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Etiquetas: [Ghibli]  [Hiromasa Yonebayashi]  [Los recuerdos de Marnie]  [Omoide no Marnie]  [When Marnie Was There]  
Fecha Publicación: 2016-02-07T19:29:00.000-08:00
"A Marnie le encantaba presumir a sus padres y sus glamorosas fiestas extravagantes. 
Pero la verdad es que la estaban descuidando."


Omoide no Marnie (思い出のマーニー; traducción Los Recuerdos de Marnie) es una película de animación japonesa dirigida por Hiromasa Yonebayashi, producida por Toshio Suzuki y escrita por Hiromasa Yonebayashi, Keiko Niwa y Masashi Ando, está basada en la novela "When Marnie Was There" de Joan G. Robinson. Esta vendría a ser la última pelpiucla de los estudios Ghibli



Todo tiene un final, nada dura para siempre; dice una canción del puertorriqueño Héctor Lavoe; lo cito debido a que la sección de largometrajes del estudio Ghibli ha sido clausurada (debido a la salida de Miyasaki), y por tal motivo Omoide no Marnie de Hiromasa Yonebayashi sería la última película de este afanado estudio, ojalá que cambien de opinión y nos sigan regalando más filmes. Omoide no Marnie, como ya se mencionó, vendría a ser la última película de este estudio japonés, esta película que si bien no está a cargo de Miyazaki ni de Takahara, tiene toda la mística de Ghibli, como presentarnos una historia real maravillosa, mostramos elementos de la cultura tradicional japonesa, crear personajes entrañables y el respeto a la naturaleza, Yonebayashi logra plasmar en su segundo largometraje una historia fresca y estremecedora, cargada de espiritualidad, de recuerdos pasados que se confunden con vivencias actuales, un círculo vicioso que debe de cerrarse, una amistad que va más allá de las leyes físicas y de la teoría lineal del tiempo, además se da espacio para tratar temas complejos como la soledad , las relaciones familiares, la identidad, la perdida, la madurez y la búsqueda de un lugar en este mundo.





Yonebayashi logra crear un melodrama que juega con las emociones, ya que puede hacerte reír como llorar en cuestión de segundos, eso sí sin caer en la cursilería, ni en lo predecible, ya que cada plano esta detalladamente construido para tocar las fibras más sensibles de nuestra alma. La naturaleza también tiene un papel importante aquí, comenzando que casi toda la película se desarrolla en el campo, partiendo desde que la protagonista (Anna) viaja al campo para tratar su asma, dándole un don sanador ya que en la ciudad esta enfermedad empeora; así como el agua y el viento son elementos que están presentes para purificar su cuerpo, su alma y su mente, permitiéndose un recuentro con ella misma, además aparte de la naturaleza, vemos que el pueblo es muy tradicionalista y las costumbres japonesas son practicadas por la totalidad de este pueblo, todo este ambiente puro y limpio, ayuda a Anna a encontrase no sólo consigo misma, sino también con su pasado, y le permite esclarece muchas cosas, las cuales inconscientemente les causaban malestar.



En resumen se puede decir que si este es el final de Ghibli, que buen regalo nos dejaron, una película madura, no sólo por parte de la temática, sino también en la técnica de animación y en la música que satisface los sentidos de la vista y del oído, es decir una película completa en todo sentido de la palabra, y como seguidor de esta empresa espero que sólo un hasta luego, ya que espero poder contemplar más maravillas de la animación.



Etiquetas: [Alejandro González Iñárritu]  [The Revenant]  
Fecha Publicación: 2016-02-01T21:12:00.002-08:00
“As long as you can still grab a breath, you fight. You breathe. Keep breathing. 
When there is a storm. And you stand in front of a tree. If you look at its branches, you swear it will fall. But if you watch the trunk, you will see its stability.”


The Revenant es una película de EE.UU. dirigida por Alejandro González Iñárritu; producida por Steve Golin, Keith Redmon, David Kanter, Alejandro González Iñárritu, Arnon Milchan y James Skotchdopole; escrita por Alejandro González Iñárritu y Mark L. Smith, está basada en la novela homónima de Michael Punke (basada en hechos reales) y está protagonizada por Leonardo DiCaprio, Tom Hardy, Domhnall Gleeson, Forrest Goodluck y Will Poulter.




Cruda, con esa palabra puedo describir la última película de Alejandro González Iñárritu, que desde el inicio nos muestra la brutalidad de una batalla, y lo sangriento que fue la “conquista” del lejano oeste de EE.UU., así como lo cruel que puede ser el ser humano. The Revenant es la historia de Hugh Glass (Leonardo DiCaprio) desde una emboscada de un grupo de nativo americanos, pasando por el ataque de un oso Grizzly, del cual sobrevive (la escena del oso es sin duda el clímax de la película), y su supervivencia en la agreste naturaleza norteamericana hasta el retorno con los suyos, convertido en un renacido, un hombre nuevo.



Sin duda está es la película más intensa, realista y descarnada de González Iñárritu, en donde muestra la crueldad humana, encarnada principalmente en el antagonista John Fitzgerald (interpretado magistralmente por Tom Hardy), que cargado por la codicia es capaz de traicionar y abandonar a los suyos; el director también muestra el espíritu combativo de Glass que no se resigna a morir abandonado en una naturaleza que es bella y peligrosa al mismo tiempo; lo que (creo) pretende el director es mostrar muchas de las facetas del ser humano cuando se le pone en una situación de vida o muerte, mostrando secuencias sin filtros y directas, sin embargo también muestra la debilidad creando momentos de introspección y arrepentimiento.



Los puntos más altos de la película son: La fotografía, acá el trabajo de Emmanuel Lubezki es simplemente impecable, captando la esencia de lo que González Iñárritu deseaba plasmar, regalándonos planos simplemente bellos que retratan el sufrimiento humano en un clima hostil. Las actuaciones, que son simplemente grandilocuentes, empezando por el protagonista Hugh Glass (Leonardo DiCaprio) que creo sin llegar a exagerar este es su mejor papel; otro que destaca es John Fitzgerald (Tom Hardy) aquí Hardy crea un antagonista realmente detestable, un ser sin escrúpulos y egoísta, también resaltan los personajes de soporte como el hijo ‘indígena’ de Glass, Hawk (Forrest Goodluck) , el Capitán Andrew Henry (Domhnall Gleeson) o Jim Bridger (Will Poulter) ya que son actuaciones realmente buenas. Y por último y no por eso menos importante esta la dirección, ya que González Iñárritu ratifica que está en su mejor momento, el mérito (a mi gusto) es recrear parte de la historia de EE.UU siendo el méxicano, llegando al punto de ser un director que ha roto las barreras culturales, idiomáticas y sociales, siendo uno de los pocos que se le puede calificar con el adjetivo de “cosmopolita”.
The Revenant sin duda es un de las mejores películas del año 2015, como ya dije antes una película cruda que refleja la crueldad humana, una película directa que muestra el sufrimiento humano, así como su redención y su renacimiento, sin duda otro acierto de González Iñárritu.



Etiquetas: [Anomalisa]  [Charlie Kaufman]  [Duke Johnson]  
Fecha Publicación: 2016-01-27T19:50:00.000-08:00
"Remember there is someone out there for everyone."


Anomalisa es una película animada (stop motion) de EE.UU. dirigida por Charlie Kaufman y Duke Johnson, escrita por Kaufman; producida por Rosa Tran, Duke Johnson, Charlie Kaufman y Dino Stamatopoulos, protagonizada por David Thewlis, Jennifer Jason Leigh y Tom Noonan, siendo una comedia dramática dirigida al público adulto.




Siempre, antes de dormir veo Southpark, se ha convertido en una especie de ritual, hace poco mi padre mi “atrapó” viendo esa serie y me dijo asombrado ¿Aún ves dibujos animados? Yo serio le respondo que sí, y él me vuelve a preguntar ¿pero esa son cosas de niños?, y le respondo que desde hace tiempo existe la animación para adultos, por el tipo de temática que muestran y el lenguaje usado; su sorpresa fue tal que yo le invité a ver un capítulo, el pobre no aguantó más de 5 minutos, debido (creo yo) lenguaje vulgar, sólo atinó a decir mientras abandonaba mi cuarto: ¡Dibujos para adultos, vaya los tiempos cambian! ; Ya que para él, los dibujos animados es sólo para niños, y para muchas personas que no necesariamente son contemporáneos a mi padre opinan lo mismo; como un compañero de la Universidad que no le gustaba ver animaciones, pues “ya era un adulto”.
Luego de ver Anomalisa me acordé el incidente de mi padre, y aquel compañero que no le gustaba ver animación, puesto que esta es una película la cual no recomiendo que vean menores de edad; no tanto por el lenguaje (a lo muchos dicen fuck y unas otras “groserías” más) o por escenas fuertes (sólo hay una pequeña escena de sexo) sino por las temáticas que se abordan: soledad, monotonía, identidad, apatía, desgana; puesto que muestra a los humanos atrapados por la rutina, sin una motivación para continuar, obligados a llevar una vida que no desean sólo para sobrevivir. Kaufman logra escribir una historia realmente cautivadora, creando un universo maravilloso, en donde el espectador debe estar atento a cada detalle, ya que a los directores les gusta jugar con la mente, confundir a la audiencia para causarle incertidumbre y zozobra; con la única finalidad de hacerlo reflexionar; en los escasos 90 minutos que dura el filme, se pueden sacar varios mensajes debido que cada uno puede llegar a sus propias conclusiones e interpretaciones.





