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Etiquetas: [cine]  [no respires]  
Fecha Publicación: 2016-09-14T18:07:00.000-07:00
¡Práctica!, así de fácil podría definir esta película. Además de poco efectista sino más bien se deja llevar por la tensión a los diez minutos de inicio. “No Respires” (Don't Breathe), es una película de menos de noventa minutos, cuya premisa es tan sencilla como el propio desarrollo argumental, se sacude rápido de la presentación de personajes, así como de los motivos que los mueven especialmente en el caso de Rocky (Jane Levy) que para efecto es la más importante. No esperemos un súper giro sino más bien halla una linealidad donde al medio nos encontramos con un tema escabroso que termina de darle sentido a la misma película. En este caso lo bien rodada que se encuentra hará que tanto los protagonistas como el propio espectador no encuentre respiro frente a la amenaza de un trastornado mental, cuya ironía de la vida es que está ciego, y lo peor, en su propia casa. La respiración sirve como metáfora a la supervivencia básica; mientras el apoyo visual esta dado para que los protagonistas no dejen de sufrir tanto físicamente como psicológicamente, especialmente tratándose de justificar, y/u olvidar, que se tratan de tres aficionados a ladrones.

El punto de apoyo de la película es el desarrollo súper humano cuando una persona pierde un sentido, en consecuencia, entendemos que los otros sentidos suplen la ausencia. A pesar de ser una película sencilla de entender encontramos un pozo argumental doble en dos de los personajes. Por un lado un ex militar ciego, cuyos brazos fornidos ya son una advertencia, que se enclaustra en un vecindario abandonado. Mientras que por otro esta la chica necesitada de dinero que quiere huir de casa. Como gran y último golpe, junto a dos de sus amigos, robaran cierta cantidad de dinero que se encuentra escondido en la casa del ciego por ciertas razones previamente explicadas. A este punto quizás ya podríamos suponer que las cosas no serán fáciles, al  mismo tiempo que el recorrido que se hace por la casa nos muestra que todo está cerrado con siete llaves, y a la vez, encontramos el elemento inquietante por unos minutos previos que es saber lo que se esconde en el sótano.

Cuando se descubra encontramos el factor moral de la película, y aquel pequeño engaño para que el tiempo transcurra hasta que el dueño de casa pueda atraparlos otra vez. No estamos ante una película mejor pensada que “La habitación del pánico”, ni tampoco con una interpretación actoral prominente, el caso es que la creatividad para convertir un espacio totalmente cerrado en una trampa mortal hará que la película se convierta en un buen thriller de suspenso. Incluso el dudoso final deja con la sensación de que todo es una ironía de la cual los dos personajes sobrevivientes estarán atados por siempre. Innecesario, quizás, pero consecuente a la película.        
Etiquetas: [cine]  [los ultimos dias]  
Fecha Publicación: 2016-09-12T18:52:00.001-07:00
En  las películas de desastres los damnificados sufren las adversidades como la falta de agua potable o comida fresca; además, como regla general, siempre habrá una familia central cuyos miembros estarán desperdigados durante todo el largometraje para que sean los últimos cinco minutos donde el desenlace propicie el reencuentro, y todos terminen abrazados y felices. LOS ULTIMOS DIAS (2013) es una película española que está actualmente en cartelera, no esperemos más que un concepto parecido a cualquier otra película del genero de desastres y sobrevivencia. Es más, si así fuera el caso, mucho  nos hubiéramos ahorrado. Quizás el planteamiento de la película complique el guion desde el inicio, además es el recursivo flashback, que poco o nada explica más que ir calentando la dramedia marital de los protagonistas, lo que termina por hacerlaparsimoniosa y poco eficaz. La película parte desde un ángulo del suspenso de no saber por qué de un momento a otro la humanidad no pueda salir al espacio libre sin que sufra ataques de pánico y locura. Dentro del argumento como argucia simplista encontramos breve información mediante un video de un “hikikomori” canadiense que termina suicidándose y un oficinista muere, literalmente, al ser despedido de su centro de trabajo. La causalidad entonces es una burbuja que simplemente flota para forzar la situación central, lo importante es que el protagonista tendrá como misión encontrar a la esposa. Por otro lado encontramos un peso mucho más maduro en su acompañante que también anda buscando a alguien y que finalmente soporta una obligación con mejor argumento y mejor desempeño actoral. Encontramos también el factor confianza en el clásico escenario donde la humanidad ha perdido todo respeto a la ley. Junto a eso, lo mejor de la película es que la ciudad de Barcelona con su red subterránea de trenes y desagües se presta muy bien para que el viaje se haga más realista, algo que filmada en Lima sería imposible por obvias razones. De ahí en adelante es una película tibia, a medio pensar, no termina de convencer como exploración de un mundo en una situación extrema y distopico, mientras que el final se cae de forzado. Eso sí, con barba los españoles se ven mas guapos.

Etiquetas: [anime]  [dragon ball]  [final anime]  
Fecha Publicación: 2016-09-10T09:16:00.002-07:00
Tonta, absurda, mal animada, totalmente infantil, cada vez me desespera más… ¿Cuándo empieza lo bueno en “Dragon Ball Super”?, o, ¿Ya estamos viendo lo mejor? ¿En serio?, y si es así, ¿Por qué sigo sin emocionarme? ¿Estaré perdiendo mí tiempo? ¿Será “Dragon Ball Super” una verdadera, y única, pérdida de tiempo? ¿Seré el único que lo piensa? ¿Seré el único que lo escriba?... Son cincuenta y siete capítulos emitidos hasta la fecha, los arcos de la serie no abarcan más que dos prolongaciones de las películas previas ("La resurreccion de F" y "La batalla de los Dioses") y recién ahí conocimos un nuevo arco ¿original? que tenía como centro un torneo galáctico… perdón, un torneo de artes marciales interuniverso. En su intento de plantear un nuevo universo la serie alucina con prolongar más las dimensiones cósmicas (como la propia, y criticada por muchos, Dragon Ball GT), solo así, el sinsentido del multiverso dragonbolero trata de hacerse más interesante a pesar de que todo partió de una insignificante disputa culinaria terrestre. El gag cómico de los dioses destructores es tan absurdo como el nivel irrisorio de “power up” que estamos conociendo. No solo eso, sino que se sacaron un “dragon” de la manga, al hacernos creer que existen unas super esferas cuyo monstruo amarillo es una cachetada a todos aquellos que alucinamos cada vez que veíamos salir a Shen long. Entonces Dragon Ball Super se convirtió desde el inicio en víctima de sus propios despropósitos, cada vez entra en unos terrenos inconsecuentes, quiere ser nostálgico y apela a no perder la identidad del manga creado por Toriyama. El problema en general es que la serie no quiere ser adulta, confunde el humor con el infantilismo. Todos los personajes entran en la maroma de la ridiculez, ni que decir de Pilaf y compañía que solo estorban, y es el relleno de la serie lo que desespera más. Tanto la trama del torneo de los Dioses como el propio arco del regreso de Trunks impacienta porque lo único que hacen es repetir una sola escena: Goku, gritando, y cambiando de color de peluca.  

Ya adelantándome el multiverso dragonbolero creado en la serie ha introducido un par de personajes centrales que aspiran al mayor clímax del nuevo anime: el super torneo de artes marciales. En su demacrada presentación conocimos al omnipotente Zeno- sama como ser superior, incluso, entre aquellos que dicen llamarse dioses destructores. Entendamos, ¿otra vez?, el carácter infantil de aquel que tiene el poder de destruirlo todo y al cual su sola mención genera más temblores que el propio lord Voldemort de “Harry Potter”. Así como su falta de amigos, que llevara a son Goku a ser el único que pueda tomarle la mano sin que los demás no revienten de histeria. Es justo llegado este torneo donde comienza hacerse más notorio el efecto Pokemon del anime, como les pasó a las dudosas Saint Seiya Omega y Saint Seiya Gold, en cuanto a diseño de personajes. Hasta que llegamos al arco actual, con un Trunks semi protagonista que cual John Connor se ha convertido en una especie de héroe de resistencia ante la presencia de un villano que, ¡oh sorpresa!, tiene el rostro de nuestro héroe dragonbolero. Otro artificio de la saga, permitida porque supuestamente en cada universo (de siete en total) existen los mismos planetas, y por consecuencia, los mismos personajes. Tomada la idea de crisis en tierras infinitas el dopelganger del futuro, conocido como "Goku Black", es un ser cuyo misterio básico esta en resolver el enigma de quien es en realidad. Que inmediatamente dinamitó el internet con teorías. El viaje de Trunks al presente no aportado mayor cosa más que los sonrojos de la pequeña Mai, el fastidio antipático de Gohan por las peleas y un momento feeling entre padre e hijo a punta de golpes. O como mejor podría explicarlo: Un bodrio sin pies ni cabeza, que para diferenciarlo mejor ahora también tiene su peluca de color rosa. ¡Que mierda!




