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Etiquetas: [The Grand Budapest Hotel]  [Wes Anderson]  
Fecha Publicación: 2014-07-27T22:00:00.004-07:00
"Keep your hands off my lobby boy!"


The Grand Budapest Hotel, es una película dirigida por el director texano Wes Anderson, producida por Wes Anderson, Jeremy Dawson, Steven M. Rales y Scott Rudin, escrita por el propio Anderson y Hugo Guinness, protagonizado por Ralph Fiennes, F. Murray Abraham, Edward Norton, Mathieu Amalric, Saoirse Ronan, Adrien Brody, Willem Dafoe, Léa Seydoux, Jeff Goldblum, Jason Schwartzman, Jude Law, Tilda Swinton, Harvey Keitel, Tom Wilkinson, Bill Murray, Owen Wilson y Tony Revolori; la película es una historia, de amistad entre conseirge de este famoso hotel y su joven protegé, del robo de una herencia y de los líos familiares, en un país Europeo ficticio del periodo de entre guerras.





Anderson, es sin duda uno de los directores más importantes de los últimos años, ya que sabe crear historia fantásticas y real maravillosas como esta, su más reciente película, su forma innovadora de narración así como puesta en escena es parte de su sello personal, creando historias, pasajes y personajes entrañables, y The Grand Hotel Budapest no escapa de este concepto, con una historia aparente simple, pero plasmada de una forma compleja (una historia, dentro de otra historia, encerrada en otra historia), en un país onírico ubicado en los alpes de Europa: Zubrowka (que en realidad es el nombre de una marca de Vodka) en el periodo de entre guerras, la historia de un famoso conseirge Monsieur Gustave (Ralph Fiennes) de modales refinados, un dandy, un casanova, y leal a los principios de su trabajo, que se “encariña” con las huéspedes viejas y ricas que asisten al hotel; que toma como protegé a un joven Zero Moustafa (Tony Revolori) que rápidamente se hacen amigos y le enseña todo lo que un buen lobby boy debe saber, y viven quizás la aventura de sus vidas cuando Monsieur Gustave recibe una pintura del Renacimiento como herencia de una de su más distinguida huésped Madame Céline Villeneuve Desgoffe und Taxis o simplemente Madame D. (Tilda Swinton), empezando así una batalla con los herederos de esta.






Una comedia, con mucha aventura, en donde la lealtad está presente en varios pasajes de este film, ambientada en un mundo etéreo, en donde se demuestra el talento de Anderson de crear historias magníficas (en lo personal por momentos creía que estaba viendo una película animada en especial Fantastic Mr. Fox del mismo director), creo que está es una de las mejores películas de este año.





Etiquetas: [Batman]  [DC Comics]  [Flash]  [Green Lantern]  [Jay Oliva]  [Justice League War]  [Superman]  [Wonder Woman]  
Fecha Publicación: 2014-07-20T21:41:00.001-07:00
"Here's the plan. Green Lantern kicks Superman's ass. TMZ's got the video."


Justice League: War es una película animada dirigida por Jay Oliva, producida por Sam Register, James Tucker y Alan Burnett, escrita por James Krieg, esta basadas en la saga de comic de la empresa DC Comics llamada New 52 que es un re inicio en las principales historias de esta casa editorial.




Para poder disfrutar esta película no es necesario ser un fan de los comics, ni mucho menos haber leído Justice League: Origin (historieta de donde se basaron para hacer la película), para poder entender/disfrutar lo que sucede, ya se explica de una manera rápida cada uno de los personajes y situaciones, así como podemos ver las personalidades de ellos interactuar entre sí, quizás sí Ud. ya leyó el comic pero no ha visto aún la película, se “desilusione” un poco con las licencias tomadas (vamos, en toda adaptación fílmica de comics existen licencias), sin embargo en lo personal esas licencias, no arruinan la película, es más se le puede ver que esta expuesta la historia desde otro ángulo.






