los negros mueren primero en un slasher"), hasta que lo interrumpe el hijo del nuevo sheriff del pueblo “O vuelves al horror de tu vida real”, lo que le vemos haciendo en la computadora no desvela nada salvo un sospechoso interés por Emma. Y sobre todo queda ese mensaje final de que nunca terminas de entender a un asesino.

Como siempre las claves se dan de a pocos en un slasher y terminan decepcionando al final como toda buena película de terror. Por lo demás Brook será la rubia que todos queremos ver morir en bikini, Noah es el elemento ligero, más un par de personajes nuevos que tienen como misión seguir escarbando más en el mito de Brandon James, donde las referencias a los sueños y pesadillas sirven para un arranque al pasado (y a una película conocida), el podcats de “La Morgue” es el intento de ser el “serial” dentro de la serie pero queda como un chiste más, el whatsapp sigue siendo el fetiche del asesino y de la serie misma, y no olvidemos que siempre hay cómplices e imitadores. ¿Y Emma? Pues ella como en todo slasher es la protagonista, la que entra a lugares donde no debe, la última víctima, la que siempre grita (y dispara) al final, la sobreviviente.         
Etiquetas: [boruto]  [Manga]  [Naruto]  
Fecha Publicación: 2016-05-31T18:34:00.000-07:00

No puedo decir que BORUTO sea la mejor manera de presentación para un producto que quiere nadar contra la corriente y ganarse su propio espacio (y respeto), sobretodo justificar su propia existencia como si no hubiera sido suficiente setenta tomos mangas, el anime y su insufrible relleno aparte de una decena de películas. Previamente crearon tres capítulos cortos que se encarga de introducir al nuevo trio protagonista siendo el engendro de Orochimaru lo más llamativo. Después tanto Sarada como Boruto intercambian roles como los dos polos opuestos de siempre quizás la diferencia es que por lo visto Boruto pareciera tener talento desde el inicio, algo de seriedad y poco más de cerebro. Pero la mayor diferencia es que Boruto no anda con la letanía de ser Hokage. Por lo demás es la calca más fiel que uno pueda pedir.

BORUTO es rebuscado, pone esfuerzo en presentarnos la otra cara de la moneda partiendo de la ausencia de los padres y colocarnos en la situación de que la carga de responsabilidad es extenuante y más si eres Hokage. En resumidas es más de lo mismo, el trabajo esta vez cae en las manos de los ayudantes de Kishimoto que su mayor apuro será zafar de las comparaciones del dibujo  y el arte en general por lo visto los trazos se mantienen algo que no tiene porque ser raro despues de trabajar quince años en el mismo manga, mientras el argumento aguanta porque Naruto puede ser defectuoso en muchos casos pero tiene el factor de “universo” de personajes además de que las situaciones pueden ser repetitivas pero en un mundo donde la guerra y rivalidades típicas del shonen quizás las licencias son más permisivas después de todo las batallas y torneos no nacieron con Naruto ni son exclusividad. Y por supuesto la generación funge como base y pretexto perfecto.(BORUTO NARUTO THE MOVIE - CRÍTICA. De tal palo, tal astilla).

El primer capítulo, de periodicidad mensual, solo se limita a poner su cuota de “originalidad” al inicio pero vayámonos preparando porque se trata de un flash forward donde vemos al nuevo protagonista enfrentándose a “alguien” en una etapa mayor, en un escenario de destrucción y con una pista sobre el fututo renegado del protagonista entonces presumimos que la fe de los editores es que este nuevo trabajo dure la suficiente hasta llegar a ese punto. O quizás se limite a que la adaptación manga de la película de BORUTO sirva como base para llegar directamente. No lo sé ni quiero comenzar con teorías. Lo cierto es que no hay nada nuevo, y lo digo desde el aspecto más benévolo posible y sobre todo porque antes que nada Boruto es digno heredero del padre: rubio y odioso.      

Etiquetas: [Manga]  [shoujo]  [Sukitte Ii Na Yo]  
Fecha Publicación: 2016-05-28T18:58:00.001-07:00
Para los que caen de casualidad por este blog siempre es bueno aclararles mi preferencia por el manga shoujo, género que va más allá de las situaciones melosas para aprovechar el desarrollo de sus personajes especialmente el lado más sensible femenino, algo que sí se sabe tocar no tiene que herir susceptibilidades masculinas. En mi caso la mayoría de shoujos que sigo son los puramente de instituto escolar japonés con personajes secundarios que siguen la pauta según el desarrollo amoroso de los protagonistas. En este caso SukiTe Ii Na Yo es uno de mis favoritos y puesto muy humildemente como el manga que más me gusto el año pasado y que la última edición de los Kodansha Awards fue nominada como mejor manga shoujo. Lo que está pasando en los últimos capítulos es que el desarrollo de los secundarios se ha ido perdiendo por tratar de acomodar las situaciones lo más fácil posible. El hueco argumental está siendo llenado por un drama de dos hermanos mellizos y que desde el inicio nos los pintan como los polos opuestos (SUKI-TTE II NA YO CAPITULO 48 - RESEÑA. Como el agua y el aceite), además de que la autora desarrolla el infaltable tema de la autoestima de una forma mucho más ligera. No es que el manga en si haya dado todo y estemos alargando el chicle al puro estilo Kimi ni todoke pero si siento que no está aportando el mismo mensaje que al principio de la historia.

El tema del modelaje ha sido recurrente en el manga como una puesta frívola del lado de la villana de la serie y sobre todo marcar distancia con lo gris de la protagonista, en este caso el último capítulo quiere empezar a ir marcando distancias de la Megumi del inicio con piedras en el camino de su carrera de modelo. Dos cosas resaltan, la primera su falta de confianza en las personas desconocidas y la otra sus momento de desesperacion de tomar al toro por los cuernos. Otro aspecto que se nota con respecto al personaje es que no quieren emparejarla así de fácil y que Kai será más que nada una alternativa según se vayan dando las cosas. Con una pareja totalmente sólida como la de Mei y Yamato tener a la expectativa a ese nuevo triángulo amoroso Rin – Takemura – Megumi debe ser lo último de lo que se agarran para que se den situaciones como el encuentro en las escaleras entre miraditas, insinuaciones de celos, insufribles lamentaciones y un poco de sonrojos cukis. Todo siempre a la expectativa del típico amor adolescente para que al final se de el inevitable say "I love you"

Me gusta como está llevando el tema de Rin y esa inseguridad tan atípica de los personajes femeninos de la serie. Lo que se ha mostrado de una Megumi en Francia junto con esa batalla que significa salir adelante puede ser interesante así como esa dependencia que tienen en este manga y el shoujo en general en nunca abrirse completamente entre escenas de discriminación racial y el rollo de que las casualidades no existen con ese nuevo interés amoroso que pareciera ser el fotógrafo. El tema de las profesiones y carreras es el último acto de los mangas shoujos, además de que el tema del hermano mayor de Yamato pareciera una página cerrada con final feliz. El manga todavía sigue siendo fácil de leer, quizás las situaciones ya no son tan interesantes como antes pero mantiene la frescura del dibujo con buenas imágenes de Mei y Yamato juntos, además de que el tema de la fotografía ha sido excusa perfecta para mostrarnos a una Tachibana en plan modelo como para no olvidarnos de la timidez de la chica, después de todo son ellos y su relación lo que importan. Así que seguiremos viendo mas escenas juntos sentados en la banca del parque derramando su miel.     
Etiquetas: [anime]  [bible black]  [hentai]  [New angel]  [nozoki ana]  [taboo charming mother]  
Fecha Publicación: 2016-05-23T18:47:00.002-07:00
Hoy me desperté pensando como podría hacer para que el blog aumente su tráfico de visitas, no es que me queje del promedio de 150 vistas que según las estadísticas de blogger tengo diariamente pero como todavía no pierdo la fe de que algún día mi blog moneticetengo que lucharla hasta el último, así que entre tantas opciones que volaron por mi cabeza pensé que no había mejor opción que el porno. Atención!! No se trata de que mi blog se vuelva una XXX (la competencia me mataría) ni tampoco quiero que me censuren o cambiarlo por contenido solo para adultos, y tampoco será el porno duro y cruel que conocemos, sino del porno en el anime o mejor conocido como el Hentai que también es duro y cruel como el género manda. Ya por el blog he tenido post completos de series que más o menos van por el camino del genero Hentai pero nunca he mencionado series completamente hentai con contenidos explícitamente sexuales, que no se guardan nada a la hora donde las papas queman. Así que esta vez quiero hablar sobre algunas de las series más “atractivas” que me inicializaron en un género muy tabú en el mundo otaku (como el propio porno tal y como lo conocemos), igual de polémicas y sobre todo muy populares. Estas cuatro series que mencionare muy superficialmente prácticamente me desvirgaron en un mundo donde hay más y mejor hentai que el netamente pajeril. Y como advertencia final nada de descargas al fin y al cabo todas son fáciles de conseguir por el internet.

Comenzare por las ovas de New Angel, un clásico entre clásicos y referencia máxima, lamentablemente las cinco ovas son lastimosamente pajeriles sin el humor que se supone que tiene el manga, las ovas terminan rematando lo que un mal hentai es: situaciones tontas, personajes más tontos e ir directamente al asunto sin vergüenza ajena. Lo mejor es la primera ova, siendo la visita a la médium y esa manera tan atípica de exorcizar.

A diferencia de las ovas de New Angel existe una serie manga bastante “interesante” de la cual se hizo una OVA el 2013. NOZOKI ANA es una historia que gira entorno al voyerismo, esas sensaciones de observar al otro y de excitarse no solo con ver sino que te vean. La trama es sencillísima (una característica constante en las series hentai); lo más rescatable de la historia es que la sexualidad se vive a través del lado más femenino posible, son ellas las promiscuas no estamos hablando ante un retrato de mustias y pervertidos como lo que vemos en Nana to Kaoru pero si el lado más atrevido de una relación que se inicia con sexo y que sobre todo se presenta inquietante para el protagonista porque tiene la tentación viviendo al costado (típico pero siempre efectivo).

El tabú de la serie es que a través de un agujero dos jóvenes se van conociendo muy comprometedoramente, además de que “coincidentemente” son compañeros de clase por lo que empieza una serie de hechos y tratos muy poco sanos sobre todo porque ella es una manipuladora de primera. Se podría fácilmente resumir la relación de los dos protagonistas como un tira y afloja de niveles supra excitantes. Donde lo más “raro” e importante de la historia es que a partir de que él no sede a la tentación ella se va enamorando.  

Las escenas permiten experimentar hechos desde los más violentos como un intento de violación hasta los más “rosas” donde se da un romance de jóvenes sexualmente activos. En lo primero la ova tiene un mensaje sobre lo que realmente eres y lo que aparentas ser, la protagonista tienta a su violador y aquí se da el punto de quiebre cuando el protagonista no sabe hasta que punto tiene que intervenir o si realmente todo es una farsa para que la vea teniendo sexo. Se descubre que ella es más pura de lo que se ve a simple vista y todo es un lio donde los pechos al aire es lo más ecchi que se ve.