Aun así el futuro, por enésima vez apocalíptico, ha creado una disputa más filosófica de lo esperado (y quizás innecesaria) en cuento conocemos a un par de Kaioshin de no sé qué lado del universo. Zamas es el personaje cargante de diálogos grandilocuentes que ve con ojos de superioridad a la raza humana. En su filosofía, que a la par de su rutina de servir una taza de café cual doña Florinda, se encuentra encerrada una ambición que puede recordar a los primeros arcos de la Dragon Ball Z y al temible Freazer. La discriminación de la raza superior por la inferior y ese temor por la superación convertida ante sus ojos en barbarie a través del tiempo como se le enseño el viejo Kaioshin, y trazar entonces un paralelismo en como en un principio se estigmatizo a la propia raza guerrera de los saiyayin. Otra vez poniéndonos en situación coincidente con la venganza de los Tsufuruyin y Baby, de la resistida GT. Resulta curioso que a pesar de que la idea en si no va a ningún lado, más que confundir al espectador, todavía podemos encontrar una muestra de que la serie supuestamente infantil logre una sustancia intelectual que no es precisamente fácil de explicar. Lamentablemente, todo el diálogo y corrupción mental en el cuerpo de Zamas se pierde con la verborrea más elemental y peor animación del ultimo capitulo. Mismo que estalla en una batalla regularmente lograda cuyo liquido elemental (sangre) es escaso por no decir nulo (¿Acaso lo niños ponjas de la actualidad no sangran?); en donde se ve una maniobra extraña de los guionistas por unir el destino del villano superficial de turno y el del propio Zamas. La explicación final no se da en la propia batalla sino que sigue estirando el chicle dejándonos con la incógnita del porque Zamas es inmortal (recurso ultimo y bastardo de la serie). La respuesta para el espectador es más que obvia pero dentro de ella misma seguiremos viendo un interludio de rellenos a lo cual nuestros protagonistas, previamente masacrados, tendrán tiempo de sobra para recuperarse y seguramente ponerse otra peluca de color. ¡Un coas temporal de principio a fin!

Pero conmigo ya no es, terminaron de dinamitar mi paciencia. No encuentro oportuno perder 20 minutos, y algo mas, en un anime desfasado y sin sentido. La nostalgia de las primeras reseñas (cap 14DRAGON BALL SUPER - CRITICA RESEÑA. La nostalgia obliga), a eso que todo fan noventero apelaba tratando de justificar este bodrio no es recurso suficiente para seguir enterqueciendo, y sufriendo, con este mal anime. Son 57 capítulos, con el próximo a salir, del cual no me interesa y sencillamente te digo: ¡Me canse! Así que bye, bye Goku y tus pelucas de colores.

  
Etiquetas: [angel beats]  [anime]  [pa works]  
Fecha Publicación: 2016-09-06T10:54:00.001-07:00
Ufff… hace cuanto que tenía pendiente este anime y solo ahora, de milagro, me pongo con él. Mi historia con este anime comienza a la par de mi vida como otaku aficionado al  mundillo (¿?), por ese entonces mi dimensión no abarcaba más allá de Naruto y fue cuando, créanlo, pase por un puesto de periódicos y compre una revista que hoy en día ya dejó de existir (por sea acaso no era “Sugoi”). Con uno de esos DVD mal grabados que venía “gratuitamente” descubrí KimiNiTodoke, Full Metal Alchemist y el anime en cuestión. Con los primeros no espere mucho y de eso hace años, pero con AngelBeats siempre lo tenía en la congeladora por motivos “x”, hasta ahora!

Para entender el anime creo que se adelanta mucho a lo que vivimos hoy en día, me refiero a: realidades alternativas. La moda de paradojas temporales o mundos virtuales esta de boga actualmente en el anime con series como “BokuDake”, “Re: Zero” o en el propio shojo con “Orange”. Además la idea de que todo sea un juego rpg es común en las visual novels japonesas. AngelBeats es un poco de todo y lo mejor, bien animada. Visualmente desde el opening ya te mete en la historia, junto que logra que la trama central se desarrolle de una manera más ágil de lo esperado.

Existe un factor importante en el anime que es ligar la religión con todo lo que está pasando en ese mundo ambientado en el típico instituto escolar japonés. La cuestión es si es sobrevivir (como todo juego) ante un villano que los quiere “desaparecer”. La figura Dios como ser omnipotente adquiere un concepto paralelo como programador de computadoras, mientras que el propio ángel resulta ser una inteligencia virtual cuyas armas son creadas por códigos. Al final el concepto informático de “bug” sirve como metáfora a todo aquello que se resiste a morir. Dentro de su propio universo en opinión personal es muy meta referencial, además de meta Teológica en la necesidad de entender a Dios y explicar su existencia. Ahora en un país donde la religión no es la católica el concepto de “no existe el cielo, ni el infierno sino la nada” se presta para entender que la verdadera psicología del anime era expiar la culpa de los personajes. Quizás peca un poco al poner en el mismo nivel la culpa de dejar morir a tu hermana con, por ejemplo, no atrapar una pelota en un partido de beisbol. Aunque el fin es el mismo y en esas despedidas con promesa de reencuentro esta la aspiración japonesa por la reencarnación.

A ese nivel el anime es una terapia en medio de la espectacularidad y la aventura grupal, en este aspecto después del primer episodio en adelante ninguno logra ser visualmente espectacular pero en cambio encontramos momentos con diálogos profundos y ágiles sumado a una dinámica bien lograda donde hay escenas que (casi) rozan el fanservice. El humor es otro asunto no tan difícil de descifrar, tan solo basta calificarlo como el típico humor japones de  instituto a veces mas random de lo necesario (aunque no tanto como las dos OVAS posteriores).

El final es una despedida triste, casi agridulce porque todos logran estar en paz consigo mismos. Mientras que la animación acierta en no dejarse llevar por el desborde del drama y la lágrima fácil como AnoHana sino sorprende con un giro final. Mas allá del primer capitulo (insisto) ninguno logra la espectacularidad visual salvo chispazos en escenas claves, y casi siempre es "tenshi" la elegida. Finalmente la cereza en el pastel es la música, su soundtrack es glorioso como pocos. Así que finalmente salde  mi deuda y de paso me la pase muy bien. 


Etiquetas: [accel world]  [anime]  [cine]  
Fecha Publicación: 2016-09-03T17:36:00.003-07:00
Si  hay algo no recomendable es ver una película resumen de todo un anime, ya me paso con Yokai no Kanata, y ahora me toca con Accel World, que los casi cuarenta minutos iniciales (de solo ochenta) fueron una confusión de secuencias tras secuencias partidas del anime de la serie. Ahora, me imagino que la película trata de condensar las situaciones más trascendentales del anime pero la narración usando una voz en off tan “explícitamente” torpe se me hizo tan pesado, que fue necesario un buen café cargado para resistir hasta el final. Recién ahí, llega INFINITE BURST con una historia ¿original?, corta y casi igual de pesada que la primera parte resumen. Para definirlo la película es un laberinto de escenas cargantes entre transformaciones con cierto parecido a lo que veriamos en un maho, un momento de espectacularidad visual y el desenlace se deja llevar por un conflicto existencial entre una villana que como su vida se jodio quiere que todos estén igual de jodidos. ACCEL WORLD es sci- fi donde por lo que entendí un rechoncho escolar típico buleado se convierte en héroe en un mundo virtual paralelo. El juego es parte de toda una guerra que dentro de su propio mundo forman una especie de clanes gobernados por un rey de un color (como su fueran las fichas de parchís), hablan acerca de niveles y la premisa más interesante es la forma de como usan la conexión real junto con esa cercanía a la realidad virtual, algo que con Pokemon Go cada vez vivimos más cerca. Por el tiempo no logra desarrollar algún personaje secundario interesante, mientras que para verme ese final mejor prefiero leerme una reseña. Por lo demás, queda como una mala película lo que no necesariamente implica a la serie de anime. Para cerrar, la autoestima del prota se nota que es alto porque solo así te pones un cerdo alado como avatar.

Etiquetas: [cine]  [hasta que la suegra nos separe]  
Fecha Publicación: 2016-08-31T18:17:00.001-07:00
Carlos Álvarez es un buen imitador, además del único sobreviviente junto a Jorge Benavides de programas de los ochenta de sábados por la noche como el recordado “Risas y Salsa”. Pero de ahí a confundir el humor nacional con una comedia de cine hay una buena diferencia. El elenco en si esta sacado de su propio programa, entonces adelantémonos que la “yunta” trabaja por hacerle el pare al señor y porque hoy en día el cine nacional está de moda, y cualquier hijo de vecina puede hacer una película. HASTA QUE LA SUEGRA NOS SEPARE, es una comedia torpe, hecha a paporreta, sin el mínimo esfuerzo, cuyo recurso cinematográfico se limita a ver travestido a Carlos Álvarez y a la comicidad del mismo. Como si con sus imitaciones nos cansaramos de verlo vestido de mujer (Bartola, Michelle Bachelet). Entonces lo demás viene metido con cierta pizca de humor nacional, un par de gags cómicos básicos que venimos arrastrando desde los tiempos del chavo del ocho que criollisamos en nuestra televisión nacional y el chiste de doble sentido vulgar. No pensemos que encontraremos el mínimo de respeto como espectador, sino más bien tápense los oídos porque esta película no solo se ve mal, sino se escucha peor. Tan malo es el montaje post producción que películas de Tondero ("Locos de Amor") de este año son próximas nominadas al Oscar en comparación. Como película seria buen sketch (largo) de “El especial del Humor”, de ahí no pasa.