En la película tenemos a Michael Stone (voz de David Thewlis) un hombre de mediana edad, que se dedica a dar charlas de superación personal y mejoramiento de atención al cliente, un hombre solitario (a pesar de tener esposa e hijo) que a pesar de que trabaja motivando a la gente, él no puede motivarse; en un viaje que realiza a la ciudad de Cincinnati conoce a una mujer llamada Lisa Hesselman (voz de Jennifer Jason Leigh), rápidamente se siente atraído hacia ella puesto que tiene una voz diferente a la de los demás (todas las voces de los otros personajes están hechas por Tom Noonan) , luego de una breve convivencia se da cuenta de sus “no buenos modales” y termina desencantado de ella; recayendo en la monotonía y soledad la cual lo está agobiando.
 Una película que atrapa al espectador, no solo debido a la forma de como aborda temas complicados, sino también por las técnica de animación que es espléndida de principio a fin.




Etiquetas: [Quentin Tarantino]  [The Hatefull Eight]  
Fecha Publicación: 2016-01-16T14:03:00.003-08:00
"One of them fellas'll kill everybody in here"


The Hatefull Eight (EE.UU. 2015) es la octava película del director y guionista Quentin Tarantino; producida por Richard N. Gladstein, Shannon McIntosh y Stacey Sher; protagonizada por un reparto coral que incluye a Samuel L. Jackson, Kurt Russell, Jennifer Jason Leigh, Walton Goggins, Demian Bichir, Tim Roth, Michael Madsen, Bruce Dern, Channing Tatum, Zoë Bell, etc, la película es un western ubicado años después de la Guerra de Secesión Americana (1861 – 1865).





Diálogos interesantes; situaciones jocosas cargadas con humor negro; violencia, mucha violencia; muerte y sangre; es lo que nos depara (otra vez) una película de Tarantino; quizás estimado lector que considera que Quentin sea un director sobrevalorado por su fans opine que en el fondo esta película sea más de lo mismo; sin embargo en eso recae mi admiración hacia ese director, la de mostrarse tal y como es para seguir sorprendiéndonos, ya que es inevitable no quedar maravillado luego de mirar The Hatefull Eight, en donde Tranatino se vuelve a lucir, una película interesante de principio a fin, y esto se debe creo yo a tres factores:



1) Actores, Tarantino Samuel L. Jackson, Kurt Russell, Jennifer Jason Leigh, Walton Goggins, Demian Bichir, Tim Roth, Michael Madsen, Bruce Dern, Channing Tatum, Zoë Bell, etc todos actores experimentados y muchos ya habían trabajado con Tarantino previamente, por eso había una ventaja pues el director sabía cómo dirigirlos, por otro lado los actores conocían como es trabajar con él.
tuvo el ojo de elegir a un reparto coral que incluye a actores de renombre como



2) Director: Tarantino Tarnatino está presente en la historia reciente del cine mundial.
es un director experimentado, ya tiene ocho películas en su haber, todas de una u otra forma han tenido mucho éxito tanto en la taquilla como en la crítica, mucha de ellas consideradas como clásicos modernos, y sin duda el nombre de


3) Puesta en escena: La ambientación de la película llama la atención, realmente nos transporta a un invierno en el viejo oeste de los EE.UU; y la música del gran Ennio Morricone es uno de los puntos más resaltantes, puesto que el lleva tiempo haciendo música para películas y tiene en su haber varios soundtracks de spaghetti western, género al que Tarantino le rinde homenaje.




Estos tres factores son lo que a mi gusto hacen que The Hatefull Eight sea una de mis películas favoritas del 2015, una historia realmente entretenida y fantástica, que mezcla hechos reales con la real maravillosa mitología de Tarantino (cigarrillos red apple), una película que explota lo mejor del género, del director y de los actores; una película donde Tarantino saca lo mejor de sí, no sólo como director sino también como guionista, ya que los diálogos me parecen más entretenidos e intensos que en sus anteriores films.




Etiquetas: [2015]  [cinema]  [films]  [movie]  [películas]  [ranking]  
Fecha Publicación: 2015-12-31T16:02:00.000-08:00
Es hora del ranking de películas de Sin Butaca del año 2015 Nota: este es un ranking provisional que se actualizará a finales de Enero del 2016, pues faltan muchas películas por ver

Ranking 2015:

10. The God Dinosaur

09. The Overnight

08. Youth

07. Southpaw

06. Love

05. Slow West

04. Inside Out

03. Mad Max: Fury Road

02. Ex Machina
01. The Hateful Eight
Nos vemos el 2016 con más películas
Etiquetas: [Peter Sohn]  [Pixar]  [The Good Dinosaur]  
Fecha Publicación: 2015-12-26T20:36:00.000-08:00
"If you ain't scared, you ain't alive."



The Good Dinosaur es una película animada de EE.UU. dirigida por Peter Sohn, escrita por Meg LeFauve, producida por Denise Ream, bajo el amparo de la compañía de animación Pixar Animation Studio, está protagonizada por Raymond Ochoa, Jeffrey Wright, Frances McDormand, Marcus Scribner, Steven Zahn, Al Buckley, Anna Paquin, Sam Elliott y Jack Bright.






A mi opinión Pixar junto a los estudios Ghibli son las mejores productoras de filmes animados en la actualidad, las películas de Pixar (salvo un par) han sido de calidad, nadie puede dudar de los sólidos arcos argumentales de la saga Toy Story, o la bien realizada Up, o la simplemente magnífica Wall-E todas forman ya parte de la historia del cine animado; este año han estrenado dos largometrajes, el primero fue Inside Out dedique unas líneas, ahora es turno de The Good Dinosaur que creo que enfatiza la ya conocida teoría Pixar que está divulgada en internet (ver video) .Para empezar la película indirectamente hace la siguiente pregunta ¿Qué hubiese pasado si los dinosaurios no se hubiesen extinto? A partir de esa duda empieza a desarrollarse el film, ya que vemos que esta raza animal con el tiempo logra “humanizarse” ya que desarrollan la agricultura, la domesticación de animales y por ende el sedentarismo, así como formar familias, a partir de allí tenemos a un familia de Apatosaurus, una familia granjera formada por un padre (Poppa) , una madre (Momma), su hijo mayor (Buck) su hija mediana (Libby), y Argo (hijo menor) que es el personaje principal, al inicio del largometraje se muestra como un ser inseguro opacado por las cualidades de sus hermanos mayores, causándole complejos e inseguridades; esta familia vive feliz preparándose para el invierno, hasta que se dan cuenta que alguien les está robando comida, cuando Argo descubre al ladrón (Spot un niño humano) siente pena y no lo mata; sin embargo esa decisión traerá una catástrofe en su familia, iniciando así un viaje en donde Argo tendrá que dominar sus miedos y aprenderá el significado de la amistad, ya que se hace amigo de Spot, además conoce a Butch, Ramsey y Nash una familia de Tyrannosaurus rex que le enseñará la importancia de la familia así como del trabajo en equipo. El viaje que realizan los personajes no sólo es uno físico, sino también existe uno interno y espiritual debido a que podemos ver como Argo crece (no sólo en lo físico) tanto así que cuando regresa a casa su madre no lo reconoce. Una película conmovedora, con un buen mensaje; el de la superación, trabajo en equipo y la familia y en especial que siempre todos debemos de dejar una huella en el corto periodo que estamos en este planeta.





En la parte de dirección y animación creo que Pixar se viene superando, ya que cada vez más logra recrear ambientes realistas, ya que por momentos sentía que no estaba viendo una película de animación, la música es simplemente maravillosa que se coordina perfectamente con la acción, así como los trabajos de fotografía y arte; que junto con el argumento ayudan a crear un ambiente conmovedor y emotivo.



Etiquetas: [Paolo Sorrentino]  [Youth]  
Fecha Publicación: 2015-12-13T20:27:00.001-08:00
"You see that mountain over there? Everything seems really close. That's the future. 
And now... everything seems really far away. That's the past."