La ova va directo al punto, los personajes no se cuidan de ser una virtud e imperantemente siempre está el hecho de que la mujer tiene que ser atractiva proporcionalmente al tamaño de sus pechos. Hay un par de diálogos bastante directos que tienen que ver con el grado de compromiso del triángulo principal. La serie trata de incentivar el lado más morboso de las personas, lidia con lo correcto, no entra en terrenos no permitidos porque los “tres actos” de la ova son casi consentidos o casualidades del guion, en ese sentido hasta se presenta cómico especialmente cuando ven tener relaciones a una pareja y ver como mientras va avanzando el asunto el miembro del protagonista comienza a hincharse a niveles desproporcionados. No voy a decir que profundiza demasiado pero seguramente la ova se queda corta con respecto al manga lo mismo que con los personajes, explicándome mejor la ova se pierde para todo lo que quiere contar especialmente porque pareciera que el manga en si tiene una fuerte carga emocional en cuanto la relación del protagonista con su vecina y con la novia a la que si puede sacarle provecho en la cama es algo así como “como no puedo acostarme con la chica de al lado porque me pone nervioso (¿?), pero pienso en ella mientras me tiro a la pechugona puta de pechos grandes”.  Aun así NOZOKI ANA es una buena alternativa de softhentai cuidando escenas donde no se vean los genitales femeninos o masculinos, pero no por eso deja de ser lascivas para el gusto masivo, donde lo más normal es que las parejas tengan sexo, lo disfruten y sobre todo se cuiden con condones.

LA BIBLIA NEGRA, debe ser el titulo más grande de la industria (corríjame los que saben del asunto), en esta historia bastante larga como no podría ser de otra manera está basado en un eroge (juegos de novela visual para adultos) y entra en terrenos desde los más explícitos hasta los puramente chocantes. No es que yo sea un santo ni quiero serlo pero honestamente un par de ocasiones tuve que voltear la cara, sobre todo cuando la sangrecita comienza a correr. El tema central de todas las partes (tiene 4 cada una con un numero de ovas) es el ocultismo y la magia negra. El artilugio principal (no puedo llamarlo de otra manera) es un libro de hechicería encontrado en el instituto de los protagonistas. Para aquellos que la han visto así como como de atraer a los que no debo desfogarme diciendo que tiene la escena más perturbadoramente inquietante que he visto en un anime y decir que para ser mi primera y última experiencia con el género de tentáculos me resulto muy bien hecha. No solo eso sino que a nivel terror la serie cumple bastante bien y es innegable que en cuanto a lo que se representa en todo lo relativo a los ritos satánicos es de lo más acertada (me imagino porque nunca he estado en uno). Lo que pasa por agua tibia todo el grado de anarquismo sexual que se ve desde el inicio junto con esos “híbridos” sementales que hasta ahora no me quito de la cabeza.

Lo más criticable del hentai en cuestión se da desde el lado social que siempre sale a la luz cuando criticas una porno cualquiera porque lo que se ve en la mayoría de escenas son violaciones puras y crueles a partir de ahí se muestra, siempre en primerísimo plano, como las mujeres del anime se van denigrando  a tal punto que mientras más sean y más grande gozan más, sobre todo porque el anime del juego cae en la tentación de la contraparte varonil; como resultado las intenciones en ambos puntos son totalmente distintas aunque suene machista las violaciones masculinas se ven casi comicas mientras que las femeninas llegan a ser en muchos casos demasiado chocantes sobre todo cuando metes mano a los enemas y situaciones bondage. Aparte de estos puntos la serie tiene como mejor arco argumental la parte de ORIGINS, creo que a nivel guion encontramos todo los elementos atractivos y surtidos del género, no solo eso sino que narrativamente se va acompañando mejor al resto de ovas. Quizás si quieres encontrarle algo más que escenas explicitas y sexo desmedido seria el tema de la seducción por lo desconocido y sus consecuencias. La religión y todo lo que tenga que ver con mitos como la lanza de longinos sirven para tener algo de trama mientras que la historia de misterios termina siendo facilista sobre todo porque no es otra cosa que hentai y hay que buscar pretexto para que no deje de serlo pero como esto se trata de ser sinceros todas las ovas son atractivas de ver (por lo menos una vez). Donde lo más común son los sacrificios satánicos, la obsesión por las vírgenes y las chicas enormes tanto de arriba como de abajo. Y como anécdota chistosa hay una escena donde se usan posiciones de manos al mismo estilo de Naruto ¿homenaje?.

Y llegamos a la joya de la corona, a mi primer hentai (me sonrojo) y el más grande de todos. Que no puedo decir de TABOO CHARMING MOTHER como aquel remedio cuando estaba alicaído y necesitaba levantar la moral. Como no he gozado viendo el nivel de acoso casi demencial hacia esa pobre victima llamada Misako. Como no denunciar los limites tan perversos del malogradazo del hijastro o mejor la seducción innata de la hermana que termina tirándose al sobrino de mentiras. Sé que estoy contando mucha trama, bueno es hentai y no mientas que si lo ves es por la trama.

El titulo debe ser más que conocido en el mundillo y un referente absoluto del MILF. Entre lo más resaltante es que estamos ante un anime que no se guarda nada, las mujeres son bellezas de rostros con el fetiche del lunar en la cara y exuberantes a mas no poder de cuerpo. La proporcionalidad es casi irrealista, no es chocante pero si inquietante y es que el nivel de perversión que se maneja junto con los propósitos ocultos del protagonista logran darle un dramatismo extra a la serie como muy pocas. Quizás se me vaya la olla a la hora de defender esta serie pero lo cierto es que encontramos un pozo dramático que a mí me resulta conmovedor, no quiero engañar a nadie y es innegable que la milf del cuento es la típica frustrada sexualmente a la que el marido no le hace ni cosquillas pero el detalle es que el anime termina englobando muy bien un romanticismo muy lascivo, no solo eso sino que todo es pretexto para el desfogue, para el desahogo final, para ceder a tus bajos instintos de treintona insatisfecha. Hay escenas fuertes y duras, los límites de lo que se ve en el anime son casi violentos e incluso llegan a la violación consentida. Donde en verdad se pierde el amor propio y lo único que le importa a Misako es complacer a su hijastro. El lado más débil de la serie es quizás la hermana que termina sumando más escenas hentai y un conflicto amoroso de posesión por tener el miembro del hijastro. Mientras que el marido de adorno aporta el pretexto perfecto para que se den las situaciones. Mientras que el cliffhanger te deja con el miembro duro y el corazon el la boca.  
Etiquetas: [bates motel]  [cuarta temporada]  [series]  
Fecha Publicación: 2016-05-21T10:36:00.000-07:00
La cuarta temporada de Bates Motel, serie basada en los inicios de Norman Bates, recobra fuerza argumental a la hora de prolongar el mito de la locura del asesino que se hizo famoso en el clásico de Hitchcock. La ventaja que tuvieron los diez capítulos de temporada fue el de evitar irse por la tangente ni andar en círculos como mal hicieron las dos temporadas anteriores. Aunque siguió sumándole una muerte más a la lista del joven asesino como una raya mas al tigre; lo que todavía se evidencia es que a pesar de  que Freddie Highmore está a imagen y semejanza de un Anthony Perkins todavía me cuesta creerle en sus etapas mas amaneradas o travestido porque se ridiculiza a si mismo cuando está encerrado en la mente de su madre. Lo que si cambio esta vez fue el beneficio de verlo interno en un psiquiátrico de lujo tomando terapia sumo al hecho de encontrarnos en otro ambiente mucho más prometedor para sostener las tramas centrales y que de paso sirvió para que se dispare el último escalafón de su locura: el matrimonio de su madre.

Ha sido una buena temporada en donde nos olvidamos del eterno mafioso del pueblo y de las cosas morbosas que se esconden detrás. Esta vez el sheriff Romero siguió siendo el matón uniformado que abrió la temporada  deshaciéndose de Bob Paris, pero lograron darle al personaje un mayor apoyo dramático en el desenlace de la temporada además de que a futuro (por lo menos con una temporada más confirmada) es el mayor peligro para la “tranquilidad” de Norman Bates; claro que primero tendrá que buscar la manera de librarse de la DEA. Los personajes secundarios terminaron de cerrar un ciclo regular tanto en Dylon como en Emma, como recompensa forzada la operación a los pulmones y la relación amorosa de ambos. Quizás ese alejamiento temporal donde no faltaron las despedidas aporte más que tenerlos presentes de relleno en la siguiente temporada.

BATES MOTEL nunca ha logrado ser la serie de terror a comparaciones de la película pero logro encerrar a sus personajes en asuntos turbios, siempre tratando de llenar la atmósfera de que en ese hotel pasaban cosas. Ese fue el problema que iba creciendo a lo largo de los capítulos de temporadas anteriores y que en esta temporada se han visto mejor y finalmente favorecidos a causa de una Norma siempre con esas tendencias bipolares que sabe que su hijo necesita ayuda y peor aún comienza a temerle. El gran mérito de la serie ha sido confiar en Vera Farmiga y en su talento para ponerle cuerpo y rostro a esa voz macabra que conocimos en la película. Con un pasado tormentoso y siendo un mal partido para cualquier hombre que se le cruce el clímax de la temporada no está en su muerte (tranquila por cierto) porque definitivamente Norma Bates está más viva que nunca en la trastornada mente de su hijo. Y si hay una escena que rescatar es la del desquicio cuando trata de quitarle al cuerpo de Norma, en pleno rigor mortis, el anillo de matrimonio mientras que una monster high lo mira. Así es Norman Bates y ahora es más peligroso que nunca.         
Etiquetas: [A1 pictures]  [anime]  [cine]  [kokoro ga sakebitagatterunda]  [shoujo]  
Fecha Publicación: 2016-05-18T11:51:00.003-07:00
El himno del corazón traducido al español es una película de A- 1 Pictures estrenada en Japón el 2015 por estudio que esta detrás pueden suponer el nivel de animación y el tipo de diseño de personajes que guardan. El tono de la película es melodramático muy centrado en personajes, antes que nada la película se va desvelando como un shoujo muy particular centrándose en un conflicto duro para la protagonista. El desarrollo de la misma aporta momentos tiernos mientras que el clímax es una explosión de sentimientos. Todo en esta película sirve para experimentar el deseo de expresarse siempre con la verdad y luchar contra encerrarse en sí mismo. El mensaje queda claro y lo mejor es que no es el típico shoujo donde a priori la chica se queda con el chico protagonista. Solo por eso ya vale la pena.

Es el instituto tan típicamente shoujo con sus clubes y esa fascinante dinámica escolar el ambiente perfecto para que la protagonista encuentre el remedio a su mal. En este sentido Naruse es el perfecto símbolo de la protagonista shoujo callada y aislada que prácticamente la hace la muca del salón, pero sirve para experimentar lados divertidos como cuando tartamudea o empáticos cuando sabes que el solo hablar le produce daño físico. Me gusta el diseño del personaje pero en especial el matiz que encuentras en ella. Y si hablamos de diseño como curiosidad esta la lagrimilla que pareciera brotar de los ojos de varios personajes. Solo quedando el ambiente el lado más cliché de la película y un uso practico de la tecnología como medio de comunicacion.

Los secundarios acompañan bastante bien el ritmo de la película. Aportan lo suficiente como para ir rascando más en el tema de la sinceridad propia y hacia los demás. Al final la película se va inclinando por derroteros shoujos como los enamoramientos y los celos. A su vez el musical le da el acompañamiento perfecto como plus a la banda sonora, así como es innegable que esos paralelismos entre el drama de la protagonista y la ficción musical son una terapia grupal en los cuatro adolescentes protagonistas. No olvidemos al maestro como el único adulto simpático que contrapone a los padres tan odiosos que encuentras en esta película. Mientras que las escenas finales resuelvan el conflicto entre la madre de Naruse y ella, sin necesidad de ver un acercamiento físico. Quedando como la mejor escena la canción final del musical del salón.