  
Etiquetas: [cine]  [miedo profundo]  
Fecha Publicación: 2016-08-30T12:40:00.003-07:00
[Spoilers en bikini "sexy"]En tiempos de SHARKNADO llega una película que no se centra en inverosímiles torbellinos que esparcen tiburones digitales, sino que se basa en un elemental uso del cine de sobrevivencia. Ese que depende del factor sorpresa y cuyo suspense esta en ver peligrar la vida de los protagonistas en medio de situaciones extremas. Ahora ¿Es la nueva "Tiburon"?... Para nada, pero como cine de entretenimiento pasable la pelicula se deja disfrutar. La premisa de "Miedo Profundo" (Joume Collet- Sierra 2016) es básica - chica rubia extranjera que llega a una playa desconocida para surfear y termina atacada por un tiburón - por eso no necesita mayor giro argumental y todo depende del propio tiempo de la película, cuyo metraje acertadamente no llega a los 90 minutos. En Miedo Profundo la verdadera sorpresa nunca llega del todo, más que nada, porque se limita a una serie de efectos moderados, y por supuesto, un desenlace predecible. Lo que si se muestra es el mar en toda su naturaleza posible, aunque lo que realmente importa es esa brecha que existe entre un pedazo de roca, que se va hundiendo por la marea, y la tierra firme de la playa. Entonces entendemos que la mayor dificultad de la película es acercar al espectador a las imposibilidades de la protagonista que no puede correr por obvias razones, ni nadar porque un tiburón la rodea. La película en si es todo ella, desde el momento en que entra al mar en un wepsu que no le termina de cerrar el busto (ojito al fanservice), el medio drama familiar para compensar y toda la parafernalia de supervivencia ante un monstruo marino. A pesar de ser una película efectiva, logra escalonar bien las pautas de género. Propicia una relación con el medio ambiente aceptable, mientras que las tomas bajo agua es lo más rescatable. La película procura llenar de elementos de auxilio como la tabla de surf, una boya que aparece flotando sospechosamente o una ballena a medio morir; quizás el vínculo externo que existe entre la carrera profesional de la protagonista es lo  más truño pero se necesita justificar de alguna forma que todo el daño físico que sufre la protagonista pueda ser contrarrestado, para que simplemente no muera de una hemorragia. Aquí el chiste es ver si logra salvarse del tiburón, y todo el instinto natural de sobrevivencia. Lo mismo pasa que, a falta de personajes secundarios, la mayoría de intervenciones solo sirven para terminar asesinados por el tiburón. Un acierto en este aspecto es que se optó por no ser más gore de lo necesario, sino limitarse a recrear una cierta tensión y que sea la sangre en el mar la que termine graficando la violencia. Otro asunto es el uso de los medios de comunicación tecnológicos como una cámara de celular para que la protagonista interactúe con su familia y explicar porque está ahí, o la cámara de video para grabar una “conmovedora” despedida. MIEDO PROFUNDO carece de un desenlace sorpréndete, sino más bien se inclina por una confrontación como último acto que simplifica toda la película. Y que hace ver a una rubia con cuerpo de modelo como una autentica heroína a prueba de tiburones. Para terminar que es más raro, ¿Encontrar un tiburón o un borracho en una playa desconocida?.

Nancy (Blake Levely) viaja a Brasil después de la reciente muerte de su madre. Decide visitar una playa conocida por poca gente y de la cual no le quieren decir el nombre. Cuando se aventura a la visita un desconocido la lleva y se encuentra con otro par de surfistas. Desoues de una sencilla platica donde se le hace dificil comprender el portugues Nancy se queda sola. Hasta que encuentra una ballena con una herida mortal y se da cuenta que un tiburon se encuentra acechandola y su unica salvacion sera un roca en medio del  mar.
Etiquetas: [chicas]  [fotogaleria]  [julieta rodriguez]  
Fecha Publicación: 2016-08-29T15:37:00.000-07:00

Veinteañera señorita gaucha que aterrizo por nuestras tierras hace un par de años. Sin saber como, pero entendiendo porque razones, comenzo a robar pantalla en la tv nacional que la cobijo como una chica realitie las cuales, sin ellas, esta sección no seria igual. Del semillero, formo parte de todos los programas del genero, mientras que nos agraciaba con distintas sesiones de fotos en revistas locales (y por supuesto escándalos mediáticos). Obra y gracia de la revista Soho, ha hecho su respectivo "desnudo artístico" del cual generosamente comparto el video. En fin, que vengan mas argentinas como ella.



















Etiquetas: [capitulo 52]  [Manga]  [reseña]  [Sukitte Ii Na Yo]  
Fecha Publicación: 2016-08-27T16:48:00.000-07:00
Aunque el tiempo de publicación del manga sigue igual de difícil esta vez se trata de un capítulo de transición de los personajes centrales de la historia. Nos encontramos en una situación más ligera a partir del último arco importante, y vamos conociendo como cada uno trata de abrirse camino en su nueva etapa profesional. La mayoría de shojosen este punto ya son aviso de que las tramas se van cerrando, el camino de Sukki te i na yo quiere ir un poco más despacio dejando huella por encima del romance de Tachibana y Yamato, y todo el culebrón vivido anteriormente. Por eso quizás ver compartir un momento en unas vacaciones de verano pueda significar algo más con cara al futuro. Y sobre todo si la propia Tachibana es quien invita al novio (como has cambiado pelona). Otro caso parecido es los avatares por lo que pasa la carrera artística de Megumi, suponiendo que el resto se encuentre encerrado en sus propia metas lo de la chica es cada vez porque está fuera de Japón y tiene que encontrarse con una serie de imposibilidades físicas. Pareciera que la más grande lucha que tiene es sacar el estigma de chica asiática de todas las agencias de modelos francesas que a saco estereotipan y ponen como pretexto el no contratarla. Ya vivimos un poco de la rebeldía de la chica en el capítulo anterior (SUKITE Ii NA YO CAPITLO 51 – CRITICA. Los asuntos amorosos andan en automatico), lo que pasa en este es frustración cien por ciento con ese intento de cortarse el cabello solo para que se fijen en ella. En qué grado de desesperación debe estar. Y se entiende, porque regresar seria sinónimo de fracaso. La mangaka resuelve la situación haciéndole un guiño a un nuevo romance con un fotógrafo freelance, claro que eso no significa nada sobre todo si Kai ya empieza atocigarse de Rin ¿O no?. En fin, por los demás Asami es la que la tiene más clara; si Mei quiere ser profesora, ella también.

Etiquetas: [cine]  [sebastian]  [videofilia]  
Fecha Publicación: 2016-08-24T10:03:00.002-07:00
[Spoilers videofilicos] Al  igual que “SEBASTIAN”, esta película independiente viene precedida de logros importantes en distintos festivales y su último galardón se lo llevó en el festival de Lima de este año como “Mejor película independiente”. Claro que cuando hablamos de cine independiente, escaso y poco exhibido por estar tierras, el resultado puede ser igual de poco prometedor que ese nuevo cine peruano de películas comerciales post “Asu Mare”. Independientemente de lo independiente que sea, y es, la película narra una vivencia extraña de dos personajes centrales llamado Luz (Muki Sabogal) y Junior. El comienzo indica una atmósfera plagada de una serie de collage cybernetico, como auto presentación de un “virus virtual” que poco a poco se hace más bizarro y cuyos resultados finales no quedan del todo claros. ¿Fue entonces una necesidad imperiosa ver “VIDEOFILIA”?

Para entender mejor el mensaje de la película, y por consecuencia la respuesta a la pregunta, tratemos de comprender el perfil de los protagonistas en “VIDEOFILIA”. Si bien es cierto la parafilia, como tal, es la línea argumental de la cinta, de lo que más rasca es en presentarnos personajes trastornados, adictos a su propia sexualidad. La protagonista es una adolescente recién salida del colegio, que encuentra una pareja en la red y comienzan hacer video chats con contenido pornográfico. Mientras que descubrimos al protagonista adicto a la pornografía, asfixiado por las profecías y un idealismo totalmente friki por convertirse en un pornógrafo de videos caseros. Entonces, el retrato de personajes es local tanto como los sitios de la urbe limeña que se visitan, desde hoteles baratos, "lan centers", las huacas y el centro comercial "Arenales". Y aclaremos que ninguno de ellos dos anda en una búsqueda de identidad.

La película narra a través de las experiencias situaciones que se presentan incomodas para el espectador. Son en ese caso, todas las interrelaciones de Luz desde como se conoce con la amiga, el sketch del amigo de la amiga y el propio Junior la droga que incentiva su lujuria visual a tal punto que ella se esclaviza en una situación morbosa que graba y luego cuelga en la red. Entonces desde ese aspecto entendemos que el director pretende contar una historia donde su protagonista central se "pixelee" metafóricamente.