Esta película es muy distinta a las demás películas de la Liga de Justicia, pues acá el personaje principal es Green Lantern, en donde se le muestra más humano, que en las otras adaptaciones fílmicas de la Liga, un humano inseguro y timorato, no un superhéroe que todo lo resuelve con su anillo de poder, todo lo contrario es la versión más humana de Green Lantern que yo recuerde, otro aspecto que me llamó la atención es que Superman ni ata ni desata en el trama de la película, no es el líder, no es héroe, es un miembro más, a mi gusto es la más innovador (aclaro que no soy un anti Superman) pero digamos ver una película de la DC en donde hay un verdadero trabajo de equipo es algo más que agradable, y por último Batman sin duda es el mejor personaje de la DC Comic y en esta película no es la excepción ya que es vital en el desarrollo del trama de la película. A mi gusto es una de las mejores películas animadas de la DC, que a mi gusto en este segmento tiene mejores tramas que su principal competencia.





Etiquetas: [Jonathan Glazer]  [Scarlet Johansson]  [Under The Skin]  
Fecha Publicación: 2014-07-13T22:11:00.000-07:00

Under The Skin es una película de ciencia ficción británico-estadounidense del año 2014, dirigido por Jonathan Glazer, producido por James Wilson y Nick Wechsler, basada en la novela homónima de Michel Faber, protagonizado por Jeremy McWilliams, Joe Szula, Kryštof Hádek, Paul Brannigan, Adam Pearson, Michael Moreland, Dave Acton, Jessica Mance y Scarlet Johansson.



 

El argumento es de un alíen que toma el cuerpo de una hermosa chica (Scarlet Johansson) y junto a su compañero otro alíen en el cuerpo de un motociclista recorren Escocia, con el objetivo de buscar hombres, que caen engañados de una falsa promesa de sexo, para luego comérselos, curiosamente la única parte del cuerpo humano que no sirve como alimento es la piel humana; la cosa cambia cuando conoce a un hombre con neurofibromatosis y que le ayuda a escapar, sin embargo es asesinado por el motociclista, mientras ella intenta ser humana, intenta comer, intenta tener sexo, hasta que huye a un bosque donde un guardabosque intenta violarla y al arrancarle la piel se da cuenta su verdadera forma del extraterrestre, luego el guardabosque le hecha gasolina para incendiarla y luego su cuerpo se hace humo.





Es una película extraña, es lenta, con poco diálogo, es mucho más visual, en donde Scarlet Johansson carga con toda la responsabilidad, no sólo por su belleza, sino la forma inteligente de asumir el personaje, me gustó esa humanización que sufre el alien y la forma de cómo quiere ser parte de la raza humana; el director Jonathan Glazer supo plasmar una película inteligente y experimental, pero exquisita en la parte visual y ni que hablar de la fotografía que fue espléndida. Es cierto no es una película fácil, es más para poder “entenderla” tuve que verla dos veces para poder captar detalles que pasaron desapercibidos la primera vez que la ví (y les aseguro que si la veo una vez más saldrán más y más detalles); no es una basura “indie hipster wannabe” o “intelectualoide” como muchos afirman, en lo personal lo considero como una película de ciencia ficción distinta de los cánones de este género, demostrando así que es posible hacer ese tipo de películas sin ser mediático.





Etiquetas: [Asghar Farhadi]  [Le Passé]  
Fecha Publicación: 2014-07-06T17:00:00.001-07:00
"Je préfère parler de maintenant. Car le passé, c'est fini, tout ça."



Le Passé es una película franco-italo-iraní dirigida y escrita por el iraní Asghar Farhadi, producida por Alexandre Mallet-Guy y protagonizada por Bérénice Bejo, Tahar Rahim y Ali Mosaffa, la película es una especie de triángulo amoroso bizarro, en donde vemos expuestos varios problemas familiares y sociales.





La historia comienza cuando Amahad (Ali Mosaffa) regrese a Paris de su natal Teheran para completar los trámites de divorcio con Marie (Bérénice Bejo), curiosamente Amahad aún tiene buenas relaciones con las hijas de ella (de un matrimonio anterior), es más creo que las niñas se llevan mejor con él que con su madre; cuando regresa se entera que ella tiene una nueva relación con Samir (Tahar Rahim) que tiene un hijo y a su ex cónyuge en estado de coma. Amahad se encuentra sin querer en medio de un lío que puede y debe ayudar, sobre todo a Lucie (Pauline Burlet) la hija adolescente que Marié que tiene malas relaciones con su padre biológico que vive en Bélgica, y que además siente culpa por lo que pasó con la primera cónyuge de Samir.