Como conclusión la premia es interesante, hay un punto donde se confunde la imprudencia con la inocencia de una niña que cree en príncipes y castillos. Y mucho más duro se me hace esa carga de conciencia que hace sentir culpable a la protagonista hasta la adolescencia. Lo que ves en la película con el padre primero y después la madre es maltrato psicológico al más alto nivel. Y con esto también llagamos a diálogos directos de la edad adolescente en donde las propuestas de sexo no faltan.

Entonces queda El himno del corazón como una película totalmente positiva, se desarrolla con un pozo dramático duro porque el trauma es psicológico y todo lo termina de resolver con palabras desde el propio corazón. Incluso se da tiempo de proponer temas interesante como la dualidad del alma y cuerpo. No hay escenas de más ni personajes de relleno. Y juega mucho que con la empatía que es a veces suficiente para tener sentimientos por otra persona mientras que otras solo queda en amistad. Obviando un final predecible solo atina a la expresión sonrojada de la protagonista ante una declaración inesperada. Como pocos shoujos.

Etiquetas: [cine]  [locos de amor]  
Fecha Publicación: 2016-05-15T14:06:00.000-07:00

Digna heredera de Asu Mare y toda la chabacanería peruana que se subió al coche de su fugaz popularidad la última producción de Tondero sigue exprimiendo y experimentando en el género más rentable a nivel local. Esta vez no se trata de una experiencia de un ex pataclaun con su madre hecha unipersonal sino que al igual que las últimas películas peruanas tiene el defecto de ser una película de patitas blancos que hacen cine de tíos para tíos. Conservando ese target que como meta al igual que lo fue en "A los 40" pareciera se esfuerza solo en levantarles la autoestima lidiandolos con personajes mas jóvenes.

La lista la encabezan varios ex pataclaun que nos hacen creer que debemos hinchar el pecho porque nuestro primer musical está limitado a bailarines y presentaciones coreográficas del nivel del "Gran show" mientras que las canciones (con carraspera incluidas) son tan añejas como los que actúan en la película son el condimento de una comedia blanca de fórmula donde si tienes menos de veinte y estás acostumbrado al reggaetón la música de Sandro, Pimpinela te debe sonar a clásica. A diferencia de "Asu Mare" la producción se vio favorecida por las locaciones en edificios aunque las tomas generales no favorecieron a la ciudad como la desastrosa escena de inicio, no resalta mucho por representar un lugar bohemio como escenario ideal para señores cincuentones en cambio el máximo esfuerzo que se ve es una panorámica de la costa verde.

LOCOS DE AMOR se agarra a la mala comedia local a punta de ajos y cebollas, porque según el manual un carajo soltado de improvisto debe ser gracioso. Quiere tocar temas netamente de pareja pero no deja de ser la trama de cualquier telenovela de las tardes y justmente el desenlace es el de una telenovela pecando de autoconclusiva y solo quedando el tema final como un disfuerzo mas para convencernos que lo que estamos viendo es un musical cuando lo cierto es que las canciones no aportan a la narracion de la pelicula (como en cualquier musical digno), en ese sentido la pelicula es una cuando solo es dialogo neto y otra cuando cantan en muchos casos pegandose mas una fonomimica (todas las canciones de Carlos Carlin) o sketch (Claudia Berninson vs Roxana Fernandez Maldonado).

Entre otras cosas la película toca temas valorando la óptica femenina, siempre son ellas las que están al borde de la locura y prácticamente el guion se esfuerza tan poco que pareciera estar viendo cualquier capítulo de "Amas de casa desesperada". Porque encontramos a la mujer frustrada sexualmente, otra es el ama de casa en plana menopausia, a otra se le está pasando el tren mientras que la ultima es una solterona eterna que vive para trabajar. Los perfiles de cada personaje son estereotipos de pies a cabeza, sus compañeros aportan poco y en donde mejor resaltan es la compañía una de otra como la escena de bar donde la canción grupal estaría magnifica para cualquier playback de algún programa de imitación, pero de ahí no pasan.   
Etiquetas: [final de temporada]  [septima temporada]  [series]  [the vampire diaries]  
Fecha Publicación: 2016-05-14T12:00:00.001-07:00
Termina el suplicio de la septima temporada de la serie de ¿vampiros? de la CW y si ha encontrado el hueco de los viernes a los que se ha visto arrinconado no es por simple capricho o  necesidad (al fin y al cabo si algo sobra son series de tv). Sino más bien un tipo de favor que el canal americano le hace a su segunda serie veterana en la actualidad. Y es que The Vampires Diaries es una sobreviviente absoluta, vive de alquiler en una televisión donde cada vez son más comunes las cancelaciones; pensar que la salida de la protagonista peso tan poco en esta temporada, entiéndase siguió patas arriba como la constante desde hace tres años, es darle la razón a uno de los motivos que leí de un crítico español y es que verdad de dios The Vampire Diaries ha sido víctima de sus propias  muertes y resurrecciones súper mágicas.

La temporada trajo el mismo problemas de siempre, la falta de un villano consolidado a cambio de un par de malos al uso. La séptima temporada trato de hacerse más “interesante” desde el final de temporada anterior siendo el flashforward el recurso narrativo constante, lo que realmente ha pasado a nivel tiempo han sido tres años en donde veíamos situaciones de persecuciones, entremeses raros y parejas forzadas todo siempre esparciendo miga para los incautos que creíamos que lo mejor llegaría en algún punto. Por supuesto para ubicarnos en situación tuvimos que esperar un “relleno” raro de media temporada en donde el villano de turno era un padrastro nada amigable lo que conflictuaba las eternas discusiones de los hermanos Salvatore.

Lo cierto es que en muchos momentos la nueva familia Salvatore realmente fue lo más rescatable de la temporada. Teníamos a un pueblo tomado por “herejes” mientras  que Stefan solo reclamaba paz. El drama familiar con Lily aportaba un hueco dramático que la serie siempre se encarga de no perder; además de que la unión familiar como base siempre ha sido el meollo desde los mejores tiempos de Klaus y la familia de originales. A esto le sumábamos el propio drama personal de Lily con esa necesidad de tener a alguien para elevar la autoestima muy bien llevado por el personaje, lo mismo pasó con tener un villano con tendencias violentas. Lamentablemente no termino de explotarse lo suficiente todos estos aspectos sino que apresuraron ambas muertes en puntos melodramaticos rebuscados. Quedo como simple anécdota enteramos que Valerie fue quien desvirgo a Stefan. Mientras que el drama lésbico de Mary Luis y Nora llego demasiado tarde, junto con el innegable hecho de que Matt pasó de ser un simple patético humano al patético sheriff del pueblo que nadie respeta. 

A partir de la segunda parte comenzamos a conocer el eterno recurso sobrenatural en forma de espada y una piedra que tenia el poder de encerrar el alma de los vampiros. Entre líneas era otra de las formas "inteligentes" de tener muertes y consecuentes resurrecciones. Si bien es cierto la primera mitad de temporada trato de mantener alejado este hecho a cambio de otros derroteros mas centrados en la familia al final la temporada termino centrando importancia en ese artilugio junto con una cazadora (otra más) que tenía como particularidad cierta “obligación” por matar vampiros. Lo enredado de las tramas iniciales cayó mucho más cuando teníamos a los personajes totalmente dispersos, cada uno en lo suyo. Hasta que la trama central sirvio para descubrir por enesima vez que Damon sigue siendo el mismo personaje que solo piensa en sí mismo, su personaje cayo en ese letargo incansable del hermano egoísta que necesita siempre un soporte emocional para dar algo de él.  Mientras que Stefan simplemente se limitó a seguir nadando contra corriente, sus etapas siguieron en los límites de lo plano y lo conocido. Tratando siempre de marcar distancias con el hermano oscuro o en su defecto dejarse seducir por un comportamineto mas violento. Lo más raro es que realmente la serie va de los dos hermano quizás por eso el hecho de la sombra de Elena no tuvo sentido, y entiendes porque el drama de ella era más romántico que realmente necesario. La serie con esta temporada confirmo que lo que realmente la sostiene de un hilo es la dinamica amor odio de los hermanos Salvatore.

Por eso choco con tener una villana final como clon cutre de Elena, no era necesario. Fue una ida de olla total lo que pasó en el último tramo de la serie era tener más de lo mismo, con vampiros anómalos en las calles junto con necesidades amicales puestas a prueba y esas obsesiones por querer siempre solucionarlo todo pese a quien le pese y cueste lo que cueste. Bonni Bennet era hasta ese momento la vedette de la serie, por una parte estaba tan manoseado desde hace mucho y había pasado por tantos momentos que entendías perfecto porque estaba tomando terapia (entendible y recomendable). No paso lo mismo con su relación sospechosa con Enzo, un personaje que siempre termina estorbando en la serie.

En cambio con Damon funciono mejor al igual que en los últimos años, lamentablemente esa relación termino de dinamitar la dinámica a cambio de momentos demasiado intensos para alguien que ha pasado de simple bruja de pueblo a la versión femenina de Blade el cazavampiros. En esta temporada la serie termina por que perder a todos tus personajes femeninos junto con Bonni lo de Caroline fue más ligero debido al embarazo real de la actriz, igual así se notó que le peso de personaje estaba perdido supliendo maternidades forzadas e improvisando un romance con Alaric el eterno cabo suelto.

El tramo final fue el de la formula eterna con esa necesidad de siempre andar a correrías por salvar a alguien mientras que sacrificas a otros, agregar con un gore que ya no impresiona y los trucos de magia fueron los mismos recursos que raya en lo infantil, mientras que el peso romántico de la serie se diluía según las esperanzas del cansino de Alaric. El giro era menos espectacular de lo esperado, era mucho más correcto matar personajes que perder el tiempo haciéndonos creer que morían. Matt Donovan se cansó de ser el personaje peor usado (y un actor sin futuro)  así que toma sus cosas y se manda a largar. Mientras que tenemos un desenlace donde comienzan a narrarse hechos (escritos en diarios que ya nadie recuerda ni importa) como consigna de escribirlo todo para el regreso de Elena (otra señal de que la serie está en las últimas). Mientras que la presencia de las manos digitales de una bruja hace pensar que es el cliffhanger de temporada donde vemos como Damon y su compinche Enzo anda destripando gente… por enésima vez seguida.
Etiquetas: [imocho]  [live action]  
Fecha Publicación: 2016-05-07T13:45:00.001-07:00
Resumiendo ImoCho es una serie manga con adaptación anime en serie de tv y una OVA, que quizás más adelante alguna de estos me anime a ver. Pero aquí es la película lo que interesa y opinemos un poco de una serie que en su demográfico esta como shonen comediapero yo la ubicaría más como hentai ligero (teniendo en cuanta que genero puede llegar a cosas demasiado enfermas).  Así que por las escenas graficas más allá de la censura lo dejamos ahí.

Sobre todo porque lo que he podido ver en esta corta experiencia como aficionado al anime y todo lo relacionado la película se va abriendo a todas las guarradas típicas del género de adultos además de que su premisa netamente incentiva para que se den todos los hechos bochornosos a los que un hentai de medio pelo quiera llegar. Por el blog ya hable sobre dos clásicos modernos como Nana to Kaoru y Futari ecchi que son más que hentai historias de adultos para adultos. Con ImoCho podría pasar lo mismo solo que el mensaje tarda en llegar mientras somos participes de actuaciones planas, situaciones pobres a nivel argumental y tristemente pajeriles.