Youth (La Giovinezza) es una película italiana en idioma inglés, dirigida y escrita por Paolo Sorrentino, producida por Nicola Giuliano, Francesca Cima y Carlotta Calori; protagonizado por Michael Caine, Harvey Keitel, Rachel Weisz, Paul Dano, Jane Fonda, Luna Zimic Mijovic, Roly Serrano, Madalina Diana Ghenea, Paloma Faith, etc , siendo esta su séptima película.




El ser humano al crecer (o envejecer) comienza a añorar la juventud, aquella época en donde los cuerpos están lozanos, rebosante de energía y vitalismo, lleno de sueños y anhelo, cargados de rebeldía y ímpetu, aquella etapa en el cual conocemos la parte más linda de la vida, creo que la gran mayoría de personas mayores de 30 anhelan aquella época, bajo esa premisa Paolo Sorrentino crea Youth su más reciente película, la cual está ambientada en un hotel/resort ubicado en los Alpes de Suiza (irónicamente un país cuyo promedio de edad es más de 40 años) en donde los personajes interactúan, por un lado tenemos a Fred Ballinger (Michael Cain) un ex director de orquesta que se encuentra retirado y que sólo quiere vivir tranquilo sus últimos años de vida, disfrutando de la fortuna acumulada durante sus años mozo, por otro tenemos a Mike Boyle (Harvey Keitel) un director de cine que aún busca su obra cumbre y que está filmando su película definitiva que será su testamento, ambos son viejos amigos, que comparten vivencia y amor por el arte, a pesar de que ambos tienen una visión distinta sobre su actualidad.




Sorrentino vuelve a plasmar una película llena de imágenes, y cargada de metáforas, en donde vemos el contraste entre la juventud mostrando personajes con belleza, sueños así como valentía; y la vejez representado con personajes que son ni la sombra de lo que fueron en sus años mozos, mostrando su decadencia física como espiritual, la escena que mejor refleja este contraste es cuando los dos ancianos observan a una esbelta Miss Universo (Mădălina Diana Ghenea) se desnuda ante los ojos de los ancianos, representando de cómo la gente de experiencia admira a los jóvenes; Youth es una película de diálogos e imágenes, que permiten al artista exponer su visión sobre la juventud y decadencia ; quizás no esté a nivel de La Grande Bellezza pues a mi gusto hubieron sub tramas que no me atraparon, no obstante la película no deja de ser una oda al buen cine, y de cierta manera un homenaje al gran Fellini.





Etiquetas: [Gaspar Noé]  [Love]  
Fecha Publicación: 2015-12-02T16:40:00.000-08:00
"Do you know what my biggest dream in life is? 
My biggest dream is to make a movie that truly depicts sentimental sexuality."


Love es una película francés rodada en inglés escrita y dirigida por el argentino Gaspar Noé, producida por Vincent Maraval, protagonizada por Karl Glusman, Aomi Muyock y Klara Kristin, es una película para adultos, por la gran cantidad de escenas de sexo explícito que contiene.




Love es una película trasgresora, donde hay mucho sexo explícito, ya que el director Gaspar Noé (L’enfant terrible) no se guarda nada, Love es eso una historia de amor, pero no es cursi, es más está lejos de serlo, narra la historia de Murphy (Karl Glusman) y de Electra (Aomi Muyock) desde que se conocen hasta que terminan –atención a los significados de estos nombres, por un lado tenemos a la ley de Murphy: “todo lo que puede salir mal, pasará” y por el otro al complejo de Electra por el cual una hija siente amor a su padre y rivalidad hacia su madre - pasando por cada uno de las etapas del ciclo que viven las parejas, donde como mencioné al inicio hay muchas escenas de sexo, pues el sexo es utilizado como metáfora tanto de la pasión como de la rutina, es el alfa y omega de la película, así como de una u otra forma su protagonista principal, Noé logra plasmar de una forma cruda y explícita la pasión y fuerza de una relación genital, sin tapujos, sin censura, tal y como sucede en una habitación, no esconde nada, pues cuando se copula los amantes se despojan de todo.




En la parte técnica podemos identificar muchos aspectos que identifican a Noé, como los planos medios, el contraste de colores, contar la historia sin un orden coronóٕlogico y sus influencias artísticas, tales como en el poster de la película polémica Salò o le 120 Giornate di Sodoma el último film de Pier Paolo Pasolini, el poster de Taxi Driver de Martin Scorsese o sus referencias a Stanley Kubrick sobre todo a 2001: A Space Odyssey, película el cual Noé es admirador





Etiquetas: [Como en el Cine]  [Gonzalo Ladines]  
Fecha Publicación: 2015-11-23T20:41:00.002-08:00
"Yo no mecho, soy cinéfilo"



Como en el Cine es una película tipo comedia peruana dirigida por Gonzalo Ladines, producida por Bacha Caravedo, cuenta con las actuaciones de Manuel Gold, Andrés Salas, Pietro Sibille, y Gisela Ponce de León, es la opera prima del cineasta




En si me sorprendió ver Como en el Cine, opera prima de Gonzalo Ladines, una comedia peruana simple, llena de gags, y que muestra lo difícil que es hacer cine en este país, sino lo has visto (o si no vives en Perú) te recomiendo ver su serie web Los Cinéfilos para que vayan viendo por donde va la propuesta de Ladines. El trama es simple es la historia de cómo un típico muchacho limeño de la clase media alta llamado Nico (Manuel Gold) que estudió comunicaciones y su sueño era hacer películas se dedica a grabar comerciales para TV hasta que termina con su pareja y ve que es el momento perfecto  para poder cumplir su sueño de grabar un corto, para eso busca a su ex compañeros de Universidad (interpretados por Andrés Salas y Pietro Sibille) que tampoco están tan contentos con sus actuales vidas laborales para realizar el corto, que está basado en la relación de Nico con Dani (Gisela Ponce de León) su amiga lesbiana que se convirtió en su rommate luego de que terminase su relación. Como se mencionó la película nos narra de lo difícil que es hacer una película en el Perú, debido al nulo apoyo que existe y el poquísimo interese de los inversionistas, ya que queramos o no hacer cine en el Perú aún es visto como un lujo de algunas minorías, es verdad que las cosas están cambiando de a pocos, pero aún falta mucho por recorrer.




La película es sencilla, está hecha con la intención de que el espectador se ría en cada escena, lo único que no me gustó es que utilizaban lisuras a cada rato hubo momentos en que me pareció bien usarlas, pero hubieron otras escenas en que me parecían que estaban demás, en lo que respecta a la trama no se complicaron mucho si bien el algo lineal y hasta cierto punto predecible, pero recuerden que es una comedia, y sin duda (a mi gusto claro está) es la mejor comedia peruana del año.






Etiquetas: [Antoine de SaintExupéry]  [El Principito]  [Le Petit Prince]  [Mark Osborne]  [The Little Prince]  
Fecha Publicación: 2015-11-15T22:26:00.000-08:00
"Once upon a time there was little prince 
who lived on a planet that was scarcely bigger than himself."



Le Petit Prince o The Little Prince (francés e inglés respectivamente) es una película animada (en 3D y stop-montion) dirigido por Mark Osborne; producida por Dimitri Rassam, Aton Soumache y Alexis Vonarb; con las voces de Jeff Bridges, Rachel McAdams, Paul Rudd, Marion Cotillard, James Franco, Benicio del Toro y Ricky Gervais, está basada en la obra Le Petit Prince (o El Principito en español) de Antoine de Saint-Exupéry.




El Principito de Antoine de Saint-Exupéry es el libro francés más leído de la historia, y el que ha sido traducido a más idiomas, los expertos literatos debaten si se trata de una novela corta o de un cuento largo, es catalogada como una obra para niños por su simpleza narrativa, sin embargo contiene temas profundos como la soledad, la amistad o el amor; la historia narra los sucesos de una aviador que se estrelló en el desierto del Sahara y se encuentra con un joven príncipe venido de otro planeta que le cuenta sus experiencias.





Lo que me gustó es que la película es (o trata de ser) una secuela de la historia original, mientras que se desarrolla el arco argumental de la niña y del anciano, este le va contando la historia original de Saint-Exupéry (utilizando sus dibujos originales), Lo que a mi opinión la película flaquea es en el desenlace debido a que pierde (en algo) la esencia del libro y se convierte en un digno final de una película de acción (eso sí, el final es muy entretenido) Sin duda una película interesante, en donde (como en el libro) “lo esencial es invisible para los ojos”, lleno de metáforas, respetando la idea original de este, así como manteniendo un argumento sólido entremezclando ambos aspectos de una manera interesante. Un consejo si bien es cierto creo que no es necesario leer el libro para entender la película (es más durante el desarrollo de esta se va narrando la historia) recomiendo darle una ojeada antes a esta fabulosa historia de Saint-Exupéry.