Lo que vemos trascurrir ahonda en la piratería y en la comercialización de la pornografía tal y como la vemos en cualquier av. limeña que anuncie “VIDEOS DE ALQUILER” y de lo que, todos sabemos, se esconde ahí. Es esas grabaciones a las faldas de las escolares el punto crítico de lo que se encuentra plagado en la web, mientras que curiosamente la crítica a la propia industria y comercialización se da en un local de venta de DVD pornográficos, cuya sabiduría del dueño es más que pragmática. Esa revolución digital, cuyo pretexto es la videofilia que se usa como tema, es realmente simplificada en aquel dialogo en donde el protagonista asegura que "..ya nada es como antes y que ahora todo es más fácil de encontrar...". Y a la vez termina sosegando, como revolución, una escena de sexo grabada con consentimiento en un cuartucho cualquiera, y finalmente tratada de ser comercializada.

Tanto él como ella, terminan siendo víctimas de una realidad virtual que los obliga a experimentar nuevas sensaciones reales. Esa vehemencia por experimentar una nueva droga o ese nerviosismo pajero por tener relaciones sexuales son dos ámbitos de una juventud entre comillas que vive encerrada en su ordenador y que duerme poco como se indica en la misma película. Lamentablemente los escenarios virtuales de la película tratan de satanizar escenarios reales de la comunidad “gamer” u “otaku”. Quizás ese es el punto más flaco de la película, que no logra desarrollarse desde el ámbito de personajes normales sino que fuerza una fiesta “cosplay”como un bacanal de droga y alcohol (a los cuales yo nunca he sido invitado).

Otro tema importante es el tiempo en la propia película cuya escena se autolimita a un "selfie" macabro como advertencia, y sugerencia de estos tiempos modernos donde mandar simples mensajes de texto queda tan obsoleto frente al "whatssapp". Comprobando que ese universo virtual que plantea es subversivo y violenta. En donde el medio de comunicación ávido de información, en tiempo real, ¿sigue siendo la televisión?. No solo eso sino que el desarrollo sugiere que todo aquello que se ve por una pantalla genera videofilia. ¿Sera cierto esto?.


Lo más raro es que la película logra ser entendible en cuanto a diálogos y escenas, a pesar de que se notan improvisados ante las cámaras, pero es cuando llagamos al factor técnico en el cual descubrimos una serie de artificios probablemente poco efectistas. Es cuando realmente descubrimos que proviene del mundo “indie”, y a la vez de bajo presupuesto, por encontramos una serie de distorsiones virtuales que pixelean, literalmente, la imagen de la película. Solo es compresible que lo hecho adrede tenga una proyección más significante en resaltar los momentos alucinógenos, y de paso censura psicodelica, de la película, no solo eso, sino que en un intento de salirse del molde todo se vuelve como un enorme mosaico de elementos virtuales conocidos; donde el “gif” porno y los mensajes de sistemas de computadora antiguos es lo que más resalta. Otro caso es el efecto de “velar” el rollo para imprimir una tónica de un color fuerte o por último el montaje con pedazos de videos relativamente locales donde se critica el sistema político (teledirigido únicamente al fujimontesinismo) y la telebasura, junto con una intervención de “Anonymus” como punto de apoyo. Todos quedan como intentos aleatorios que terminan ensuciando la película. Y lamentablemente es así como termina.    

En conclusión, podría usar un símil paralelo entre esa porno mal grabada y la propia película. Es entonces, VIDEOFILIA (y otros síndromes virales), una película independiente pensada hace años, mal grabada y pixealeada a proposito como recurso independiente; cuyo logro meritorio es poner en primer plano los testículos masculinos del protagonista,, mientras que al finalizar la proyección los diecisiete gatos (incluyéndome) que la vimos, terminamos igual de perdidos que la propia protagonista,y sin necesidad de drogas y alcohol. 
Etiquetas: [segunda temporada]  [series]  [unreal]  
Fecha Publicación: 2016-08-22T10:32:00.003-07:00
Es tan despreciable todo lo que pasa dentro del realitie “metatelevisivo” de la serie "Everlasting," que encuentras necesario ese momento de felicidad final, y real, para balancear un poco toda la manipulación que se cuece dentro. En ese sentido, el final de la segunda temporada, termina siendo una cachetada para su “showrunner” que ha seguido ventilando el concepto más morboso de la televisión americana. Si bien es cierto todo lo que pasa dentro del realitie y lo manipulables que son sus concursantes (y sus propios productores) es lo más interesante de la serie, el aspecto políticamente incorrecto que te muestra puede llegar a ser igual de conmovedor o “asqueroso” como parodia de la sociedad yanqui. Como la lucha entre el poder femenino creativo contra el monopolio de las cadenas y los hombres que las gobiernan. Otro caso parecido es el del retrato negro dentro de la televisión americana, y esa necesidad de salvar tu imagen de los medios de comunicación. El que todas las mujeres de un realitie sean “etiquetas” estereotipadas o que un hombre negro no puede escoger una mujer de su misma raza. Esconder un intento de violación solo por el prestigio del programa. O por último la obsesión por el trabajo de sus protagonistas junto con esa parodia de telenovela de líos amorosos que guarda la serie, la hacen imprescindible, como ficción y “buena” televisión.

El factor del corazón de Unreal a veces mueve más de lo necesario, es cierto que la cadena cuyo target es el de las señoras hace que esto sea algo implícito en sus giros argumentales. Lo mismo pasa en tener la sensación de que todo el pozo argumental, será siempre, impactos dramáticos de alto vuelo. Esta temporada en ambas situaciones se corrió por recrear un laberinto emocional de posesión entre las dos reinas madres del show ficticio, en algo que fácilmente podría tergiversarse por sentimientos más oscuros de lo aparente. Ese amor del que se nutren tanto Rachel como Quein y que sobrepasa a los machos alfa, que como objetivo principal está el de la posesión (física), logra en esta temporada asentarse como la mayor dinámica seriefila actual. Entonces ¿No es raro, y a la vez contradictorio, que en busca de ser una ficción que eleve el papel de la mujer, todas los personajes desde los centrales hasta el grupo de participantes del show se dejen llevar por los sentimientos del corazón?... Ese el clavo suelto que todavía no logra encajar la serie, la solución final, como cierre de temporada, no será otra cosa que una demostración “in extremist” de lo “locamente enamorado” que esta Jeremy y lo que esa familia (del mal) puede llegar hacer, con tal de salvar a su hijo demoniaco llamado “Everlasting”.  
Etiquetas: [anime]  [cine]  [harmony]  
Fecha Publicación: 2016-08-19T17:43:00.000-07:00


En   algún momento mientras veía esta película, vino a mi memoria “Ghost in the Shell Arise”, que es lo único que he visto (y veré) de la popular serie anime ochentera. Tenemos un personaje central femenino, una trama del tipo thriller trillada, clarísimamente sci- fi y un final totalmente confuso. “HARMONY” ha sido todo esto, en casi dos horas, salvo un detalle que me parece el mayor aporte  de la película: la relación lésbica de la protagonista.

Antes de llegar a ese punto, la película usa una presentación en lenguaje hipertexto (html) que me hizo recordar la carrera técnica que estudie. Otro detalle es que las grabaciones en ese escenario abstracto forman una especie de diario virtual, que finalmente quedan como eso, “un detalle”, aunque es mas que clara ese homenaje a la evolución humana de "2001". La película después procura narrar usando la voz en “off” de la protagonista y recursivos flashbacks, el recurso tanto en la animación como en la narración se acompaña mejor que el resto de la película en tiempo presente. Me falla demasiado los escenarios, que a punta de animación por computadora, son y se ven fuera de lugar y demasiado superficiales.

Hasta este punto la película es bastante irregular, el diseño de personajes no es para hacer fiesta, mientras si hubo algo que me llamo la atención es la concepción de la ciudad hyper moderna que vemos. Y sobre todo el color, que es tan rosa que espanta. Lo demás es más minimalista de lo aparente. El meollo del asunto llega en la escena clave de la película, no es una película a nivel exterior súper elaborada sino más bien es la clásica película centrada en dos personajes, quizás por eso lo peor es el thriller mismo.


La escena clave parte en romper la tensión a base de la sorpresa del espectador. Los previos se acompañan por una gran dirección de cámaras que marca el ritmo hasta llegar a un silencio. Después todo se vuelve sangriento, es contradictorio, pero la escena queda tan impactante como impecable. A partir de este hecho llega a desenvolverse la película en sí misma, y la tecnología se vuelve un arma en contra de la humanidad. Es un clarísimo mensaje al streaming y la comunicación actual. Para después, completar la información de la escena en forma de sueño onírico que la propia protagonista experimenta. 