ImoCho aprovecha la sempiterna premisa de dos hermanastros abandonados por sus correspondientes padres (para los aficionados a las ovas de KissXsis esto no es nuevo). La mayor aspiración de la película viene por parte de la protagonista Mitsuki cuya vida se presenta triste e interrumpida por la presencia del hermanastro que ella rechaza. El hentai se va haciendo presente cuando el retrato se presenta como una mustia que necesita un “empujón”  para desvelar su naturaleza pervertida. Para eso aparece una presencia sobrenatural llamada Hiyori que poseerá su cuerpo y hará cochinadas y medias con el hermanastro. De aquí en adelante vemos un tira y afloja típico del género donde el hermano va siendo acosado constantemente. Lo curioso de la historia es que con el hermano no es la cosa, casi siempre se queda a media el asunto (típico) y cada acercamiento es mal interpretado (mas típico aun).




Lo que apreciamos en la relación de los hermanastros ejemplifica una forma de acercamiento sexual; no estrictamente el despertar pero si podemos apreciar mediante escenas como la masturbación el delirio de la adolescente japonesa promedio (y estereotipada) que vive encerrada en sí misma. Por otro lado el hermano Yuya carece de carisma lo mismo que hace que no sea un enfermo pervertido tan típico en estos animes en cambio se presenta centrado con respecto a los demás, siempre termina abochornándose como cuando ve orinar a su hermana pero a la vez hay un mensaje de protección sana de un verdadero familiar como cuando le cubre el pecho mojado a Mitsuki.

De cierta forma el entiende los límites de su relación por este lado la historia se presenta mucho más noble con el hermano muy especialmente cuando aparece una profesora entrada en carnes que prácticamente lo quiere violar, en ese momento se maneja unos niveles de celos de hermanos bastante particulares.  Y ni hablar de las escenas finales de la película que a pesar de los desnudos son escenas totalmente “románticas” y ahí se da el mensaje final de la película "no necesitamos el sexo para hacernos intimos", pasándose por agua tibia con todas las escenas previas.


El live action de ImoCho no se caracteriza por su comedia ecchi, si no se va centrando en relatarnos hechos que se van acomodando a dramatizar la película desde las experiencias trágicas que comparten ambos hermanos, en forma de terapia llega el giro central siempre en un ambiente picaro ecchi como la ducha o la infaltable escena del viaje a la posada sauna japonesa. La carencia está en que sus escenas fuera de lo transgresor solo quedan como adornos porno (algunos mejores montados que otros), la situación de llevar un cinturón de castidad y que se vaya llenando según lo “perra”que seas me parece un mensaje demasiado machista. Y por último no llega a empatizar ningún personaje junto con sus actuaciones mientras que las escenas típicas de un anime ecchi acompañadas de las cachetadas son clichés y poco efectivas al movimiento de la camara.

Quizás en el anime todos estos puntos se aprecien mejor además de que se desarrollen más y mejor los personajes centrales como secundarios. Porque el mensaje final es de amor, pero como queda en el live action es como el pretexto perfecto para ver a dos actrices porno en el acto, donde los verdaderos descubrimientos son Mayu y Tenka Hashimoto dos señoritas que prometen para chicas kurumi. Amen.



Etiquetas: [anime]  [netoge]  [temporada primavera]  
Fecha Publicación: 2016-05-04T11:20:00.001-07:00
Este anime aparte de su nada sencillo título es uno más de la larga lista que temporada tras temporada aterriza para gusto de algún otaku aficionado a los juegos de rol y que está basado en una serie de novelas ligeras, lamentablemente por los primeros cuatro capítulos del anime, que considero suficiente para expresar una opinión objetiva, no me llega a convencer de que estamos ante la comedia romántica o ecchi de la temporada. Quizás sea porque me identifico poco con el género o simplemente porque no termino de encontrar la gracia a una chica totalmente cargosa que termina pegándose más que un chicle a un zapato. ¡Por dios que nunca me toque una así!.

Lo primero en contra de Netoge es el entorno plano de sus escenarios, no me convence ese mundo de fantasía medieval virtual tan pinky llamado “Legendary ace” mientras que el real se limita al salón de clases como cualquier otra serie de chicos de instituto, los recursos de la animación son limitados respetando un diseño parecido entre los personajes y sus roles virtuales, traspira estereotipos escena a escena, y si alguien por ahí ha visto el falso documental de “Otaku no video” sabemos que el perfil del otaku difiere bastante a este tipo de animes, mientras que sus diálogos nunca termina de rematar bien el humor de una comedia romántica volviéndose flojos y cansinos para el segundo capítulo siempre cargados de metáforas o palabras claves del juego. Todo el desarrollo negativo para una premisa algo interesante porque toca un tema de la sociedad japonesa actual pero se pierde cuando gira en base a celos, decepciones y falsos romances de niveles virtuales.

No todo el anime de este género tiene que ser un ecchi descarado pero incluso así este anime pareciera renegar de un humor más adulto por algo mucho más edulcorado. La personaje central que por todos los sitios que leo ha sido nombrada como la waifu de la temporada es un licuado de personalidades que va desde la presentación tsundere, pasando por etapas yandere pero en su mayoría no deja de ser la calabaza moe que no distingue entre lo virtual y lo real (si realmente quieres ver un personaje femenino obsesivo y acosador ninguno como una Ana Nishikinomiya de Shimoneta, mira y compara). Mientras que el protagonista es el tonto noble que no sabe decir “hasta aquí nomas”, como en toda serie de pringados no falta la niña rica de coletas mientras que completa el grupo la chica seria de pechos grandes cuyas gracia va desde abrazárselos hasta verlos rebotar como tan sutilmente nos tiene acostumbrado este tipo de animes (atención que de esto no me quejo).

El chiste de este anime son las "coincidencias" entre los personajes en su vida real y los roles que toman en el juego virtual. A partir de ahí cada personaje tendrá que comenzar a relacionarse personalmente siendo hasta el hartazgo conocido como al japonés otaku le cuesta un mundo solo dirigirse la palabra. El anime pierde interés a la mitad del primer capítulo cuando todos los jugadores deciden pasar del chat y conocerse en persona y terminan siendo compañeros de salón. De ahí en adelante deciden formar un club de juegos en línea mientras que el conflicto de la serie es hacer que la waifu entienda la diferencia entre lo real y lo virtual. Hay una parte crítica en el cuarto episodio  hacia los que llegan abandonar su vida escolar o profesional porque les quita tiempo para jugar (y vaya que es cierto porque conozco un par), pero fuera de eso es un anime que hace agua por todos lados. Si quieres ver un anime de un grupo de párvulos muy parecido a este anime recomendaría Saekano al menos hay fanservice.  
Etiquetas: [cine]  [fan]  [srk]  
Fecha Publicación: 2016-04-29T14:18:00.000-07:00
Como toda estrella de cine Shahrukh Khan debe tener inquietudes por salirse del molde y probarse a sí mismo como actor. Estamos hablando de la superestrella de la segunda industria más grande del cine además de que su nombre realmente ha hecho que el cine de Bollywood pueda volver a cruzar fronteras, fuera de los círculos de fans y los clubes pequeños que siempre buscan alternativas culturales (y se hacen de la piratería correspondiente).

Si pienso en mi primer encuentro con el cine de la india en aquel cine de la avenida Venezuela hace más de quince años estamos hablando de un acercamiento totalmente distinto y de una producción mucho más pegada a los convencionalismos Hollywood. Y esto es lo que más llama la atención de FAN, el último estreno hindú en la cartelera local, que es íntegramente una película comercial al puro estilo Hollywood, que si la pobre madre india o el triste payaso Joker la vieran no estoy seguro si se identificarían con el cine del dios Khan.

FAN, arranca con una propuesta que se encarga de adentrarnos en el mundo de un fanático “verdadero” de una superestrella local. Como todo fan Gaurav Chandna (SRK) tiene la imagen de su Dios del cine Aryan Khanna (el mismo SRK) empapelado en todo su cuarto y como imagen de pantalla del PC donde trabaja. No solo le gusta sino que el detalle está en que lo imita a tal punto que se mimetiza como el propio actor. La crítica social es poco dañina hasta ese momento, no hay señales de algún tipo de psicosis o enfermedad obsesiva no es pretensiosa en presentarnos alucinaciones ni entra en detalles morbosos. Hasta la primera hora de la película Gaurav Chandna es un fan moderado que solo tiene un único sueño, conocer por cinco minutos a su ídolo.

El verdadero giro de la película llega cuando esa imagen que durante todos esos años de fanatismo se rompe con una traición que hieren los sentimientos de Garav. La imagen del ídolo se cae por que la película quiere vendernos que como todo ser humano las estrellas cinematográficas son seres de carne y hueso. Y lo que dicen generalmente lo hacen de la boca para fuera. Mientras que lo que les importa es mantener su integridad. Y la verdadera clave está en el orgullo del artista a lo que él cree no tener responsabilidad alguna.

A partir de ahí la película se deja llevar por el género del Thriller, donde el actor acosado viendo peligrar su carrera tendrá que luchar por encontrar al fan despechado. Notas el empeño que al puro convencionalismo asiático se pone en las coreografías de acción y persecuciones al puro estilo Jacky Chan, solo que con menos comedia. Mientras que las locaciones extranjeras en Croacia y Londres están lo mejor aprovechadas. Eso sí como buena estrella nuestro querido SRK no se despeina por más que vuele de tejado en tejado. A pesar de esto se nota la falta de suspenso de la película junto con escenas demasiado predecibles, SRK aprovecha lo suficiente el físico pero se desaprovecha mucho como la estrella ficticia en una actuación plana. Sus diálogos solo se limitan a convertirlo en una estrella de acción mientras que por el otro lado se busca dramatizar demasiado con la idea de un fan, que siendo el mismo actor, evita expresar demasiado para evitar que la prótesis facial lo delate.

La película no deja de resultar entretenida, sobre todo considerando la duración y mejor aun  cuando no se trata de la clásica película hindú de coreografías. La mejor escena la encontramos en  ese montaje artesanal que el fan monta en una competencia local. Mientras que el concepto de la fama es ambiguo y sugerente a la buena o mala publicidad de los medios. Fuera de los detalles el final cierra con la interrogante hacia la estrella de cine, previa coreografía de peleas. Al puro estilo Hollywood.
Etiquetas: [anime]  [cine]  [colorful]  
Fecha Publicación: 2016-04-25T17:41:00.001-07:00
Producción de SUNRISE del año 2010 (si la vi recién es porque la tenía olvidada en la pc y justo ahora necesitaba espacio en disco) tiene como mayor defecto el letargo sobretodo el de la primera hora convirtiéndola en una película demasiada plana. Lo único que ganas es el odio hacia la familia central junto con una convivencia demasiado triste para mi gusto. Todo se vuelve tedioso especialmente las cenas familiares así como no soporto como el protagonista se encarga de hacerles la vida más dura a todos los demás o peor aún como juzga a la madre que no es suya. No se llega a compartir ningún sentimiento salvo el de la soledad y el odio hacia el resto. Y lo que más notas es el aburrimiento de seguir vivo ese concepto me parece demasiado rebuscado y si lo comparamos con un color todo sería gris.

A este nivel la película es un recorrido de un solo personaje que según la premisa tendrá una misión para rescatar su alma junto con una promesa de reencarnación. Si bien es una premisa predecible, el juego está en que el alma en cuestión tendrá que ocupar el cuerpo de un adolescente que acaba de suicidarse. La religión es tomada sugerentemente teniendo respuestas ambiguas a Dios o los ángeles, en la película solo atinan a llamarlo “el jefe” mientras que el ser que acompaña al nuevo Makoto llamado PuraPura se toma todo como un simple trabajo en donde su labor se limita a fastidiar. El mismo lugar en donde comienza la película es particular, se ven las almas deambulando o formadas en fila para con un ticket entrar a… la nada.

