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Etiquetas: [La Tribu]  [Myroslav Slaboshpytskyi]  [Plemya]  [Племя]  
Fecha Publicación: 2015-08-10T17:38:00.001-07:00

La Tribu (en ucraniano: Плем'я, Plemya) es una película Ucraniana dirigida y escrita por Myroslav Slaboshpytskyi, producida por Iya Myslytska y Valentyn Vasyanovych, protagonizada por Grygoriy Fesenko , Yana Novikova , Roza Babiy , Oleksandr Dsiadevych, Yaroslav Biletskiy, Ivan Tishko, Oleksandr Osadchyi entre otros; es una película muda siendo la opera prima de Slaboshpytskyi, y fue una de las más galardonadas del 2014 debido a su singular forma por la cual fue presentada.




Esta es la película más difícil que me ha tocado escribir, no es por su trama, ni por el contenido, es que es una película sin sonido, y no es que tenga nada contra el cine mudo, es más considero que hay muchas joyas dentro de ese género, y que todo aquel que siente el mínimo respeto hacia el arte cinematográfico, debe haber visto aunque sea un par de película del señor Charles Chaplin, un icono del cine mundial; sin embargo Плем'я no es una película de principios del siglo XX ni mucho menos ambientada en ese periodo todo lo contrario es actual, salvo la ausencia de sonido no tiene ninguna relación con los primeros filmes de la historia, no hay letreros que indican acción o tiempo, no hay música (ni al principio, ni en el desarrollo, ni en los créditos finales), el poco sonido que existe es el ruido de los vehículos, y alguna que otra onomatopeya, la sinopsis es sobre un nuevo alumno que ingresa a un internado mixto de sordo mudos y para sobrevivir entra a la banda que domina el colegio, entrando a un mundo de contrabando, sobornos y prostitución, poco a poco el protagonista va ganando espacio dentro de la tribu hasta que se enamora de una de las concubinas del líder.





La película tiene un ambiente crudo, que se debe a que predomina los colores oscuro y opacos, así mismo la locación que más se asemeja a un reformatorio que a una escuela/internado dándole un ambiente militarizado donde existe una jerarquía pre establecida, favoreciendo a la existencia del abuso, ya que el más fuerte abusa del más débil para sobrevivir, es como si el director desea exponer que nosotros somos cómplices silenciosos de los abusos, de las ilegalidades, de la degeneración, pero no nos importa nos hacemos los sordos, seguimos con nuestras vidas, ya que nuestro egoísmo y nuestro estatus quo nos impide hablar y oír.





Etiquetas: [Brett Morgen]  [Cobain Montage of Heck]  [Courtney Love]  [Frances Bean Cobain]  [Kurt Cobain]  [Nirvana]  
Fecha Publicación: 2015-07-26T23:32:00.002-07:00
"Kurt, he was hyper, full of energy, always busy, y'know, jumping off of things, knocking things over—anything that would have to do with being a normal child. And Don, he didn't know how to handle that. He was one of those kind of people that just thought children should be seen and not heard and shouldn't cause any trouble. I mean, he belittled and ridiculed Kurt would be shamed."



Cobain: Montage of Heck es una película documental dirigida y escrita por Brett Morgen, producida por James Smiths, el mismo Morgan y Frances Bean Cobain (hija de Kurt Cobain y Courtney Love) este documental (o rockumental como muchos lo llaman) nos muestra la biografía de Kurt Cobain, el líder de la banda Nirvana desde sus primero días en Aberdeen, Washington hasta su éxito y caída con la banda de grunge Nirvana.



Aún recuerdo cuando a tenía 14 años, era inicios del año 1995 y estaba feliz pues había descubierto el rock, cuando me compré un cassette titulado “Lo Mejor del Rock Alternativo” en un mercado por mi barrio en Lima, Perú; ya que mi historia por mi amor por el rock empezó con ese cassette que contenía canciones de bandas tales como Cranberries, James, Counting Crows, Radiohead, The Smashing Pumpkins y Nirvana, recuerdo que subía el volumen cuando llegaba a “Smell Like Teen Spirit” y agarraba un palo de escoba y creía que tocaba la guitarra, eran otras épocas no había internet, no tenía televisión por cable, no tenía amigos con quien compartir mi descubrimiento, mi familia no es rockera y no conocía radios que pasaban ese tipo de música, hasta que un compañero de colegio me dijo “¿Sabías que Kurt Murió no?, eso fue el año pasado” y sentí un gran vació que lo llene escuchando el Bleach, el Nevermind, El Insecticide, el In Utero y su Unplugged (me conseguí copias piratas) y leyendo los magazines “String Along” para memorizarme las letras (mi nivel de inglés era nulo) recuerdo que durante un tiempo escuchaba Nirvana día y noche, recuerdo que caminaba con mi walkaman taradeando “Rape Me” o “The Man Who Sold the World” recuerdo que llamaba a las radios para pedir “Come As You Are” o me emocionaba cuando por esos azares del destino en la TV peruana ponían un video del Unplugged o cuando oí que unas chicas francesas se suicidaron para seguir a Kurt en el más allá; sin bien es cierto con el tiempo me alejé de Nirvana, a ellos los puedo considerar como mi primer amor musical, la banda que me permitió descubrir ese maravilloso mundo de guitarras distorsionadas, y de una u otra forma su música cambió mi vida, Gracias Kurt, gracias Krist, gracias Dave, gracias Nirvana, gracias por enseñarme que es el rock.





Todo esa breve narración de mi relación con Nirvana es por hace poco vi el documental titulado Cobain: Montage of Heck y mientras veía las imágenes, y escuchaba las canciones de fondo, me fue imposible no recordar lo que describí arriba, ya que lo que vi fue un golpe en donde los seres humanos somos débiles: la nostalgia, pues esta película está cargada con nostalgia, y nos muestran una etapa de Kurt que quizás muchos desconozcan, ya que la recopilación de datos por parte del director Brett Morgen, fue desde sus padres hasta su cónyuge (la polémica Courtney Love) pasando por su compañero de banda Krist Novoselic, mostrando el lado más íntimo de Cobain, tanto como hijo, como pareja, como amigo, como músico y como padre, el documental nos muestra a un Kurt como era, un chico que nunca superó el divorcio de sus padres y encontró tanto en las drogas como en la música sus escapes, así mismo como la fama lo encontró a él y este no supo llevarla, el documental aborda los temas difíciles por las cuales vivió el líder de Nirvana sin llegar al amarillismo con la mayoría de la prensa lo trata, ya que de paso el documental da una clase de periodismo de cómo abordar temas realmente jodidos sin caer en el sensacionalismo, ya que el trabajo creo que es impecable desde que comienza hasta que acaba.




Quizás joven lector que nació después de 1990 no entienda porque Nirvana marcó a nosotros a los que tenemos más 30 años, quizás sólo vea a una banda sobrevalorada, con dos o tres acordes y con letras fáciles, pero detrás de esos acordes fáciles y de esas letras simplonas, hay un historia ya que Nirvana abrió las puertas de los alternativo primero y de lo indie después, quizás joven lector sin Nirvana no haya podido llegar a Arctic Monkeys o The Strokes.






Etiquetas: [Aardman Animations]  [Mark Burton]  [Richard Starzak]  [Shaun the Sheep Movie]  
Fecha Publicación: 2015-07-12T19:54:00.000-07:00


Shaun the Sheep Movie es una película animada británica hecha en con la técnica Stop Motion y además es muda, dirigida y escrita por Richard Starzak y Mark Burton; producida por Paul Kewley y Julie Lockhart de los estudios Aardman Animations, y es la versión en la “pantalla grande” de la serie animada británica Shaun the Sheep.




Para los que no conocen mucho Shaun the Sheep es una serie de televisión británica producida por los estudios Aardman que a su vez apareció por primera vez en 1996 en un corto de Wallace y Gromit titulada ‘Una afeitada a Ras’, Shaun vive en una granja junto a otra ovejas, además del perro Bitzer , los cerditos, el toro y obvio el granjero; los animales tiene inteligencia y habilidades humanas como leer, manipular objetos o dibujar, mientras que, paradójicamente, el granjero tiene poco comportamiento humano e ignora la inteligencia de sus animales. Este año decidieron adaptarlo a la pantalla grande, así mismo llevarlos de la granja a la gran ciudad permitiendo así crear nuevos personajes como el perro callejero que ayuda a nuestros héroes y a al villano Thumper (el atrapador de animales) .