Estamos ante un drama familiar inteligentemente plasmado por Asghar Farhadi y majestuosamente interpretado por los actores; un verdadero rompecabezas de emociones, una vorágine de sentimientos, expuestos de una forma compleja, cargadas de mucha tensión, y a pesar de tener varios elementos sentimentales (amor, divorcio, familias dispares) no hay tiempo para los llantos, ya que la acción es más psicológica que emocional, sin duda una gran película, que no hace más que reafirmar el gran talento de Asghar Farhadi.





Etiquetas: [Dallas Buyers Club]  [JeanMarc Vallée]  
Fecha Publicación: 2014-06-22T15:15:00.002-07:00
"I got one... one life, right? Mine. But I want someone else's sometimes."



Dallas Buyers Club, es una película de los EE.UU. dirigida por el canadiense Jean-Marc Vallée, producida por Robbie Brenner y Rachel Winter, escrita por Craig Borten y Melisa Wallack, está protagonizada por Matthew McConaughey, Jennifer Garner y Jared Leto, la película está ambientada en los años 80’s, estaba basada en la vida de Ron Woodroof, un hombre infectado con el SIDA y se dedicó a traficar medicamentos para venderlos a otros infectados en los EE.UU.




Eran los años 80’s, y el SIDA fue la “enfermedad” de moda, había muchos mitos, como que era una enfermedad únicamente de los homosexuales y uno que otro drogadictos, era “raro” o mejor dicho “mal visto” que un heterosexual tuviese esa “enfermedad”, en medio de este ambiente aparece la figura de Ron Woodroof (Matthew McConaughey) un típico machista, homofóbico del estado de Texas, que se contagia debido a su adicción a las drogas, los médicos le dan 30 días de vida, sin embargo gracias a unas drogas “ilegales”. En esta película creo yo, hay dos puntos que son expuesto, el primero la fuerza de voluntad, es decir luego de que le informan a Ron Woodroof que le quedan 30 días de vida, busca todas las alternativas para seguir viviendo, no se deja doblegar y saca todo la garra de los viejos cowboys que colonizaron el viejo oeste, también el tema de las compañía pequeñas e independientes vs las grandes multinacionales, pues vemos cómo estás impiden que los medicamentos lleguen a sus pacientes, obligando a los pacientes a comprar los productos de los grande laboratorios.




Las actuaciones de la película me parece, que es el punto más alto de la película, empezando por Matthew McConaughey que da vida al anti héroe, Ron Woodroof simpático y antipático durante toda la película, un ser rudo, aparentemente frío; luego esta la doctora Eve Saks, interpretada por Jennifer Garner, confieso que es una de mis actrices fetiches la sigo desde que la descubrí en la serie Alias, y para mi fue una buena alegría verla, su performance fue aceptable cumplió con lo que tenía que hacer y listo, sin embargo la mejor actuación fue para Jared Leto (insisto que se dedique a la actuación más que a la música) que supo interpretar magníficamente a Rayon un travestí adicto que se convierte en el mejor amigo de Ron. Sin duda una película con un sólido argumento y grandes actuaciones, que vale la pena ver.




Etiquetas: [Rossana Díaz Costa]  [Viaje a Tombuctú]  
Fecha Publicación: 2014-06-14T21:54:00.001-07:00

Viaje a Tombuctú es una película peruana dirigida y escrita por Rossana Díaz Costa, co-producida por Tombuctú Films y Machaco Films; protagonizada por Andrea Patriau, Jair García, Matilda Martini, Flavio Espinoza, Elide Brero, Enrique Victoria y Juan Palomino; está ambientada en Lima de los años 80’s y narra la relación entre Ana y Lucho desde su infancia, que trata de sobrevivir en medio de un clima violento refugiándose en un país imaginario llamado Tombuctú. Esta es la ópera prima de la directora.