Lo más rescatable de la película son las tomas del paisaje, rescato los conceptos de la vida diaria y real japonesa que están muy bien plasmados como el orden de la ciudad o lo cuadrados que pueden resultar a veces con la vida escolar. Otro punto es el hermetismo tan típicamente japonés a la hora de relacionarse entre ellos y le verdadero conflicto es la madre y la culpa por un “error” convirtiéndose en el leitmotiv. Por parte de la música no tiene mayor virtud. La animación es promedio. La mejor escena ha sido el recorrido que hace Makoto junto con Saotome por la línea de un tren antiguo. El mejor dialogo fue con Hiroka cuando le propone acostarse e incluso repetir (no te creo que la hayas rechazado) mientras que el mejor personaje termina siendo Shoko por rarita y sincera consigo misma. Lo que terminas odiando es la actitud tan relajada del padre y la abnegación de la madre. No me parece que este mal narrada, al contrario el tema del suicidio está bien llevado además de que en los primera parte ya tienes toda la información necesaria para entender los motivos, no es redundante consigo misma ni con las aptitudes del "nuevo" Makoto.

A pesar de esto la película se torna pesada, los diálogos ayudan lo necesario pero no se avizora ningún giro importe solo hasta muy el final. En cambio se encara de otra forma con las relaciones en el colegio, con hacer partícipe al protagonista de una amnesia que solo lo hace más odioso y con revelarle secretos familiares que empeoran su amargura. Son los “amigos” los que de alguna manera soportan el papel de hacer que el protagonista tome conciencia. De alguna forma son las etapas que se van quemando en la vida de un adolescente que simplemente odia al mundo como muchos a esa edad. Pero la verdadera falla de la película es la dualidad entre el alma de Makoto y la que lo suplanta, la película se encarga de siempre recordarnos que el alma tiene límite y por eso evita realmente conectar afectivamente con los paseos del padre o las comidas de la madre pero todo termina siendo un engaño de guion y al espectador haciéndonos creer en un final más duro que no se da.

Así llegamos a la última media hora y finalmente la película va mejorando mientra el mensaje se va haciendo  más positivo, llega la metáfora de la película en una frase que le da sentido al título mientras que aplaudes la última cena familiar no por el melodrama ni la chilladera sino por la sinceridad del padre, la madre, del hermano creído y sobre todo la de Makoto cuando defiende a su primer amigo y su promesa de estudiar juntos.  Cuando todos se abren de corazón es cuando la película, solo en ese momento, se hace necesaria. Lo que entiendo es que en esa escena se da el verdadero perdón cuando Makoto al fin come con gusto y lo acompaña la sonrisa de la madre.

Le sigue las clásicas conversaciones reflexivas primero con Hiroka desvelándose la tendencia superficial de la chica y seguido con Shoko disculpándose por haberla agredido anteriormente. En ambos casos el taller de arte es el escenario perfecto para seguir siendo sinceros con ellos mismos con la primera hay una fuerte carga mientras que con la otra la situación se pone más nerviosa donde no faltan los sonrojos, y en ambos da las claves necesarias para descubrir el pecado de Makoto, llegando los recuerdos del bullyng, la farsa de su amor platónico y el engaño de la madre. Finalmente llega el verdadero y único giro de la historia se descubre que el alma realmente le pertenece a Makoto que ha superado la prueba, la conversación (y despedida) final entre Makoto y PuraPura termina dando la moraleja (“La gente no es monocromática, sino de diferentes colores”), el cuadro termina por pintarse representando simbólicamente el nuevo comienzo y lo último que vemos es un mensaje de texto de “P” para Makoto preguntándole si está vivo. No se trataba de reencarnación sino de una segunda oportunidad para vivir. Recomendable pero...
Etiquetas: [anime]  [kabaneri]  [kuromukuro]  [noitamina]  [primeras apreciaciones]  [temporada primavera]  
Fecha Publicación: 2016-04-23T12:08:00.001-07:00
Le toca el turno a las bizarradas, con este par de anime termino las primeras opiniones de todo lo que traiga la primavera de este año. Sé que todavía hay mucho por ver y estrenar pero ya no más conmigo y como ya tengo un par de animes seleccionados de antemano más otros dos que me han logrado interesar lo suficiente me basta y sobra; y sobre todo hay más vida por delante finalmente me quedo con Terra Formars Revenge, Boku no Hero, Mayoiga, 12- Sai y Re: Cero. Lo que significa que son los más recomendados desde este blog de los “pocos” que logre ver, mientras que los dos últimos no cubren expectativas y solo faltando y reservando para el final un apéndice sobre animes cortos. 

KABANERI OF THE IRON FORTRESS (WIT STUDIO)

Las comparaciones son odiosas pero si haces una historia en donde todo gira a ciudades con murallas no culpes a nadie de que a la primera salga el nombre de “Shingeki no kyojin” y  menos aún si viene del mismo estudio de animación. El anime es muy irregular en su propuesta, no hay gigantes pero si una mezcla rara de zombis que para el caso son musculosos y verdosos con un corazón incandescente llamados Kabane, si siendo el mismo letargo de las infección por mordidas y que se alimentan de humanos. Los personajes del anime son lo que esperas especialmente de un protagonista con moral idealista y profesionalmente frustrado con sus inventos locos. La historia es muy bizarra, te confunde, no te llega a plantear exactamente una sola idea clara y solo sirve como presentación de un solo personaje. Hay muchas cosas que sabes de antemano, no impacta con el tema del ¿miedo? Por parte de los Kabane, es innecesario tener un escenario tan “parecido” al de SNK, mientras como inicia y finaliza pone todo el esfuerzo de la mejor animación pero no es suficiente. Este anime pertenece al bloque NOITAMINA, que por este blog no hay más que aplausos, pero con KABANERI se queda a media caña. Quizás como quien escribe se ha resistido a ver Shingeki no kyojin pueda seguir, quizás…


KUROMUKURO (P.A. WORKS)

Nunca he sido fanático de los mechas, me aburren, me parece una pérdida de tiempo y mucho más de dinero sé que la gente aficionada a los modelos en escalas, los armables y toda la chuchería de colección son muy hardcore pero honestamente me resisto a ver un súper robot caminando sobre el agua encima me pareció o ¿sangran? y para colmo con un protagonista que parece un tarzan extraterrestre con habilidades jedi. Este es un anime de otro grupito de jovencitas en la edad de la punzada mientras que la protagonista tiene que lidiar con una madre adicta al trabajo, totalmente descuidada solo con su celular (imagínense lo que abra hecho para ascender) en la compañía de super tecnología en un Japón hyper futurista. La protagonista sueña con ir a Marte lo que en el anime me quedo medio ambiguo si en verdad ya está colonizado una de las utopías más grandes del mundo mientras que sus amigas son una misia que tiene un viejo que trabaja de empleado de piso mientras que la otra es una chulita rubia que con la limusina que se maneja no es raro que uno de sus caprichos es el de pilotear uno de los mechas. La presentación de la invasión es como si estuviéramos viendo clips animados de cualquier película de Transformers mientras que a mí me parece una completa ñoñería así que conmigo no es, si Netflix compro el anime haya ellos.
Etiquetas: [cine]  [el libro de la selva]  
Fecha Publicación: 2016-04-21T11:27:00.001-07:00
El libro de la selva debe ser uno de los pocos clásicos Disney que no he tenido la oportunidad de ver en la versión original clásica, como anécdota esa fue la película que tuvo la última colaboración de Walt Disney en vida. La historia conserva todo el mensaje infantil de la fábula y el ambientalismo que desde siempre y hoy más que nunca se trata de preservar lo que la hace ideal para que sea una de las favoritas de Disney y sobre todo para justificar su adaptación. Pero además ver que Disney entiende que en estos tiempos en donde el cine de niños junto con el de superhéroes sigue siendo rentable solo sí te adaptas a la ola de la pantalla verde y los efectos por computadora es gratificante. Disney sigue conservando su magia del cine más familiar con lo que hace que no se traicione a si misma pero también aporta una maquinaria visual impresionante con esta última versión del clásico animado. La fábrica se renovó para bien.

La película tiene virtudes como el de la buena narración y sobre todo el de la presentación de personajes (siendo la hipnosis de la anaconda junto con el escenario oscuro del gorila como lo mejor de la cinta). No son pocos y lo más osado es dar a cada animal un papel fundamental en la vida del protagonista desde los padres adoptivos, el concepto de familia y el de amistad siendo todos los valores que Disney se encarga de repartir en cada película. Con optar por un Mowgli interpretado por un niño de carne y hueso, que en la escena de entrada me engaño pensado que incluso el era digital, humaniza la película y le da más realismo a algo que no lo tiene como la selva que se nota demasiado digital salvándose de lejos solo por alguna vista panorámica o el paisaje rocoso junto el rió; lo que es ayudada por la gran interacción de los animales y su buen performance a nivel de gestualizacion facial. Pero quien se lleva la película es el villano, un tigre tuerto por culpa de un humano y esa venganza obsesiva por matar. Y justo en este punto en donde se ve escenas duras fue donde más impacta, es cuando la selva se pone agreste y todos los animales salvajes tienen que comportarse “violentamente”, esta la accion necesaria y la película se encarga de que no pierda ni fuerza ni valor por encima de la visión de un niño.  

Otra cosa a favor es el concepto del hombre como la mayor amenaza para los animales y su naturaleza, no es nuevo pero está muy bien llevada junto con ese temor por el fuego; su papel en la película se limita a las sombras del campamento en donde es Mowgli el único espectador de su comportamiento. No sé si un niño la tenga tan clara al entender el mensaje sobre discriminación, respeto a las reglas, a la naturaleza, sus habitantes junto con el de la comunidad y el de la libertad, así mismo la crítica social al papel del hombre en la naturaleza. Pero hay que reconocer que los niños de ahora ya no son los de antes, ahora quieren ver más espectacularidad esa espectacularidad a la hora de las estampidas y los derrumbes que solo el cine actual puede dar, además de personajes sencillos y prácticos porque los niños quieren ser como el Mowgli de esta película, valiente y avispado que prácticamente es un ingeniero por naturaleza, donde la mayoría de personajes no pierden la esencia tan característica de la versión original, y esta es una película echa para ellos, simplemente entretenida y deliciosamente visual donde una fábula (digital) como en toda película Disney los personajes animados hablan y cantan poco... pero cantan. 
Etiquetas: [bitten]  [chicas]  [fotogaleria]  [laura vandervoort]  
Fecha Publicación: 2016-04-18T14:03:00.001-07:00
Si Dios regalo belleza a alguien su nombre es Laura Diana Vandervoort. Nacida en Canadá a la fecha con 31 años, no es muy alta a penas y el 1.66 cm, su color favorito es el azul casualidad de la vida el color de sus ojos, por ahí sin ser una información cien por ciento oficial dicen que no puede vivir sin masticar chicle (todos tenemos manías), todavía sin llegar a la madurez artística la chica tiene una rescatable carrera en tv y cine, comenzó en su país en serie para la mayoría desconocidas, hasta que sus rol más famoso ha sido como prima extraterrestre de superman "Supergirl"en la serie de la CW "Smallville". Actualmente protagoniza la serie canadiense sobrenatural "Bitten", donde lucha contra su estereotipo de barbie rubia, y aprovecha todas las virtudes marciales que practica desde la niñez. No son los roles por el que muchos actores se morirían pero creo que de su generación es una de las que más se esfuerza y trata de alejarse del rol juvenil en el que muchas se encasillan. Su físico es envidiable algo que hemos visto más de una vez en la serie actual cuando su figura tiene que posar ligerilla de ropa, a pesar de no llegar a mostrar toda la carne como una Anna Paquin en "True Blood" ha tenido sus momentos calenturientos y al igual que la mayoría de mis chicas Kurumi es modelo por naturaleza por supuesto estando en una de esas listas de revista donde aparecen las mujeres mas hermosas del año. El rostro de esta chica ilumina a cualquiera, ojos, pómulos, labios y el color de la piel ayudado perfectamente por el maquillaje la hacen la favorita de esta temporada. Si Dios regalo belleza a alguien su nombre es Laura Vandervoort, las demás envídienla.
