Ser ovejas del rebaño y seguir al resto, como que la rutina te aburra, así como conformarse con ‘el destino que la vida te ha puesto’ son elementos que en algún momento causan stress y depresión, por eso uno siempre va a buscar salir de la rutina, tomarse un día libre, buscar aventuras en tu vida o cumplir ese sueño que no te deja dormir, para recobrar energías, sentirse único, tomarse un respiro de la cotidianidad o encontrase con uno mismo; todo esas ideas están plasmada en la opera prima de Richard Starzak y Mark Burton, una fábula moderna y cotidiana llena de gags simples, humor blanco, y el hecho de que este mudo lo convierten en una experiencia única y mágica, en donde los niños pueden reírse y pasar un momento agradable, mientras que los adultos puede ser un pretexto para reflexionar de una manera amena sobre los temas expuestos líneas antes. Una película estéticamente simple, pero por dentro un contenido rico, acta para todos y que garantiza un momento grato.

guiños al Abbey Road

Esta escena me recordó a la película Cape Fear



Etiquetas: [Del revés]  [Inside Out]  [IntensaMente]  [Lava]  [Peter Docter]  [Pixar]  [Ronnie del Carmen]  
Fecha Publicación: 2015-07-05T21:23:00.001-07:00
"Crying helps me slow down and obsess over the weight of life's problems."


Inside Out es una película animada de los EE.UU. dirigida por Peter Docter y Ronnie del Carmen, escrita por Pete Docter y Michael Arndt, producida por Jonas Rivera, protagonizada por Amy Poehler, Phyllis Smith, Richard Kind, Bill Hader, Lewis Black, Mindy Kaling, Kaitlyn Dias, Diane Lane y Kyle MacLachlan, y está desarrollada por los estudios Pixar.




Hace tiempo quería escribir algunas palabras sobre alguna película producida por los estudios Pixar y llego la oportunidad con Inside Outque se estrenó hace poco, y creo que no defraudó ya que supo mantener la calidad que este estudio, esta película supone un replanteo dentro del universo Pixar ya que los protagonistas no son máquinas, ni juguetes, ni humanos, ni monstruos, ni animales, esta vez los protagonistas son emociones humanas (Alegría, tristeza, furia, desagrado y temor) y nos muestran (a su estilo claro está) como funcionan la mente, ya que no sólo vemos las emociones antes citadas, sino también los recuerdos, vivencias y sueños que constituyen la base de nuestra personalidad.




La película se puede resumir como una metáfora de cómo funciona nuestra psique, ya que el director trata de una forma simple y amena temas psicológicos como la amnesia infantil, la madurez, los sueños o pesadillas repetitivas y el desbalance emocional que significa pasar de la niñez a la pubertad; mostrando el cerebro humano como un gran laberinto que representa la complejidad de nuestra esencia en donde viven todo nuestro rico patrimonio, esta película me recuerda a un sitcom llamado Herman’s Head que dieron en los años 90 con la diferencia que estaba orientado hacia un público adulto  ya que tenía mucho humor negro, pero en esencia se puede decir que tienen el mismo argumento 




Una de las cosas que más me llamo la atención es que esta película responde de una forma sencilla la pregunta que quizás muchos se hacen ¿para qué sirve la tristeza?, y así mismo nos muestra que sin tristeza no puede haber alegría, ya que sin una la otra no puede existir.


PD: Antes de que empiece la película hay un corto llamado Lava que me pareció interesante.



Etiquetas: [George Miller]  [Mad Max Fury Road]  
Fecha Publicación: 2015-06-27T15:08:00.001-07:00
“My name is Max. My world is fire and blood. Once, I was a cop. A road warrior searching for a righteous cause. As the world fell, each of us in our own ways were broken. It was hard to tell who was more crazy... me... or everyone else.”


Mad Max: Fury Road es una película dirigida, producida y escrita por el australiano George Miller; aunque Doug Mitchell y P.J. Voeten también son los productores, mientras que Brendan McCarthy y Nico Lathouris también son acreditados como escritores, y está protagonizada por Tom Hardy, Charlize Theron, Nicholas Hoult, Hugh Keays-Byrne, Rosie Huntington-Whiteley, Riley Keough, Zoë Kravitz, Abbey Lee y Courtney Eaton; es la cuarta entrega de la saga Mad Max, la cual incluyen: Mad Max (1979), Mad Max 2: The Road Warrior (1981) y Mad Max 3: Beyond Thunderdome (1985), siendo esta una continuación de la saga.




Confieso que a la fecha no he visto las ter primera películas, es más estaba en dudas si ir o no ir al cine pues no me gusta ver las sagas incompletas; sin embargo cambié de opinión debido a que la película tenía muy buena aceptación y a que un amigo me comentó que no necesitaba ver las anteriores para entender este film; así que fui al cine y la pasé muy bien. La película es 100% acción que tiene muy pocos espacios para los momentos tranquilos, destacando las actuaciones de los protagonistas: Max (Thom Hardy, que remplaza a Mel Gibson el cual interpretó a este personaje en las tres primeras sagas) un típico anti héroe, callado, rebelde y solitario, diestro en las armas y en la mecánica; Furiosa (Charlize Theron) la heroína (o mejor dicho la anti heroína) que creo que fue la que se robó la película debido que tiene una actuación memorable, Nux (Nicholas Hoult) que termina siendo un factor importante en el desenlace del trama y el Immortan Joe (Hugh Keays-Byrne) el villano principal, curiosamente Keays-Byrne también interpretó al villano principal de la primera película de Mad Max en 1979, y además debo de agregar a los automóviles que también son los protagonistas ya que ellos marcan la acción acelerándola o frenándola según las necesidades del trama ya que la velocidad es un factor clave y las coreografías sobre ruedas es simplemente fabulosa; otro factor es el ambiente que crea George Miller un mundo post apocalíptico, en un desierto inhóspito y hostil con recursos escasos, y en donde la esperanza y desolación conviven, convirtiéndose en otro motor para los protagonistas, en buscas de lo más preciado que tiene un ser humano: Su libertad.




Sin duda una novela épica sobre ruedas, en donde la acción no se esconde en ningún momento, en donde la sangre con el agua y la gasolina confluyen formando un río torrencial de pasiones, un melodrama distópico situado en una sociedad pavorosa en donde el hoy puede ser el último día y en donde el mañana simplemente no existe.





Etiquetas: [Climas]  [Enrica Pérez]  
Fecha Publicación: 2015-06-16T21:55:00.001-07:00
"A las mejores amigas les viene al mismo tiempo"


Climas es una película peruana dirigida por Enrica Pérez siendo su opera prima, escrita por Enrica Pérez y Matías Vega, producida por Enid Campos, cuenta con las actuaciones de Claudia Ruiz del Castillo, Fiorella De Ferrari y María Unocc; la película narra 3 historias de 3 mujeres que habitan en diferentes lugares del país.




Climas nos muestra tres historias, inconexas entre sí, pero situado en un mismo país el Perú, en diferentes regiones geográficas de este variado país sudamericano, antes de continuar, para los extranjeros les daré una pequeña, rápida y facilista cales de geografía peruana, el país está divido en tres regiones geográfica: la costa que en su mayoría es árida y desierta, la andina (erróneamente llamada sierra) donde está la cordillera de los andes que generalmente son frías y secas; y la selva que es calurosa y tropical, ya que estas regiones son escenario de estas historias. La primera historia está situada en la región selvática, más específicamente en la calurosa ciudad de Pucallpa, en donde Eva (Claudia Ruiz del Castillo) una niña comienza a tener cambios en su cuerpo, como la primera menstruación, así mismo empieza a florecer su sexualidad en esta región tropical; en la segunda historia tenemos a Victoria (Fiorella De Ferrari ) una limeña de alta sociedad fría y gris como la capital del Perú que esconde un secreto que no la deja en paz, y la tercera historia nos muestra a Zoraida (María Unocc) una anciana que vive en una desolada comunidad andina del departamento de Ancash que se re encuentra con su hijo luego de un largo periodo. Tres historias que nos hacen viajar por el Perú y ver los bellos y distintos paisajes de este país, conocer sus diferentes idiosincrasias y estado de ánimo que están muy relacionados al clima de cada uno de las zonas ya mencionadas, ya que este influye en el carácter de las protagonistas y en el devenir de las historias; así como esta es un viaje interno a través de las etapas del ser humano (en este caso las mujeres) adolescencia, adultez y vejez, mostrando los problemas que tienen las mujeres sin importar su procedencia o condición social; otro factor que creo ha pasado desapercibido es que también tiene una línea de tiempo muy importante en el desarrollo del trama y que une de una forma invisible las historias, me refiero al tiempo en el cual se desarrolla las historias, que es las elecciones presidenciales del año 2011, más específicamente desde el debate antes del ballotage hasta el juramento del presidente, un momento de incertidumbre e intolerancia que se vivió en todo el país y que según muchos analistas políticos fue uno de los momentos en el cual el Perú estuvo más dividido. 