Confieso, que la película no me llamaba, fui al cine para verla sólo porque quede con unos amigos, mis expectativas eran bajas, pero grata fue mi sorpresa al encontrar una película que cumple, vamos no es un bodrio, pero también está lejos de ser la mejor película peruana de la historia, tiene aciertos, pero también desaciertos; para empezar la película sabe recrear los años 80’s en el Perú, pero esta llenos de cliché que por momentos son tan forzados que da la impresión que fueron puestos sólo para llenar espacio o para captar público, pues sabemos que los peruanos por una extraña razón amamos esa época; otra característica es que no tiene un arco argumental sólido, eso no es algo malo, sin embargo en el caso específico de esta película resulta mediocre, por un lado aplaudo que haya sido experimental, aplaudo su espíritu introspectivo, felicito que haya hecho un cine que sea arriesgado, felicito a la directora por sus agallas y espero que siga haciendo ese tipo de cine innovador que creo que es bueno para poder mejorar la calidad del cine local, aunque su afán innovador se olvidó de algunos detalles como las actuaciones ni atan ni desatan quizás algún actor de más nivel le hubiese dado más peso, o la actuación de los niños simplemente me pareció nefasta, de puro relleno, como si los niños actores no hubiesen tomado un taller de actuación, o si lo tomaron fue hecha a la rápida.





Pero vamos a lo parte buena, pues como dije, la película no es mala, sobre todo de cómo fue presentado el protagonista principal Lucho (Jair García) que siempre está en un constante viaje interno, y Ana (Andrea Patriau) que cumple el rol de narradora, de su cómplice, la única que intenta entender que es lo que pasa, la única que se da cuenta que algo no está bien en la psique de Lucho, así como las distintas metáforas de viajes ayudan en entender el film, desde la primera escena en el puerto del Callao, o la emigración de los chicos del vecindarios, hasta el viaje a la parte andina de Lima, es decir los viajes reales son una metáfora del viaje interno de Lucho, sin embargo quedaron muchos cabos sueltos, que quedan a la interpretación personal. En conclusión una película interesante en la forma, pero con muchas deudas en el fondo



Etiquetas: [Ethan Coen]  [Inside Llewyn Davis]  [Joel Coen]  
Fecha Publicación: 2014-06-04T14:59:00.001-07:00
"Folk singer with a cat. You queer?"



Inside Llewyn Davis, es una película de los EE.UU. producida, dirigida y escrita por los hermanos Coen (Joel & Ethan), protagonizado por Oscar Isaac, Carey Mulligan, John Goodman, Garrett Hedlund, F. Murray Abraham y Justin Timberlake; narra la historia de un cantante de folk con más pena que gloria llamado Llewyn Davis, en la ciudad New York de los años 60’s.




Llewyn Davis (Oscar Isaac) es un cantante de folk venido a menos, que no tiene un hogar y debe de vivir a favores de sus amigos, y desde que su compañero se suicidó su carrera musical ha venido a menos, bajo este contexto los hermanos Coen logran plasmar una tragi comedia, iniciando un viaje hacia el interior de este artista, que busca de muchas formas permanecer vigente en el mundo de la música folk. Mención aparte, creo yo, está el gato Ulises (el nombre no es de casualidad) y su contraparte femenina, podría decirse que es el segundo protagonista; los gatos son animales independientes y en la película Ulises se escapa, aparece y desaparece; los Coen supieron capturar esta libertad para utilizarla como metáfora de este viaje interno que realiza Llewyn. La música es vital en el transcurso del film, con buenas canciones que van de la mano con las imágenes, no sé si los Coen hayan querido realizar un homenaje al folk, sin embargo el resultado final es una apología a este género.




Una película rara, sin inicio y sin fin, en donde a ritmo de música folk, narra la vida de este músico fracasado, interpretado magistralmente por Oscar Isaac, con el humor negro típico del trabajo de los Coen, quizás no sea su mejor película, empero tiene momentos memorables.




Etiquetas: [Alexander Payne]  [Nebraska]  
Fecha Publicación: 2014-05-27T21:42:00.004-07:00
"Oh, They're over in the Catholic cemetery. Catholics wouldn't be caught dead around all these damn Lutherans."



Nebraska, es una película de los EE.UU. rodada en blanco y negro, dirigida por Alexander Payne, producida por Albert Berger y Ron Yerxa, escrito por Bob Nelson, y protagonizada por Bruce Dern, Will Forte, June Squibb, Stacy Keach y Bob Odenkirk.