Etiquetas: [Héctor Gálvez]  [NN Sin Identidad]  
Fecha Publicación: 2015-11-07T18:08:00.000-08:00


NN: Sin Identidad es una película peruana dirigida y escrita por Héctor Gálvez, producida por Enid “Pinky” Campos y Héctor Gálvez, protagonizada por Paul Vega, Antonieta Pari, Isabel Gaona, Lucho Cáceres, Fiorella Díaz, Manuel Gold, Gonzalo Molina, Amiel Cayo, Andrea Pacheco. Es un drama sobre forenses que busca la identidad de los cuerpos anónimos que dejo la guerra interna peruana durante la década de los ochentas y noventas.




Fui a ver NN con altas expectativas debido a que se trata de la película peruana que posiblemente nos represente en los premios de la Academia, sin embargo confieso que nunca me conecté con el segundo film de Héctor Gálvez, que a pesar de tener un buen argumento, me pareció que divagaba en detalles que aportaban poco o nada al desarrollo de la película, empecemos con la premisa de esta: se trata de un grupo de antropólogos forenses que deben descubrir las identidades de los restos hallados en zonas andinas del país, estos restos son de la época del terrorismo, sólo no identifican un cuerpo que creen que es del marido de Graciela, que desapareció a finales de los 80’s; allí empiezan bien pues tienen todo para armar un historia consistentes e inclusos poder elaborar sub tramas que pudieron hacerlo más interesante, además hay que agregar que tiene actores de primer nivel (Paul Vega, Lucho Cáceres, Manuel Gold, Antonieta Pari y Gonzalo Molina), sin embargo opino que el director más se dedicó a realizar planos aleatorios con el fin de convertirla en una película de autor más que en aprovechar sus fortalezas para regalarnos una historia que pudo pasar a la posteridad, por momentos noté que hubo diálogos sumamente forzados, escenas de relleno y personajes poco desarrollados, la película se siente fría y tenue, que quizás esa fue la intención del director, creo que exagera en el minimalismo, y su ritmo lento hace que por momentos pierda uno el interés.




La película no es mala, sólo que creo no supo desarrollarse del todo, ya que hay momentos interesantes como el final por ejemplo que me pareció simplemente bueno y algunas interrogantes que no fueron respondidas durante el film que el director deja a la libre interpretación del espectador, además se trata de una película con una narrativa poco vista en la incipiente industria cinematográfica peruana, otro punto a destacar es la magnífica fotografía que aprovecha los bellos paisajes andinos así como la fría capital, en fin eso fue tan sólo mi opinión.






Etiquetas: [Pratick Brice]  [The Overnight]  
Fecha Publicación: 2015-10-12T22:41:00.001-07:00
"I saw the first time I laid eyes on you all right? you've got a...it's like you have a blinding aura of goodness and love surrounding you at all times, it fucking follow you around. I am not just waxing yo car here, man you've got something special you need yo share with the world"



The Overnight es una película de EE.UU. dirigida y escrita por Pratick Brice; producida por Mark Duplass, Jay Duplass, Adam Scott y Naomi Scott; protagonizada por Adam Scott, Taylor Schilling, Jason Schwartzman y Judith Godrèche; narra la historia de dos parejas que luego de una cena empiezan una aventura pasional, una comedia sexual llena de situaciones incómodas e inesperadas.






La monotonía o la falta de actividad sexual es un problema serio que muchos matrimonios sufren, esto se debe a varios factores, el strees laboral, el ritmo rápido de la vida actual, los hijos, etc. Este problema es el principal factor para que existan las infidelidades, las separaciones y los divorcios; ese dilema le permitió a Pratick Brice a crear una historia con dosis de drama y con dosis de comedia con un argumento simple: una noche en donde dos matrimonios se juntan para conocerse y poco a poco entrar a un juego lúdico que con el paso de las horas se volverá intenso; los protagonistas son cuatro, por un lado tenemos a Alex (Adam Scott) y Emily (Taylor Schilling) la nueva pareja de la ciudad; por otro lado tenemos a Kurt (Jason Schwartzman) y Charlotte (Judith Godrèche) una pareja aparentemente liberal que son los anfitriones, Kurt conoce a Alex y Emily de casualidad en el parque, mientras sus hijos jugaban el aprovecha para invitarlos a cenar, lo que al principio parecía una simple cena entre dos familias, termina convirtiéndose en una noche de drogas y lujuria, en donde cada personaje desnudará su alma mostrando sus temores, dudas, frustraciones, complejos y al mismo tiempo podrá mostrar su verdadero yo sin sentir vergüenza, así como experimentar acciones que no se atreve a realizar en la cotidianidad por diversos motivos. Ambas parejas aparentemente distintas entre sí, tienen algo en común, es la escases de vida sexual, la cual es la excusa perfecta (o casi) para poder reunir a estos cuatro seres; ya que permite estar en un lugar intimo en donde nadie es juzgado ni juzga creando la confianza necesaria para poder expresar libremente sus sentimientos, acá Brice logró meternos de una u otra forma a la psique de los protagonistas, ya que logra desnudar (literalmente) a los personajes y hacerlos sentirse libres de complejos, logrando en poco tiempo que estos evolucionen.






La película fluctúa entre el drama y el humor, es más este último es casi sutil, que esta disimulado entre los diálogos inteligentes así como en las situaciones políticamente incorrectas e inverosímiles que muchas bordean lo estrafalario; un drama que explora todas las fases de los matrimonios, que recorre los deseos muchas veces ocultos de los seres humanos, y que sólo lo mostramos cuando nos sentimos en confianza.







Etiquetas: [Magallanes]  [Salvador del Solar]  
Fecha Publicación: 2015-10-01T23:15:00.002-07:00

Magallanes es una película peruana dirigida y escrita por Salvador del Solar, producida por Andrés Longares, Felicitas Raffo y Miguel Valladares, protagonizado por Damián Alcázar, Magaly Solier, Federico Luppi, Cristian Meir, Bruno Odar, Tatiana Astengo, Tatiana Espinoza, Jairo Camargo, etc está basada en el relato “La pasajera” de Alonso Cueto, narra la historia de un ex soldado Harvey Magallanes que quiere modificar su pasado.




El cine peruano está evolucionando y a mi opinión para bien, ya que cada vez hay más producciones, obvio no todas son buenas, pero se puede decir que hay para todo los gustos, desde las comedias fáciles hasta películas catalogadas como cine de autor, es verdad Perú aún está en pañales a lo que se refiere en producciones cinematográficas, pero al menos está dando los primeros pasos, este año se han exhibido películas interesantes como Climas, La Hija de la Laguna o Avenida Larco, a esta lista debo agregar Magallanes (aclaro que al término de este artículo aún no veo NN, espero verla estos días) la ópera prima de Salvador del Solar, que narra la historia de Harvey Magallanes (Damián Alcázar) un ex soldado que luchó en Ayacucho contra el terrorismo que ahora se dedica a ser taxista por la caótica Lima, y tiene como cliente a su ex Coronel (Federico Luppi), hasta que encuentra (o mejor dicho re encuentra) a Celina (Magaly Solier) que durante la guerra interna fue abusada sexualmente por el coronel (así como de otros soldados); Magallanes idea un plan para chantajear al Coronel puesto que tiene una foto comprometedora; empezando así una historia de revanchas, traición, honor y mentiras.




La película tiene varios puntos altos, empezando por el argumento, ya que toca un tema sensible para la sociedad peruana: las secuelas del terrorismo, una guerra interna que dejó heridas que aún no cicatrizan; otro punto alto son las actuaciones para empezar tengo que nombrar que el mexicano Damián Alcázar supo crear y sostener un personaje difícil, además que como el mismo dijo “Harvey Magallanes me hizo ser un peruano más.” Ya que supo imitar el acento peruano y asimilarse con la Lima moderna; por otro lado Magaly Solier demuestra que es la mejor actriz peruana de los últimos años, ya que Celina es una mujer fuerte que se sabe levantar de sus problemas, que a pesar de las desdichas, muestra un carácter fuerte ya que está motivado por su hijo, que se nota que es el motor de su vida; mención aparte a Federico Luppi que pesé a que su personaje no tiene diálogos con su trabajo gestual es suficiente para lograr expresividad, los demás actores: Bruno Odar, Cristian Meir, Tatiana Astengo, Tatiana Espinoza, Jairo Camargo cumplen con sus personajes, para poder dar sustento a la historia.




