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Etiquetas: [Blind]  [Ellen Dorrit Petersen]  [Eskil Vogt]  [Vera Vitali]  
Fecha Publicación: 2015-05-24T19:27:00.001-07:00


Blind es una película noruega dirigida y escrita por Eskil Vogt, producida por Sigve Endresen y Hans-Jørgen Osnes, cuenta con las actuaciones de Ellen Dorrit Petersen, Henrik Rafaelsen, Vera Vitali y Marius Kolbenstvedt, narra la historia de Ingrid una mujer que está quedando ciega y se refugia en la seguridad de su hogar; esta película ha sido galardonada en el festival Sundance y el festival de Berlín.





Blind es una película extraña, poco convencional, enigmática, llena de metáforas y cargada de emociones; Ingrid (Ellen Dorrit Petersen) es una mujer que está quedando ciega, y decide encerrarse en su departamento; atrapada en ella misma, negando a salir sintiéndose segura en su casa, mientras que desarrolla frustraciones y fobias, por otro lado su cónyuge Morten (Henrik Rafaelsen) intenta ayudarla a salir de esa burbuja pero sólo tiene respuestas negativa; luego tenemos a su vecina que es una madre soltera Elin (Vera Vitali) la cual Ingrid imagina que tiene una aventura con su marido, y a Elinar (Marius Kolbenstvedt) un viejo amigo de Morteny que observa por las noches a Elin. En este film la realidad con la imaginación de Ingrid (esta última está escribiendo en una historia en su Mac que se refleja en la cotidianidad) interactúan a partir de sus monstruos internos creando supuestos en los que aparentemente confunden al espectador, ya que el objetivo de esta es que el público la perciba tal y como lo hace una persona ciega (si lo se suena algo descabellado) ya que cada momento se presentan nuevas historias que están relacionadas con el trama principal y hace difícil adelantarse a los hechos, ya que Blind puede ser interpretada como la metáfora a estar encerrado en uno mismo mientras suceden cosas “interesantes” en el exterior, auto aislándonos de la realidad, y a pesar de que la imaginación humana es una herramienta fabulosa, mal usada puede ser peligroso.





Como dije al principio Blind no es una película fácil y mucho menos para todos, ya que tiene escenas muy fuertes (pornográficas) y a pesar de ser un film sensorial tiene un alto grado de frialdad como el temperamento escandinavo, su lenguaje es directo y a la vez por momentos es enigmático, Vogt demuestra su capacidad de crear una historia que aparentemente es pretenciosa sin embargo el sale bien parado, ya que ha demostrado que sabe utilizar las diferentes herramientas y deleitarnos con un film inteligente y confuso.






Etiquetas: [Andréi Zviáguintsev]  [Elena Lyadova]  [Leviathan]  [Rusia]  
Fecha Publicación: 2015-05-13T19:52:00.001-07:00
“Вся власть от Бога. Там, где есть власть, есть мощь.”



Leviathan (en ruso: Левиафан, Leviafan) es una película de Rusia dirigida por Andréi Zviáguintsev, producida por Alexander Rodnyansky, escrita por Oleg Negin y Andréi Zviáguintsev, cuenta con las actuaciones de Aleksei Serebryakov, Elena Lyadova, Vladimir Vdovichenkov y Roman Madyanov; es un drama que cuenta la historia de cómo un hombre lucha por conservar su hogar ante el corrupto alcalde del pueblo; y es considerada como una de las mejores películas rusas del 2014.




Leviathan es una película completa y compleja, cargada de simbolismos que no hacen más que enriquecer el trama; para empezar está el título del film, ya que Leviatan es una criatura bíblica una bestia marina asociada a Satanás, que representan los problemas a los cuales están expuesto esta familia disfuncional: padre alcohólico, hijo rebelde, madrastra que trata de ser escuchada; ya que el corrupto alcalde del pueblo quiere comprar su casa a un precio ridículo, y vemos los vanos esfuerzos de como ellos desean recuperar su propiedad; en donde las amistades no son lo que parecen (no todo el que te sonríe, tiene intenciones de ser tu amigo; dice una frase célebre) vemos traiciones e intereses oculto, de este modo Zviáguintsev muestra las corrupción rusa (en realidad se puede tratar de cualquier país del mundo) el desenfreno del poder y dinero, de la hipocresía y la falsa moral (simbolizada principalmente en el sacerdote ortodoxo), y el abuso del alcohol ya que se muestra que muchos utilizan ese medio para solucionar (o mejor dicho olvidar) los problemas. Una crítica a la sociedad y sistema ruso, donde ninguno es 100% inocente, ya que todos se valen de artimañas para obtener lo que desean.




Un flim lento donde el director juega con las emociones del espectador, trágico por momentos, cómico muy pocas veces, amargo como un primer sorbo de vodka pero espléndido en las imágenes, frío como el carácter de los rusos (al menos el estereotípico) pero bello como las mujeres y sobre todo espléndido como sus paisajes; sin ninguna duda lo más atractivo de la película son sus escenas no vistas (infidelidad, pelea, suicidio) que genera espasmo al estupor al observador ya que permite trabajar a la imaginación, y para acabar la alegoría a la historia bíblica de Job es precisa ya que este trabajo se puede interpretar como una adaptación moderna a esta historia, un trabajo brillante.





Etiquetas: [Captain America]  [Comics]  [Hawkeye]  [Hulk]  [Iron Man]  [Joss Whedon]  [Marvel Comics]  [Quicksilver]  [Satn Lee]  [Scarlet Johansson]  [Scarlet Witch]  [The Avengers Age of Ultron]  [Thor]  [Ultron]  [Vision]  
Fecha Publicación: 2015-05-05T07:26:00.000-07:00
"If you step out that door, you're an Avenger."



The Avengers: Age of Ultron es una película de acción/fantasía/superhéroes de los EE.UU. dirigida y escrita por Joss Whedon, producida por Kevin Feige, está basada en el comic The Avengers de Stan Lee y Jack Kirby de la empresa Marvel Comics, y tiene un reparto coral que incluye a: Robert Downey Jr., Chris Hemsworth, Mark Ruffalo, Chris Evans, Scarlett Johansson, Jeremy Renner, Don Cheadle, Aaron Taylor-Johnson, Elizabeth Olsen, Paul Bettany, Cobie Smulders, Anthony Mackie, Hayley Atwell, Idris Elba, Stellan Skarsgård, James Spader y Samuel L. Jackson; es la secuela de The Avengers, y está situada en el Universo Filmico de Marvel.




¡Me gusta leer comics!, a pesar de que ya no los lea como antaño, siempre me doy un pequeño tiempo para hacerlo, por eso siempre estoy al tanto de las adaptaciones cinematográficas de este género, es cierto no todas resultan buenas o no todas terminan siendo de mi agrado, también entiendo que los directores no puedan plasmar en dos horas estos universos extensos tomándose algunas libertades que no siempre complacen a los fans de este género; Marvel Comics tiene a Marvel Studios para producir y coproducir las películas basadas en sus comics así tener el control total (tanto creativo como monetario de estas), en esta panorama se crea el Universo Cinematográfico de Marvel en donde la mayoría de sus títulos están en la misma línea espacio/tiempo además de tener una relación entre las películas, para facilitando así los crossover, también han dividido su películas en fases la primera ya acabó con los suceso de The Anvengers, la segunda está a punto de acabar e incluye los siguientes títulos: Iron Man 3, Thor 2: The Dark World, Captain America: The Winter Soldier, Guardians of the Galaxy, su más reciente estreno The Avengers: Age of Ultron y Ant-Man que será estrenada en Julio del presente año; ahora si después de una larga pero creo que necesaria introducción me centraré en The Avengers: Age of Ultron.