Lo que más rescato del film es la naturalidad y sencillez de este, tratando temas delicados y sensibles de una forma cotidiana sin llegar a herir susceptibilidades y sobre todo sin caer en facilismos; su punto en contra (a mi opinión) es que por momentos la narrativa se vuelve algo lenta, tediosa y minimalista ya que tiene cambios de ritmos muy abruptos, luego no tengo “quejas”.









Etiquetas: [Alex Garland]  [Ex Machina]  
Fecha Publicación: 2015-06-09T22:27:00.000-07:00
"Isn't it strange, to create something that hates you?"


Ex Machina es una película británica de suspenso y ciencia ficción dirigida y escrita por Alex Garland, producida por Andrew Macdonald y Allon Reich, cuenta con las actuaciones de Domhnall Gleeson, Alicia Vikander, Sonoya Mizuno y Oscar Isaac, el score está a cargo de Ben Salisbury y del integrante de la banda británica Portishead Geoff Barrow.






Si bien es cierto los tramas sobre el conflicto de la inteligencia artificial y la inteligencia humana son temas ya trillados en la historia del cine, no significa que se hagan cosas interesantes a través de esta premisa, sin embargo creo yo que Alex Garland crea una historia interesante e intensa a partir de esta premisa; todo comienza cuando Caleb (Domhnall Gleeson) un trabajador de una multinacional del Internet es seleccionado para participar en un experimento en la finca de su jefe Nathan (Oscar Isaac) que consiste en hacer el test de Turing a una sexy androide femenina Ava (Alicia Vikander), a partir de allí se empieza a hilvanar los sucesos de la película, en donde las dudas, deseos, manipulación y secretos se apoderan de cada uno de los protagonistas comenzando así los complots para que cada uno de ellos pueda obtener lo que está buscando, a costa del otro. Con este film Garland muestra que es capaz de crear una historia consistente a través de un guion milimétricamente detallado, en un ambiente frío y cerrado que genera una sensación de soledad y claustrofobia, en donde expone el uso casi adictivo del hombre hacia la Internet “¿nosotros usamos la Internet o la Internet nos usa a nosotros?” es a mi opinión la gran pregunta planteada en la película, asimismo vemos la humanización de las maquinas como la maquinización del hombre, como cada uno puede obtener los defectos y la frialdad del otro para desorientarnos y apartándonos (o mejor dicho apresándonos) de la realidad.






Quizás se trate de un film apocalíptico (o profético para algunas personas), quizás otros lo vean como ficción, pero de algo estoy seguro que este film no te dejará indiferente, ya que su entorno gélido llega a ser realmente funesto y el interactuar de los personajes demuestra el ocaso de los humanos como especie, un film exquisito que puede ser degustado si te gusta la ciencia ficción o los thrillers psicológicos.




Etiquetas: [Blind]  [Ellen Dorrit Petersen]  [Eskil Vogt]  [Vera Vitali]  
Fecha Publicación: 2015-05-24T19:27:00.001-07:00


Blind es una película noruega dirigida y escrita por Eskil Vogt, producida por Sigve Endresen y Hans-Jørgen Osnes, cuenta con las actuaciones de Ellen Dorrit Petersen, Henrik Rafaelsen, Vera Vitali y Marius Kolbenstvedt, narra la historia de Ingrid una mujer que está quedando ciega y se refugia en la seguridad de su hogar; esta película ha sido galardonada en el festival Sundance y el festival de Berlín.





Blind es una película extraña, poco convencional, enigmática, llena de metáforas y cargada de emociones; Ingrid (Ellen Dorrit Petersen) es una mujer que está quedando ciega, y decide encerrarse en su departamento; atrapada en ella misma, negando a salir sintiéndose segura en su casa, mientras que desarrolla frustraciones y fobias, por otro lado su cónyuge Morten (Henrik Rafaelsen) intenta ayudarla a salir de esa burbuja pero sólo tiene respuestas negativa; luego tenemos a su vecina que es una madre soltera Elin (Vera Vitali) la cual Ingrid imagina que tiene una aventura con su marido, y a Elinar (Marius Kolbenstvedt) un viejo amigo de Morteny que observa por las noches a Elin. En este film la realidad con la imaginación de Ingrid (esta última está escribiendo en una historia en su Mac que se refleja en la cotidianidad) interactúan a partir de sus monstruos internos creando supuestos en los que aparentemente confunden al espectador, ya que el objetivo de esta es que el público la perciba tal y como lo hace una persona ciega (si lo se suena algo descabellado) ya que cada momento se presentan nuevas historias que están relacionadas con el trama principal y hace difícil adelantarse a los hechos, ya que Blind puede ser interpretada como la metáfora a estar encerrado en uno mismo mientras suceden cosas “interesantes” en el exterior, auto aislándonos de la realidad, y a pesar de que la imaginación humana es una herramienta fabulosa, mal usada puede ser peligroso.





Como dije al principio Blind no es una película fácil y mucho menos para todos, ya que tiene escenas muy fuertes (pornográficas) y a pesar de ser un film sensorial tiene un alto grado de frialdad como el temperamento escandinavo, su lenguaje es directo y a la vez por momentos es enigmático, Vogt demuestra su capacidad de crear una historia que aparentemente es pretenciosa sin embargo el sale bien parado, ya que ha demostrado que sabe utilizar las diferentes herramientas y deleitarnos con un film inteligente y confuso.






Etiquetas: [Andréi Zviáguintsev]  [Elena Lyadova]  [Leviathan]  [Rusia]  
Fecha Publicación: 2015-05-13T19:52:00.001-07:00
“Вся власть от Бога. Там, где есть власть, есть мощь.”



Leviathan (en ruso: Левиафан, Leviafan) es una película de Rusia dirigida por Andréi Zviáguintsev, producida por Alexander Rodnyansky, escrita por Oleg Negin y Andréi Zviáguintsev, cuenta con las actuaciones de Aleksei Serebryakov, Elena Lyadova, Vladimir Vdovichenkov y Roman Madyanov; es un drama que cuenta la historia de cómo un hombre lucha por conservar su hogar ante el corrupto alcalde del pueblo; y es considerada como una de las mejores películas rusas del 2014.




Leviathan es una película completa y compleja, cargada de simbolismos que no hacen más que enriquecer el trama; para empezar está el título del film, ya que Leviatan es una criatura bíblica una bestia marina asociada a Satanás, que representan los problemas a los cuales están expuesto esta familia disfuncional: padre alcohólico, hijo rebelde, madrastra que trata de ser escuchada; ya que el corrupto alcalde del pueblo quiere comprar su casa a un precio ridículo, y vemos los vanos esfuerzos de como ellos desean recuperar su propiedad; en donde las amistades no son lo que parecen (no todo el que te sonríe, tiene intenciones de ser tu amigo; dice una frase célebre) vemos traiciones e intereses oculto, de este modo Zviáguintsev muestra las corrupción rusa (en realidad se puede tratar de cualquier país del mundo) el desenfreno del poder y dinero, de la hipocresía y la falsa moral (simbolizada principalmente en el sacerdote ortodoxo), y el abuso del alcohol ya que se muestra que muchos utilizan ese medio para solucionar (o mejor dicho olvidar) los problemas. Una crítica a la sociedad y sistema ruso, donde ninguno es 100% inocente, ya que todos se valen de artimañas para obtener lo que desean.




Un flim lento donde el director juega con las emociones del espectador, trágico por momentos, cómico muy pocas veces, amargo como un primer sorbo de vodka pero espléndido en las imágenes, frío como el carácter de los rusos (al menos el estereotípico) pero bello como las mujeres y sobre todo espléndido como sus paisajes; sin ninguna duda lo más atractivo de la película son sus escenas no vistas (infidelidad, pelea, suicidio) que genera espasmo al estupor al observador ya que permite trabajar a la imaginación, y para acabar la alegoría a la historia bíblica de Job es precisa ya que este trabajo se puede interpretar como una adaptación moderna a esta historia, un trabajo brillante.