Sin duda una película bien trabajada, con personajes complejos y un tema espinoso, una película que no sólo es una película policiaca, sino también sobre la falta memoria de una guerra que casi acaba con el país.






Etiquetas: [John Maclean]  [Slow West]  
Fecha Publicación: 2015-09-23T18:46:00.002-07:00
"That kid was a wonder. He saw things differently. 
To him, we were in a land of hope and good will."


Slow West es una película de británica estadounidense dirigida y escrita por John Maclean, producida por Conor McCaughan, Emile Sherman, Iain Canning, Michael Fassbender y Rachel Gardner; protagonizada por Michael Fassbender, Kodi Smit-McPhee, Caren Pistorius, Ben Mendelsohn y Rory McCann, es una película Western que narra la historia de un joven que busca a su amada en el viejo oeste.






Slow West no parece la opera prima John Maclean, todo lo contrario parece el trabajo de un director con años de experiencia con varias películas rodadas, las tomas panorámicas así como los primeros planos son realmente increíbles, no sólo destaca en la parte visual, sino que ha podido crear una historia realmente interesante, la de Jay Cavendish (Kodi Smit-McPhee) que busca a su amada Rose Ross (Caren Pistorius), ya que su amor no puede prosperar debido a la diferencias sociales, cuando Jay llega a los EE.UU conoce a Silas Selleck (Michael Fassbender) un cazarecompensas que hará de su protector durante el viaje; como historia tiene muchos elementos del western y de la sociedad americana del siglo XIX: los cazarecompensas, los nativo americano, los inmigrantes todos interactuando de una forma no pacífica para poder alcanzar el sueño americano o poder conservar sus tierras y entre las situaciones que aparecen en el film podemos ver una crítica a la sociedad de esa época, con diálogos profundos e inteligentes, así como situaciones jocosas que por momentos llegan ser clasificado como humor negro, además de las clásicas escenas de tiroteos (sin tiroteos no hay westerns) tenemos los elementos suficientes para una historia realmente maravillosa.






A pesar de que no soy un fan de las películas westerns, debido a que la trama de estas es prácticamente la misma, Slow West fue una grata sorpresa, con escenas realmente buenas que por momentos me hacia olvidar que estaba viendo una película de vaqueros; a pesar de que la película me gustó tiene falencias ya que hubieron momentos realmente muertos, detalles que estoy seguro se deben a la inexperiencia del director que los podrá mejorar en futuros filmes.






Etiquetas: [Antoine Fuqua]  [Jake Gyllenhaal]  [Southpaw]  
Fecha Publicación: 2015-09-08T19:10:00.000-07:00
"A fighter knows only one way to work"


Southpaw es una película de los EE.UU dirigida por Antoine Fuqua, producida por Todd Black, Jason Blumenthal, Alan Riche y Peter Riche; escrita por Kurt Sutter; protagonizada por Jake Gyllenhaal, Rachel McAdams, Naomie Harris, Forest Whitaker, Víctor Ortiz, Tyrese Gibson y Miguel Gomez; siendo catalogada como una película dramática que la caída y asenso de un boxeador profesional.




Aún recuerdo cuando era niño y me emocioné cuando vi por primera vez la película Rocky (EE.UU 1977, dirigida por John G. Avildsen y protagonizada por Sylvester Stallone) y más tarde cuando mi afición por el séptimo arte se desarrolló llegue a Raging Bull (EE.UU 1980, dirigida por Martin Scorsese y protagonizada por Robert De Niro) ambas son historias donde el boxeo es el principal protagonista, ambas son historias redondas y forman parte de la historia del cine; luego se han realizado varias películas sobre este deporte pero creo (y disculpen mi atrevimiento/ignorancia/desconocimiento) que estas dos son las referentes en lo que respecta a películas de boxeo; hace poco vi Southpaw en donde este deporte también tiene un rol importante, si bien es cierto que no está a la altura de las dos mencionadas anteriormente no obstante creo que estamos frente a un clásico contemporáneo; debo mencionar que no tiene nada novedoso, es la redención de un boxeador que luego de estar en la cima cae en el abismo y después a base de esfuerzo se recupera, además los personajes son clichés por un lado está el boxeador que fue pobre y que gracias a su talento consiguió fama y fortuna, la mujer abnegada que es la fiel compañera de esté, el villano petulante, el entrenador que funge la función de padre, la hija rebelde, los amigos fieles, el promotor que sólo le importa el dinero, y un largo etc. Sin embargo la película es entretenida debido a que tiene una historia que realmente llama la atención, por el ritmo que el director le imprime; además que las escenas de pelea son realmente buenas y creíbles, y a los amantes de la sangre verán al protagonista sangrando en casi toda la película, otro punto a favor son las actuaciones en donde destaca la de Jake Gyllenhaal el cual vuelve a realizar un papel brillante (el año pasado nos sorprendió con Nightcrawler, sin olvidar a sus interpretaciones en Donnie Darko, Brokeback Montain y Zodiac) consagrándolo como uno de los mejores actores de esta época, ya que el peso de la película recae en el, demostrando que sabe desenvolverse en las escenas de acción como en las dramáticas.






Como mencioné en el anterior párrafo, la película no presenta nada nuevo, tanto así que puede resultar predecible; debido a que es una historia ya (sobre) explotada, sin embargo el espectador siempre sentirá la adrenalina como si estuviese en el ring dando y recibiendo los golpes, y además es un verdadero derechazo a las emociones y sentimientos, y una elegía a seguir de pie y luchar por lo que uno quiere a pesar de los traspiés que se pueda tener.




Etiquetas: [La Tribu]  [Myroslav Slaboshpytskyi]  [Plemya]  [Племя]  
Fecha Publicación: 2015-08-10T17:38:00.001-07:00

La Tribu (en ucraniano: Плем'я, Plemya) es una película Ucraniana dirigida y escrita por Myroslav Slaboshpytskyi, producida por Iya Myslytska y Valentyn Vasyanovych, protagonizada por Grygoriy Fesenko , Yana Novikova , Roza Babiy , Oleksandr Dsiadevych, Yaroslav Biletskiy, Ivan Tishko, Oleksandr Osadchyi entre otros; es una película muda siendo la opera prima de Slaboshpytskyi, y fue una de las más galardonadas del 2014 debido a su singular forma por la cual fue presentada.




Esta es la película más difícil que me ha tocado escribir, no es por su trama, ni por el contenido, es que es una película sin sonido, y no es que tenga nada contra el cine mudo, es más considero que hay muchas joyas dentro de ese género, y que todo aquel que siente el mínimo respeto hacia el arte cinematográfico, debe haber visto aunque sea un par de película del señor Charles Chaplin, un icono del cine mundial; sin embargo Плем'я no es una película de principios del siglo XX ni mucho menos ambientada en ese periodo todo lo contrario es actual, salvo la ausencia de sonido no tiene ninguna relación con los primeros filmes de la historia, no hay letreros que indican acción o tiempo, no hay música (ni al principio, ni en el desarrollo, ni en los créditos finales), el poco sonido que existe es el ruido de los vehículos, y alguna que otra onomatopeya, la sinopsis es sobre un nuevo alumno que ingresa a un internado mixto de sordo mudos y para sobrevivir entra a la banda que domina el colegio, entrando a un mundo de contrabando, sobornos y prostitución, poco a poco el protagonista va ganando espacio dentro de la tribu hasta que se enamora de una de las concubinas del líder.





La película tiene un ambiente crudo, que se debe a que predomina los colores oscuro y opacos, así mismo la locación que más se asemeja a un reformatorio que a una escuela/internado dándole un ambiente militarizado donde existe una jerarquía pre establecida, favoreciendo a la existencia del abuso, ya que el más fuerte abusa del más débil para sobrevivir, es como si el director desea exponer que nosotros somos cómplices silenciosos de los abusos, de las ilegalidades, de la degeneración, pero no nos importa nos hacemos los sordos, seguimos con nuestras vidas, ya que nuestro egoísmo y nuestro estatus quo nos impide hablar y oír.





Etiquetas: [Brett Morgen]  [Cobain Montage of Heck]  [Courtney Love]  [Frances Bean Cobain]  [Kurt Cobain]  [Nirvana]  
Fecha Publicación: 2015-07-26T23:32:00.002-07:00
"Kurt, he was hyper, full of energy, always busy, y'know, jumping off of things, knocking things over—anything that would have to do with being a normal child. And Don, he didn't know how to handle that. He was one of those kind of people that just thought children should be seen and not heard and shouldn't cause any trouble. I mean, he belittled and ridiculed Kurt would be shamed."