La película no sé si es mejor que su antecesora, eso creo que va a depender de los gustos de cada uno, pero hay algo bien claro, que a pesar de que una es secuela de la otra, ambas películas son distintas, está es más oscura, más dramática y tiene más acción, sin dejar de lado los pequeños toques de humor e ironía (esos aspectos están entre líneas y son contados), de una forma tiene la misma estructura narrativa que Captain America: The Winter Soldier (nota mental, siempre me voy a arrepentir de no haber escrito unas líneas de esa película en este blog); así mismo explora más el lado psicológico de los personajes, mostrando sus miedos, deseos y traumas; además de que permite crear sub tramas como las de Hawkeye y de Hulk que tal vez puedan derivar en próximas películas de esos personajes (aclaro Marvel no tiene planificado hacer películas de estos dos personajes, sin embargo dejaron una puerta abierta; sólo nos queda esperar), también la película introduce nuevos personajes por lo cual el universo se alarga y son necesarios para los próximos largometrajes que ya han sido anunciados, otro punto es que nos muestra que no todo es color rosa ya que los choques de egos y objetivos están presentes a lo largo del desarrollo del film, abriendo camino así a sus próximas entregas; en el tema de los efectos especiales cada vez se están superando debido a que estos espectaculares ya que están por encima de sus anteriores entregas, así como las música del gran Danny Elfman son el acompañamiento ideal para el desarrollo del film, en otras palabras la película cumple y con creces.




Etiquetas: [Song of the Sea]  [Tom Moore]  
Fecha Publicación: 2015-04-28T14:59:00.001-07:00
"My son, remember me in your stories and in your songs. 
Know that I will always love you, always."


Song of the Sea es una película animada irlandesa dirigida por Tom Moore, producida por Paul Young y Claus Toksvig Kjaer, escrito por Will Collins; está protagonizada por David Rawle, Brendan Gleeson, Fionnula Flanagan, Lisa Hannigan, Lucy O'Connell, Jon Kenny, Pat Shortt, Colm Ó Snodaigh, Liam Hourican y Kevin Swierszcz, esta película estaba basada en el mito de los selkies muy popular en la cultura Celta.




Estamos frente a una película fantástica de principio a fin, en donde se muestra parte del folklore irlandés plasmado dentro un ambiente familiar; es la historia de Ben que no quiere a su hermana Saoirse la cual no habla y nació el día en que Bronagh (su madre) desapareció, ambos viven con Connor (su padre) en un faro, sin embargo en el cumpleaños número 6 de Saoirse descubre que ella es una selkie, su padre temiendo que ella tenga el mismo destino que su madre decide acceder a los pedidos de su abuela para que ambos niños vivan en la ciudad, luego cuando los niños deciden regresar al faro viven una aventura real maravillosa, en donde se revela el origen mágica de Saoirse; la mitología y costumbres irlandesas están muy bien plasmadas en este largometraje, sobre todo el mito de los selkies (si desean saber más de este mito por favor hacer click acá) así vemos otros seres míticos de ese país como los elfos, enanos, hechiceras y ogros; también Moore muestra costumbres irlandesas como el fervor católico de su población (recordemos que Irlanda tuvo una guerra religiosa contra Inglaterra ya que estos defendían su fe católica, frente al anglicanismo), así como la presencia de bares (vamos los irlandeses tiene fama de bebedores).




Sin duda Moore logra plasmar un mundo mágico, rescatando la espiritualidad y las tradiciones de su pueblo, esta historia que está representada como una fábula familiar, que expone muchos temas que pueden ser cliché: familia donde sólo hay una autoridad, celos de hermanos, historia oculta del origen de la madre, la abuela que quiere llevarse a los nietos; en fin temas que han sido tratados de diferentes formas a lo largo de la historia (no solamente en el cine) sin embargo creo que acá está el mérito de Moore que supo plasmar una historia minuciosa llena de detalles, con muchos momentos de bellezas, y que si te dejas llevar puede golpearte en las entrañas; ya que los sentimiento sobre todo el amor (o la búsqueda de este) están presentes a lo largo del film, ya que sin los sentimientos y las emociones nosotros seríamos seres de piedras, grises y fríos.




Etiquetas: [Jennifer Kent]  [The Babadook]  
Fecha Publicación: 2015-04-20T22:10:00.001-07:00
"I have moved on. I don't mention him. I don't talk about him"



The Babadook es una película de terror de Australia está dirigida y escrita por Jennifer Kent; producida por Kristina Ceyton y Kristian Moliere; cuenta con las actuaciones estelares de,  Essie Davis, Noah Wiseman, Daniel Henshall, Hayley McElhinney, Barbara West y Ben Winspear, la película está inspirada en el corto Monster (2005) de la misma Kent, es considerado una de las mejores películas de terror del 2014 y fue galardonada con el premio del público en el Festival Sundace 2014





Las películas de terror creo yo que tiene un objetivo principal, que es la de causar miedo, si una película de este género cumple con ese objetivo habrá pasado la primera y la más difícil de las vallas; bajo esta premisa The Babadook cumple; pues hizo que este su humilde servidor tenga miedo y que al menos por una noche no duerma bien; esto se debe a que la película juega con la mente del espectador creando incertidumbre sobre el devenir de la misma, así como cuenta con buenas actuaciones: Amelia Vannick (Essie Davis) y Samuel Vannick (Noah Wiseman), este último me sorprendió ya que se trata de un actor joven que tiene toda una carrera por delante; los detalles mencionados anteriormente son producto de una sola persona: Jennifer Kent directora y guionista de esta película, que con tan sólo dos actores y utilizando la lógica de los acontecimientos que es básica de los clásicos del terror, logra realizar su opera prima y salir airosa, la alumna del gran Lars von Trier realiza una película que creo yo será considerada como de culto no sólo para los amantes del cine del terror.





Kent logra plasmar un ambiente tétrico y lúgubre, creando suspenso en los momentos que son necesarios, juega tanto con la historia del cuento Mr. Babadook sino también con los monstruos internos de los personajes, creando un ambiente de fantasía macabra pero al mismo tiempo aborda temas cotidianos, ya que esta película (creo yo) trata de asustarnos ya sea atreves la fantasía o de la realidad.




Etiquetas: [Mommy]  [Xavier Dolan]  
Fecha Publicación: 2015-04-12T23:03:00.002-07:00
"Le monde est un lieu où il n'y a pas beaucoup d'espoir."



Mommy es una película canadiense, dirigida y escrita por Xavier Dolan, y producida por el mismo Dolan y Nancy Grant, cuenta con las actuaciones de Anne Dorval, Antoine-Olivier Pilon y Suzanne Clément, ambientada en un Canadá ficticio, y narra las relaciones de una madre con su hijo problemático.





Xavier Dolan, es sin duda el futuro, mejor dicho el presente del cine franco canadiense, que a sus cortos 26 años ya tiene 5 largometrajes en su currículo, su más reciente trabajo se titula “Mommy” ambientada en una Canadá ficticia se aprueba una ley que permite que los padres incapaces de controlar a sus hijos problemáticos les internen en un centro especial. Sin embargo Diane "Die" Després (Anne Dorval) una madre viuda y sub empelada decide hacerse cargo su hijo un adolescente problemático llamado Steve (Antoine-Olivier Pilon) el cuál padece de TDAH (Trastorno por déficit de atención con hiperactividad), así mismo Steve puede llegar a ser violento (incluso con su propia madre), luego conocen a Kyla (Suzanne Clément) le ofrece su ayuda en la difícil tarea de educar a su hijo; iniciando así una especie de “triángulo amoroso” entre los tres personajes, que van desnudando sus sentimientos, medios y alegrías; estamos ante un drama oscuro, intenso, real, y sin embargo al mismo tiempo (por momentos) tierno, donde vemos las relaciones de una familia disfuncional. En primer lugar a madre que lucha (hasta donde puede) por darle lo mejor a su hijo; de un hijo que a pesar de sus problemas ama a su madre y está dispuesto a ayudarla y reconquistar así ese amor materno, pero al mismo tiempo busca su libertad; ya que es un joven que está en la edad que las hormonas dominan su ser; y de una vecina que tiene su propia cruz: es tartamuda, y esta ayuda a la madre a que el hijo pueda re incorporarse a la sociedad.