Nebraska es un film, sobre el amor familiar, y más específicamente entre un padre, en este caso Woody Grant (Bruce Dern) un ex veterano de la Guerra de Corea, alcohólico y que ahora sufre de demencia senil y su hijo David Grant (Will Forte); Woody cree que ganó un premio, y empecinado decide iniciar su viaje, el cual su hijo lo acompaña para demostrarle que todo es una farsa; hacia Lincoln Nebraska para cobrarlo, sin embargo debido a un accidente deben hacer una parada en la ciudad natal de Woody: Hawthorne (también situada en Nebraska); iniciando así otro viaje, pero esta vez hacía el pasado de Woody, un pasado agri agridulce, lleno de momentos agradables y de otros no; así como de personajes que muestran la peor cara del ser humano en donde el egoísmo, la avaricia y la mezquindad están presentes en varios de los personajes de la película , un viaje espiritual y emocional; en donde se muestran pasajes solitarios y calles vacías, cargadas de emotivas vivencias y de recuerdos expuestos como comedia, pero con alma dramática. Así mismo, ambos viajes se pueden interpretar como un replanteamiento del “sueño americano”, en donde Woody viaja hacia una ciudad en busca de un premio que le permitiría tener una vida mejor, pero este debido a su estado no sabe cómo empezarlo, sólo sabe hacia dónde debe de dirigirse.





Una película intensa, en donde se plantean varios temas, como los personales, familiares, sociales, etc. Una película donde desfilan varios personajes que escapan del “gringo promedio”, una película en donde se muestran familias dispares (atípica del cine de los EE.UU.), un road movie en donde los automóviles no son el medio de transporte; sino la memoria, los recuerdos y sobre toda la esperanza; sin duda Payne supo cómo abordar varios temas de una forma espléndida en poco menos de dos horas, pero creo que no hubiese podido sin la ayuda de dos personas, primero a Phedon Papamichael como director de fotografía que logró bellas postales que son visibles a lo largo de la película, y sin Mark Orton el encargado de la música, que le dio el toque rural al film. Quizás no sea la mejor película del 2013, empero, si es una de las emotivas, que cumple con su función, que es la del acercamiento familiar.








Etiquetas: [El Viento se Levanta]  [Hayao Miyazaki]  [Se Levanta el Viento]  [The Wind Rise]  
Fecha Publicación: 2014-05-21T22:04:00.001-07:00


Kaze Tachinu (風立ちぬ) traducida como “Se Levanta el Viento” en América Latina y “El Viento se Levanta” en España, es un película animada japonesa, dirigida y escrita Hayao Miyazaki, producida por Yōji Takeshi, basada en la novela corta Se levanta el viento de Tatsuo Hori y en el manga homónimo de Hayao Miyazaki, la película se realizó en los estudios Ghibli, siendo esta la última película del genial Miyazaki, pues ya anunció su retiro.



Creo que muchos amantes del séptimo arte, saben que si se trata una película de los estudios Ghibli y que además está dirigida por Miyazaki, no hay pierde, pues a lo largo de 35 años este director ha sabido plasmar verdaderas obras artes en la pantalla grande, títulos como “Mi Vecino Totoro”, “Mononoke Hime” o “El Viaje de Chihiro” hablan por sí sólo de la calidad de este cineasta; y su última obra “Kaze Tachinu” no es la excepción; la película es la historia de Jirō Horikoshi (cuyo seiyuu es Hideaki Anno, creador de Neon Genesis Evangelionun ingeniero aeronáutico japonés, cuya pasión es fabricar aviones, sin embargo debido al estado de guerra que vive su país, se dedica a fabricar aviones de guerra para las Fuerzas Armadas del Japón.





Ambientada en años antes de la Segunda Guerra Mundial, nos muestra la historia de Jirō Horikoshi, un apasionado de los aviones, que pronto se convertirá en uno de los ingenieros aeronáuticos más importantes del Japón, que en un futuro se encargaría de diseñar los aviones caza que fueron utilizados por la Armada japonesa para bombardear la base Pearl Harbor de los EE.UU.; Miyzaki logra recrear una época dura para la historia de la humanidad y Japón, tal como ya lo había presentado su compañero Isao Takahata en la maravillosa “La Tumba de las Luciérnagas” ; pero esta creo yo de una u otra forma es una película más “optimista”, puesto predomina el anhelo de Jirō de convertirse en un gran diseñador de aeronaves a pesar de las adversidades que se le presentan.