Cobain: Montage of Heck es una película documental dirigida y escrita por Brett Morgen, producida por James Smiths, el mismo Morgan y Frances Bean Cobain (hija de Kurt Cobain y Courtney Love) este documental (o rockumental como muchos lo llaman) nos muestra la biografía de Kurt Cobain, el líder de la banda Nirvana desde sus primero días en Aberdeen, Washington hasta su éxito y caída con la banda de grunge Nirvana.



Aún recuerdo cuando a tenía 14 años, era inicios del año 1995 y estaba feliz pues había descubierto el rock, cuando me compré un cassette titulado “Lo Mejor del Rock Alternativo” en un mercado por mi barrio en Lima, Perú; ya que mi historia por mi amor por el rock empezó con ese cassette que contenía canciones de bandas tales como Cranberries, James, Counting Crows, Radiohead, The Smashing Pumpkins y Nirvana, recuerdo que subía el volumen cuando llegaba a “Smell Like Teen Spirit” y agarraba un palo de escoba y creía que tocaba la guitarra, eran otras épocas no había internet, no tenía televisión por cable, no tenía amigos con quien compartir mi descubrimiento, mi familia no es rockera y no conocía radios que pasaban ese tipo de música, hasta que un compañero de colegio me dijo “¿Sabías que Kurt Murió no?, eso fue el año pasado” y sentí un gran vació que lo llene escuchando el Bleach, el Nevermind, El Insecticide, el In Utero y su Unplugged (me conseguí copias piratas) y leyendo los magazines “String Along” para memorizarme las letras (mi nivel de inglés era nulo) recuerdo que durante un tiempo escuchaba Nirvana día y noche, recuerdo que caminaba con mi walkaman taradeando “Rape Me” o “The Man Who Sold the World” recuerdo que llamaba a las radios para pedir “Come As You Are” o me emocionaba cuando por esos azares del destino en la TV peruana ponían un video del Unplugged o cuando oí que unas chicas francesas se suicidaron para seguir a Kurt en el más allá; sin bien es cierto con el tiempo me alejé de Nirvana, a ellos los puedo considerar como mi primer amor musical, la banda que me permitió descubrir ese maravilloso mundo de guitarras distorsionadas, y de una u otra forma su música cambió mi vida, Gracias Kurt, gracias Krist, gracias Dave, gracias Nirvana, gracias por enseñarme que es el rock.





Todo esa breve narración de mi relación con Nirvana es por hace poco vi el documental titulado Cobain: Montage of Heck y mientras veía las imágenes, y escuchaba las canciones de fondo, me fue imposible no recordar lo que describí arriba, ya que lo que vi fue un golpe en donde los seres humanos somos débiles: la nostalgia, pues esta película está cargada con nostalgia, y nos muestran una etapa de Kurt que quizás muchos desconozcan, ya que la recopilación de datos por parte del director Brett Morgen, fue desde sus padres hasta su cónyuge (la polémica Courtney Love) pasando por su compañero de banda Krist Novoselic, mostrando el lado más íntimo de Cobain, tanto como hijo, como pareja, como amigo, como músico y como padre, el documental nos muestra a un Kurt como era, un chico que nunca superó el divorcio de sus padres y encontró tanto en las drogas como en la música sus escapes, así mismo como la fama lo encontró a él y este no supo llevarla, el documental aborda los temas difíciles por las cuales vivió el líder de Nirvana sin llegar al amarillismo con la mayoría de la prensa lo trata, ya que de paso el documental da una clase de periodismo de cómo abordar temas realmente jodidos sin caer en el sensacionalismo, ya que el trabajo creo que es impecable desde que comienza hasta que acaba.




Quizás joven lector que nació después de 1990 no entienda porque Nirvana marcó a nosotros a los que tenemos más 30 años, quizás sólo vea a una banda sobrevalorada, con dos o tres acordes y con letras fáciles, pero detrás de esos acordes fáciles y de esas letras simplonas, hay un historia ya que Nirvana abrió las puertas de los alternativo primero y de lo indie después, quizás joven lector sin Nirvana no haya podido llegar a Arctic Monkeys o The Strokes.






Etiquetas: [Aardman Animations]  [Mark Burton]  [Richard Starzak]  [Shaun the Sheep Movie]  
Fecha Publicación: 2015-07-12T19:54:00.000-07:00


Shaun the Sheep Movie es una película animada británica hecha en con la técnica Stop Motion y además es muda, dirigida y escrita por Richard Starzak y Mark Burton; producida por Paul Kewley y Julie Lockhart de los estudios Aardman Animations, y es la versión en la “pantalla grande” de la serie animada británica Shaun the Sheep.




Para los que no conocen mucho Shaun the Sheep es una serie de televisión británica producida por los estudios Aardman que a su vez apareció por primera vez en 1996 en un corto de Wallace y Gromit titulada ‘Una afeitada a Ras’, Shaun vive en una granja junto a otra ovejas, además del perro Bitzer , los cerditos, el toro y obvio el granjero; los animales tiene inteligencia y habilidades humanas como leer, manipular objetos o dibujar, mientras que, paradójicamente, el granjero tiene poco comportamiento humano e ignora la inteligencia de sus animales. Este año decidieron adaptarlo a la pantalla grande, así mismo llevarlos de la granja a la gran ciudad permitiendo así crear nuevos personajes como el perro callejero que ayuda a nuestros héroes y a al villano Thumper (el atrapador de animales) .




Ser ovejas del rebaño y seguir al resto, como que la rutina te aburra, así como conformarse con ‘el destino que la vida te ha puesto’ son elementos que en algún momento causan stress y depresión, por eso uno siempre va a buscar salir de la rutina, tomarse un día libre, buscar aventuras en tu vida o cumplir ese sueño que no te deja dormir, para recobrar energías, sentirse único, tomarse un respiro de la cotidianidad o encontrase con uno mismo; todo esas ideas están plasmada en la opera prima de Richard Starzak y Mark Burton, una fábula moderna y cotidiana llena de gags simples, humor blanco, y el hecho de que este mudo lo convierten en una experiencia única y mágica, en donde los niños pueden reírse y pasar un momento agradable, mientras que los adultos puede ser un pretexto para reflexionar de una manera amena sobre los temas expuestos líneas antes. Una película estéticamente simple, pero por dentro un contenido rico, acta para todos y que garantiza un momento grato.

guiños al Abbey Road

Esta escena me recordó a la película Cape Fear



Etiquetas: [Del revés]  [Inside Out]  [IntensaMente]  [Lava]  [Peter Docter]  [Pixar]  [Ronnie del Carmen]  
Fecha Publicación: 2015-07-05T21:23:00.001-07:00
"Crying helps me slow down and obsess over the weight of life's problems."


Inside Out es una película animada de los EE.UU. dirigida por Peter Docter y Ronnie del Carmen, escrita por Pete Docter y Michael Arndt, producida por Jonas Rivera, protagonizada por Amy Poehler, Phyllis Smith, Richard Kind, Bill Hader, Lewis Black, Mindy Kaling, Kaitlyn Dias, Diane Lane y Kyle MacLachlan, y está desarrollada por los estudios Pixar.




Hace tiempo quería escribir algunas palabras sobre alguna película producida por los estudios Pixar y llego la oportunidad con Inside Outque se estrenó hace poco, y creo que no defraudó ya que supo mantener la calidad que este estudio, esta película supone un replanteo dentro del universo Pixar ya que los protagonistas no son máquinas, ni juguetes, ni humanos, ni monstruos, ni animales, esta vez los protagonistas son emociones humanas (Alegría, tristeza, furia, desagrado y temor) y nos muestran (a su estilo claro está) como funcionan la mente, ya que no sólo vemos las emociones antes citadas, sino también los recuerdos, vivencias y sueños que constituyen la base de nuestra personalidad.




La película se puede resumir como una metáfora de cómo funciona nuestra psique, ya que el director trata de una forma simple y amena temas psicológicos como la amnesia infantil, la madurez, los sueños o pesadillas repetitivas y el desbalance emocional que significa pasar de la niñez a la pubertad; mostrando el cerebro humano como un gran laberinto que representa la complejidad de nuestra esencia en donde viven todo nuestro rico patrimonio, esta película me recuerda a un sitcom llamado Herman’s Head que dieron en los años 90 con la diferencia que estaba orientado hacia un público adulto  ya que tenía mucho humor negro, pero en esencia se puede decir que tienen el mismo argumento 




Una de las cosas que más me llamo la atención es que esta película responde de una forma sencilla la pregunta que quizás muchos se hacen ¿para qué sirve la tristeza?, y así mismo nos muestra que sin tristeza no puede haber alegría, ya que sin una la otra no puede existir.


PD: Antes de que empiece la película hay un corto llamado Lava que me pareció interesante.