Después HARMONY se vuelve un thriller fallido, soso de ver, que desespera. Encuentra un pozo dramático con el padre, comienzan a darse las pistas finales, y todo termina medio entendiéndose entre diálogos con cierta carga de “conciencia”. La película es muy tópica en ese sentido, procura que todo el resto se entienda a golpe de efecto. Usa es fetiche del sci- fi de la juventud eterna y la cura de las enfermedades para justificar el cliché de las sociedades secretas y la conspiración. Nos mete de por medio ciertas reflexiones sobre la guerra y la religión, con referencias reales. En fin, así llegamos al desenlace y a la confesión de amor.



Hasta ese momento la película ha sido un jueguecillo yuri de lo más sugerente. Dentro de ese trió fetiche, obra y gracia del fanservice, vestidas de pantis negras y mini faldas encontramos lo más interesante de la cinta. La relación amical, la forma en como se toquetean, se sonrojan, se incitan a sí mismas. Quizás este divagando, (o sea mi mente enferma), pero la sugerencia del sexo en una de las escenas es más clara que el agua. Por eso la película hace bien en presentarnos personajes femeninos, porque solo desde ese aspecto podríamos entender este nivel de relación. No solo eso, sino que el sentimentalismo en las dos escenas claves (spoiler el suicidio de la amiga y el final) están a flor de piel. El sci- fi que se vaya a la mierda (junto con todas las elucubraciones finales), aquí lo importante es la confesión, los crímenes de guerra, la degeneración humana, la crueldad del hombre, la violación, los sentimientos de culpa, el abrazo, y finalmente la declaración de amor… ¡Viva el Yuri!.
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Fecha Publicación: 2016-08-16T13:34:00.001-07:00
Se  estrena “El niño y la bestia” asi que decidí calentar los motores repasando la filmografía previa de Mamoru Hosoda. Así que di un salto… a mi computadora y probarme a mí mismo si mi indiferencia es una cuestión generacional o del hater que todos llevamos dentro y de vez en cuando me gana. Anteriormente cuando comente Ōkami Kodomo no Ame to Yuki deje la sensación de estar viendo una narración cursi y con una moraleja de respeto a la naturaleza, ahora con este par de películas compruebo que Mamoru Hosoda peca de chantajista y de romántico consigo mismo. A la fuerza quiere vendernos personajes entrañables, que dentro de su universo, ya sea de instituto o de villa campesina, sus personajes deambulen en el limbo del shojo más rosa y de la historia de autor. Pero todas comparten una linealidad ligera, solo comparable con su diseño auto calcado. Los cuadros generales redundan en un solo tema, que más a fin de lo que pensamos, en ese universo tripartita de niños lobos, chicas que saltan el tiempo y guerras virtuales pueden arrancar más de una lagrimilla, pero que si no te gusta simplemente quedaras como un insensible. En mi defensa, y espero la de muchos, de un punto de vista discrepante con el cine de Hayao Miyasaki (a todas luces referente de Hosoda) no es suficiente con una fábula bien animada o en su defecto personajes entrañables (alguien dijo estudio ghibli), la identidad del cine de animación debería estar menos cargada de sentimentalismo  por un efectismo, en todo el sentido del término, de equilibrio técnico y narrativo. En ese sentido, ambas películas tienen lo primero pero les falta lo segundo, que junto con la mencionada Ōkami Kodomo no Ame to Yuki, me dejan la sensación, otra vez, de sobrevaloradas, más lineales que un capítulo del chavo del ocho y terminan colaborando menos que valores contemporáneos, y consagrados, como el cine de Makoto Shinkai. Lo siento Mamoru Hosoda no eres tú, soy yo…

TOKI WA KAKERU SHOUJO o “La chica que saltaba en el tiempo”, es una colaboración extraña entre viajes temporales y una madurez personal. El mensaje final, previo causa/efecto, es una irregular crítica a la forma de vida japonesa. La película logra que tanto la premisa como la presentación de personajes sean lo más corta posible. Lo diálogos son ligeros. Y al aire existe una tensión amical no resuelta más importante de lo que parece. Mientras que debemos forzar las risas en todas las caídas y/o tropezones de la protagonista a la hora de saltar en el tiempo, algo que es un recurso muy repetitivo en las películas del director y que podríamos comparar a lo “Kawai” de sus personajes.

Porque “saltar” es una acción más que una simple metáfora, lo que hace que la película tenga más valor, lo acepto y me gusta. Es un acierto que en buena parte de la película lo que vemos es a la protagonista disfrutando de su poder. Repitiendo todo aquello que le gusta o evitando que le pasen cosas desagradables. Pero es esa sempiterna moraleja que todo lo que cambies tendrá peores consecuencias, entonces el giro se hace largo y predecible. 

Lo interesante de la película es la forma en como la chica se va frustrando por no poder evitar una “simple” declaración de amor. Mientras que fuerza otra misma situación que termina desencadenando un desenlace trágico. Lo que se entiende es que la protagonista termina siendo un personaje que no quiere enamorarse, ahí es cuando aparece el shojo y todo pasa a un plano más sentimental.

En TOKI WA KAKERU SHOUJO todo es un salto… de tiburón, el desenlace es un deux es machina donde uno de los personajes termina resolviéndolo todo a golpe de efecto. Un último salto hará posible evitar la muerte de un par de personajes, a la vez la chica podrá saltar por última vez para que se dé la despedida. Bluff, bluff, bluff.

La moraleja escondida es una añoranza por un cuadro, el meollo del asunto es que el viajero del tiempo termina enamorándose. Y al final todo termina en una situación tan japonesa, como frustrante. Final al aire, final decepcionante.



Ahora con SUMMER WARS me termino cansando. Raro y contradictorio conmigo mismo porque reconozco que debe ser la película mas entretenida del director. Busca dentro de un universo virtual encontrar un paralelismo a la historia japonesa. Plantea una forma de slice of life, que  no incomoda, ni tampoco peca de cursi como la de los lobos. Mientras que todo el ritmo de la película esta escalonada cada treinta que al final todo se resume en una lucha contra el cronometro.

No es una genialidad de argumento. Al contrario, la forma en como retrata el "clan familiar" es sobresaliente. La situación inicial, otra vez, parte de una premisa displicente, casi forzada. Pero esa mentalidad de trabajo en equipo la convierte en una moraleja tan japonesa como envidiable. Se nota la fortaleza mental de la mujer femenina que el directo quiere vender en la historia. Mientras que los personajes masculinos son carne de cañón de sus propios impulsos. En una película muy femenina tanto por el respeto a los viejos como la superación de los jóvenes. Y es que SUMMER WARS solo funciona dentro de una civilización muy avanzada por el tema de la inteligencia artificial, mientras que esa "comunidad virtual" queda tan distante como envidiable en una época actual donde la tecnología cada vez nos separa  mas. 
Etiquetas: [cuarta temporada]  [Devious Maids]  [series]  
Fecha Publicación: 2016-08-13T16:33:00.001-07:00
Es   cierto, tan cierto, como que en esta serie nunca dejara de explotarse el factor sexo como modus operandi. Las divergencias de esta temporada, cuarta ya, de una serie que en su principio parodiaba, entre otras cosas, los azares de cuatro sirvientas latinas ha procurado mostrar algo más que el simple chiste racista del que tanto ha colgado. En Marisol, la que a priori es la madura del grupo, se ha tratado de tocar el mensaje de una mujer en un mundo de hombres. Por supuesto bebiendo de resultados menos escandalizadores como en el caso de la serie que una hora después se trasmite por el mismo canal, UnReal. En cambio siempre tendremos que conformarnos en que la trama termine desencantándose por el hecho amoroso, y en el cliché culebronesco, donde cama de por medio, harán que vuelva (¿otra vez?) a acostarse con su ex. Y porque no mencionar, muy superficialmente, el tema de las violaciones en la farándula americana. De las demás poco podemos hablar. Zoila implanta una culpa en Genevieve, que hace que se separe de su patrona por la pérdida del hijo del final de temporada anterior. Ha sido gracioso ver en Genevieve esa difícil tarea que representa la busqueda de un amigo sustituto a tiempo completo. Para una mujer frívola, maniquí anoréxico, papel que no se canse de representar. Zoila en cambio ha tenido un momento de superficialidad poco creíble, junto con un enredo con el vecino millonario, donde lo que mas resalto fue esa tension esporadica con Adrian. Y por supuesto ese reflejo, y chiste cansino, de que los patrones no siempre recuerdan a las sirvientas, porque todos los mexicanos son iguales. En fin, Carmen en una crisis de edad, nos enteramos que es madre de una adolescente con los mismos sueños de cantante, no había que ser adivino para ir previniendo el desenlace de dicha relación. Mientras que la susodicha Daniela es otra latina, tan, o mas sobresexuada que la madre. No podría ser Davious Maids sin un asesinato, esta vez, pensando en la audiencia, la elegida fue Peri. Mala esposa, mala madre, mala patrona, mala actriz… que la trama central haya desembocado en una secta es otra farsa tan meritoria como que Zoila se acueste con un sexi boy blanco con complejo de Edipo. En fin siempre seguirán siendo los Powell, aquel matrimonio que me encanta, y nunca dejare de seguir, los que lleven las riendas de esta serie. Lo más raro es que al igual que las sirvientas, en los patrones las crisis maritales terminan resolviéndose en un arranque de ira sexual. Asi pues, mientras los Powell sigan siendo tan divertidos, a mí que me importa el resto de la serie.  