Etiquetas: [Captain America]  [Comics]  [Hawkeye]  [Hulk]  [Iron Man]  [Joss Whedon]  [Marvel Comics]  [Quicksilver]  [Satn Lee]  [Scarlet Johansson]  [Scarlet Witch]  [The Avengers Age of Ultron]  [Thor]  [Ultron]  [Vision]  
Fecha Publicación: 2015-05-05T07:26:00.000-07:00
"If you step out that door, you're an Avenger."



The Avengers: Age of Ultron es una película de acción/fantasía/superhéroes de los EE.UU. dirigida y escrita por Joss Whedon, producida por Kevin Feige, está basada en el comic The Avengers de Stan Lee y Jack Kirby de la empresa Marvel Comics, y tiene un reparto coral que incluye a: Robert Downey Jr., Chris Hemsworth, Mark Ruffalo, Chris Evans, Scarlett Johansson, Jeremy Renner, Don Cheadle, Aaron Taylor-Johnson, Elizabeth Olsen, Paul Bettany, Cobie Smulders, Anthony Mackie, Hayley Atwell, Idris Elba, Stellan Skarsgård, James Spader y Samuel L. Jackson; es la secuela de The Avengers, y está situada en el Universo Filmico de Marvel.




¡Me gusta leer comics!, a pesar de que ya no los lea como antaño, siempre me doy un pequeño tiempo para hacerlo, por eso siempre estoy al tanto de las adaptaciones cinematográficas de este género, es cierto no todas resultan buenas o no todas terminan siendo de mi agrado, también entiendo que los directores no puedan plasmar en dos horas estos universos extensos tomándose algunas libertades que no siempre complacen a los fans de este género; Marvel Comics tiene a Marvel Studios para producir y coproducir las películas basadas en sus comics así tener el control total (tanto creativo como monetario de estas), en esta panorama se crea el Universo Cinematográfico de Marvel en donde la mayoría de sus títulos están en la misma línea espacio/tiempo además de tener una relación entre las películas, para facilitando así los crossover, también han dividido su películas en fases la primera ya acabó con los suceso de The Anvengers, la segunda está a punto de acabar e incluye los siguientes títulos: Iron Man 3, Thor 2: The Dark World, Captain America: The Winter Soldier, Guardians of the Galaxy, su más reciente estreno The Avengers: Age of Ultron y Ant-Man que será estrenada en Julio del presente año; ahora si después de una larga pero creo que necesaria introducción me centraré en The Avengers: Age of Ultron.





La película no sé si es mejor que su antecesora, eso creo que va a depender de los gustos de cada uno, pero hay algo bien claro, que a pesar de que una es secuela de la otra, ambas películas son distintas, está es más oscura, más dramática y tiene más acción, sin dejar de lado los pequeños toques de humor e ironía (esos aspectos están entre líneas y son contados), de una forma tiene la misma estructura narrativa que Captain America: The Winter Soldier (nota mental, siempre me voy a arrepentir de no haber escrito unas líneas de esa película en este blog); así mismo explora más el lado psicológico de los personajes, mostrando sus miedos, deseos y traumas; además de que permite crear sub tramas como las de Hawkeye y de Hulk que tal vez puedan derivar en próximas películas de esos personajes (aclaro Marvel no tiene planificado hacer películas de estos dos personajes, sin embargo dejaron una puerta abierta; sólo nos queda esperar), también la película introduce nuevos personajes por lo cual el universo se alarga y son necesarios para los próximos largometrajes que ya han sido anunciados, otro punto es que nos muestra que no todo es color rosa ya que los choques de egos y objetivos están presentes a lo largo del desarrollo del film, abriendo camino así a sus próximas entregas; en el tema de los efectos especiales cada vez se están superando debido a que estos espectaculares ya que están por encima de sus anteriores entregas, así como las música del gran Danny Elfman son el acompañamiento ideal para el desarrollo del film, en otras palabras la película cumple y con creces.




Etiquetas: [Song of the Sea]  [Tom Moore]  
Fecha Publicación: 2015-04-28T14:59:00.001-07:00
"My son, remember me in your stories and in your songs. 
Know that I will always love you, always."


Song of the Sea es una película animada irlandesa dirigida por Tom Moore, producida por Paul Young y Claus Toksvig Kjaer, escrito por Will Collins; está protagonizada por David Rawle, Brendan Gleeson, Fionnula Flanagan, Lisa Hannigan, Lucy O'Connell, Jon Kenny, Pat Shortt, Colm Ó Snodaigh, Liam Hourican y Kevin Swierszcz, esta película estaba basada en el mito de los selkies muy popular en la cultura Celta.




Estamos frente a una película fantástica de principio a fin, en donde se muestra parte del folklore irlandés plasmado dentro un ambiente familiar; es la historia de Ben que no quiere a su hermana Saoirse la cual no habla y nació el día en que Bronagh (su madre) desapareció, ambos viven con Connor (su padre) en un faro, sin embargo en el cumpleaños número 6 de Saoirse descubre que ella es una selkie, su padre temiendo que ella tenga el mismo destino que su madre decide acceder a los pedidos de su abuela para que ambos niños vivan en la ciudad, luego cuando los niños deciden regresar al faro viven una aventura real maravillosa, en donde se revela el origen mágica de Saoirse; la mitología y costumbres irlandesas están muy bien plasmadas en este largometraje, sobre todo el mito de los selkies (si desean saber más de este mito por favor hacer click acá) así vemos otros seres míticos de ese país como los elfos, enanos, hechiceras y ogros; también Moore muestra costumbres irlandesas como el fervor católico de su población (recordemos que Irlanda tuvo una guerra religiosa contra Inglaterra ya que estos defendían su fe católica, frente al anglicanismo), así como la presencia de bares (vamos los irlandeses tiene fama de bebedores).




Sin duda Moore logra plasmar un mundo mágico, rescatando la espiritualidad y las tradiciones de su pueblo, esta historia que está representada como una fábula familiar, que expone muchos temas que pueden ser cliché: familia donde sólo hay una autoridad, celos de hermanos, historia oculta del origen de la madre, la abuela que quiere llevarse a los nietos; en fin temas que han sido tratados de diferentes formas a lo largo de la historia (no solamente en el cine) sin embargo creo que acá está el mérito de Moore que supo plasmar una historia minuciosa llena de detalles, con muchos momentos de bellezas, y que si te dejas llevar puede golpearte en las entrañas; ya que los sentimiento sobre todo el amor (o la búsqueda de este) están presentes a lo largo del film, ya que sin los sentimientos y las emociones nosotros seríamos seres de piedras, grises y fríos.




Etiquetas: [Jennifer Kent]  [The Babadook]  
Fecha Publicación: 2015-04-20T22:10:00.001-07:00
"I have moved on. I don't mention him. I don't talk about him"



The Babadook es una película de terror de Australia está dirigida y escrita por Jennifer Kent; producida por Kristina Ceyton y Kristian Moliere; cuenta con las actuaciones estelares de,  Essie Davis, Noah Wiseman, Daniel Henshall, Hayley McElhinney, Barbara West y Ben Winspear, la película está inspirada en el corto Monster (2005) de la misma Kent, es considerado una de las mejores películas de terror del 2014 y fue galardonada con el premio del público en el Festival Sundace 2014





Las películas de terror creo yo que tiene un objetivo principal, que es la de causar miedo, si una película de este género cumple con ese objetivo habrá pasado la primera y la más difícil de las vallas; bajo esta premisa The Babadook cumple; pues hizo que este su humilde servidor tenga miedo y que al menos por una noche no duerma bien; esto se debe a que la película juega con la mente del espectador creando incertidumbre sobre el devenir de la misma, así como cuenta con buenas actuaciones: Amelia Vannick (Essie Davis) y Samuel Vannick (Noah Wiseman), este último me sorprendió ya que se trata de un actor joven que tiene toda una carrera por delante; los detalles mencionados anteriormente son producto de una sola persona: Jennifer Kent directora y guionista de esta película, que con tan sólo dos actores y utilizando la lógica de los acontecimientos que es básica de los clásicos del terror, logra realizar su opera prima y salir airosa, la alumna del gran Lars von Trier realiza una película que creo yo será considerada como de culto no sólo para los amantes del cine del terror.