Etiquetas: [George Miller]  [Mad Max Fury Road]  
Fecha Publicación: 2015-06-27T15:08:00.001-07:00
“My name is Max. My world is fire and blood. Once, I was a cop. A road warrior searching for a righteous cause. As the world fell, each of us in our own ways were broken. It was hard to tell who was more crazy... me... or everyone else.”


Mad Max: Fury Road es una película dirigida, producida y escrita por el australiano George Miller; aunque Doug Mitchell y P.J. Voeten también son los productores, mientras que Brendan McCarthy y Nico Lathouris también son acreditados como escritores, y está protagonizada por Tom Hardy, Charlize Theron, Nicholas Hoult, Hugh Keays-Byrne, Rosie Huntington-Whiteley, Riley Keough, Zoë Kravitz, Abbey Lee y Courtney Eaton; es la cuarta entrega de la saga Mad Max, la cual incluyen: Mad Max (1979), Mad Max 2: The Road Warrior (1981) y Mad Max 3: Beyond Thunderdome (1985), siendo esta una continuación de la saga.




Confieso que a la fecha no he visto las ter primera películas, es más estaba en dudas si ir o no ir al cine pues no me gusta ver las sagas incompletas; sin embargo cambié de opinión debido a que la película tenía muy buena aceptación y a que un amigo me comentó que no necesitaba ver las anteriores para entender este film; así que fui al cine y la pasé muy bien. La película es 100% acción que tiene muy pocos espacios para los momentos tranquilos, destacando las actuaciones de los protagonistas: Max (Thom Hardy, que remplaza a Mel Gibson el cual interpretó a este personaje en las tres primeras sagas) un típico anti héroe, callado, rebelde y solitario, diestro en las armas y en la mecánica; Furiosa (Charlize Theron) la heroína (o mejor dicho la anti heroína) que creo que fue la que se robó la película debido que tiene una actuación memorable, Nux (Nicholas Hoult) que termina siendo un factor importante en el desenlace del trama y el Immortan Joe (Hugh Keays-Byrne) el villano principal, curiosamente Keays-Byrne también interpretó al villano principal de la primera película de Mad Max en 1979, y además debo de agregar a los automóviles que también son los protagonistas ya que ellos marcan la acción acelerándola o frenándola según las necesidades del trama ya que la velocidad es un factor clave y las coreografías sobre ruedas es simplemente fabulosa; otro factor es el ambiente que crea George Miller un mundo post apocalíptico, en un desierto inhóspito y hostil con recursos escasos, y en donde la esperanza y desolación conviven, convirtiéndose en otro motor para los protagonistas, en buscas de lo más preciado que tiene un ser humano: Su libertad.




Sin duda una novela épica sobre ruedas, en donde la acción no se esconde en ningún momento, en donde la sangre con el agua y la gasolina confluyen formando un río torrencial de pasiones, un melodrama distópico situado en una sociedad pavorosa en donde el hoy puede ser el último día y en donde el mañana simplemente no existe.





Etiquetas: [Climas]  [Enrica Pérez]  
Fecha Publicación: 2015-06-16T21:55:00.001-07:00
"A las mejores amigas les viene al mismo tiempo"


Climas es una película peruana dirigida por Enrica Pérez siendo su opera prima, escrita por Enrica Pérez y Matías Vega, producida por Enid Campos, cuenta con las actuaciones de Claudia Ruiz del Castillo, Fiorella De Ferrari y María Unocc; la película narra 3 historias de 3 mujeres que habitan en diferentes lugares del país.




Climas nos muestra tres historias, inconexas entre sí, pero situado en un mismo país el Perú, en diferentes regiones geográficas de este variado país sudamericano, antes de continuar, para los extranjeros les daré una pequeña, rápida y facilista clase de geografía peruana, el país está divido en tres regiones geográfica: la costa que en su mayoría es árida y desierta, la andina (erróneamente llamada sierra) donde está la cordillera de los andes que generalmente son frías y secas; y la selva que es calurosa y tropical, ya que estas regiones son escenario de estas historias. La primera historia está situada en la región selvática, más específicamente en la calurosa ciudad de Pucallpa, en donde Eva (Claudia Ruiz del Castillo) una niña comienza a tener cambios en su cuerpo, como la primera menstruación, así mismo empieza a florecer su sexualidad en esta región tropical; en la segunda historia tenemos a Victoria (Fiorella De Ferrari ) una limeña de alta sociedad fría y gris como la capital del Perú que esconde un secreto que no la deja en paz, y la tercera historia nos muestra a Zoraida (María Unocc) una anciana que vive en una desolada comunidad andina del departamento de Ancash que se re encuentra con su hijo luego de un largo periodo. Tres historias que nos hacen viajar por el Perú y ver los bellos y distintos paisajes de este país, conocer sus diferentes idiosincrasias y estado de ánimo que están muy relacionados al clima de cada uno de las zonas ya mencionadas, ya que este influye en el carácter de las protagonistas y en el devenir de las historias; así como esta es un viaje interno a través de las etapas del ser humano (en este caso las mujeres) adolescencia, adultez y vejez, mostrando los problemas que tienen las mujeres sin importar su procedencia o condición social; otro factor que creo ha pasado desapercibido es que también tiene una línea de tiempo muy importante en el desarrollo del trama y que une de una forma invisible las historias, me refiero al tiempo en el cual se desarrolla las historias, que es las elecciones presidenciales del año 2011, más específicamente desde el debate antes del ballotage hasta el juramento del presidente, un momento de incertidumbre e intolerancia que se vivió en todo el país y que según muchos analistas políticos fue uno de los momentos en el cual el Perú estuvo más dividido. 




Lo que más rescato del film es la naturalidad y sencillez de este, tratando temas delicados y sensibles de una forma cotidiana sin llegar a herir susceptibilidades y sobre todo sin caer en facilismos; su punto en contra (a mi opinión) es que por momentos la narrativa se vuelve algo lenta, tediosa y minimalista ya que tiene cambios de ritmos muy abruptos, luego no tengo “quejas”.









Etiquetas: [Alex Garland]  [Ex Machina]  
Fecha Publicación: 2015-06-09T22:27:00.000-07:00
"Isn't it strange, to create something that hates you?"


Ex Machina es una película británica de suspenso y ciencia ficción dirigida y escrita por Alex Garland, producida por Andrew Macdonald y Allon Reich, cuenta con las actuaciones de Domhnall Gleeson, Alicia Vikander, Sonoya Mizuno y Oscar Isaac, el score está a cargo de Ben Salisbury y del integrante de la banda británica Portishead Geoff Barrow.






Si bien es cierto los tramas sobre el conflicto de la inteligencia artificial y la inteligencia humana son temas ya trillados en la historia del cine, no significa que se hagan cosas interesantes a través de esta premisa, sin embargo creo yo que Alex Garland crea una historia interesante e intensa a partir de esta premisa; todo comienza cuando Caleb (Domhnall Gleeson) un trabajador de una multinacional del Internet es seleccionado para participar en un experimento en la finca de su jefe Nathan (Oscar Isaac) que consiste en hacer el test de Turing a una sexy androide femenina Ava (Alicia Vikander), a partir de allí se empieza a hilvanar los sucesos de la película, en donde las dudas, deseos, manipulación y secretos se apoderan de cada uno de los protagonistas comenzando así los complots para que cada uno de ellos pueda obtener lo que está buscando, a costa del otro. Con este film Garland muestra que es capaz de crear una historia consistente a través de un guion milimétricamente detallado, en un ambiente frío y cerrado que genera una sensación de soledad y claustrofobia, en donde expone el uso casi adictivo del hombre hacia la Internet “¿nosotros usamos la Internet o la Internet nos usa a nosotros?” es a mi opinión la gran pregunta planteada en la película, asimismo vemos la humanización de las maquinas como la maquinización del hombre, como cada uno puede obtener los defectos y la frialdad del otro para desorientarnos y apartándonos (o mejor dicho apresándonos) de la realidad.






Quizás se trate de un film apocalíptico (o profético para algunas personas), quizás otros lo vean como ficción, pero de algo estoy seguro que este film no te dejará indiferente, ya que su entorno gélido llega a ser realmente funesto y el interactuar de los personajes demuestra el ocaso de los humanos como especie, un film exquisito que puede ser degustado si te gusta la ciencia ficción o los thrillers psicológicos.




Etiquetas: [Blind]  [Ellen Dorrit Petersen]  [Eskil Vogt]  [Vera Vitali]  
Fecha Publicación: 2015-05-24T19:27:00.001-07:00


Blind es una película noruega dirigida y escrita por Eskil Vogt, producida por Sigve Endresen y Hans-Jørgen Osnes, cuenta con las actuaciones de Ellen Dorrit Petersen, Henrik Rafaelsen, Vera Vitali y Marius Kolbenstvedt, narra la historia de Ingrid una mujer que está quedando ciega y se refugia en la seguridad de su hogar; esta película ha sido galardonada en el festival Sundance y el festival de Berlín.