La película tiene una realización sobresaliente, re confirmando la calidad de los estudios Ghibili, además de contar con una historia que te atrapa, sobre todo si eres un amante de la historia, así como de tener como sub trama al amor entre Jirō y Naoko Satomi, que a pesar de la adversidad (la enfermedad de ella) logra prevalecer, y sin contar con las escenas oníricas entre Jirō y el ingeniero aeronáutico italiano Giovanni Battista Caproni, que le dan el toque real maravilloso a este filme. Sin duda una despedida apoteósica del gran Miyazaki.



Etiquetas: [Charlotte Gainsbourg]  [Lars von Trier]  [Nymphomaniac Volume I]  [Nymphomaniac Volume II]  
Fecha Publicación: 2014-05-14T10:55:00.000-07:00




Nymphomaniac (NYMPH()MANIAC) es una película dirigida y escrita por el danés Lars von Trier, producido por Marie Cecilie Gade y Louise Vesth; protagonizada por Charlotte Gainsbourg, Stellan Skarsgård, Stacy Martin, Shia LaBeouf y Christian Slater, además también participan Uma Thurman, Sophie Kennedy Clark, Connie Nielsen, Hugo Speer, Jamie Bell, Willem Dafoe y Mia Goth entre otros. La película fue estrenada en dos partes (Nymphomaniac Volume I & Nymphomaniac Volume II) y es la última entrega de la “Depression Trilogy”, que es conformada por las películas "Antichrist" (2009) y "Melancholia" (2011), ambas también están protagonizadas por Charlotte Gainsbourg.



Aprendiendo trigonometría

El trama, es como Joe (Charlotte Gainsbourg) cuenta sobre su vida y su ninfomanía a Seligman (Stellan Skarsgård), después de que este la encuentre en un callejón golpeada y tirada en la pista, y le brinde ayuda, para luego empezar una charla interesante entre ambos personajes, en donde Joe narra momentos de si vida, mientras que Seligman las escucha, y hace comparaciones de varios índoles (científicos, filosóficos, musicales, literarios, teológicos, matemáticos históricos etc), durante esta charla van desfilando personajes variopintos que van agregándole peso a la historia.







Es una película típica de Lars von Tier, cruda, oscura, transgresora y sobre todo polémica, pero al mismo profunda, llena de detalles que obliga al espectador a estar atento, y de forma inconsciente, el director te trasmite conocimientos en diversas materias; es una historia en donde el sexo no es un placer, todo lo contrario es sinónimo de dolor y pena, es una cruz con la cual Joe debe de cargar; sin bien es cierto el elemento sexual está presente en este film, no es más que un elemento distractor, lo más importante (creo yo) es el sufrimiento de Joe, que está presente en cada pasaje de la película.






Como siempre Lars von Tier, se muestra provocador, en su film, desde el inicio con la frase “a los 2 años descubrí mi coño” o las escena en donde el padre de Joe (Christian Slater) fallece y Joe tiene un orgasmo, es a mi opinión la película más cruda y desafiante en la exquisita filmografía de Lars von Thier, con una historia llena de imágenes fuertes, pero al mismo tiempo nos muestran estampas que estoy seguro que formaran parte de la historia del cine.








Etiquetas: [Abdellatif Kechiche]  [Blue Is the Warmest Colour]  [Julie Maroh]  [La Vie dAdèle]  
Fecha Publicación: 2014-05-06T23:12:00.000-07:00
"Il n'est pas le problème. Il me manque quelque chose. Je suis tout foiré. Je suis fou."



La Vie d'Adèle – Chapitres 1 & 2 (o si prefieren su título oficial en inglés Blue Is the Warmest Colour) es un película francesa dirigida y producida por Abdellatif Kechiche, escrita por Julie Maroh, basada en la novela gráfica de la misma Maroh titulada “Le Bleu est une Couleur Chaude” (de allí el título en inglés) , está protagonizada por Adèle Exarchopoulos y Léa Seydoux; está película ganó La Palma de Oro, en el festival de Cannes del 2014.





La Vie d'Adèle, relata el amor lésbico entre Adèle (Adèle Exarchopoulos) y Emma (Léa Seydoux), la primera es (o empieza siendo) una estudiante de preparatoria, mientras que la segunda es una estudiante de bellas artes, empezando así una relación lésbica, prohibida, llena de tabús, entre ambos personajes, vemos como este amor evoluciona desde una aventura de una noche loca de pasión hasta el desenlace del mismo con los personajes ya adultos, así mismo vemos como Adèle evoluciona como personaje, como crece, y como va buscando ese “yo interno” que es lo que ella siempre ha buscado.