Etiquetas: [batman]  [comic]  [peru21]  
Fecha Publicación: 2016-08-11T17:20:00.000-07:00
Ya  se me había olvidado que en la cabecera del blog dice que aquí se hablaba de comic americano así que en una tarea algo fácil gracias a las publicaciones de peru21 me puse con el superhéroe primigenio y porque no mi favorito, BATMAN, “El tribunal de lo búhos” constaron de siete entregas clásicas de grapas y en un papel couche que los del periódico, a pesar de que desde hace mucho el precio ha subido, todavía siguen respetando la calidad desde aquella  primera publicación de "Spider- man regreso a casa" que por ese entonces llena de mucha publicidad de golosinas (por lo que costaba la mitad) nunca llegue a terminar. En fin, el comic en cuestión, es una historia relativamente fácil de entender, plantea la situación favorita de Batman en la cual tendrá que verse metido en un misterio sobre un asesinato sospechoso, recordando que antes que superhéroe es “el detective del comic”. Lo trepidante del comic es la forma en como la historia desencaja o busca desencajar al protagonista, teniendo como referencia al pasado y poniendo en primer plano a ciudad gótica vemos metido al inicio una lucha política de la cual el alter ego tiene que tomar parte recordándonos  que él (Bruce Wayne) es un ciudadano ilustre y con poder, muy a parte de sus labores nocturnas que pocos conocen. El retrato de “ciudad gótica” es el adecuado, no tan cargado como muchos piensan debido a lo estigmatizado que nos dejó la saga de Cristopher Nolan más bien lo “interesante” es que en todo sentido se busca crear una sombra oculta bajo la fachada de un mito o leyenda urbana de la cual la familia Wayne está relacionada. El escepticismo de Batman y esa lucha casi mortal con un villano que irónicamente pareciera “inmortal” llevan a un punto mucho más psicológico, que en mi ignorancia sobre el comic no sé si ya antes se abra repetido, la historia pone al héroe en un “laberinto” (literal) de emociones dignas de cualquier plan maquiavélico del Joker solo que en este caso estamos ante una secta que se hace llamar el tribunal de los búhos y que quiere recuperar el control de la ciudad. Es cuando la frase de que el búho es el cazador del murciélago se hace más metafórica que nunca.

La entrega de peru21 no solo se limita al comic sino que busca guiar con diferentes puntos de vista sobre lo que estamos leyendo, las referencia al universo del superhéroe se agradecen así como también el meternos en lo que es una nueva era en los comics de la DC llamada New 52. De aquí el trabajo de los señores Capullo y Snyder se presenta agradable, mejor maquetado y con el texto justo. Los globos no se ensucian con la imagen ni tampoco incomoda a las viñetas. Es una historia planteada para presentar ciertos detalles como la súper tecnología de Batman y sobre todo para humanizar al personaje, algo que en los superhéroes siempre se reclama. Hay un asunto sobre la lucha interna que en el comic termina cerrándose, junto con cierto descubrimiento con su primer pupilo Dick Greyson donde se presenta esepaternalismo que siempre confunde debido a que en las películas siempre se ha tergiversado (y que decir de la serie de los sesenta). Finalmente el comic cierra con un cliffhanger abierto, algo que seguramente será motivo para seguir leyendo y comentar más adelante.
Etiquetas: [hiroya oku]  [inuyashiki]  [Kei Kishimoto Gantz]  [Manga]  
Fecha Publicación: 2016-08-08T12:57:00.000-07:00
Conocido mundialmente por Gantz Hiroya Oku ha desarrollado una personalidad propia en sus trabajos llenándolos de situaciones típicas del juego de rol en un mundo cyber punk bien definido; ahora Inuyashiki, el trabajo más reciente del mangaka actualmente en publicación quincenal, para definirlo sería como un remanente más lineal de manga anterior, incluso hay una autoreferencia propia donde dos personajes discuten sobre la trascendencia de Gantz situándonos en un plano donde la violencia es puesta como pretexto para justificar, primero, el entretenimiento y segundo, golpear directamente la historia del manga en cuestión ya que Inuyashiki en sus primeros tomos es una lucha entre el bien y el mal regularmente definida. A diferencia de un complejo universo donde una esfera negra era el elemento inquietante de la serie Gantz esta vez opta por una historia muy causa- efecto  delineando dos personajes muy contrapuestos, para el mangaka el factor edad determina las ambiciones de cada personaje central, además de que acompaña al “villano” de una especie de conciencia amical que recuerda, y a la vez cansa, como en su momento le paso con la relación  Kurono- Kato. Y no deja esa filosofia de las segundas oportunidades y el cambio de vida. Realmente el trabajo a nivel guion no llega a un nivel sorprendente sino más bien se deja llevar por las situaciones de buscar empatía en un viejo acabado por el trabajo y la familia, un típico salariman japonés; mientras que la sociedad que lo rodea está llena de violencia juvenil, insistiendo otra vez en el tema del bullying escolar o de las pandillas callejeras. La acción de su manga es a golpe de efecto conociendo bien que el tipo no tiene escrúpulos en matar así sean pequeños inocentes. Otro cliché es que su historia trata de ser pausada dejando el misterio central de un lado, a ese nivel nos presenta un trabajo menos potente sino más bien opta por recrear situaciones donde sea la impresión del dibujo el factor central. Aquí prefiere llenar al propio cuerpo como una arma de destrucción masiva cual “Terminator”, resulta a veces simpática la inventiva pero el trazo en general está perdido por viñetas completas de una página donde lo que más resalta es el negro pasado por la computadora dejándose ver más como un fotograma en negativo. Sigue usando al perro como mascota favorita mientras lo que curiosamente evita es la figura femenina dejándonos claro que si bien es cierto la voluptuosidad de sus chicas es más que admirada nunca ha podido escribir un personaje femenino interesante (Kishimoto en mallas negras era más fanservice que otra cosa). En fin hasta la fecha llevo dos tomos del manga, no soy fanático del mangaka a pesar de haber leído un par de trabajos previos como la antológica yuri “HEN” o  la comedia milf “KIMOSHI” dejando a Gantz como un mito que siempre me ha inquietado por el factor de morir dos veces, Inuyashiki por lo que he leído está en el limbo de ser una historia original o de simplemente ser otra marcianada mas para los fanaticos del mangaka.

Y a todo esto, ¿de qué miércoles va “Inuyashiki”?. Pues resulta que el protagonista de esta historia, cuyo nombre da el título al manga, es una persona de edad madura que se ve mayor físicamente. No solo son los dolores de cadera sino que al pobre hombre le llueve sobre mojado cuando le detectan una enfermedad terminal. Como ve que su vida es una mierda, y sus hijos lo hacen más mierda, decide adoptar un perro como para que haya alguien quien le ladre en casa (mal chiste, lo sé). En uno de esos paseos nocturnos con el perro, tiene un momento de depresión absoluta, y es cuando, junto a un joven desconocido, un meteorito le cae encima dejándolo feo para la foto. Entonces desde el espacio exterior, lo que suponemos será presencia alienígena, detectan la perdida de “seres superiores” así que deciden reconstruir el cuerpo superficialmente. Cuando lo descubre, Inuyashiki, tendrá una segunda oportunidad para cambiar su vida, mientras que sospechosamente “alguien” esta asesinando familias enteras.
Etiquetas: [anime]  [kizumonogatari]  [monogatari series]  
Fecha Publicación: 2016-08-04T19:07:00.000-07:00
Se puede definir a KIZUMONOGATARI como una película cien por ciento efectiva, si ya el estudio Shaft ha logrado diferenciar todas la secuelas del anime por un estilo elegante lo que vemos en la película se lleva a otro nivel que a punta de animación por computadora quiere vislumbrar más que la iluminación de la película, cada encuadre está hecho para resaltar a niveles de melodías parsimoniosas cuyos movimientos a cámara lenta desesperan por momentos, mientras que por otro lado la dirección busca que la propia cámara logre un efecto de movimiento abrumador ya sea desde  planos generales tan característicos del anime. KIZUMONOGATARI no cuenta una historia sino más bien detalla todo lo contado anteriormente, es en conclusión fanservice hecho para el gif.

Es cierto que la emoción de tener al fin la película alegro a más de uno, que después de tener seis secuelas donde hemos visto de todo un poco desde las inmejorables BAKEMONO y second season, la pajerilla NISEMONO o las irregulares TSUKI y HANA hasta llegar a las más recientes  OWARI y la antológica KOYOMI. Entonces el lugar que reservamos para KIZUMONO, el origen de la leyenda como título propio alternativo, es más que nada nostálgico y porque no hasta innecesario. Todo lo que hemos visto en la película esta condensado en aquel falso tráiler que conserva el youtube, la diferencia es que en esta ocasión todo explota a niveles tan incandescentes como las llamas de Araragi y a la vez se hacen más estilizadas tanto como el calzón victoria secret de Hanekawa. El diseño de personajes es fastidioso desde el comienzo porque se apega más a mostrarnos a personajes hyper estilizados, recrea diálogos inconclusos, si bien es cierto las dos ultimas temporadas del anime se han moderado en la velocidad de los diálogos y en lo "random" que eran esta era una oportunidad para traerlos de vuelta, y pierde tiempo al inicio en una escena potente visualmente pero que también queda como un relleno de minutos. Y si hay algo que extrañas es el humor tan a cuenta gotas en la película.