Es uno de los trabajos más exquisitos de Dolan, que además la filmó de una manera nada convencional, ya que los cuadros utilizados ayudan un poco a jugar con las sensaciones que esta trasmite, por ejemplo el 1:1 (usado en casi todo el film) implica la limitación personal (que sienten los personajes a lo largo del metraje) y conlleva a que nuestra mente perciba que es una película vertical causando un conflicto visual ya que rompe con los paradigmas establecidos.




Etiquetas: [Inherent Vice]  [Paul Thomas Anderson]  
Fecha Publicación: 2015-04-02T17:27:00.001-07:00
"Inherent vice in a maritime insurance policy is anything that you can't avoid. 
Eggs break, chocolate melts, glass shatters, 
and Doc wondered what that meant when it applied to ex old ladies."



Ineherent Vice es una película de los EE.UU. dirigida por Paul Thomas Anderson, producida por JoAnne Sellar, Daniel Lupi y Paul Thomas Anderson, protagonizada por: Joaquin Phoenix, Josh Brolin, Owen Wilson, Katherine Waterston, Reese Witherspoon, Benicio del Toro, Jena Malone, Joanna Newsom, Maya Rudolph y Martin Short; esta basada en la novela homónima del novelista Thomas Pynchon.




Paul Thomas Anderson es uno de los directores actuales más creativos de las últimas décadas, esta vez explora el film noir tan de moda entre los años 30 y 50; Ineherent Vice es una película que capta lo mejor de Anderson; comenzando por el personaje principal Doc Sportello (Joaquín Phoenix) un investigador privado, adicto a las drogas; que vive en Los Angeles en los años 70’s (época de los hippies, alcohol, drogas, sexo, rock and roll , flower power, etc) en otras palabras es un viejo hippie, todo cambia cuando entra a escena su vieja “novia” Shasta (Katherine Waterston) que le pide ayudar a su amante que está desaparecido. Hasta allí quizás el argumento parece de una típica película de detectives, pero lo que resalta es la capacidad de Anderson de crear una maraña de personajes, el cual cada uno de ellos tiene un mundo interior, y sus historias se intercalan con la historia principal, haciéndola confusa, entretenida, oscura y enigmática al mismo tiempo.





Anderson logra plasmar la novela de Pynchon en la pantalla grande con maestría, además de crear personajes variopintos gracias a un reparto coral de actores, recrear California de los años 60s, destaca la fotografía que estuvo a cargo de Robert Elswit que crea escenas de gran belleza visual y la música a cargo de Jonny Greenwood de la banda británica Radiohead, así como de los clásicos de los años 60’s que ayudan a sumergirse en esa época agridulce, cabe mencionar que ambos son colaboradores habituales de Anderson. Sin duda la mezcla perfecta que dio como resultado una buena película, que vale la pena verla más de una vez.




Etiquetas: [Big Eyes]  [Tim Burton]  
Fecha Publicación: 2015-03-09T22:42:00.002-07:00
"The eyes are the windows of the soul… 
That’s why I paint them so big. I’ve always done it that way."


Big Eyes es una película de los EE.UU. dirigida por Tim Burton; producida por Tim Burton, Scott Alexander, Larry Karaszewski y Lynette Howell; escrita por Scott Alexander y Larry Karaszewski; protagonizado por Amy Adams, Christoph Waltz, Danny Huston, Jon Polito, Krysten Ritter, Jason Schwartzman y Terence Stamp; es una película biográfica sobre la pintora Margaret Keane que fue famosa durante los años 60’s, puesto que sus pinturas se caracterizaban por retratar personas con grandes ojos.

Trailer:





Yo soy un fan confeso de Tim Burton; Ed Wood es una de mis películas favoritas, en biopic sobre el “peor director de Hollywood” la antítesis del Rey Midas, en donde Burton muestra su capacidad como director siendo considerado como uno de los mejores de los años 90’s, sin embargo los tiempos cambian y Burton aparentemente está en un periodo en donde su creatividad ha bajado, con eso no quiero decir que su última película Big Eyes sea un bodrio, pero carece de la brillantez característica de Burton.





Empecemos por el argumento, Big Eyes es un biopic, sobre la pintora Margaret Keane (Amy Adams) su trabajo es conocido por presentar a personajes con grandes ojos, y que tuvo una querella judicial con su esposo en los años 60’s Walter Keane (Christoph Waltz) debido a que este último se quedaba con todo el crédito de su trabajo, y además era víctima de violencia psicológica, en esta parte creo que Burton cumple, recrea la historia tal como es, con algunos detalles de su imaginación, pero no hay nada sobresaliente; sobre las actuaciones creo que es lo más sobresaliente que tiene la película tanto Amy Adams como Christoph Waltz hicieron papeles para el recuerdo, Waltz no creo que haya sorpresa pues ya mostró sus dotes histriónicos en dos películas de Quentin Tarantino: Inglourious Basterds y Django Unchained; acá no hace más que reforzar lo que ya había mostrado, plasmando un villano difícil de odiar, personificando de una manera brillante a un personaje difícil; por otro lado Amy Adams estuvo también a la altura al recrear a otro personaje complicado, logrando captar la esencia de un personaje sumiso, en donde huir siempre fue su salida, pero poco a poco vemos como esta evoluciona y como Adams plasma dicha evolución en las diferentes escenas.




A pesar de ser un historia buena, contar con actores buenos, y ser un director renombrado, la película como que le falta algo, le falta ese toque macabro, tétrico y lúgubre que tienes las películas de Burton, le faltó oscuridad, le ausencia de lo fúnebre es chocante, es una película normal, si bien es cierto tiene momentos buenos, no llegan nunca al climax, haciéndola plana y monótona, además como que Burton descuido mucho la escenografía y fotografía por momentos pensé que utilizó la misma escenografía que Edward Scissorhands y eso me parece algo raro en un director cuya característica es crear ambientes adecuados en cada una de sus películas; en la parte musical Danny Elfman cumple, pero creo que la que se lleva las palmas es Lana del Rey
En si una película promedio, que no es mala, pero tratándose de Burton uno siempre espera más.


Etiquetas: [Damián Szifron]  [Relatos Salvajes]  
Fecha Publicación: 2015-02-27T16:29:00.002-08:00
"Los que trabajan para delincuentes… ¿qué son? ¿son delincuentes?"



Relatos Salvajes es una película de la Argentina dirigida y escrita por Damián Szifron; producida por Hugo Sigman, Pedro Almodóvar, Agustín Almodóvar, Esther García, Matías Mosteirín, Claudio Belocopitt y Gerardo Rozín; y protagonizada por Ricardo Darín, Oscar Martínez, Leonardo Sbaraglia, Érica Rivas, Rita Cortese, Julieta Zylberberg, Darío Grandinetti entre otros.

Trailer:







Relatos Salvajes son 6 historias, que fluctúan entre la comedia y el drama; 6 historias que son el reflejo de nuestra sociedad actual, una sociedad estresante, sin ética ni moral, en donde la justicia principalmente obedece a los interés monetarios, y sobre todo violenta; y es justo la violencia es el hilo conductor de estas historias, si en si a primera instancia nos muestras personas comunes, pronto vemos que estas tienen un carga sociópata intrínseca, y por ende la violencia es el medio de desfogue de está, como mencioné todas las historias tienen un trama violento en donde la venganza es el principal motor para cometer estos crímenes o delitos. Szifrón logra plasmar historias ágiles, directas y sin tapujos, en donde cada una tiene su propio trasfondo, logrando en poco tiempo en que estas se desarrollan crear distintos universos rico de situaciones, personajes, acciones y diálogos; acompañado claro de actuaciones espléndidas.




Como mencioné antes Szifrón plasma la violencia actual en la que vive no solo su Argentina natal, sino creo que la mayoría de países del globo, con personajes que se los puede catalogar como unos granujas sin importar su condición socio-económico-cultural-étnica pues desde el que maneja un Audi último modelo hasta la cocinera de un restaurante ubicado en medio de la autopista logran soltar su lado más salvaje y (discúlpenme la expresión) más mierda que el ser humano puede poseer.