Blind es una película extraña, poco convencional, enigmática, llena de metáforas y cargada de emociones; Ingrid (Ellen Dorrit Petersen) es una mujer que está quedando ciega, y decide encerrarse en su departamento; atrapada en ella misma, negando a salir sintiéndose segura en su casa, mientras que desarrolla frustraciones y fobias, por otro lado su cónyuge Morten (Henrik Rafaelsen) intenta ayudarla a salir de esa burbuja pero sólo tiene respuestas negativa; luego tenemos a su vecina que es una madre soltera Elin (Vera Vitali) la cual Ingrid imagina que tiene una aventura con su marido, y a Elinar (Marius Kolbenstvedt) un viejo amigo de Morteny que observa por las noches a Elin. En este film la realidad con la imaginación de Ingrid (esta última está escribiendo en una historia en su Mac que se refleja en la cotidianidad) interactúan a partir de sus monstruos internos creando supuestos en los que aparentemente confunden al espectador, ya que el objetivo de esta es que el público la perciba tal y como lo hace una persona ciega (si lo se suena algo descabellado) ya que cada momento se presentan nuevas historias que están relacionadas con el trama principal y hace difícil adelantarse a los hechos, ya que Blind puede ser interpretada como la metáfora a estar encerrado en uno mismo mientras suceden cosas “interesantes” en el exterior, auto aislándonos de la realidad, y a pesar de que la imaginación humana es una herramienta fabulosa, mal usada puede ser peligroso.





Como dije al principio Blind no es una película fácil y mucho menos para todos, ya que tiene escenas muy fuertes (pornográficas) y a pesar de ser un film sensorial tiene un alto grado de frialdad como el temperamento escandinavo, su lenguaje es directo y a la vez por momentos es enigmático, Vogt demuestra su capacidad de crear una historia que aparentemente es pretenciosa sin embargo el sale bien parado, ya que ha demostrado que sabe utilizar las diferentes herramientas y deleitarnos con un film inteligente y confuso.






Etiquetas: [Andréi Zviáguintsev]  [Elena Lyadova]  [Leviathan]  [Rusia]  
Fecha Publicación: 2015-05-13T19:52:00.001-07:00
“Вся власть от Бога. Там, где есть власть, есть мощь.”



Leviathan (en ruso: Левиафан, Leviafan) es una película de Rusia dirigida por Andréi Zviáguintsev, producida por Alexander Rodnyansky, escrita por Oleg Negin y Andréi Zviáguintsev, cuenta con las actuaciones de Aleksei Serebryakov, Elena Lyadova, Vladimir Vdovichenkov y Roman Madyanov; es un drama que cuenta la historia de cómo un hombre lucha por conservar su hogar ante el corrupto alcalde del pueblo; y es considerada como una de las mejores películas rusas del 2014.




Leviathan es una película completa y compleja, cargada de simbolismos que no hacen más que enriquecer el trama; para empezar está el título del film, ya que Leviatan es una criatura bíblica una bestia marina asociada a Satanás, que representan los problemas a los cuales están expuesto esta familia disfuncional: padre alcohólico, hijo rebelde, madrastra que trata de ser escuchada; ya que el corrupto alcalde del pueblo quiere comprar su casa a un precio ridículo, y vemos los vanos esfuerzos de como ellos desean recuperar su propiedad; en donde las amistades no son lo que parecen (no todo el que te sonríe, tiene intenciones de ser tu amigo; dice una frase célebre) vemos traiciones e intereses oculto, de este modo Zviáguintsev muestra las corrupción rusa (en realidad se puede tratar de cualquier país del mundo) el desenfreno del poder y dinero, de la hipocresía y la falsa moral (simbolizada principalmente en el sacerdote ortodoxo), y el abuso del alcohol ya que se muestra que muchos utilizan ese medio para solucionar (o mejor dicho olvidar) los problemas. Una crítica a la sociedad y sistema ruso, donde ninguno es 100% inocente, ya que todos se valen de artimañas para obtener lo que desean.




Un flim lento donde el director juega con las emociones del espectador, trágico por momentos, cómico muy pocas veces, amargo como un primer sorbo de vodka pero espléndido en las imágenes, frío como el carácter de los rusos (al menos el estereotípico) pero bello como las mujeres y sobre todo espléndido como sus paisajes; sin ninguna duda lo más atractivo de la película son sus escenas no vistas (infidelidad, pelea, suicidio) que genera espasmo al estupor al observador ya que permite trabajar a la imaginación, y para acabar la alegoría a la historia bíblica de Job es precisa ya que este trabajo se puede interpretar como una adaptación moderna a esta historia, un trabajo brillante.





Etiquetas: [Captain America]  [Comics]  [Hawkeye]  [Hulk]  [Iron Man]  [Joss Whedon]  [Marvel Comics]  [Quicksilver]  [Satn Lee]  [Scarlet Johansson]  [Scarlet Witch]  [The Avengers Age of Ultron]  [Thor]  [Ultron]  [Vision]  
Fecha Publicación: 2015-05-05T07:26:00.000-07:00
"If you step out that door, you're an Avenger."



The Avengers: Age of Ultron es una película de acción/fantasía/superhéroes de los EE.UU. dirigida y escrita por Joss Whedon, producida por Kevin Feige, está basada en el comic The Avengers de Stan Lee y Jack Kirby de la empresa Marvel Comics, y tiene un reparto coral que incluye a: Robert Downey Jr., Chris Hemsworth, Mark Ruffalo, Chris Evans, Scarlett Johansson, Jeremy Renner, Don Cheadle, Aaron Taylor-Johnson, Elizabeth Olsen, Paul Bettany, Cobie Smulders, Anthony Mackie, Hayley Atwell, Idris Elba, Stellan Skarsgård, James Spader y Samuel L. Jackson; es la secuela de The Avengers, y está situada en el Universo Filmico de Marvel.




¡Me gusta leer comics!, a pesar de que ya no los lea como antaño, siempre me doy un pequeño tiempo para hacerlo, por eso siempre estoy al tanto de las adaptaciones cinematográficas de este género, es cierto no todas resultan buenas o no todas terminan siendo de mi agrado, también entiendo que los directores no puedan plasmar en dos horas estos universos extensos tomándose algunas libertades que no siempre complacen a los fans de este género; Marvel Comics tiene a Marvel Studios para producir y coproducir las películas basadas en sus comics así tener el control total (tanto creativo como monetario de estas), en esta panorama se crea el Universo Cinematográfico de Marvel en donde la mayoría de sus títulos están en la misma línea espacio/tiempo además de tener una relación entre las películas, para facilitando así los crossover, también han dividido su películas en fases la primera ya acabó con los suceso de The Anvengers, la segunda está a punto de acabar e incluye los siguientes títulos: Iron Man 3, Thor 2: The Dark World, Captain America: The Winter Soldier, Guardians of the Galaxy, su más reciente estreno The Avengers: Age of Ultron y Ant-Man que será estrenada en Julio del presente año; ahora si después de una larga pero creo que necesaria introducción me centraré en The Avengers: Age of Ultron.





La película no sé si es mejor que su antecesora, eso creo que va a depender de los gustos de cada uno, pero hay algo bien claro, que a pesar de que una es secuela de la otra, ambas películas son distintas, está es más oscura, más dramática y tiene más acción, sin dejar de lado los pequeños toques de humor e ironía (esos aspectos están entre líneas y son contados), de una forma tiene la misma estructura narrativa que Captain America: The Winter Soldier (nota mental, siempre me voy a arrepentir de no haber escrito unas líneas de esa película en este blog); así mismo explora más el lado psicológico de los personajes, mostrando sus miedos, deseos y traumas; además de que permite crear sub tramas como las de Hawkeye y de Hulk que tal vez puedan derivar en próximas películas de esos personajes (aclaro Marvel no tiene planificado hacer películas de estos dos personajes, sin embargo dejaron una puerta abierta; sólo nos queda esperar), también la película introduce nuevos personajes por lo cual el universo se alarga y son necesarios para los próximos largometrajes que ya han sido anunciados, otro punto es que nos muestra que no todo es color rosa ya que los choques de egos y objetivos están presentes a lo largo del desarrollo del film, abriendo camino así a sus próximas entregas; en el tema de los efectos especiales cada vez se están superando debido a que estos espectaculares ya que están por encima de sus anteriores entregas, así como las música del gran Danny Elfman son el acompañamiento ideal para el desarrollo del film, en otras palabras la película cumple y con creces.