Etiquetas: [12 sai]  [anime]  [bungo strays dogs]  [joker game]  [primeras apreciaciones]  [super lovers]  
Fecha Publicación: 2016-04-16T12:39:00.001-07:00

Continuando con los estrenos de primavera que parecieran no acabar nunca sigo sin encontrar el gran anime ni la comedia ecchi de la temporada, aun así me animo a rescatar un par de animes de la lista con tal de no desanimarme ni de desanimarlos; creo que los animes de a continuación son para públicos muy específicos entre el seinen y el kodomo, ninguno me llama la atención en especial pero para verme tantos animes esta vez han sido los más parejos. Son más de 100 animes entre ovas y series de tv así que todavía hay muchas cosas, espero que mejores, para comentar y compartir.

BUNGO STRAYS DOGS (BONES)


Lo primero que me llamo la atención de este anime es de lo elegantes que hay que estar para ser personaje principal, porque el protagonista que tiene una obsesión muy poco sana por suicidarse es un chulito típico de "Bones", además de tener vendas en los brazos señal de que por ahí se cruzó uno que otro gillette. Es la fantasía de siempre con un grupo de chicos de todos los colores y tamaños que tienen las eternas habilidades en un mundo en donde ellos y solo ellos pueden poner orden a otros seres sobrenaturales que ingenuos de nosotros, los seres comunes y corrientes, desconocemos que existen. En ese camino se encuentra con un ser pusilánime que ni entre los huérfanos lo quieren y que casualidades de la vida resulta tener un tigre de pocas pulgas dentro que solo se manifiesta con luna llena (a que anime me recordara?), romanticismos aparte el reclutamiento es inmediato a pesar de ciertas quejas como que el señorito huérfano tiene el hambre del chavo del ocho y encima es un misio de aquellos, mismo don Ramón. Es un anime con todo en su sitio desde el humor típico (aunque con lo del suicidio alcance un tono más negro), la música regular, historia predecible como típica iniciación del héroe tonto y animación promedio, no es para hacer fiesta ni sacar serpentina, ni tampoco para prescindir totalmente. Un par de capítulos ayudaría para seguir con la historia o dropearla como cualquier otro.


JOKER GAME (PRODUCTION I.G.)

Lo que me gusto de este primer capítulo fue lo serio que se tomó todo, desde el diseño de personajes (todos con color de pelo y ojos normal), esa atmósfera de cine negro, con la típica niebla del grupo sentado en la mesa fumando todos mientras están jugando una apartida de cartas lo que acompaña bien la tonada jazz clasica, lo que contraresta con un protagonista con una mentalidad de samurái, muy típica japonesa, que no cae bien dentro del grupo. A Japón se le llama el Imperio mientras que te hablan de una guerra ficticia muy política y casi de nervios, como si se tratara de una guerra fría por eso la necesidad de entrenamiento de espías. La metáfora del juego del comodín está muy bien planteada y esa necesidad de desconfiar de todos puede poner en aprietos al protagonista, además de la competencia, por lo que entiendo es un seinen aquí mi duda va en el ritmo de la serie y es que a pesar de no ser tan cargante de diálogos se hace pesado de ver, el error fue dividir el capítulo en dos partes porque es difícil de creer que el protagonista termine haciéndose harakiri. Para poner simple mi opinión a este anime le falta el factor humor cachondo; ademas de que Joker Game no hablamos de aventuras ligeras sino pareciera más pretenciosa, y menos ayuda tener un protagonista tan odioso. 

SŌSEI NO ONMYŌJ (Pierrot)

Si te gusta las series donde salen monstruos y hay invocaciones acompañadas de transformaciones a lo Yu Gi Oh o Beyblade este anime apunta a ti, sino olvídalo. Lo que me gusto de este anime es como se salen por la tangente y se inventan que pueden abrir una puerta a otra dimensión para evitar daños colaterales en la realidad. No está mal graficado, notas que el argumento es flojo, los protagonistas son como cualquier otro, la chica pareciera más tímida que el chico pata rajada; lo que reconozco es que fueron directo a la acción en más de una ocasión aunque con la intensión clara de reivindicar al protagonista que reniega de sus habilidades por motivos harto mañoseados en la historia del anime. Hay un juego de palabras para llamar a cada habilidad y se usan talismanes. El diseño es curioso por lo menos y honestamente no me desagrado, ahora lo mejor que puede pasarle es que sea un anime con capítulos episódicos y evitarse de tanta predestinación entre otras vainas. Y como último comentario la escena de inicio fue sobria más de lo que esperas de la Pierrot (ya quisiera Naruto).


SUPER LOVERS (Studio DEEN)

A veces me sorprende el nivel permisivo que encuentro en un anime, y no solo me refiero específicamente a los Yaoi pero tener una escena con un manganzón durmiendo muy “cómodamente” en una misma cama junto con un niño y que esa escena se llene de burbujas flotantes no puedo encontrarlo normal. Lo más simple del anime es el punto de inocencia con el que quieren maquillar el amorío que llegaran los dos protagonistas, honestamente son los mismos bishonen superdelineados de toda el universo Yaoi; y si no pude con Junjo Romántica, la madre que pario el género, veo difícil que siga más allá de que se trate de un Yaoi porque he de confesar que Love Stagela vi completa y me gusto. Pero el punto está en que en esa serie se maquillaba muy bien todas las escenas de “violación” gay con humor tonto y travestismo ridiculo, en cambio en Super Lovers veo demasiado cursilería homosexual, no me gusta que el niño sea un huérfano que hable con lobos, no me gusta las dobles intenciones de su hermano putativo, no me gusta que los padres sea hagan de la vista gorda, he insisto un niño por más que crezca no puede ser el “pasivo” de la serie por más que lo llamen onee- chan. Lo siento no puedo con eso, pero como lo que sobran en el universo otaku son fujoshis moja calzones que se le va hacer.


12- SAI (OLM)

Hasta que llegamos a la joya de la corona, en serio si pensabas que después de Isshukan Friends no podía haber otro anime más zanahoria a la hora de la cursilería y el romance rosa es que no estás viendo 12- sai. Me enamore de lo inocente que puede llegar a ser las niñas de toda esta clase, y justo porque son niñas, en todo el sentido de la palabra las perdono; porque a veces me pareciera estar viendo un culebrón pre adolescente donde una mocosa engreída es la villana de la serie (la adoro junto con todas sus intrigas), junto con los chicos pintones de toda clase (uno más bacancito que el otro) y las chicas cursis que nunca faltan. El anime se centra en todas las experiencias de la pubertad desde dar tu primer beso (o pico accidental) hasta la primera menstruación y lo que nunca imaginas es lo difícil que es comprar tus toallas higiénicas o escoger tu primer sostén (esto ni me pregunten), son cosas de niñas pero es que llegan a un grado de lindura que te roban el corazón. Se nota la parte educacional como todo Kodomo, ademas si por una parte son cursis no son necesariamente lentos a la hora del romance muy diferente a lo insufribles que pueden ser algunos personajes de shoujo (Kimi ni todoke).


Nunca faltan las mañoserías ni las ganas de crecer rápido levantándole la falda a la compañera, el anime menciona muy sutilmente todo lo relacionado al sexo y está en todo lo cierto cuando son los niños los más faltosos de la clase, aunque no me creo eso de que toco tu brazo para saber como son tus pechos (en mi clase íbamos más directo al asunto je). Otro punto a su favor es el rol de las amigas en la adolescencia y la confianza que se tienen dejando de lado la imagen paterna, con toda razón (sino que lo digan las que iban en grupo al baño). El diseño de personajes no es el típico del shoujo de instituto, se muestran más llenitos con un diseño muy infantil hasta por momentos cabezones, están los efectos del sonrojo chaposo o de los fondos iluminados con burbujas de colores flotantes a la hora de la meloseria, todo se centra en que a esa edad tienes tus primeras experiencias como la de la primera confesión o la primera cita en pareja. Ojala no se centre tanto en las parejas centrales y pueda mostrar mas universo de personajes mientras que me quedo con la premisa de que a los 12 dejas de ser niño pero tampoco eres adulto
Etiquetas: [cine]  [el bosque siniestro]  [resurreccion]  
Fecha Publicación: 2016-04-11T16:07:00.000-07:00
El género de terror parece que está en su etapa de auge en la cartelera local, lo que no signifique que las películas no cojeen de los mismos formulismos harto conocidos. Esta  vez la primera película es una netamente comercial americana y aprovecha una leyenda urbana japonesa, como si no hubiera suficientes. La segunda en cambio viene de la Argentina, no es exactamente una película que te vayas a cagar de miedo y creo que al final tiene mucho del genero experimental de ser una película en primera limitada en cuanto presupuesto, y por otro lado con un punto muy presuntuoso, tiene como virtud que el mensaje se entiende lo malo es que da demasiado vueltas sobre sí misma.

EL BOSQUE SINIESTRO (“The Forest”como título original), de la que ya sabía por algún podcast que escuche un par de semanas antes, conjuga la maldita tradición del cine de terror de tener un ambiente sobrenatural en donde las almas penan y otras dan pena con el insufrible efecto por computadora de siempre. La película trata sobre un par de hermanas gemelas con una conexión mística que las comunica sensorialmente cuando una está en peligro. La malo de esta película es que esta acomodada perfectamente para que todo encaje, so pretexto de las conexiones místicas de las gemelas, se da una lucha incansable por encontrar a la hermana perdida en un bosque inmenso donde cuanta la leyenda los japoneses van a morir.

No termina de cerrar en círculo, sino que se decanta por una permutación poco interesante casi predecible, al final es un viaje de una protagonista que va descubriendo un trauma con respecto a la muerte de sus padres, el bosque en si se convierte en una terapia poco recomendable de tormentos e intento de asesinatos. La lucha final en donde se descubre que el deseo de muerte estaba escondido en ella se me hizo poco convincente y mucho más practico hubiera sido una visita a un psicólogo profesional, a parte de las deficiencias de no entenderse a sí misma (todavía me pregunto que pintaba el hombre que la acompaña solo para terminar muerto), de la sobreinformación o de pecar de ingenua a la hora de comunicarse todos perfectamente. La actriz Natalie Dormer es quizás lo más rescatable, pero ese bosque no llega a tener el factor terror siniestro como lo vemos en la reciente “La Bruja” mientras que las escenas finales con susto golpeando a la cámara me cansan.