Etiquetas: [Dan Gilroy]  [Nightcrawler]  
Fecha Publicación: 2015-02-17T15:14:00.001-08:00
"My motto is if you want to win the lottery you've got to make money to get a ticket."



Nightcrawler es una película dirigida y escrita por Dan Gilroy (siendo su ópera prima), producida por Jennifer Fox, Tony Gilroy, Michel Litvak, Jake Gyllenhaal y David Lancaster, protagonizada por Jake Gyllenhaal, Rene Russo, Riz Ahmed y Bill Paxton; cuenta la historia de Lou Bloom que vende noticias sensacionalista al canal donde labora Nina Romina.

Trailer:




Nightcrawler creo que es una de las obras más completas de esta década, en donde Dan Gilroy muestra hasta dónde puede llegar el ser humano por fama y fortuna, este film nos muestra la historia de Lou Bloom (Jake Gyllenhaal) un ser humano sin escrúpulos, es la típica persona en la que la “El fin justifica los medios” (frase atribuida a Maquiavelo) le cae como anillo al dedo; ya que se dedica a vender noticias amarillistas (especialmente en donde hay mucha sangre) al canal en donde trabaja Nina Romina (Rene Russo); ambos personajes son tal para cual mientras que Bloom busca dinero y no le interesa el medio que utiliza, Romina es una presentadora de noticias que solo le interesa el rating, conformando así una interesante simbiosis, en la que ambos querrán sacar provecho.




La crítica a los medios de comunicación es algo que está presente en esta película, ya que sintonizamos cualquier noticiero (o mejor dicho la mayoría de los noticieros) de cualquier país del mundo, vemos en su mayoría choques, robos, violaciones, atracos, chismes de farándula, etc. Y pocas veces vemos temas políticos, los cuales a mi opinión son lo principal que los medios deben exponer, lo más curiosos es que el consumidor le interesa conocer más de los primeros temas que de los segundos, y los medios al saber de eso utilizan una lógica básica del marketing: darle al consumidor lo que pide; por tal motivo en el mundo de las televisoras existen muchos “Nina Romina” cegados por el rating, personas que sólo le interesa las frías cifras del rating, puesto que eso significan más ingreso; así como también existen muchos “Lou Bloom” que son capaces de vender su alma al diablo tan sólo por conseguir dinero.




Una crítica bien plasmada, con dos personajes principales bien trabajados, en donde logra plasmar una jungla sin leyes, una comunidad sin respeto mutuo, un ambiente en donde el dinero es la única autoridad, y todo se puede lograr, así tenga que morir alguien, frío y cruel.



Etiquetas: [Deux Jours Une Nuit]  [JeanPierre Dardenne]  [Luc Dardenne]  [Marion Cotillard]  
Fecha Publicación: 2015-02-10T17:18:00.001-08:00
"Je ne veux pas que les enfants me voient pleurer."



Deux Jours, Une Nuit es una película belga-franco-italiana dirigida y escrita por los hermanos belgas Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne, producida por Luc Dardenne, Denis Freyd y Jean-Pierre Dardenne; protagonizado por Marion Cotillard, Fabrizio Rongione, Olivier Gourmet, Pili Groyne, Simon Caudry, Catherine Salée y Batiste Sornin, es considerada una de las mejores películas francófonas rodadas el 2014.

Trailer:








Para nadie es novedad que actualmente Europa está pasando en una crisis económica, y la falta de empleo cada vez aumenta en el viejo continente, los países más afectados son España y Grecia, la crisis ha agarrado a todos los miembros de la Comunidad Europea, y es obvio algunos países lo sientan más que otros; bajo esta premisa se desarrolla Deux Jours, Une Nuit el noveno film de los hermanos belgas Jean-Pierre y Luc Dardenne; la historia es simple, pues narra cómo Sandra (Marion Cotillard) una joven madre, que sufre de crisis nerviosa, ella trabaja en una fábrica de paneles solares, y durante su ausencia los directores se dieron cuenta que su puesto no era necesario, entonces sus compañeros entraron en votación para decidir si ella continuaba en su puesto de trabajo o si recibían un bono extra, al saber esto Sandra inicia una visita a cada uno de sus compañeros para que cambien de opinión ya que ella sólo cuenta con una semana para persuadirlos de que renuncien a sus bono para que mantenga su puesto de trabajo, iniciando así una carrera contra el reloj, para convencer a sus compañeros.





Una película realista, un drama tanto psicológico como sociológico, al tratar de un tema actual como la escases de trabajo y los problemas a los que conlleva como el stress y la depresión; otros de los temas que trata es sobre las necesidades personales y la de los terceros; ¿el compañerismo acaso tiene un límite? y acaso ¿mis necesidades son más importantes que tus necesidades? , es cierto todas tratamos de empujar agua hacia nuestro molino, pero ¿acaso eso es lo correcto?, todas esas dudas la tienen los protagonistas y coprotagonista a lo largo del film. Una película directa y efectiva, sin situaciones forzadas y con personajes bien desarrollados, en donde los directores logran captar la angustia y malestar de la clase trabajadora, un trabajo acorde a los tiempos actuales.




Etiquetas: [Alejandro González Iñárritu]  [Birdman or he Unexpected Virtue of Ignorance]  
Fecha Publicación: 2015-02-02T14:27:00.001-08:00
"Popularity is the slutty little cousin of prestige, my friend"



Birdman or (he Unexpected Virtue of Ignorance) es una película de los EE.UU. dirigida por el mexicano Alejandro González Iñárritu; producida por Alejandro González Iñárritu, John Lesher, Arnon Milchan y James W. Skotchdopole; escrita por Alejandro González. Iñárritu, Nicolás Giacobone, Alexander Dinelaris, Jr. y Armando Bo; protagonizado por Michael Keaton, Zach Galifianakis, Edward Norton, Andrea Riseborough, Amy Ryan, Emma Stone y Naomi Watts entre otros. Cuenta la historia de un actor famoso por realizar un personaje de un súper héroe, que sin embargo quiere realizar un papel más importante, antes de acabar con su carrera.

Trailer:




Creo que soy uno de los pocos que opina que “Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance)”; es una película sobrevalorada, y a pesar de ser una buena película, no me parece que sea una de las mejores del 2014, la historia no me atrajo, a pesar de tener momentos buenos, sobre todo las actuaciones de Michael Keaton y Edward Norton, además de tener un argumento de carácter filosófico con una fuerte crítica a las películas fáciles; sin embargo creo que le faltó algo, quizás sea en la parte actoral, ya que salvo Keaton y Norton, los otros papeles ni atan ni desatan (incluidas a Emma Stone y Naomi Watts), entendí la crítica hacia el público que prefiere las películas de súper héroes (o mejor dichos las películas fáciles, ya que hay muy buenas películas de ese género) sobre las películas que llevan una carga artística/psicológica más rica que estas, pero son este tipo de películas las que llenan las taquillas, mientras que las otras son olvidadas y pasan desapercibidas ante el ojo del espectador común y corriente; es allí donde entra Riggan Thomson interpretado magistralmente por Michael Keaton; quien encarnó a Batman en dos películas de Tim Burton: 'Batman' (1989) y 'Batman Returns' (1992); un actor cuyo venido a menos cuyo único reconocimiento fue de interpretar a un súper héroe llamado Birdman, que ahora quiere hacer un trabajo más serio y no ser recordado como un súper héroe.





Lo interesante es que “Birdman” vive dentro de Thomson, y siempre le está diciendo que vuelva a interpretarlo ya que el público prefiere la acción sin sentido a las tramas filosóficas, esto hace que el personaje tenga una rica dualidad y siempre tenga discusiones consigo mismo; de otro ladoMike Shiner (Edward Norton) encarga a un actor de Broadway un granuja, que le pone sabor a las dudas existenciales de Thomson. Otro punto a favor es la música: jazz neoyorquino en donde destacan las baterías, siempre están sonando de una forma majestuosa, en fin creo yo que a pesar de ser una buena película le faltó algo para que pueda ser redonda. 