Una película plasmada de una forma maravillosa, por Abdellatif Kechiche, si bien es cierto aún no he leído la novela gráfica (estoy en proceso); puedo afirmar que la historia me atrapó, y no necesariamente por las escena de sexo lésbico, y eso es debido a la forma de cómo está plasmada, en donde la metáfora del color azul está presente en toda la vida de Adèle, pues que el color de Emma es azul, y así mismo durante el film vemos como ese color está presente, hasta convertirse en el símbolo de la madurez de nuestra protagonista, es decir no se trata de la película cliché lésbica pro derechos LGTB, es una película que habla de la madurez y de la búsqueda dela identidad personal, sobre los estereotipos que la sociedad nos impone.




Etiquetas: [Ron Howard]  [Rush]  
Fecha Publicación: 2014-04-27T21:36:00.000-07:00
"The closer you are to death, the more alive you feel. It's a wonderful way to live. It's the only way to drive."



Rush es una película de los EE.UU dirigida por Ron Howard, producida por Andrew Eaton, Eric Fellner, Brian Oliver, Peter Morgan, Brian Grazer y Ron Howard, escrita por Peter Morgan, protagonizada por Chris Hemsworth, Daniel Brühl, Olivia Wilde, Alexandra Maria Lara y Pierfrancesco Favino; esta basa en hechos reales, más específicamente en la temporada de Fórmula 1 de 1976 y el duelo por el título entre los pilotos James Hunt y Niki Lauda




Esta es una película biográfica, y está inspirada en la relación amistad-respeto-rivalidad entre el piloto austriaco Nick Lauda (Daniel Brühl) y el británico James Hunt (Chris Hemsworth), ambos son personas distintas, Lauda pertenece a la burguesía austriaca, es disciplinado, metódico, calculado, mientras que Hunt es un sínico, mujeriego, bebedor, fumador, aparentemente pertenece a la clase media británica, sin embargo ambos comparte la misma pasión: Las carreras deportivas, vemos como los dos se convierten en pilotos profesionales de la fórmula 1 (su más grande anhelo), y luego el final de la temporada de 1976, que fue la que más los marcó profesionalmente. Howard logra plasmar ambas vidas en forma paralela de  Brühl y Hemsworth saben plasmarlas de forma sagaz.





 La temporada de F1 de 1975, acaba con la victoria del metódico Lauda, todo parece que la de 1976 también el austriaco se coronaría con el bi campeonato, pero un accidente en donde casi pierde la vida y que le dejó heridas profundas, logra que aflore el lado solidario de Hunt, que no se siente motivado a correr sin su más importante rival, haciéndolo que este regrese a las pistas y así correr la última carrera de esa temporada, y regalándonos una de las mejores escenas del 2013.





 En si no esperaba mucho de esta película, ya que no soy fan de Howard, y tampoco de las películas de automovilismo, la vi más que todo por Brühl y Hemsworth, ya que me sorprendieron tanto en "Inglourious Basterds" como en "Thor"/"Avengers" respectivamente, sin embargo como fue plasmada la historia y las actuaciones, me dejaron gratamente satisfecho.



Etiquetas: [12 Years a Slave]  [Steve McQueen]  
Fecha Publicación: 2014-04-21T23:01:00.000-07:00


12 Years a Slave, es una película británico-estadounidense dirigida por Steve McQueen, producida por Brad Pitt, Dede Gardner, Jeremy Kleiner, Bill Pohlad, Steve McQueen, Arnon Milchan y Anthony Katagas; está protagonizada por Chiwetel Ejiofor, Michael Fassbender, Benedict Cumberbatch, Paul Dano, Paul Giamatti, Lupita Nyong'o, Sarah Paulson, Alfred Woodard y Brad Pitt; está basada en la novela autobiográfica homónima de Solomon Northup, que narra la historia de cómo él fue secuestrado y se convirtió en esclavo, a pesar de que nació siendo un hombre libre.