Kent logra plasmar un ambiente tétrico y lúgubre, creando suspenso en los momentos que son necesarios, juega tanto con la historia del cuento Mr. Babadook sino también con los monstruos internos de los personajes, creando un ambiente de fantasía macabra pero al mismo tiempo aborda temas cotidianos, ya que esta película (creo yo) trata de asustarnos ya sea atreves la fantasía o de la realidad.




Etiquetas: [Mommy]  [Xavier Dolan]  
Fecha Publicación: 2015-04-12T23:03:00.002-07:00
"Le monde est un lieu où il n'y a pas beaucoup d'espoir."



Mommy es una película canadiense, dirigida y escrita por Xavier Dolan, y producida por el mismo Dolan y Nancy Grant, cuenta con las actuaciones de Anne Dorval, Antoine-Olivier Pilon y Suzanne Clément, ambientada en un Canadá ficticio, y narra las relaciones de una madre con su hijo problemático.





Xavier Dolan, es sin duda el futuro, mejor dicho el presente del cine franco canadiense, que a sus cortos 26 años ya tiene 5 largometrajes en su currículo, su más reciente trabajo se titula “Mommy” ambientada en una Canadá ficticia se aprueba una ley que permite que los padres incapaces de controlar a sus hijos problemáticos les internen en un centro especial. Sin embargo Diane "Die" Després (Anne Dorval) una madre viuda y sub empelada decide hacerse cargo su hijo un adolescente problemático llamado Steve (Antoine-Olivier Pilon) el cuál padece de TDAH (Trastorno por déficit de atención con hiperactividad), así mismo Steve puede llegar a ser violento (incluso con su propia madre), luego conocen a Kyla (Suzanne Clément) le ofrece su ayuda en la difícil tarea de educar a su hijo; iniciando así una especie de “triángulo amoroso” entre los tres personajes, que van desnudando sus sentimientos, medios y alegrías; estamos ante un drama oscuro, intenso, real, y sin embargo al mismo tiempo (por momentos) tierno, donde vemos las relaciones de una familia disfuncional. En primer lugar a madre que lucha (hasta donde puede) por darle lo mejor a su hijo; de un hijo que a pesar de sus problemas ama a su madre y está dispuesto a ayudarla y reconquistar así ese amor materno, pero al mismo tiempo busca su libertad; ya que es un joven que está en la edad que las hormonas dominan su ser; y de una vecina que tiene su propia cruz: es tartamuda, y esta ayuda a la madre a que el hijo pueda re incorporarse a la sociedad.





Es uno de los trabajos más exquisitos de Dolan, que además la filmó de una manera nada convencional, ya que los cuadros utilizados ayudan un poco a jugar con las sensaciones que esta trasmite, por ejemplo el 1:1 (usado en casi todo el film) implica la limitación personal (que sienten los personajes a lo largo del metraje) y conlleva a que nuestra mente perciba que es una película vertical causando un conflicto visual ya que rompe con los paradigmas establecidos.




Etiquetas: [Inherent Vice]  [Paul Thomas Anderson]  
Fecha Publicación: 2015-04-02T17:27:00.001-07:00
"Inherent vice in a maritime insurance policy is anything that you can't avoid. 
Eggs break, chocolate melts, glass shatters, 
and Doc wondered what that meant when it applied to ex old ladies."



Ineherent Vice es una película de los EE.UU. dirigida por Paul Thomas Anderson, producida por JoAnne Sellar, Daniel Lupi y Paul Thomas Anderson, protagonizada por: Joaquin Phoenix, Josh Brolin, Owen Wilson, Katherine Waterston, Reese Witherspoon, Benicio del Toro, Jena Malone, Joanna Newsom, Maya Rudolph y Martin Short; esta basada en la novela homónima del novelista Thomas Pynchon.




Paul Thomas Anderson es uno de los directores actuales más creativos de las últimas décadas, esta vez explora el film noir tan de moda entre los años 30 y 50; Ineherent Vice es una película que capta lo mejor de Anderson; comenzando por el personaje principal Doc Sportello (Joaquín Phoenix) un investigador privado, adicto a las drogas; que vive en Los Angeles en los años 70’s (época de los hippies, alcohol, drogas, sexo, rock and roll , flower power, etc) en otras palabras es un viejo hippie, todo cambia cuando entra a escena su vieja “novia” Shasta (Katherine Waterston) que le pide ayudar a su amante que está desaparecido. Hasta allí quizás el argumento parece de una típica película de detectives, pero lo que resalta es la capacidad de Anderson de crear una maraña de personajes, el cual cada uno de ellos tiene un mundo interior, y sus historias se intercalan con la historia principal, haciéndola confusa, entretenida, oscura y enigmática al mismo tiempo.





Anderson logra plasmar la novela de Pynchon en la pantalla grande con maestría, además de crear personajes variopintos gracias a un reparto coral de actores, recrear California de los años 60s, destaca la fotografía que estuvo a cargo de Robert Elswit que crea escenas de gran belleza visual y la música a cargo de Jonny Greenwood de la banda británica Radiohead, así como de los clásicos de los años 60’s que ayudan a sumergirse en esa época agridulce, cabe mencionar que ambos son colaboradores habituales de Anderson. Sin duda la mezcla perfecta que dio como resultado una buena película, que vale la pena verla más de una vez.




Etiquetas: [Big Eyes]  [Tim Burton]  
Fecha Publicación: 2015-03-09T22:42:00.002-07:00
"The eyes are the windows of the soul… 
That’s why I paint them so big. I’ve always done it that way."


Big Eyes es una película de los EE.UU. dirigida por Tim Burton; producida por Tim Burton, Scott Alexander, Larry Karaszewski y Lynette Howell; escrita por Scott Alexander y Larry Karaszewski; protagonizado por Amy Adams, Christoph Waltz, Danny Huston, Jon Polito, Krysten Ritter, Jason Schwartzman y Terence Stamp; es una película biográfica sobre la pintora Margaret Keane que fue famosa durante los años 60’s, puesto que sus pinturas se caracterizaban por retratar personas con grandes ojos.

Trailer:





Yo soy un fan confeso de Tim Burton; Ed Wood es una de mis películas favoritas, en biopic sobre el “peor director de Hollywood” la antítesis del Rey Midas, en donde Burton muestra su capacidad como director siendo considerado como uno de los mejores de los años 90’s, sin embargo los tiempos cambian y Burton aparentemente está en un periodo en donde su creatividad ha bajado, con eso no quiero decir que su última película Big Eyes sea un bodrio, pero carece de la brillantez característica de Burton.





Empecemos por el argumento, Big Eyes es un biopic, sobre la pintora Margaret Keane (Amy Adams) su trabajo es conocido por presentar a personajes con grandes ojos, y que tuvo una querella judicial con su esposo en los años 60’s Walter Keane (Christoph Waltz) debido a que este último se quedaba con todo el crédito de su trabajo, y además era víctima de violencia psicológica, en esta parte creo que Burton cumple, recrea la historia tal como es, con algunos detalles de su imaginación, pero no hay nada sobresaliente; sobre las actuaciones creo que es lo más sobresaliente que tiene la película tanto Amy Adams como Christoph Waltz hicieron papeles para el recuerdo, Waltz no creo que haya sorpresa pues ya mostró sus dotes histriónicos en dos películas de Quentin Tarantino: Inglourious Basterds y Django Unchained; acá no hace más que reforzar lo que ya había mostrado, plasmando un villano difícil de odiar, personificando de una manera brillante a un personaje difícil; por otro lado Amy Adams estuvo también a la altura al recrear a otro personaje complicado, logrando captar la esencia de un personaje sumiso, en donde huir siempre fue su salida, pero poco a poco vemos como esta evoluciona y como Adams plasma dicha evolución en las diferentes escenas.




A pesar de ser un historia buena, contar con actores buenos, y ser un director renombrado, la película como que le falta algo, le falta ese toque macabro, tétrico y lúgubre que tienes las películas de Burton, le faltó oscuridad, le ausencia de lo fúnebre es chocante, es una película normal, si bien es cierto tiene momentos buenos, no llegan nunca al climax, haciéndola plana y monótona, además como que Burton descuido mucho la escenografía y fotografía por momentos pensé que utilizó la misma escenografía que Edward Scissorhands y eso me parece algo raro en un director cuya característica es crear ambientes adecuados en cada una de sus películas; en la parte musical Danny Elfman cumple, pero creo que la que se lleva las palmas es Lana del Rey
En si una película promedio, que no es mala, pero tratándose de Burton uno siempre espera más.