Etiquetas: [Damien Chazell]  [Whiplash]  
Fecha Publicación: 2015-01-22T17:45:00.002-08:00

 Whiplash es una película de los EE.UU. dirigida y escrita por Damien Chazelle, producida por Jason Blum, Helen Estabrook, Michel Litvak y David Lancaster; protagonizada por Miles Teller, J. K. Simmons, Paul Reiser, Melissa Benoist, etc. Y narra la historia entre un aprendiz de música jazz y su profesor que tiene métodos poco ortodoxos para enseñar y motivar a sus alumnos.

Trailer: 







La pasión por la música está presente en la película, la batería el instrumento principal de la historia siempre está sonando, el jazz impone su presencia con la elegancia y vehemencia que lo caracteriza, sin duda una película grandilocuente que afirma la capacidad de Damien Chazelle que ya había dado señales de que sabe armar buenas historias con "Guy and Madeline on a Park Bench" del año 2009. Whiplash es la historia de Andrew Neiman (Miles Teller) un joven talentoso y empeñoso baterista que cursa el primer año en un instituto de jazz y su maestro Terence Fletcher (magníficamente interpretado por Jonathan Kimble "J. K." Simmons) este maestro le gusta desafiar a sus alumnos; con violencia psicológica y física incluida, para llevarlos al límite con el objetivo que estos puedan sacar lo mejor de cada uno, estos dos personajes se encuentran logrando plasmar; a ritmo de jazz, uno de los “dramas” más intensos del último año, en donde la intensidad está presente haciendo que el espectador mantenga interés en la historia los 107 minutos que tiene de metraje; el personaje de Fletcher es uno de los más ricos de esta década, un músico/profesor vil pero eficaz, sin llegar a hacer un personaje odioso.





Whipalsh es de las películas que cuando acaba la quieres volver a ver, y la que es difícil de olvidar, por el buen trabajo que Chazelle, tanto a la hora de elegir los protagonistas como en la de crear una historia redonda, en donde todo: guion, escenografía, montaje, fotografía y sonido; fueron revisados al más mínimo detalle; Chazelle dijo: “Quise hacer una película sobre música que se pareciera a una película bélica o a una película de mafiosos, donde los instrumentos representaran las armas y las palabras fueran tan violentas como las pistola" y vaya que lo logro.


 



Etiquetas: [Cannes]  [Kış Uykusu]  [Nuri Bilge Ceylan]  [Sueño de Invierno]  [Turquía]  [Winter Sleep]  
Fecha Publicación: 2015-01-15T19:11:00.002-08:00
"Pero tú, ¿no has tenido nunca remordimientos al ver a una mujer joven, con su vanidad, en buen estado de salud, disolverse en la vacuidad, el aburrimiento y el miedo?"



Kış Uykusu es una película de Turquía, dirigida por Nuri Bilge Ceylan, producida por Zeynep Özbatur Atakan y Sezgi Üstün, escrita por Nuri Bilge Ceylan y Ebru Ceylan, protagonizada por Haluk Bilginer, Demet Akbag, Melisa Sözen, Tamer Levent y Nejat Isler, esta película fue la ganadora del festival Cannes 2014 y sin duda es una de las mejores de ese año.

Trailer:







Estamos al frente de uno de los films más interesantes del año pasado, una historia que atrapa a pesar de su metraje (195 minutos) llena de conversaciones filosóficas en donde abordan temas como la moral y espiritualidad; la historia nos muestra a Aydin (Haluk Bilginer) un actor retirado, dueño de un hotel y propietario de terrenos que vive en el campo turco, se dedica a escribir artículos en el periódico local; él es distante con sus inquilinos y su actitud hacia su hermana recién divorciada Necla (Demet Akbağ) y su joven y bella cónyuge Nihal (Melisa Sözen) se le puede catalogar como pedante, atorrante, y hasta cierto punto humillante. La película se basa en conversaciones, que como ya mencioné antes abordan temas como la moral y espiritualidad, las más intensan son sin duda las que sostienen Aydin con Necla y sobre todo la de Aydin con Nihal que sin duda es el clímax de la película, estos diálogos a pesar de estar cargados de una temática densa y difícil, en ningún momento llegan a descontrolarse, más bien conducen de una u otra forma a reflexiones sobre la vida, la juventud perdida, la religión, la política, la vejez , el fracaso, los sueños frustrados, y un largo etc. En donde sobresale la forma inteligente en el cual fueron estos concebidos así como la superlativa interpretación de los actores.





El invierno como metáfora siempre se la ha asociado a la vejez “…Ha caído tanta lluvia, nieves y los vientos son tan fríos, que no hay más alternativa que recogerse, ser cuidadoso, detenerse. Se lleva sobre los hombros, no solo el peso de los años sino de las vivencias de las demás estaciones, la carga de afanes y ajetreos vividos. Esa montaña de experiencias, ese manantial de nostalgias, obligan al caminar pausado. La vejez es, indiscutiblemente, el invierno de la vida. Es hacer de sí mismo un refugio que puede ser acogedor o deprimente, dependiendo de cómo vivimos las estaciones anteriores. Es un cerrar el ciclo, pasar balance y evaluar los frutos de las siembras...”*, está película está asociada a la edad de Aydin, en donde va reflexionando sobre su vida y vivencias, va evaluando sus resultados, y en donde su hotel se convierte en su refugio, en el lugar en donde el de una u otra forma se siente seguro, esta metáfora del invierno con la vejez de la vida cae como anillo al dedo a las situaciones que presenta Nuri Bilge Ceylan, en oposición a su pareja Nihal que está en otra etapa de la vida y que sin duda esta diferencia de edades y sumado a la personalidad de Aydin, hacen que ella sienta que ha despreciado su vida.





Estamos ante una película rica de diálogos en cuanto se refiere a los diálogos, ya que los Ceylan fueron minuciosos a la hora de elaborarlos así como los actores supieron interpretarlos de una forma magistral, y con el único fin de mostrar las relaciones humanas en diferentes situaciones.


* Texto original: http://www.diariolibre.com/movil/noticias_det.php?id=463581

Etiquetas: [Frank Miller]  [Robert Rodriguez]  [Sin City A Dame to Kill For]  
Fecha Publicación: 2014-12-02T17:54:00.000-08:00
"Death is just like life in Sin City. It always wins."



 Sin City: A Dame to Kill For, es una película de los EE.UU. dirigido por Robert Rodriguez y Frank Miller, producido por Robert Rodriguez, Sergei Bespalov, Aaron Kaufman, Stephen L’Hereux, Iliana Nikolic, Alexander Rodnyansky y Mark Manuel, escrita por Frank Miller está basada en la novela gráfica Sin City del mismo Miller, es la secuela de Frank Miller’s Sin City (2005); cuenta con las actuaciones de Mickey Rourke, Jessica Alba, Josh Brolin, Joseph Gordon-Levitt, Rosario Dawson, Eva Green, Powers Boothe, Dennis Haysbert, Stacy Keach, Jaime King, Ray Liotta, Jeremy Piven Bruce Willis.




La ansiada segunda parte de Sin City al fin se cristalizó este año, si bien es cierto que ha tenido más críticas negativas que positivas, sin embargo y a mi punto de vista no me parece una mala película, para empezar diré que estoy de acuerdo que es inferior a su antecesora, ya que a la dupla Miller/Rodríguez se puso la vaya muy alta, pero eso no fue obstáculo que puedan hacer una segunda parte digna de su antecesora, con cuatro historias buenas llenas de acción, golpes, sangre y mujeres bellas, ambientadas en un ciudad disfuncional, en donde la ley no existe, obvio que hay un nexo entre esta película y la primera entrega, no sólo es la ciudad donde se desarrolla la acción, sino que hay historias y personajes que vuelven a aparecer, creando un puente entre ambas películas; lo que más me gusta del film es la estética (que es la misma de la primera entrega, pero con mejoras en los gráficos producto del avance de la tecnología) que ayuda al estilo neo-noir que trasmite el comic, otra punto a favor es que da un final (que quizás no sea del agrado de todos) a la historia que más me impactó de la primera parte: “That Yellow Bastard”,en donde Nancy Callahan (Jessica Alba) esta dispuesta a vengar la muerte de su amado John Hartigan (Bruce Willis), de las historias nuevas creo la que más resalta es “A Dame to Kill For” en donde la actriz Eva Green se lleva la película, no solo por sus desnudos sino también, este segmento a mi opinión es el que resumen mejor la esencia de la obra de Miller.