RESURRECCION es el título de la última película que he visto en la cartelera local, lo bueno al final de esta película es que no usa los espantos digitales ni las apariciones de último minuto, lo malo es como llega al  final. Las primeras imágenes de la película son narradas mientras van pasando distintos cuadros que a falta de presupuesto hicieron lo más práctico. Después conoces al protagonista que es un cura joven que de paso a una misión de sanación pasa por su antigua casa y visita a su hermano y familia. La enfermedad de la peste llega a esa familia y para mala suerte contagia al hermano. De ahí en adelante toda es una batalla de desconfianzas entre él y su sirviente.

La película tiene una división por capítulos y es enteramente un personaje en sí: el cura. Donde el factor fe religioso es puesto a prueba. Para eso la película arranque con una premisa en donde la población de las ciudades esta ante la amenaza de una peste, obviamente este punto está ligado a las narraciones bíblicas del antiguo testamento y menciono esto porque lo ortodoxo de la religión se nota desde la primera escena, como si a priori debes descubrir que el cuerpo es una herramienta más para probar tu nivel de fe en Dios. Pero el asunto va mas allá cuando el protagonista es atormentado físicamente, el tipo de narración de la película es bastante bueno porque verdaderamente se nota el esfuerzo por arrancar la sensación de perderse en la realidad o de que se esconde algo, esto ayuda a no terminar de entender la película solo hasta el final. Cuando hay que presentar alguna sensación de enfermedad y de que estas llegando a las ultimas las escenas son las más correctas (los vómitos no son para que volteas la mirada de asco), no abusa de lo repelente pero si se nota el ambiente deprimente.

Quiere ser más compacta tocando el tema de la locura y especialmente la obsesión por el tema de la muerte, así como el asalto y los saqueos pero en este punto también se nota la falta de presupuesto. Por último cuando saca a relucir el verdadero tema, la explicación se me hizo demasiado tarde y peor inoportuna, mas practico hubiera sido forzar menos la situación, no dar tantas vueltas con las apariciones de la sobrina, no cubrir al chaman de un aura mística y diabólica y menos terminar encerrando al cura con los cuerpos putrefactos. El epilogo termina siendo un diálogo simple y simbólico sobre dejar abierta la puerta. Como para terminar entendiendo que la resurrección no es cosa de Dios. 
Etiquetas: [anime]  [bakuon]  [endride]  [macros]  [primeras apreciaciones]  [re cero]  [temporada primavera]  
Fecha Publicación: 2016-04-09T11:19:00.002-07:00
Bendita primavera… estrenos, estrenos y más estrenos. Lo peor es que cada vez son más animes cortos señal de que los estudios no andan muy bien de presupuesto y le sale más rentable que una serie de tv convencional de 20 minutos. Aun así el túnel trajo algo de luz y esperanza con un anime bastante entretenido, ironías de la vida su primer capítulo duro casi 50 minutos. Por lo demás no hay mucho que decir, lo que si me sorprende es no ver hasta ahora una comedia ecchi como las que a este sufrido blogger le gusta. Comencemos con lo mejorcito… 

p.d. Mas tetas please.

RE. ZERO KARA HAJIMERU ISEKAI SEIKATSU (WHITE FOX)

Más cosas positivas que malas, así de simple la pongo. Lo raro de este anime, que a priori ha sido comparado con Boku Dake (mas por lo fresco que tenemos este anime, que por la historia en sí), es el protagonista que tenemos en frente, y no tanto por la historia que entiendo gira en torno a la aventura. Haber si te pasa que de un momento a  otro estás en tu rutina diaria de compras nocturnas, y en una pestañeada apareces en un mundo que no tiene nada que ver con la realidad ¿Qué harías?. Es el punto de arranque lo me gusto de este primer capítulo largo, la forma de introducción deja menos reflexiones y va más directo a la acción, preguntas pocas y lo primero que hizo fue buscar comida aunque el tipo es un misio nini (desde ya me identifico), desde el inicio te dan una clave con una moneda antigua, además la forma en como se toma todo a gusto y tan normal (“esto no puede ser falso… me transportaron a un mundo paralelo”) me hizo recordar a ese deseo de los hermanos blancos de “No Game, No life” la diferencia es que desde el inicio sabias que en este anime los protagonistas no se sentían a gusto con el mundo real, aquí en cambio te mencionan la magia como algo al aire, sabes que el mundo es adverso pero el ambiente es chulísimo de ver, es un mundo de fantasía basado en alguna ciudad medieval europea y sus habitantes son seres antropomórficos (lagartos, zorros y la infaltable gata) y sobrenaturales (elfos), te dicen que están en un mundo donde tienen otra escritura pero hablas y entiendes el mismo idioma ¿?, así como giros al mismo punto de inicio rarísimos pero con cierto sentido cómico.

Lo bueno del anime es que por momentos los diálogos se tornan sarcásticos, como cuando el protagonista ironiza sobre uno de los máximos clichés a la hora de ponerse en el papel de héroe y no recibe ninguna motivación, ella le responde que eso jamás lo diría, ese “gag” es buenísimo. Otro detalle es que en el primer capítulo esta una especie de maldición con las chicas con las que se cruza el prota y es que o termina olímpicamente ignorado o con algún daño físico mortal más de una vez, y aquí va mi mayor duda sobre este anime y es que el protagonista parece ignorar que da saltos en el tiempo cada vez que está a punto de que se lo carguen. Aparte de ese detalle personal, creo que es un anime con mucho pan por rebanar, va a tener 25 capítulos así que abra que tener paciencia y seguramente el algún momento se torne pesado, junto con un buen diseño de personajes, un humor no ecchi, cierto romance al aire con una elfa que no puede decir “no” (imagínense si le piden su virginidad), una ladrona que parece se las sabe todas, una villana pendejaporque quiere y puede, un protagonista muy a lo tonto noble y una duda que me mata ¿Por qué cada vez que va a morir termina pidiendo manzanas en el mismo sitio? Creo que fácilmente está en la lista de animes de temporada.

MACROS DELTA

Sera pecado pero yo no he visto nada de MACROS a lo largo de mi corta vida como otaku, no ha sido ese anime clásico que si no lo he visto me muero así como tampoco lo han sido alguna serie GUNDAM o el mismísimo EVANGELION; estoy hablando de fenómenos pero el mecha me saca de quicio; eso si me se la "anecdota" del anime orginal y el surtido que hicieron los gringos llamado "Robotech". Volviendo a esta nueva serie de Macros entiendo porque no me gusta el mecha, lo que pasa es que yo creo que con esta serie obligadamente tienes que tener algún Background de la saga original. Porque tanta onda discotequera y esa coreografía que se termina armando me chirrió completamente. DELTA, te habla acerca de una infección que vuelve locos a los humanos para eso la única forma de contrarrestarla es que un grupo de Idols espaciales canten, en serio ¡¡cantar!!. Tienes a un protagonista que no encaja en su vida de asalariado maquinero y lo que el verdaderamente tiene es un talento para hacer bailar “breakdance” a su avión mecha, en serio ¡¡ bailar!!. Y por último a una polizonte extraterrestre con un sentido de la ubicación muy malo y que se perdió 30 años luz de su destino. La canción que suena en medio de tanto disturbio random es movida junto con un CGI que me parece sobrecargado, pero aun así es demasiado fanservice mecha para interesarme en el género. Ah se me olvidaba desde el primer segundo sabía que el prota de esta serie tendría que pilotear su avión. Así de predecible es el género este.

BAKUON!!! (TMS)

Si mencione que MACROS DELTA está hecho para el fanservice, esta serie es pornografía motociclista al más alto vuelo. Un grupo de chicas cuyas personalidades y “pechonalidades” van de diferentes tamaños, alcanzan casi el orgasmo cuando tienen enfrente una motocicleta de marca. A pesar de que cargar dichas motos es todo un trabajo, ellas se pelean por las mejores motos que las haga vibrar el culo y tanta es su identificación con este medio de transporte que hablan con ellas, curiosidad las motos tienen una mentalidad violadora (“soy una máquina que da su cuerpo a hombres”… “¿Sabes lo que se siente tener la entrepierna de un hombre en tu cara?”…). Ah como esto va de motos odian a todos los que van en bicicleta (o sea odian a medio Japón). En fin sin ser sarcasmo creo que es un anime de nicho, porque ese sentimentalismo con las piezas, con la estética o con simplemente hacer una maniobra podría gustar algún fanático del motociclismo, pero algún humano común y corriente que tiene que latear toda su vida no creo que le interese.  Alguna cosilla buena seria su humor con doble sentido con el tema del tamaño de los pechos y la licencia de conducir, hay una competencia interna por quien sabe más de las motos y uno que otro chistecillo, lo malo el peinado de una de las protagonistas debe ser el más horroroso que he visto en un personaje animado a pesar de que otra le diga que le gustan sus rulos. Después no le veo mayor gracia, salvo las tetas enormes de una de las protagonistas. 


ENDRIDE (BRAIN’S BASE)

Desde que vi la escena de arranque me dije que estoy es YAOI, no llegue a comprobarlo pero no se la duda me va a quedar eternamente o al menos cuando me acuerde, porque no voy a ver más. Podría comenzar porque es otro anime de realidades alternas al mundo en que vivimos, si otro más. El protagonista tiene el eterno conflicto con el padre que solo vive para trabajar y se olvida hasta de su propio cumpleaños. Oh casualidades de la vida, el protagonista que es un fanático de las piedras preciosas, los minerales y etc, justo encuentra una piedra extraña en plena oficina de su padre, cuando la toca lo tenemos en un mundo donde se encuentra con un príncipe que ha sido encerrado por el malvado rey. Escapan juntos, en medio de una lucha con ciertos sables que invocan. ENDRIDE en una serie creada para vender un juego de celular, como tal quizás ahí tendría más chiste pero el anime es todo tan genérico, que lo que me pintas en el primer capítulo se me hizo aburrido. Tienes un diseño mediocre junto con un ambiente que lo he visto antes y mejor. Si lo vi fue por el morbo de ver YAOI, porque después esto está hecho con el culo.
Etiquetas: [capitulo 6]  [Manga]  [platinum end]  
Fecha Publicación: 2016-04-07T08:51:00.001-07:00
La nueva colaboración de los mangakas Tsugumi Ohba y Takeshi Obata cierra su primer ciclo siguiendo todo lo que se conoció en su más grande trabajo, obviamente estoy hablando de Death Note. El capítulo raya en agilidad y la tensión es constante lo que ayuda a la lectura de más de 60 páginas, precedido por los hechos de los dos capítulos anteriores, esta vez sigue notándose varios de los gustos tópicos de los mangakas, comenzando por el endiosamiento a la figura del justiciero anónimo, siempre desvelar los misterios según las circunstancias más drásticas y por supuesto ir conociendo las infaltables reglas y límites de los poderes divinos de cada candidato junto con los giros y manipulaciones típicos de un ser a otro nivel de inteligencia y maldad, mientras que vemos “caer” rivales que son usados como carnada, tan típicos de un Light Yagami como que la Death Note era el pretexto perfecto para sacar lo peor de un ser humano, aquí el camino es el mismo.

El villano absoluto pone a prueba los límites por alcanzar su objetivo, factor clave en todas las colaboraciones de los dos  mangakas. Esta vez ya no hay un shinigami que observe sino un ángel que viene al rescate y aquí vemos una diferencia entre lo que fue Death Note y su actual trabajo, y es que el Ryuk de Death Note nunca dejo de ser el espectador de lujo que se divertía mientras “L” y Light se retaban al incansable juego del gato y el ratón, mientras que Nasseen cambio tiene un sentido de la responsabilidad más ligado a hacer feliz a su “candidato”, eso si el grado de egoísmo es más o menos comparable, lo malo sigue siendo que todavía el protagonista se debate entre lo que es la felicidad y se conflictua solo, peor aún después del desenlace de su primer enfrentamiento con Metropolitaman que termina por atormentarlo aún más por su apatía a la hora de entrar en acción, le falta esa decisión de actuar porque tanta pregunta a su “yo” mismo, así como el recuerdo de la figura paterna y de los valores enseñados lo alejan totalmente de la personalidad narcisista de un Light Yagami pero también lo convierten en un personaje dudoso y temeroso de actuar.