Etiquetas: [Damián Szifron]  [Relatos Salvajes]  
Fecha Publicación: 2015-02-27T16:29:00.002-08:00
"Los que trabajan para delincuentes… ¿qué son? ¿son delincuentes?"



Relatos Salvajes es una película de la Argentina dirigida y escrita por Damián Szifron; producida por Hugo Sigman, Pedro Almodóvar, Agustín Almodóvar, Esther García, Matías Mosteirín, Claudio Belocopitt y Gerardo Rozín; y protagonizada por Ricardo Darín, Oscar Martínez, Leonardo Sbaraglia, Érica Rivas, Rita Cortese, Julieta Zylberberg, Darío Grandinetti entre otros.

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Relatos Salvajes son 6 historias, que fluctúan entre la comedia y el drama; 6 historias que son el reflejo de nuestra sociedad actual, una sociedad estresante, sin ética ni moral, en donde la justicia principalmente obedece a los interés monetarios, y sobre todo violenta; y es justo la violencia es el hilo conductor de estas historias, si en si a primera instancia nos muestras personas comunes, pronto vemos que estas tienen un carga sociópata intrínseca, y por ende la violencia es el medio de desfogue de está, como mencioné todas las historias tienen un trama violento en donde la venganza es el principal motor para cometer estos crímenes o delitos. Szifrón logra plasmar historias ágiles, directas y sin tapujos, en donde cada una tiene su propio trasfondo, logrando en poco tiempo en que estas se desarrollan crear distintos universos rico de situaciones, personajes, acciones y diálogos; acompañado claro de actuaciones espléndidas.




Como mencioné antes Szifrón plasma la violencia actual en la que vive no solo su Argentina natal, sino creo que la mayoría de países del globo, con personajes que se los puede catalogar como unos granujas sin importar su condición socio-económico-cultural-étnica pues desde el que maneja un Audi último modelo hasta la cocinera de un restaurante ubicado en medio de la autopista logran soltar su lado más salvaje y (discúlpenme la expresión) más mierda que el ser humano puede poseer.




Etiquetas: [Dan Gilroy]  [Nightcrawler]  
Fecha Publicación: 2015-02-17T15:14:00.001-08:00
"My motto is if you want to win the lottery you've got to make money to get a ticket."



Nightcrawler es una película dirigida y escrita por Dan Gilroy (siendo su ópera prima), producida por Jennifer Fox, Tony Gilroy, Michel Litvak, Jake Gyllenhaal y David Lancaster, protagonizada por Jake Gyllenhaal, Rene Russo, Riz Ahmed y Bill Paxton; cuenta la historia de Lou Bloom que vende noticias sensacionalista al canal donde labora Nina Romina.

Trailer:




Nightcrawler creo que es una de las obras más completas de esta década, en donde Dan Gilroy muestra hasta dónde puede llegar el ser humano por fama y fortuna, este film nos muestra la historia de Lou Bloom (Jake Gyllenhaal) un ser humano sin escrúpulos, es la típica persona en la que la “El fin justifica los medios” (frase atribuida a Maquiavelo) le cae como anillo al dedo; ya que se dedica a vender noticias amarillistas (especialmente en donde hay mucha sangre) al canal en donde trabaja Nina Romina (Rene Russo); ambos personajes son tal para cual mientras que Bloom busca dinero y no le interesa el medio que utiliza, Romina es una presentadora de noticias que solo le interesa el rating, conformando así una interesante simbiosis, en la que ambos querrán sacar provecho.




La crítica a los medios de comunicación es algo que está presente en esta película, ya que sintonizamos cualquier noticiero (o mejor dicho la mayoría de los noticieros) de cualquier país del mundo, vemos en su mayoría choques, robos, violaciones, atracos, chismes de farándula, etc. Y pocas veces vemos temas políticos, los cuales a mi opinión son lo principal que los medios deben exponer, lo más curiosos es que el consumidor le interesa conocer más de los primeros temas que de los segundos, y los medios al saber de eso utilizan una lógica básica del marketing: darle al consumidor lo que pide; por tal motivo en el mundo de las televisoras existen muchos “Nina Romina” cegados por el rating, personas que sólo le interesa las frías cifras del rating, puesto que eso significan más ingreso; así como también existen muchos “Lou Bloom” que son capaces de vender su alma al diablo tan sólo por conseguir dinero.




Una crítica bien plasmada, con dos personajes principales bien trabajados, en donde logra plasmar una jungla sin leyes, una comunidad sin respeto mutuo, un ambiente en donde el dinero es la única autoridad, y todo se puede lograr, así tenga que morir alguien, frío y cruel.



Etiquetas: [Deux Jours Une Nuit]  [JeanPierre Dardenne]  [Luc Dardenne]  [Marion Cotillard]  
Fecha Publicación: 2015-02-10T17:18:00.001-08:00
"Je ne veux pas que les enfants me voient pleurer."



Deux Jours, Une Nuit es una película belga-franco-italiana dirigida y escrita por los hermanos belgas Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne, producida por Luc Dardenne, Denis Freyd y Jean-Pierre Dardenne; protagonizado por Marion Cotillard, Fabrizio Rongione, Olivier Gourmet, Pili Groyne, Simon Caudry, Catherine Salée y Batiste Sornin, es considerada una de las mejores películas francófonas rodadas el 2014.

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Para nadie es novedad que actualmente Europa está pasando en una crisis económica, y la falta de empleo cada vez aumenta en el viejo continente, los países más afectados son España y Grecia, la crisis ha agarrado a todos los miembros de la Comunidad Europea, y es obvio algunos países lo sientan más que otros; bajo esta premisa se desarrolla Deux Jours, Une Nuit el noveno film de los hermanos belgas Jean-Pierre y Luc Dardenne; la historia es simple, pues narra cómo Sandra (Marion Cotillard) una joven madre, que sufre de crisis nerviosa, ella trabaja en una fábrica de paneles solares, y durante su ausencia los directores se dieron cuenta que su puesto no era necesario, entonces sus compañeros entraron en votación para decidir si ella continuaba en su puesto de trabajo o si recibían un bono extra, al saber esto Sandra inicia una visita a cada uno de sus compañeros para que cambien de opinión ya que ella sólo cuenta con un fin de semana para persuadirlos de que renuncien a sus bono para que mantenga su puesto de trabajo, iniciando así una carrera contra el reloj, para convencer a sus compañeros.





Una película realista, un drama tanto psicológico como sociológico, al tratar de un tema actual como la escasez de trabajo y los problemas a los que conlleva como el stress y la depresión; otros de los temas que trata es sobre las necesidades personales y la de los terceros; ¿el compañerismo acaso tiene un límite? y acaso ¿mis necesidades son más importantes que tus necesidades? , es cierto todas tratamos de empujar agua hacia nuestro molino, pero ¿acaso eso es lo correcto?, todas esas dudas la tienen los protagonistas y coprotagonista a lo largo del film. Una película directa y efectiva, sin situaciones forzadas y con personajes bien desarrollados, en donde los directores logran captar la angustia y malestar de la clase trabajadora, un trabajo acorde a los tiempos actuales.




Etiquetas: [Alejandro González Iñárritu]  [Birdman or he Unexpected Virtue of Ignorance]  
Fecha Publicación: 2015-02-02T14:27:00.001-08:00
"Popularity is the slutty little cousin of prestige, my friend"



Birdman or (he Unexpected Virtue of Ignorance) es una película de los EE.UU. dirigida por el mexicano Alejandro González Iñárritu; producida por Alejandro González Iñárritu, John Lesher, Arnon Milchan y James W. Skotchdopole; escrita por Alejandro González. Iñárritu, Nicolás Giacobone, Alexander Dinelaris, Jr. y Armando Bo; protagonizado por Michael Keaton, Zach Galifianakis, Edward Norton, Andrea Riseborough, Amy Ryan, Emma Stone y Naomi Watts entre otros. Cuenta la historia de un actor famoso por realizar un personaje de un súper héroe, que sin embargo quiere realizar un papel más importante, antes de acabar con su carrera.