Eso si la película tiene escenas innecesarias, otro defecto es que los segmentos no estén al mismo nivel; ya que ambas partes “The Long Bad Night” no están al nivel de las otras secuencias, así como creo que se pudo prescindir de “Just Another Saturday Night”; otro defecto que tiene la película, defecto el cual tiene la mayoría de películas con segunda parte, es que la trama por momentos se hace obvia y el factor sorpresa disminuye, empero esos detalles creo que la película es aceptable.



Etiquetas: [God Help The Girl]  [Stuart Murdoch]  
Fecha Publicación: 2014-11-25T17:25:00.000-08:00

God Help the Girl, es una película británica dirigida y escrita por Stuart Murdoch, producido por Barry Mendel, protagonizado por Emily Browning, Olly Alexander, Hannah Murray y Pierre Boulanger, siendo un musical que se centra en jóvenes escoceses que quieren formar su banda de indie pop.




"High School Musical" para Hipster, creo que con esa frase puedo resumir la película opera prima de Stuart Murdoch (vocalista y compositor de la banda escocesa Belle & Sebastian) aclaro que no estoy diciendo que esta película sea mala, pero pudo hacer sido mejor, sin embargo no quiero no quiero hacer un linchamiento a Murdoch, ya que creo que tiene futuro en el sétimo arte, y sus próximas películas pueden ser mejores. En la parte musical no hay nada que criticarle, si conoces y eres amante la discografía de Belle & Sebastian, creo que no tendrás problemas con estas y sabrás de antemano que estilo tienen, el punto débil de la película es el trama, es forzado y por momentos absurdo, en donde por un lado se ve la inexperiencia del director y por otro su ganas de hacer las cosas bien, los diálogos me parecen banales, lleno de cliché de los hípster, así como lo personaje: la enferma mental, el nerd antisocial y la niña rica mimada sin amigos también son estereotipos de “los que forman una banda y ser famosos”; a pesar de que contó actores con experiencia el director no los supo aprovechar a su máximo y obvio eso creo yo ya no es culpa de ellos.




Repito, creo que Murdoch tiene futuro en el cine, pues ideas tiene, lo que necesita es tiempo, para poder plasmar mejor sus ideas, así como adquirir experiencia y mejorar. Si bien las expectativas fueron altas, no es para sepultar al director, pues entre los puntos positivos, yo rescato que supo captar la escena independiente de Escocia.




Etiquetas: [Christopher Nolan]  [Interstellar]  
Fecha Publicación: 2014-11-18T21:54:00.000-08:00
"We used to look up at the sky and wonder at our place in the stars, now we just look down and worry about our place in the dirt."



Interstellar es una película de los EE.UU. dirigida por Christopher Nolan, coescrita con su hermano Jonathan, producida por Christopher Nolan, Emma Thomas y Lynda Obst, protagonizado por Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Jessica Chastain, Bill Irwin, Ellen Burstyn y Michael Caine, narra la historia de un grupo de astronautas que buscan un nuevo hogar para los humanos, así como las relaciones interpersonales entre los protagonistas.



Intestellar es una película que te deja perplejo hasta días después de haberla visto, ya que no es una típica película de espacial - ciencia ficción, sino que expone de una forma interesante varios conceptos y teorías científicas tales como: los agujeros de gusanos, la gravedad, la relatividad del tiempo, las dimensiones, viajes en el tiempo y la conquista del espacio exterior, todo eso mezclado con un toque de drama, acción y suspenso; sin duda este nuevo trabajo de Christopher Nolan vuelve a mostrar su capacidad de crear historias complejas pero con un fondo sencillo y cotidiano como la historia familiar y las relaciones humanas. Inspirada en la mejor película de ciencia ficción de la historia; 2001: A Space Odyssey, ya que hay guiños que Nolan le hace a Kubrick a lo largo de la película, como en la dirección fotográfica o el rigor científico mostrado.




Ambientando en un planeta tierra moribundo en un futuro apocalíptico, donde vivir prácticamente es una hazaña, un grupo de astronautas tiene la misión de ir al espacio para buscar un nuevo hogar para la raza humana (cabe mencionar que antes se enviaron otras misiones) empezando una odisea espacial en donde ellos no saben si van a volver o no a la Tierra; en el espacio el tiempo trascurre más lento comparado con la tierra (teoría de la relatividad), así que mientras en nuestros viajeros sólo han transcurridos algunos horas o algunos días, para sus familiares han pasado años además el planeta tierra que cada vez es más inhabitable.




Con actuaciones magníficas, un buen guion, con magníficos efectos espaciales, un gran trabajo en ambientación y fotografía, así como una historia que atrapa, estamos ante las 3 horas más intensas de este año.




Etiquetas: [Frank]  [Lenny Abrahamson]  
Fecha Publicación: 2014-11-05T20:13:00.000-08:00


Frank es una película del Reino Unido dirigida por Lenny Abrahamson, producida por David Barron, Ed Guiney, Stevie Lee y Andrew Lowe, escrita por Jon Ronson y Peter Straughan, protagonizada por Domhnall Gleeson, Michael Fassbender, Maggie Gyllenhaal, Carla Aznar, François Civil y Scoot McNairy; y es la historia de cómo un joven apasionado por la música, se une a una banda de rock y como es el día a día en esta nueva etapa de su vida.





Jon (Domhnall Gleeson) de forma fortuita se une como tecladista a una banda llamada ‘Soronprfbs’ liderados por Frank (Michael Fassbender) un excéntrico personaje que siempre usa una cabeza de cartón, sin embargo el único que cree en Jon es Frank, ya que los otros miembros de la banda Clara, que toca el theremin (Maggie Gyllenhaal), la baterista Nana (Carla Aznar) y el bajista francés Baraque (François Civil) se resisten a la presencia de Jon, no ocultando su incomodidad y rechazo hacia él; sin embargo todo cambia cuando Don el manager de la banda (Scoot McNairy) se suicida en plena grabación del disco, y Jon sugiere dar un nuevo giro a la banda llevando a una crisis interna, aumentando malestar que ya existía.





Frank es una historia donde nos muestra una banda de seres inadaptados, un grupo de hispters locos, uno más raro que el otro, en donde el único cuerdo aparentemente es Don el manager, y en donde Frank es más que su líder, es el genio incomprendido, con problemas mentales, una especie de gurú espiritual que guía (o trata de guiar) a esta colección de seres raros, este personaje fue bien desarrollado por Michael Fassbender que a pesar de que toda la película lleva la cabeza de cartón demuestra que es uno de los mejores actores de esta época; otro personaje que resalta es el de Jon interpretado por Domhnall Gleeson, aunque vuelve hacer del chico lerdo pero de buen corazón, que durante toda la película trata de encajar en este grupo de freaks.




Frank es una película sobre música, sin ser un musical, un película sobre las interacciones humanas, así como sobre los sueños y metas personales, sin duda una película entretenida, una de las mejores comedias dramáticas de este año.



Etiquetas: [El Elefante Desaparecido]  [Javier FuentesLeón]  
Fecha Publicación: 2014-10-29T14:51:00.001-07:00
"La verdad se esconde detrás de uno"


El Elefante desaparecido es una película peruana dirigida y escrita por Javier Fuentes-León, producida por Michel Ruben, Javier Fuentes-León, Andrés Calderón, Delia García y Miguel Valladares, está protagonizada por Salvador Del Solar, Lucho Cáceres, Angie Cepeda, Tatiana Astengo, Vanesa Saba, Andrés Parra, Carlos Carlín, Toño Vega y Magdyel Ugaz. Es un film neo-noir, policial de suspenso con elementos de lo real maravilloso.