Lo mejor del capítulo ha sido el momento en donde las situaciones están al límite, aquí se aprovecha para ver las conjeturas de una persona inteligente pero cagada de miedo, cuando va listando sus posibilidades y las consecuencias de las mismas entendemos que los mangakas hasta cierto punto juegan con ellos mismos, con el sentido de la justicia “infantil” de los héroes y que nadie es completamente bueno ni malo, solo fijémonos en esa conversación entre Nasse y Metropolitaman, cuando ella lo encara y pareciera que hay hasta cierta complicidad con sus actos, la clave de esa conversación no está en la amenaza disfrazada de advertencia sino en cuando ella se refiere a que no importa nadie más que su candidato ahí te das cuenta que en las obras de estos señores no hay términos medios, y lo favorable es que al estar en una revista más adulta no hay problemas a la hora de matar, incluso si son inocentes niñas.


Por otro lado hay que criticar que los mangakas se inclinan, hasta ahora, en convencer de que sus candidatos a Dios forzosamente serán seres con carencias afectivas y/o emocionales, falta ver si encontramos a alguien que pueda, por lo menos, encontrar divertido tener alas sin que necesariamente lo use para su beneficio propio. Otra crítica vendría a ser que el personaje de Saki no termina de convencerme, pensé que tendría una voluntad distinta en como se le vio actuar en el primer encuentro, pero tiene un rollete tanto en el dibujo como en personalidad de chica frágil y la relación con su ángel  es muy parecida a la de Misa con Rem, pero sin contar con la “simpatía estúpida” de Misa- misa, como si siempre rondara en el aire una especie de amor platónico. Tiene la dificultad de ser un personaje que necesita la protección y su ángel no ayuda en nada a hacerlo más competitivo, para Mirai se convierte en un obstáculo más al crear una relación amorosa entre ellos dos.

Por lo demás, el capítulo seis termina por convencerme que con Platinum End los mangakas no quieren repetir el enfrentamiento entre dos personajes grises e hiperinteligentes, sino que esta vez estamos ante uno completamente negro como Metropolitaman mientras que Mirai necesita convencerse así mismo de que es blanco. Por eso la necesidad de ir conociendo a más candidatos, y es que con un protagonista que se limita, y no quiere ni odiar ni matar, la acción tiene que venir por otro lado pero al final no importan si esos candidatos terminan siendo aliados o rivales, la consigna está en que Mirai se termine fortaleciendo para ser el héroe de la historia. Porque solo uno terminara siendo Dios, la felicidad viene después.

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Fecha Publicación: 2016-04-04T10:59:00.003-07:00
Nueva temporada, nuevos animes. Pero como cantidad no es calidad, al parecer la temporada de primavera 2016, con sus más de cien producciones entre series de tv, ovas y películas, será la misma constante de algunas producciones sorpresa con mejor performance y el resto las mismas mediocridades de siempre. No es que sea pesimista, y es que a pesar de que este año las dos series que más ganas he tenido de ver ya una me ha decepcionado, hablo por Terra Formars, las otras tres  me han dejado con primeras impresiones muy dispares, ya el tiempo no es el mismo de antes así que lo más probable es que de esta lista solo  me quede con Terra Formars Revange, por lo que sé que tiene que pasar en esta segunda temporada y con MAYOIGA que tiene una pinta más interesante, JoJo’s Adventure es un seinen raro bastante popular por lo que sus animes y mnagas previos, mientras que con lo tonto que es Phonix Wrigth ace attorney en el primer capítulo, no creo que me den los huevos para ver más. 

PHONIX WRIGTH ACE ATTORNEY (A- 1 PICTURES)


Si en la televisión tenemos una serie como How to get Away with murder, en el mundo del anime hay algo parecido llamado Phonix Wrigt Ace Attorney. Un anime procedimental de abogados es raro supongo, pero lo más raro es la pesadilla de diseños que he visto y más raro aun que venga de A- 1 Pictures.  El estudio de animación sigue con poner animes con tramas de asesinos y seriales del tipo thriller, pero es que el anime es feo de ver y no solo me refiero a los fondos, sino al estilo en general; la peor forma de comenzar es resolviéndote el caso, además de acompañarlo de chistes tontos, la situación pareciera más una novatada para el protagonista, en medio de griteríos y gesticulaciones demasiada ñoñería para tomarlo como un abogado serio y menos con el amigo tan tonto que simplemente no lo soporte, la “originalidad” de tener una sala de juzgado como si se tratara de un cuadrilátero de artes marciales me pareció poco atractivo, así como ponerlos en primer plano como si se tratara de una mecha de algún juego de arcade o la forma en como se le prende el foco al protagonista ante una nueva idea. Bueno viene de CAMCOP y quizás el asunto vaya por ahí. Al final del anime hay un asesinato que le da un giro a la historia, de ahí la comparación con HTGAWM, pero en el previuw ya te dan toda la información de quien resulta la sospechosa y como va a tener que ver con el aprendiz de abogado. Después de Subete ga F ni Naru: The perfectinsider y de la reciente Boku Dake el estudio se quedó sin presupuesto e hizo esta cosa, es lo único que se me ocurre para justificar lo malo que es. ¿Algo para rescatar? El lunar fetiche de la abogada, no vienen al caso pero por algunos encuadres me pareció estar viendo un personaje MILF hentai.

TERRA FORMARS REVENGE (TYO Animations)


Al inicio del post había adelantado mi opinión del anime, ahora quiero aclarar que la historia se convirtió en una de mis favoritos de hace dos años por eso seguí el manga, y casi entiendo después de ver el primer capítulo de REVENGE ese enojo estúpido de la mayoría de fans cuando el anime no avanza según su manga original. Esto es precisamente lo que le pasa al inicio de Revenge que se vuelve la presentación de la presentación, y perdemos el tiempo en aclarar el como y el porque de la situación actual de la tripulación. Lo entiendo porque han pasado dos años, pero creo que arrancar con una acción mucho más trepidante a la que vimos hubiera marcado mejor el ritmo, se jugó mucho con el papel paternal y la promesa de Akari Hizamaru, así como se comienza a ligar a él con su hermana de genes Michelle K. Davis.

Creo que por esa parte está bien porque centrarse en estos dos personajes está conforme al manga debido a que ellos dos se vuelven los verdaderos objetivos de la historia, pero lamentablemente fue un capitulo donde primo el CGI y algún desfase en la animación, Terra Formars es un anime que siempre está en la raya del gore y el miedo a como terminen sus personajes. Siempre saca sorpresas y rivales más fuertes, y esta temporada tiene que animar una batalla épica entre dos comandantes. Todavía falta para ver lo mejor, por el primer capítulo solo hemos visto chispazos de acción, ya no hay la censura de la primera temporada pero aun así se ve que están evitando mostrar todo el líquido verde de las entrañas de las cucarachas, está el tema de las level up previa sobredosis, mas compañerismo, una luz de esperanza entre la tripulación, el op/ed de la serie todavía me cuesta engancharme pero no son malos y lo que más se ha visto son momentos cómicos, raros pero me quedo con todos los chistes sobre los pechos de Michelle y la mañosería pendeja de Akari que supo aprovecharse de la situación. 

MAYOIGA (DIOMEDEA)


No estoy seguro pero podría convertirse en la joya de la temporada. La clave se comienza a dar desde el inicio escondido en esa copla de ángeles con alas rotas; la segunda clave está en un evento relacionado con el protagonista y con ciertas visiones que tiene, pero mejor no entrar en especulaciones desde el inicio. En un anime con temática muy japonesa, tiene la pinta de ser coral sin centrarse totalmente en un protagonista lo que no es malo y no sé hasta que punto pueda llegar con el tema del suspenso, por el momento acierta en ir despacio introduciéndonos de a poco en ese lugar llamado "Nanakimura" y todos sus secretos. Estamos ante un anime que tiene la dinámica de muchas series de tv americanas de un lugar apartado del mundo donde se esconde un secreto a modo de misterio, incluso los japoneses tienen una historia donde hay un bosque donde las almas penan que recientemente se ha visto en un live action americano ("El bosque siniestro"). La idea es parecida, todo el grupo va en un tour donde se comprometen, ese compromiso se ve que va desde la simple aventura, hasta tocar problemas de la sociedad japonesa muy de boga en animes adultos como el acoso sexual y el stress diario, incluso hay un caso de amor a lo Romeo y Julieta. Para eso hay una especie pacto interno en modo de contrato donde cada personaje se olvida de su vida presente, y comienza a "etiquetarse" a si solos comenzando por nombres más cool.

Cosas que notas en el primer capítulo es que es ágil, las presentaciones se van dando desde el arranque, como es coral tienes alternativas para empatizar con algún personaje, su diseño es el típico estilizado donde algunos aparentan menos edad de la que tienen y donde todos son estereotipos japoneses, y también está presente la atmosfera tétrica con la musicalización, sobre todo en esa canción del Hipopotamo que a diferencia de los americanos no cantan sobre una telaraña y los elefantes que se balanceaban, sino que muy japoneses la canción te habla de rutina diaria, el fin de la vida y el entierro. Ahí también notas el gesto sutil para que te vayas dando cuenta quienes están más animados con la aventura y quienes solo van a apartarse del mundo y huir de sus problemas. Su virtud ha sido no filosofar desde el inicio para no hacer pesados los diálogos, pero sin duda alguna el verdadero misterio del anime es descubrir que se esconde cruzando ese puente cubierto de niebla. ¿Qué es Nanakimura? ¿Solo será las especulaciones de una leyenda urbana? ¿O será cierto que ahí comienza una nueva vida? ¿Estarán vivos?. Otra vez el tópico del valor de las experiencias… “son muy jóvenes para haber vivido de verdad”, me quedo con esa frase.

JOJO’S BIZARRE ADVENTURE: Diamond Is Unbreakable (David Production)



No está mal. Es un anime que tiene que ser como manda el manual: con tipos encabronados y malosos de cara. No disimula que promueva la violencia, ni se guarda a la hora de que el protagonista es de muy pocas pulgas a la hora de que alguien se mete con su peinado, una razón tonta pero todo sea en nombre de agarrarse puñetazos. Tiene un concepto parecido al que vemos en Ajin, con manifestaciones sobrenaturales con habilidades extras diferentes en este anime se llaman STAN, pero no entra en terrenos tan intelectuales ni sociales como el anime en mención. JOJO’S BIZARRE ADVENTURE es un seinen, que muestra un brazo mutilado desde el inicio irónicamente mientras pareciera vemos cocinar a una ama de casa en un ambiente totalmente hogareño. La animación es rara, la impresión que me da es que quiere asemejarse a una caricatura, pero el molde es totalmente japonés, con la vida escolar, los bravucones mastodontes buleadores de siempre, asesinos dementes sueltos y un protagonista que no mata una mosca al menos que insultes su peinado. Mi problema va que la “aventura” me pareciera un titulo muy ligero para el tono de serie que he visto y que este tipo de animes, al igual que GANGSTA o la reciente DIMENSION W, pueden tener plots interesantes, no terminan de convencer al inicio y al final da flojera de continuar viéndolo.