A pesar de estos puntos toda lo relacionado al encuentro de Koyomi con Kiss Shot Acerola Orion Heart under blade (¿era necesario escribir el  nombre completo?) se me hizo glorioso comenzando por la situación previa donde el protagonista trata de huir de su propio pensamiento lascivo algo que demuestra que el buen Koyomi no es más que un pajerillo asolapado que compra revistas porno. Después se desenvuelve lo más metafórico de la película y es que ese camino manchado de sangre en la estación del tren bien puede representar la forma en cómo están ligados los dos, la escena pasa de un plano de terror a otro casi sexual dos aspectos muy particulares de las historias de vampiros. Y deja muy claro que el buen Koyomi nunca ha podido decirle ¡no! a una mujer.




Después sigue una serie de actos que comienzan a poner en situación al protagonista, un poco la forma en como se refleja su personalidad junto con una serie de presentaciones regulares donde Oshino Meme es el que más resalta. Hay una clave que me gusta de esta parte cuando Koyomi pareciera más perceptivo a todo lo relacionado con los seres sobrenaturales y porque se preocupa por recuperar su humanidad de aquí se hace necesaria la conversación previa con Hanekawa sobre el sentido de la amistad y esa necesidad de proteger a tus seres queridos, algo que a sido el leitmotiv de todas las monogataris series. Pero tambien es la parte mas flojo de la pelicula.

El problema de KIZUMONO es que al final queda la sensación de que has visto un capítulo de anime largo cuyo desenlace lo veras la  próxima semana. No es mala porque la serie es grandiosa pero quizás a estas alturas donde ya hemos visto tanto y sobre todo conocemos la historia desde la a hasta la z haya llegado demasiado tarde. 
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Fecha Publicación: 2016-08-03T13:07:00.001-07:00
La sensación final que deja la primera temporada de PREACHER es que ha sido una larga presentación de personajes, lo más inútil es que al final solo  nos quedamos con los tres centrales como trio freaki  que en forma de road movie tan usual en películas de la hyper violencia como características que Tarantino a remasticado hasta el cansancio van en busca de su redención. Basta suponer que el Dios perdido es una consigna que puede hacerse más larga de lo conveniente a la vez de llevar más desventuras a un show televisivo que arranco siendo un what the fuck y que termina siendo otro what the fuck cargándose a un pueblo a lo Sodoma y Gomorra, en donde hasta los mas “angelitos” pecan de ira (o no sheriff). Entonces solo queda entender la serie como lo que es una adaptación televisiva de un comic que por lo que sé se presta para la violencia más visceral, mientras los chispazos de humor negro metidos a saco con la religión y ese ímpetu de ser políticamente incorrecto terminaron surgiendo efecto para levantar el concepto del propio show. No se puede ser tan impío al no reconocerle a PREACHER que ha sabido jugar con el concepto de Dios y esas recriminaciones en que los católicos, protestantes o simplemente ateos guardamos dentro para un “ser” que no tiene rostro y que peor aun supuestamente nos terminara juzgando. Saber que el mismísimo Dios es capaz de perderse o de caer en el propio infierno suena a una ironía que hay que tomarla con más sentido de humor que sonrojarnos especialmente cuando hemos sido testigos de hechos mucho más lastimeros donde el puto amo del pueblo se carga a cuatro “feligreses” a punta de escopeta. En la serie todos son víctimas del propio espectáculo de la violencia como bien lo vemos en el picnic improvisado mientras quieren desalojar al predicador o ese dilema que surge a partir de  evitar manchar el carro con los sesos de un “judas”. Pero no ha habido escena más salvaje que la pelea en el motel donde el milagro de la resucitación se dio más de una vez y no precisamente por obra y gracia del espíritu santo. Entonces PREACHER se pinta a sí misma como una serie de entretenimiento adulto, siendo lo más pesado los vaivenes de fe del predicador y la cruz que carga en la conciencia por Eugene. Solo nos queda esperar la segunda temporada y mientras evitar cruzarnos con ese diablo pistolero.

  
Etiquetas: [asi nomas]  [cine]  
Fecha Publicación: 2016-08-02T10:28:00.000-07:00
Es fácil decir que debemos apoyar el cine nacional lo difícil es que el cine nacional nos apoye a nosotros. Imposible pedir que nos retribuya el gasto de la entrada que aparte de las golosinas que algunos evitamos consumir (no me digan tacaño)  quizás la verdadera perdida haya sido un instante de nuestro tiempo frente a una pantalla gigante  (más valioso para algunos que otros) total si el público peruano pareciera tener metido el humor a lo “pataclaun” donde pedorrearse es sinónimo de comedia entonces dejémoslo así nomás. Protagonizada por un trió de patazas que se desahuevan entre ellos (hasta para el manoseo), convirtiendo a la película es una vorágine de lisuras soltadas por voluntad propia debemos entender esto como la línea recursiva donde el hilo conductor de la historia prende del humor "chabacano" como bien se hace recordar en una de las escenas y finalmente lo que estamos viendo es todo una parodia casi reflexiva de lo que es el cine nacional de hoy por hoy: personajes autosuficientes + figuras mediáticas + nula interpretación + lisuras + humor popular.

Entonces esa fórmula de “x” + “y” termina en un resultado mediocre no solo por el sustento a dónde quieres llegar sino  más bien por lo limitado que te presentas en tus propios recursos cinematográficos usando referencias breves a nuestras ultimas joyas fílmicas ("Asu Mare", "El Wachiman") o usando metalenguaje al cine de terror siendo a este nivel pauperrima, es por eso que en el colectivo de los que están detrás de esto (que en su mayoría son los mismo que están delante de la película) fuerzan una serie de sketch de medio pelo donde la figura retorcida, otra vez, de esa herencia de chiste de doble sentido viperante de los comicos ambulantes mas las secuencias bizarras donde el travestismo de Oscar Lopez Ariasresulta entre lo jocoso y sobreexpuesto a nivel comedia terminan detonando las carcajadas del respetable… y de paso mi paciencia. No podía faltar las líneas sacadas de algún capítulo del chavo del ocho o las fallas técnicas a la hora del montaje y el sonido (cuando están viendo la escena de la ducha de psicosis). Al final “ASI NOMAS” es tan falso como la actuación y las extensiones de Sheyla Rojas.  
Etiquetas: [cine]  [el candidato]  [maligno]  
Fecha Publicación: 2016-07-26T18:11:00.003-07:00
Después del fenomeno “Asu Mare”se habló mucho de que el cine peruano debía aprovechar el éxito comercial como parte aguas para la producción en general en donde el coste/beneficio sea mejorar el cine local fuera del circulo vicioso de películas hechas para satisfacer el gusto promedio del espectador peruano, que no solo se limite a contar con figuras populares por encima de un trabajo más serio a nivel de guion y/o  de factura técnica (“Asu Mare 2”). Así mismo se separó mucho de que el cine que realizan las productoras como “Tondero” sean más directas a presentar películas con un trasfondo mucho más elaborado fuera de la comedia local (“Locos de Amor”) o de que aquellas que pagaran dichas películas no sean solo aves de paso o experimentos fallidos como “Perro Guardián”. Lo cierto es que el cine nacional ha evolucionado poco desde aquellas películas de los noventa que procuraban tocar (y de paso mostraban) películas con temas sexuales explícitos como gancho comercial sino que ahora se convierten en una especie de campo virgen en donde cualquier “chistoso” puede hacer su propia película o en donde el terror, como la propia comedia heredada de los tiempos de los cómicos ambulantes, prácticamente se prostituyen a un precio barato, sin el mínimo tapujo y dejándonos a más de uno en el limbo de que si el cine nacional se ha convertido en un cine de terror… pero por lo malo que es. 

“MALIGNO” el último estreno de terror del cine nacional. A veces no es suficiente tener un guion hecho, el manual falla cuando no muestra un soporte mejor elaborado. No basta con tener el presupuesto mínimo porque incluso en Hollywood el terror como género pasa por una crisis a pesar del coste de la película. Para que el terror funcione debe crear una atmósfera mucho más centrada en el ambiente en ese sentido Maligno solo se limitó a ambientar un hospital “frio y lúgubre”(mas por el presupuesto que por merito) como escenario virtual de los hechos que pueden pasar. La orfandad en el guion de la película se nota a los diez minutos cuando partes con hechos harto manoseados en la industria y que al final solo te limitas a presentar, por enésima vez, un “ente” como recurso efectista de terror. Los personajes centrales se quedan en esbozos, mientras que esa dualidad entre bien y mal apesta a copia de varias películas vistas en cartelera. Aquellos espantos digitales, silencios incómodos así como los sustos de improvisto acompañados de lo que se sugiere son solo acompañantes pero  no pueden ser lo único de la película para que se considere de terror. Convirtiendo el desenlace en predecible. Historias de fantasmas hay a montones porque el cine nacional de terror no se nutre más de las leyendas urbanas, de nuestra serranía o de la selva. ¿Por qué ese miedo?    