A mi opinión estamos frente a la mejor película peruana de la historia (hasta el momento claro está) un historia redonda, con actuaciones buenas, y con un trabajo técnico A1; para empezar quiero resaltar el diseño del trama que me pareció novedoso para la industria cinematográfica de este país, está película muestra una clara influencia en los trabajos de Stanley Kubrick, David Lynch o David Fincher, un film misterioso, incompresible y enigmático, en donde la sensación de duda y perplejidad está insertada en la esencia del film, generando más de una sorpresa puesto que lo obvio está ausente de este film, además ese juego de fantasía y realidad termina por confundir de una forma placentera al espectador, que al final deja de ser un simple observador y se convierte de una u otra forma en un protagonista, ya debe seguir con este rompecabezas para poder entender (o intentar) el desarrollo de la película.




Una historia bien pensada, trabajada con profesionalismo, con personajes bien logrados, con un trabajo de fotografía impecable y con un sonido tenebroso que va de la mano con el espíritu enigmático de este film, demostrando la evolución de sus director Javier Fuentes-León, ya que desafió los estándares conservadores del cine peruano con “Contracorriente”, esta vez lo vuelve a desafiar pero de una forma más vanguardista, y a la espera que en el Perú se continúe con este tipos de trabajos.



Etiquetas: [David Fincher]  [Trent Reznor]  
Fecha Publicación: 2014-10-21T12:11:00.000-07:00
"What are you thinking? What are you feeling? 
What have we done to each other? What will we do?"




Gone Girl es una película de los EE.UU. dirigida por David Fincher, escrita por Gillian Flynn basada en la novela homónima del mismo Flynn producida por Leslie Dixon, Bruna Papandrea, Reese Witherspoon y Ceán Chaffin, cuenta con la musicalización de Tren Reznor líder de Nine Inch Nails (que ya es un colaborador habitual de Fincher) y cuenta con la actuación de Angus Wall, Ben Affleck, Rosamund Pike, Neil Patrick Harris y Sela Ward.






Gone Girl es un thriller que te emociona los 149 minutos, puesto que el factor sorpresa está presente durante toda la película, que mantienen al espectador tenso y no hay tiempo para parpadear, David Fincher vuelve a crear una historia fascinante e inteligente, en donde vemos la historia de un matrimonio en problema, que saca a relucir los más escalofriantes secretos de esta pareja; la obra de Fincher siempre se ha caracterizado por la intensidad y Gone Girl no es la excepción, ya que los actores principales (Ben Affleck y Rosamund Pike) se cargan con toda la responsabilidad a la hora de crear este par de personajes complejos, y plasmar la idea del director.




Fincher recrea un matrimonio disfuncional, en donde la rutina, monotonía y la falta de comunicación acabaron por destruirlo, vemos por un lado a Nike Dunne (Ben Affleck) un marido cansado de una vida en pareja que poco a poco se vuelve indiferente hacia las necesidades de su mujer, y que busca amor en una de sus alumnas; por otra parte Amy Elliott Dunne (Rosamund Pike) la consorte que cansada de la indiferencia de su marido y al descubrir la infidelidad, planea un maquiavélica venganza, sin medir las consecuencias; la mujer puede ser tan dulce como cruel dicen, y en este caso Amy demuestra ambas caras mostrando su lado más oscuro y cruel, mientras que en público se presenta como una mujer débil, la cónyuge ideal y abnegada que sufre del maltrato psicológico de su marido.



Personajes complejos y una historia fascinante, son los ingredientes de este intrigante flim, en donde Fincher plasma el libro en una enigmática película, que sin dudas es una de las mejores del año.


Etiquetas: [Boyhood]  [Richard Linklater]  
Fecha Publicación: 2014-10-13T10:36:00.000-07:00

Boyhood es una película de los EE.UU. escrita y dirigida por Richard Linklater, producida por Cathleen Sutherland, Jonathan Sehring, John Sloss y el mismo Richard Linklater, está protagonizada por Ellar Coltrane, Patricia Arquette, Lorelei Linklater & Ethan Hawke, la película fue grabada en 39 días repartidos a lo largo de 12 años y muestra los cambios que sufre de Manson (Ellar Coltrane) a lo largo de este periodo, que incluye mudanzas, relaciones interfamiliares, coyunturas socio políticas, amores, desilusiones, amistades etc. Es quizás el proyecto cinematográfico más grande de la historia del cine.





Hablar de Boyhood es hablar de Richard Linklater un prolijo director cine, entre su filmografía incluye la odisea juvenil/hippie de Dazzed and Confused (1993), o SubUrbia (1996) que viene ser una crítica a una juventud sin sueños y esperanzas, o una no cursi historia de amor como la trilogía “Before”: Before Sunrise (1995), Before Sunset (2004) & Before Midnight (2013), hasta la divertida School of Rock (2003) y un largo etc, todas estas películas han sido su mejor carta de presentación , que han marcado un estilo único, en donde los diálogos son el elemento principal de sus películas, relegando a la acción en un segundo plano, y es aquí en donde resalta la genialidad (si me permiten el uso de esta palabra) de Linklater, ya que logra plasmar películas interesantes sin caer en monólogos aburridos o diálogos intrascendentes; en el caso de Boyhood no es la excepción, pues para empezar podría afirmar que este film es el resumen de los trabajos previos de Linkalter, debido a que tiene algo de cada película anterior del autor, otro punto a favor es que podemos ver el realismo a su máximo nivel utilizado en el cine, ya que podemos ver como los actores evolucionan de la mano de sus personajes, detalle rara vez visto en el cine.






Boyhood es como la vida misma, lloras, ríes, tienes esperanzas, te desilusionas, pero siempre avanza, ya que no hay lugar para retroceder y volver a empezar; un historia que te atrapa desde el inicio, unas actuaciones sobresalientes de Patricia Arquette & Ethan Hawke, sin embargo, y a mi opinión, las palmas se las llevan Ellar Coltrane y Lorelei Linklater que espero sea el debut de una larga carrera cinematográfica, ya que talento tienen; los actores en general supieron cristalizar la idea de Linklater y así darnos una historia bonita.




Etiquetas: [Keiichi Sato]  [Masami Kurumada]  [Saint Seya Legend of Santuary]  
Fecha Publicación: 2014-10-06T09:58:00.001-07:00


Saint Seya: Legend of Santuary (聖闘士星矢 Legend of Sanctuary) es una película animada japonesa dirigida por Keiichi Sato, producida por Bandai Visual, escrita por Kaito Ishikawa, está basada en la obra de Saint Seiya de Masami Kurumada, siendo un reborn de la serie clásica.





Comenzaré estas líneas diciendo que soy un mega fan de Saint Seiya (o como lo conocen acá "Los Caballeros del Zodiaco") sigo la historia desde 1994 cuando la pasaron en un canal de televisión abierta de mi país, luego con el tiempo conseguí los mangas (historietas japonesas) y demás cosas relacionadas con la serie, he leído y visto casi todo (Saint Seiya Omega me aburrió, así que lo dejé en los primeros 30 capítulos), obvio que cuando anunciaron la película me entusiasme,a pesar de que los traillers no fue mucho de mi agrado, sin embargo como buen fan decidí ir a ver la película y sacar mis propias conclusiones.




Hay que recalcar que esto es un reborn de la serie, es decir se basa en ella, pero hay ciertos cambios, que debieron hacerlo para el montaje cinematográfico. Los personajes principales siguen siendo Saori Kido (Athenea) y sus cinco santos de bronces incondicionales: Seiya de Pegaso, Shiryu de Dragón, Hyōga de Cisne, Shun de Andrómeda e Ikki de Phoenix, deben combatir al Santuario que está gobernado por Saga de Géminis y los santos de oros, tal y como la serie clásica (salvo las omisiones que en este caso resultan obvias y necesarias). Los cambio realizados para agilizar la obra, tienen a mi gusto resultados diversos, por un lado los cambios que se muestran en la primera mitad de la película son buenos, en contraste con los de la última mitad que me parecen malos; con respecto a los personajes a los santos de bronces respetaron sus personalidades, salvo Seiya que lo hicieron más gracioso, mientras que los Santos de oro la mayoría también fue respetada, aunque deteste la escena de Deathmask (que a pesar no es mi favorito, pero lo que le hicieron no tiene nombre), tampoco me gustó el cameo de Afrodita (mismo caso que lo anterior), empero tomé con cierto agrado que Milo sea mujer, tampoco me gustó que la segunda parte de la película fuese muy rápida en comparación con la primera parte.