Trailer:




Creo que soy uno de los pocos que opina que “Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance)”; es una película sobrevalorada, y a pesar de ser una buena película, no me parece que sea una de las mejores del 2014, la historia no me atrajo, a pesar de tener momentos buenos, sobre todo las actuaciones de Michael Keaton y Edward Norton, además de tener un argumento de carácter filosófico con una fuerte crítica a las películas fáciles; sin embargo creo que le faltó algo, quizás sea en la parte actoral, ya que salvo Keaton y Norton, los otros papeles ni atan ni desatan (incluidas a Emma Stone y Naomi Watts), entendí la crítica hacia el público que prefiere las películas de súper héroes (o mejor dichos las películas fáciles, ya que hay muy buenas películas de ese género) sobre las películas que llevan una carga artística/psicológica más rica que estas, pero son este tipo de películas las que llenan las taquillas, mientras que las otras son olvidadas y pasan desapercibidas ante el ojo del espectador común y corriente; es allí donde entra Riggan Thomson interpretado magistralmente por Michael Keaton; quien encarnó a Batman en dos películas de Tim Burton: 'Batman' (1989) y 'Batman Returns' (1992); un actor cuyo venido a menos cuyo único reconocimiento fue de interpretar a un súper héroe llamado Birdman, que ahora quiere hacer un trabajo más serio y no ser recordado como un súper héroe.





Lo interesante es que “Birdman” vive dentro de Thomson, y siempre le está diciendo que vuelva a interpretarlo ya que el público prefiere la acción sin sentido a las tramas filosóficas, esto hace que el personaje tenga una rica dualidad y siempre tenga discusiones consigo mismo; de otro ladoMike Shiner (Edward Norton) encarga a un actor de Broadway un granuja, que le pone sabor a las dudas existenciales de Thomson. Otro punto a favor es la música: jazz neoyorquino en donde destacan las baterías, siempre están sonando de una forma majestuosa, en fin creo yo que a pesar de ser una buena película le faltó algo para que pueda ser redonda. 





Etiquetas: [Damien Chazell]  [Whiplash]  
Fecha Publicación: 2015-01-22T17:45:00.002-08:00

 Whiplash es una película de los EE.UU. dirigida y escrita por Damien Chazelle, producida por Jason Blum, Helen Estabrook, Michel Litvak y David Lancaster; protagonizada por Miles Teller, J. K. Simmons, Paul Reiser, Melissa Benoist, etc. Y narra la historia entre un aprendiz de música jazz y su profesor que tiene métodos poco ortodoxos para enseñar y motivar a sus alumnos.

Trailer: 







La pasión por la música está presente en la película, la batería el instrumento principal de la historia siempre está sonando, el jazz impone su presencia con la elegancia y vehemencia que lo caracteriza, sin duda una película grandilocuente que afirma la capacidad de Damien Chazelle que ya había dado señales de que sabe armar buenas historias con "Guy and Madeline on a Park Bench" del año 2009. Whiplash es la historia de Andrew Neiman (Miles Teller) un joven talentoso y empeñoso baterista que cursa el primer año en un instituto de jazz y su maestro Terence Fletcher (magníficamente interpretado por Jonathan Kimble "J. K." Simmons) este maestro le gusta desafiar a sus alumnos; con violencia psicológica y física incluida, para llevarlos al límite con el objetivo que estos puedan sacar lo mejor de cada uno, estos dos personajes se encuentran logrando plasmar; a ritmo de jazz, uno de los “dramas” más intensos del último año, en donde la intensidad está presente haciendo que el espectador mantenga interés en la historia los 107 minutos que tiene de metraje; el personaje de Fletcher es uno de los más ricos de esta década, un músico/profesor vil pero eficaz, sin llegar a hacer un personaje odioso.





Whipalsh es de las películas que cuando acaba la quieres volver a ver, y la que es difícil de olvidar, por el buen trabajo que Chazelle, tanto a la hora de elegir los protagonistas como en la de crear una historia redonda, en donde todo: guion, escenografía, montaje, fotografía y sonido; fueron revisados al más mínimo detalle; Chazelle dijo: “Quise hacer una película sobre música que se pareciera a una película bélica o a una película de mafiosos, donde los instrumentos representaran las armas y las palabras fueran tan violentas como las pistola" y vaya que lo logro.


 



Etiquetas: [Cannes]  [Kış Uykusu]  [Nuri Bilge Ceylan]  [Sueño de Invierno]  [Turquía]  [Winter Sleep]  
Fecha Publicación: 2015-01-15T19:11:00.002-08:00
"Pero tú, ¿no has tenido nunca remordimientos al ver a una mujer joven, con su vanidad, en buen estado de salud, disolverse en la vacuidad, el aburrimiento y el miedo?"



Kış Uykusu es una película de Turquía, dirigida por Nuri Bilge Ceylan, producida por Zeynep Özbatur Atakan y Sezgi Üstün, escrita por Nuri Bilge Ceylan y Ebru Ceylan, protagonizada por Haluk Bilginer, Demet Akbag, Melisa Sözen, Tamer Levent y Nejat Isler, esta película fue la ganadora del festival Cannes 2014 y sin duda es una de las mejores de ese año.

Trailer:







Estamos al frente de uno de los films más interesantes del año pasado, una historia que atrapa a pesar de su metraje (195 minutos) llena de conversaciones filosóficas en donde abordan temas como la moral y espiritualidad; la historia nos muestra a Aydin (Haluk Bilginer) un actor retirado, dueño de un hotel y propietario de terrenos que vive en el campo turco, se dedica a escribir artículos en el periódico local; él es distante con sus inquilinos y su actitud hacia su hermana recién divorciada Necla (Demet Akbağ) y su joven y bella cónyuge Nihal (Melisa Sözen) se le puede catalogar como pedante, atorrante, y hasta cierto punto humillante. La película se basa en conversaciones, que como ya mencioné antes abordan temas como la moral y espiritualidad, las más intensan son sin duda las que sostienen Aydin con Necla y sobre todo la de Aydin con Nihal que sin duda es el clímax de la película, estos diálogos a pesar de estar cargados de una temática densa y difícil, en ningún momento llegan a descontrolarse, más bien conducen de una u otra forma a reflexiones sobre la vida, la juventud perdida, la religión, la política, la vejez , el fracaso, los sueños frustrados, y un largo etc. En donde sobresale la forma inteligente en el cual fueron estos concebidos así como la superlativa interpretación de los actores.





El invierno como metáfora siempre se la ha asociado a la vejez “…Ha caído tanta lluvia, nieves y los vientos son tan fríos, que no hay más alternativa que recogerse, ser cuidadoso, detenerse. Se lleva sobre los hombros, no solo el peso de los años sino de las vivencias de las demás estaciones, la carga de afanes y ajetreos vividos. Esa montaña de experiencias, ese manantial de nostalgias, obligan al caminar pausado. La vejez es, indiscutiblemente, el invierno de la vida. Es hacer de sí mismo un refugio que puede ser acogedor o deprimente, dependiendo de cómo vivimos las estaciones anteriores. Es un cerrar el ciclo, pasar balance y evaluar los frutos de las siembras...”*, está película está asociada a la edad de Aydin, en donde va reflexionando sobre su vida y vivencias, va evaluando sus resultados, y en donde su hotel se convierte en su refugio, en el lugar en donde el de una u otra forma se siente seguro, esta metáfora del invierno con la vejez de la vida cae como anillo al dedo a las situaciones que presenta Nuri Bilge Ceylan, en oposición a su pareja Nihal que está en otra etapa de la vida y que sin duda esta diferencia de edades y sumado a la personalidad de Aydin, hacen que ella sienta que ha despreciado su vida.





Estamos ante una película rica de diálogos en cuanto se refiere a los diálogos, ya que los Ceylan fueron minuciosos a la hora de elaborarlos así como los actores supieron interpretarlos de una forma magistral, y con el único fin de mostrar las relaciones humanas en diferentes situaciones.


* Texto original: http://www.diariolibre.com/movil/noticias_det.php?id=463581

Etiquetas: [Frank Miller]  [Robert Rodriguez]  [Sin City A Dame to Kill For]  
Fecha Publicación: 2014-12-02T17:54:00.000-08:00
"Death is just like life in Sin City. It always wins."



 Sin City: A Dame to Kill For, es una película de los EE.UU. dirigido por Robert Rodriguez y Frank Miller, producido por Robert Rodriguez, Sergei Bespalov, Aaron Kaufman, Stephen L’Hereux, Iliana Nikolic, Alexander Rodnyansky y Mark Manuel, escrita por Frank Miller está basada en la novela gráfica Sin City del mismo Miller, es la secuela de Frank Miller’s Sin City (2005); cuenta con las actuaciones de Mickey Rourke, Jessica Alba, Josh Brolin, Joseph Gordon-Levitt, Rosario Dawson, Eva Green, Powers Boothe, Dennis Haysbert, Stacy Keach, Jaime King, Ray Liotta, Jeremy Piven Bruce Willis.