“EL CANDIDATO” solo funciona en los límites de la comedia de programas como “El especial del humor” o “Habla bien”, en ese sentido es más peruana que el ceviche. No solo eso sino que se hace una comedia casi radial en donde lo que más importo fue el nivel de improvisación con el que se notaba estaba montada. Se muestra como un “sketch”largo y aburrido en donde la comidilla política, caldo de cultivo de la comedia local, solo es un pretexto de imitaciones parsimoniosas, escenas mal habladas, personificaciones harto conocidas y una serie de metidas de pata que solo el espectador local mientras más sepa de lo que ahí se “parodia” podría entender. Es a partir de ahí que “los chistosos” (que funcionaron siempre mejor en la radio que la tv) nos venden una película barata que quizás solo se justifique como un sueño cumplido para ellos y por supuesto una ganancia extra porque esto no costo ni tres soles. ¿Lo mejor? Mónica Sánchez, la mujer va por los cincuenta pero conserva una figura envidiable.
Etiquetas: [anime]  [hatsukoi monster]  [temporada verano]  
Fecha Publicación: 2016-07-25T13:43:00.004-07:00
Un completo disparate creernos que ver a un trió de manganzones en pantalones cortos puede resultar, por lo menos, gracioso. El chiste de romance disparejo, a lo lovely complex, cuya talla real es proporcionalmente indirecta a la mentalidad del protagonista hace que esa dualidad de caracteres se presenten de una manera incomoda cuando me senté a ver los tres primeros capítulos de este anime. Porque me incomoda ver que el romance crezca entre juegos de "cachacos y ladrones", o que una simple herida en la larguirucha pierna del protagonista pueda ser objeto de tremendo alboroto; quizás la parte más “chistosa” sea ese triángulo amoroso indirecto entre el líder del grupo, cuya tamaño corresponde a la edad que tiene, o que la protagonista a veces muestra más síntomas de What the fuck con este chiquillo. El shonen Ai con esa camada de secundarios tanta veces vista en los yaoi de studio deen es una combinación que junto con ese romance bajo insinuación (a veces más directa de lo necesario) de chotakon vaya teledirigido exclusivamente a las fans del genero sin mas gracia que situaciones pésimamente llevadas, lastimosamente en su lugar deja la sensación de que el anime puede ser todo menos insultar nuestra inteligencia. O solo debemos conformarnos con verlos menearse y/o posando para gozo de las fujoshis?.

Etiquetas: [american horror story]  [chicas]  [emma roberts]  
Fecha Publicación: 2016-07-23T10:00:00.003-07:00
Etiquetas: [anime]  [bones]  [mob spycho 100]  [temporada verano]  
Fecha Publicación: 2016-07-22T14:15:00.000-07:00


Siempre hay un anime que lo sigues por el hype o porque simplemente el primer capítulo te convence para ver el segundo lo malo de estos animes es que o bien encuentra joyas de la animación del tipo Kekkai sensen o sencillamente  son fiascos cuando descubres que se limitan a dar vueltas en sí mismos y todo pareciera siempre presentación de personajes con el clásico principio-nudo-desenlace de capitulo episódico auto conclusivo; bien pues esa es la sensación que me deja Mob Psicho 100, que no niego la virtud de separarse del resto pero es que tampoco puedo ponerme la venda en los ojos y decir que estoy ante el anime de mi vida cuando esas gesticulaciones, la forma en como todo se vuelve tan loco con el efecto animación en licuadora donde pareciera que todo es movimiento puro incluyendo la misma comedia de pareja poli funcional ya la encuentro en animes del estilo Kill la Kill, donde la anti estilización era la novedad junto con el fanservice bueno pues este anime tiene lo primero pero lo segundo lo obvia para bien o para mal. La misma trama central de protagonista escolar a quien da ganas de gritarle ¡chibolo desahuevate pues! y con un secundario estafador/explotador no quita merito pero puede resultar cansino si no encuentran algo más sólido que el mismo chiste de “… has mi trabajo mientras yo me rasco los huevos porque eso es chistoso…” o quizás pretender algo mejor que la clásica comedia escolar donde el protagonista tiene problemas de socialización y es un completo loser. El apartado más sólido no está en la animación en general sino más bien en los momentos visuales (caracteristica muy de Bones) que como chispazos pretenden impresionar pero en conjunto es más promedio que prometedor o al menos esa es la sensación que me dejo. ¿Con solo dos capítulos que he visto le pediría algo? Umh… pues sí una trama interesante, por lo menos.


Etiquetas: [containment]  [series]  [the vampire diaries]  
Fecha Publicación: 2016-07-20T19:14:00.001-07:00
Rescatamos una serie que se vendió como evento en el canal CW y cuyas cifras nunca acompañaron a la productora de The vampires Diaries, en medio de una vorágine televisa donde el vórtice lo ocupa Juego de Tronos por derecho propio esta serie se debe perder, sin causar mayor desastre, en el olvido del año seriefilo. Pese a que el mejor comentario podría ser esas ganas de crear un show que acompañado de un maquillaje cutre emule un escenario de apocalipsis zombie mezclado con la linealidad argumental donde los personajes soportan las adversidades del aislamiento como recurso freudiano para ver el comportamiento del hombre todo se tornó sin gracia; ni los intentos de saqueos, los motociclistas drogos o la pandilla de negros sirvió contra el verdadero virus que propago la serie a lo largo de sus trece capítulos: una serie de acontecimientos empalagosos (besos, pedidas de mano y una despedida tirando cenizas) que terminaron por dinamitar esos discursos patrioteros americanos de el fin justifica los medios. No solo en términos científicos la serie fallo sino que procuro vender un idealismo de justicia mediática encabezada por un periodista frustrado hecho blogger y el heroísmo afroamericano de un policía que no se cansaba de luchar contra los blancos convertidos en villanos. La serie cerró en círculo, no dejando dudas no resueltas como el caso de “La cúpula” (¿hubo cura para ese virus?) sino más bien como un evento desafortunado, y sobre todo políticamente manipulable, donde el nadie entra, nadie sale pareció una letanía de la cual a muchos nos dio más de una hemorragia y no de sangre precisamente. Eso si nunca voy a olvidar que una simple cortina de baño evita cualquier contaminación por mas mortal que sea ¿?.

Etiquetas: [anime]  [battery]  [noitamina]  [temporada invierno]  
Fecha Publicación: 2016-07-16T19:03:00.001-07:00
Un anime de noitamina casi nunca falla (a excepción de Zankyo no terror) ¿Y los spokones de beisbol? ¿Fallan o son repetitivos?.

El problema personal es que el spokon (shonen deportivos) siempre me ha echado para atrás y más cuando se trata de uno de béisbol que mi experiencia solo se limita a los lejanos diez capítulos de CrossGame cuando me anime a mí mismo y termino hastiándome el peso dramático de la serie siempre recordando a la hermana de la protagonista. Lo confieso el beisbol como deporte me cuesta (como creo a la mayoría de peruanos que respiramos jutbol) quiero una serie que parta más despacio como para interesarme lo mínimo para ver el atractivo que existe en ver lanzar/atrapar la pelotita en un guante enorme; lamentablemente BATTERY comienza llevándome una mala experiencia con la pedantería del protagonista, quizás mas adelante el hecho de encontrarse una situación donde él no sea el prodigio e imprimirle el mínimo de esfuerzo ayude a levantar una opinión más agradable. Por lo demás es un primer capítulo convencional de presentaciones, pautea bien algunos detalles que pueden ser más interesantes como el peso del hermano menor en la serie, el trabajo físico siendo acertada la forma en como el protagonista trota para mantenerse en forma o esa obsesión por siempre tener un tiro especial que así como en el fútbol el protagonista nunca será un defensa sino el centro delantero que meta el gol del campeonato en el anime de béisbol parece que siempre el que lanza la pelota es la estrella (Y yo que pensaba que lo que decidía el partido era quien hacia el home ron). Otro detalle es el asunto generacional o el peso del esfuerzo con el que llegue ese equipo de estudiantes ya adelantándonos que son unos perdedores (por propio prejuicio del protagonista) todavía mantiene una expectativa para ver el desenvolvimiento que lleve el protagonista en su nueva escuela sobre todo si se fastidia a la primera provocación o si todos son fans enamorados como su primer amigo y si se lleva una sorpresa como para bajarle los humos. Y sobre todo si por fin logro entender como diantres se juega el béisbol. ¿Lo bueno? el ritmo lento ¿Lo peor? el op y ed tan desabrido para tratarse de un spokon entiendo yo que las imágenes tratan de ser mas suaves pero otra cosa es la ñoñeria que traspira.