No quiero dar más detalles, pues ya he dado muchos spoilers, en si recomiendo verla que a pesar no me gustó mucho como la serie clásica, tiene cosas interesantes y al menos pasarás un momento agradable, lo bueno que la película la pueden disfrutar, incluso las personas que nunca han visto Saint Seiya en su vida.


Etiquetas: [Destin Cretton]  [Short Term 12]  
Fecha Publicación: 2014-09-29T21:44:00.002-07:00
"It's impossible to worry about anything else when there's blood coming out of you."



Short Term 12 es una película de los EE.UU. dirigida y escrita por Destin Cretton, producida por Maren Olson, Asher Goldstein, Joshua Astrachan y Ron Najor y cuenta con las actuaciones de Brie Larson, John Gallagher, Jr., Kaitlyn Dever, Rami Malek, Keith Stanfield, Kevin Hernandez, Melora Walters, Stephanie Beatriz, Lydia Du Veaux, Alex Calloway, Frantz Turner y Diana-Maria Riva, es la historia de Grace una supervisora de un hogar para jóvenes problemas.




Creo que este es una de las películas más crudas y realistas del año 2013, pues muestra a un grupo de jóvenes problemas; que no tienen un hogar o si lo tienen no son precisamente lugares en donde los menores puede vivir; que junto a sus supervisores tratan de salir adelante, sin embargo este no es un film en donde los tutores no tienen problema y siempre tienen todas las respuesta, todo lo contrario estos también han tenido (y tienen) problemas y traumas, que hasta cierto punto pueden ayudar a estos a ayudar (o intentarlo) a los jóvenes bajo su tutela.




Creo que el éxito de esta película, es la sencillez, que junto con su realismo, busca sensibilizar a una sociedad cada vez más egoísta a que existe otro mundo, que creo que debemos prestarle atención, pues quizás no sea nuestra historia directa, sin embargo con nuestras acciones podemos ayudar a hacer mejor el mundo a alguien más, así mismo y hablando ahora desde un punto de vista más técnico-cinematográfico, Cretton nos muestra que se pueda hacer buen cine en los EE.UU. sin mucho presupuesto y con una temática social, sin caer en el sensacionalismo y amarillismo






Etiquetas: [Alejandro Jodorowsky]  [Dune]  [Frank Pavich]  [Jodorowskys Dune]  
Fecha Publicación: 2014-09-07T18:41:00.001-07:00



Jodorowsky's Dune es una película tipo documental del 2013 dirigida por Frank Pavich, producida por Frank Pavich, Stephen Scarlata y Travis Stevens; protagonizado por Alejandro Jodorowsky, Michel Seydoux, H. R. Giger, Chris Foss, Nicolas Winding Refn, Amanda Lear y Richard Stanley; y cuenta la historia de como no se realizó el film de ciencia ficción más ambicioso de la historia del cine; la versión cinematográfica de Dune.




Antes de empezar con mí reseña, o mejor dicho con mi intento de ella, creo que debo de hacer una introducción de quien es Alejandro Jodorowsky y de que es Dune, esto, obviamente es sobre todo para quienes no tienen una idea o no conocen al director y la obra. Alejandro Jodorowsky es un director, historietista, maestro spiritual, gurú, etc. chileno nacionalizado francés entre sus películas más notables tenemos: “El Topo” y “La Montaña Sagrada” ambas consideradas películas de culto. Duna (original Dune) es una novela de ciencia ficción escrita por Frank Herbert en 1965, considerada como una de las grandes obras de este tipo de literatura, en su época fue un éxito de ventas, el libro tuvo una adaptación cinematográfica el año de 1984 a cargo de David Lynch, sin embargado el primero que quiso llevar a Dune a la pantalla gigante, fue el excéntrico Jodorowsky, lo quiso hacer justamente entre dos películas íconos del cine de ciencia ficción; "2001: A Space Odyssey" del maestro Stanley Kubrick y "Star Wars: Episode IV - A New Hope" de George Lucas.






El documental es la historia de un sueño no realizado, de un objetivo no alcanzado, pero no de una forma triste sino más bien desde un punto de vista alentador, en donde el espectador va haciéndose una idea de cómo pudo ver sido Dune; a lo largo del filme, Jodorowsky explica el proceso de concepción de esta obra, de cómo recluta a sus “elegidos” entre los que destacan Moebius, H.R. Giger, Dan O'Bannon, Pink Floyd, Orson Welles, Salvador Dalí o Mick Jagger, todos ellos reclutados para crear el más ambicioso proyecto cinematográfico de la historia; también nos muestran los bocetos, así como son narradas diferentes anécdotas en el proceso de creación de Dune, es obvio que no todas esas anécdotas son reales (mejor dicho me cuesta mucho creer la veracidad de muchas de ellas)sin embargo Jodorowsky sabe marketear bien su obra que a pesar nunca vio la luz le guarda cariño y una cierta esperanza que algún día vea la luz.


En este documental Frank Pavich logra presentar un proyecto abortado, pero como se ve en el transcurso del mismo, de una u otra forma está presente en el cine, ya que muchos directores toman ideas de Dune, como influencias en sus películas, así como trata de revindicar la imagen de Alejandro Jodorowsky, un cineasta olvidado, pero que es una de los más importantes cineastas de la historia.


Etiquetas: [Gareth Evans]  [The Raid 2 Berandal]  
Fecha Publicación: 2014-08-23T15:37:00.001-07:00
"En la cárcel lo mejor será escoger un lado. Los solitarios no suelen durar mucho."


The Raid 2: Berandal, es una película de acción de Indonesia, dirigida por el galés Gareth Evans, producida por Ario Sagantoro, Nate Bolotin y Aram Tertzakian, escrita por Evans y protagonizada por Iko Uwais, Arifin Putra, Oka Antara, Tio Pakusadewo, Alex Abbad, Julie Estelle, Ryuhei Matsuda, Kenichi Endo y Kazuki Kitamura, es la continuación directa de The Raid: Redemption del año 2011.




Como se menciona en el párrafo anterior The Raid 2: Berandal, es la continuación de The Raid: Redemption, sin embargo a diferencias de otras sagas, no esta adaptada meses o años después, esta empieza en donde la otra acaba, pero ahora Rama (Iko Uwais) debe primero entrar a la cárcel para ganarse la confianza de Uco (Arifin Putra) hijo del mafioso Bangun y así poder descubrir a los policías corruptos; todo esto sucede mientras vemos un derroche increíble de artes marciales, violencia excesiva y mucha pero mucha sangre. A mi opinión es mejor que su predecesora, pues no solo muestra más acción, sino que también más contenido (parricidio, traición, corrupción), más variedad de personajes, y se desarrolla en otros ambientes, no solo en el edificio en donde suceden los acontecimientos de la primera parte, además de que la acción es mejor, aunque no hay una pelea épica como sí sucede en la primera entrega.





Evans a pesar de ser británico, supo captar la esencia de las películas de acción de Asia, puesto que me hizo recordar los clásicos del cine Kung Fu de la China, además sabe ser realista, ya que como decimos coloquialmente en nuestro país “me creí la peleas” ya que los movimientos y coreografía de los actores fue verosímil, y la cantidad de sangre fue la necesaria, no hubo exageración ni sobre actuación. Me atrevería a afirmar que estamos frente a un nuevo clásico del cine de acción, además Hollywood ya le ha puesto los ojos encima y pretende hacer su propia versión de esta película.