La ansiada segunda parte de Sin City al fin se cristalizó este año, si bien es cierto que ha tenido más críticas negativas que positivas, sin embargo y a mi punto de vista no me parece una mala película, para empezar diré que estoy de acuerdo que es inferior a su antecesora, ya que a la dupla Miller/Rodríguez se puso la vaya muy alta, pero eso no fue obstáculo que puedan hacer una segunda parte digna de su antecesora, con cuatro historias buenas llenas de acción, golpes, sangre y mujeres bellas, ambientadas en un ciudad disfuncional, en donde la ley no existe, obvio que hay un nexo entre esta película y la primera entrega, no sólo es la ciudad donde se desarrolla la acción, sino que hay historias y personajes que vuelven a aparecer, creando un puente entre ambas películas; lo que más me gusta del film es la estética (que es la misma de la primera entrega, pero con mejoras en los gráficos producto del avance de la tecnología) que ayuda al estilo neo-noir que trasmite el comic, otra punto a favor es que da un final (que quizás no sea del agrado de todos) a la historia que más me impactó de la primera parte: “That Yellow Bastard”,en donde Nancy Callahan (Jessica Alba) esta dispuesta a vengar la muerte de su amado John Hartigan (Bruce Willis), de las historias nuevas creo la que más resalta es “A Dame to Kill For” en donde la actriz Eva Green se lleva la película, no solo por sus desnudos sino también, este segmento a mi opinión es el que resumen mejor la esencia de la obra de Miller.





Eso si la película tiene escenas innecesarias, otro defecto es que los segmentos no estén al mismo nivel; ya que ambas partes “The Long Bad Night” no están al nivel de las otras secuencias, así como creo que se pudo prescindir de “Just Another Saturday Night”; otro defecto que tiene la película, defecto el cual tiene la mayoría de películas con segunda parte, es que la trama por momentos se hace obvia y el factor sorpresa disminuye, empero esos detalles creo que la película es aceptable.



Etiquetas: [God Help The Girl]  [Stuart Murdoch]  
Fecha Publicación: 2014-11-25T17:25:00.000-08:00

God Help the Girl, es una película británica dirigida y escrita por Stuart Murdoch, producido por Barry Mendel, protagonizado por Emily Browning, Olly Alexander, Hannah Murray y Pierre Boulanger, siendo un musical que se centra en jóvenes escoceses que quieren formar su banda de indie pop.




"High School Musical" para Hipster, creo que con esa frase puedo resumir la película opera prima de Stuart Murdoch (vocalista y compositor de la banda escocesa Belle & Sebastian) aclaro que no estoy diciendo que esta película sea mala, pero pudo hacer sido mejor, sin embargo no quiero no quiero hacer un linchamiento a Murdoch, ya que creo que tiene futuro en el sétimo arte, y sus próximas películas pueden ser mejores. En la parte musical no hay nada que criticarle, si conoces y eres amante la discografía de Belle & Sebastian, creo que no tendrás problemas con estas y sabrás de antemano que estilo tienen, el punto débil de la película es el trama, es forzado y por momentos absurdo, en donde por un lado se ve la inexperiencia del director y por otro su ganas de hacer las cosas bien, los diálogos me parecen banales, lleno de cliché de los hípster, así como lo personaje: la enferma mental, el nerd antisocial y la niña rica mimada sin amigos también son estereotipos de “los que forman una banda y ser famosos”; a pesar de que contó actores con experiencia el director no los supo aprovechar a su máximo y obvio eso creo yo ya no es culpa de ellos.




Repito, creo que Murdoch tiene futuro en el cine, pues ideas tiene, lo que necesita es tiempo, para poder plasmar mejor sus ideas, así como adquirir experiencia y mejorar. Si bien las expectativas fueron altas, no es para sepultar al director, pues entre los puntos positivos, yo rescato que supo captar la escena independiente de Escocia.




Etiquetas: [Christopher Nolan]  [Interstellar]  
Fecha Publicación: 2014-11-18T21:54:00.000-08:00
"We used to look up at the sky and wonder at our place in the stars, now we just look down and worry about our place in the dirt."



Interstellar es una película de los EE.UU. dirigida por Christopher Nolan, coescrita con su hermano Jonathan, producida por Christopher Nolan, Emma Thomas y Lynda Obst, protagonizado por Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Jessica Chastain, Bill Irwin, Ellen Burstyn y Michael Caine, narra la historia de un grupo de astronautas que buscan un nuevo hogar para los humanos, así como las relaciones interpersonales entre los protagonistas.



Intestellar es una película que te deja perplejo hasta días después de haberla visto, ya que no es una típica película de espacial - ciencia ficción, sino que expone de una forma interesante varios conceptos y teorías científicas tales como: los agujeros de gusanos, la gravedad, la relatividad del tiempo, las dimensiones, viajes en el tiempo y la conquista del espacio exterior, todo eso mezclado con un toque de drama, acción y suspenso; sin duda este nuevo trabajo de Christopher Nolan vuelve a mostrar su capacidad de crear historias complejas pero con un fondo sencillo y cotidiano como la historia familiar y las relaciones humanas. Inspirada en la mejor película de ciencia ficción de la historia; 2001: A Space Odyssey, ya que hay guiños que Nolan le hace a Kubrick a lo largo de la película, como en la dirección fotográfica o el rigor científico mostrado.




Ambientando en un planeta tierra moribundo en un futuro apocalíptico, donde vivir prácticamente es una hazaña, un grupo de astronautas tiene la misión de ir al espacio para buscar un nuevo hogar para la raza humana (cabe mencionar que antes se enviaron otras misiones) empezando una odisea espacial en donde ellos no saben si van a volver o no a la Tierra; en el espacio el tiempo trascurre más lento comparado con la tierra (teoría de la relatividad), así que mientras en nuestros viajeros sólo han transcurridos algunos horas o algunos días, para sus familiares han pasado años además el planeta tierra que cada vez es más inhabitable.




Con actuaciones magníficas, un buen guion, con magníficos efectos espaciales, un gran trabajo en ambientación y fotografía, así como una historia que atrapa, estamos ante las 3 horas más intensas de este año.




Etiquetas: [Frank]  [Lenny Abrahamson]  
Fecha Publicación: 2014-11-05T20:13:00.000-08:00


Frank es una película del Reino Unido dirigida por Lenny Abrahamson, producida por David Barron, Ed Guiney, Stevie Lee y Andrew Lowe, escrita por Jon Ronson y Peter Straughan, protagonizada por Domhnall Gleeson, Michael Fassbender, Maggie Gyllenhaal, Carla Aznar, François Civil y Scoot McNairy; y es la historia de cómo un joven apasionado por la música, se une a una banda de rock y como es el día a día en esta nueva etapa de su vida.





Jon (Domhnall Gleeson) de forma fortuita se une como tecladista a una banda llamada ‘Soronprfbs’ liderados por Frank (Michael Fassbender) un excéntrico personaje que siempre usa una cabeza de cartón, sin embargo el único que cree en Jon es Frank, ya que los otros miembros de la banda Clara, que toca el theremin (Maggie Gyllenhaal), la baterista Nana (Carla Aznar) y el bajista francés Baraque (François Civil) se resisten a la presencia de Jon, no ocultando su incomodidad y rechazo hacia él; sin embargo todo cambia cuando Don el manager de la banda (Scoot McNairy) se suicida en plena grabación del disco, y Jon sugiere dar un nuevo giro a la banda llevando a una crisis interna, aumentando malestar que ya existía.





Frank es una historia donde nos muestra una banda de seres inadaptados, un grupo de hispters locos, uno más raro que el otro, en donde el único cuerdo aparentemente es Don el manager, y en donde Frank es más que su líder, es el genio incomprendido, con problemas mentales, una especie de gurú espiritual que guía (o trata de guiar) a esta colección de seres raros, este personaje fue bien desarrollado por Michael Fassbender que a pesar de que toda la película lleva la cabeza de cartón demuestra que es uno de los mejores actores de esta época; otro personaje que resalta es el de Jon interpretado por Domhnall Gleeson, aunque vuelve hacer del chico lerdo pero de buen corazón, que durante toda la película trata de encajar en este grupo de freaks.




Frank es una película sobre música, sin ser un musical, un película sobre las interacciones humanas, así como sobre los sueños y metas personales, sin duda una película entretenida, una de las mejores comedias dramáticas de este año.