Creo que se debo comenzar diciendo que esta película ganó los Premios de la Academia a mejor película 2013, pero eso, al menos a mi punto de vista, no al convierte en la mejor película del 2013, sin embargo no quiero entrar a tallar los argumentos porque no debió ser elegida, pues eso escapa de mis manos, pero no es que odie esta película, ni que me parezca mala, todo lo contrario es una de los muy buenos filmes que se estrenaron, en primer lugar debido al guion cuya responsabilidad cayó en John Ridley que supo adaptar un lenguaje literario a uno cinematográfico, la magnífica dirección de McQueen que supo plasmar una época, y las excelentes actuaciones en las que destacan Chiwetel Ejiofor (Solomon Northup), Lupita Nyong'o (Patsey) y Michael Fassbender (Edwin Epps).





“La esperanza es la último que se pierde” es un dicho popular, que es la esencia de la película, puesto que Solomon Northup, nunca la pierde, ya que volver a ver a sus hijos y su conyugue se convierte en el motor, puesto que nunca abandona a ese idea, a pesar de todos los problemas que le suceden, siempre se mantiene fuerte (o intenta), y ese sentimiento que para los griegos era un mal, al menos para él se convierte en el motor para poder aguantar todos esos años en el que fue esclavo, acá hay que felicitar a Chiwetel Ejiofor debido a que supo plasmar el sufrimiento e impotencia de Solomon de una forma magistral.





En resumen una película sobre la esperanza y la libertad, buena sin duda, ¿la mejor? Al menos yo no lo creo.




Etiquetas: [La Grande Bellezza]  [Paolo Sorrentino]  
Fecha Publicación: 2014-03-19T09:34:00.000-07:00
"Da ragazzi, a questa domanda i miei amici rispondevano sempre una cosa...La fess"



La Grande Bellezza es una película italiana del 2013, co escrita, co producida y dirigida por Paolo Sorrentino, protagonizado por Toni Servillo, Carlo Verdone, Sabrina Ferilli, Carlo Buccirosso, Galatea Ranzi, etc; y narra la vida de un escrito del jet set romano que a los 65 años desea cambair su vida.





Jep Gambardella (Toni Servillo) es un escritor de 65 años, pero sólo ha escrito un libro ("El Aparato Humano" publicada hace 40 años), ahora es un periodista, pertenece a la alta sociedad y tiene un vida bohemia en donde el sexo en exceso, el alcohol y las drogas son pan de cada noche; pero el gran Jep se da cuenta que todo es falso, su vida está lleno de egos inflados, de mercenarios del arte, gente superficial e hipócrita, personas que acuden a sesiones colectivas para inyectarse botox, todo esto plasmado de una forma maravillosa por Sorretnino, que muestra el contraste de Roma, de día un lugar cultural con pasado grandioso, de noche un burdel, todo mostrado en un hermoso collage de imágenes. No obstante Jep es un personaje melancólico, vemos como añora a la Roma de antaño, como mira a esa ciudad rica en cultura desde su terraza, mientras se acuerda de los “buenos tiempos”, entretanto recuerda su pasado, y aquel amor de la juventud, que lo marcó.





Una película inteligente de Sorrentino, que supo mostrar una propuesta arriesgada e innovadora, el mundo interior de Jep Gambardella, así como hacer una crítica social y a la Italia actual mediante el uso metáforas, que le dan un sin número de posibles interpretaciones; una película del pasado glorioso, pero que alienta a un futro también glorioso, pues la belleza viene de muchas partes, es sólo cosa de buscarla, sin duda un clásico moderno del cine italiano que homenajea al cine italiano de antaño (¡aló Fellini!)




Etiquetas: [Her]  [Spike Jonze]  
Fecha Publicación: 2014-03-11T16:02:00.000-07:00
"She's not just a computer."



Her es una película de los EE.UU. del año 2013, dirigida y escrita por Spike Jonze, producida por Megan Ellizon, Vincent Landay y Spike Jonze; protagonizada por Joaquin Phoenix, Amy Adams, Rooney Mara, Olivia Wilde y Scarlett Johansson; el film está ubicado en un futuro muy cercano, y narra la historia de “amor” entre un hombre y su sistema operativo.




Theodore Twombly (Joaquin Phoenix) trabaja como escritor de cartas para otras personas, además que se encuentra en proceso de divorcio, es un ser un poco tímido y muy recatado, con poca habilidades sociales, un día decide comprar un nuevo sistema operativo, que cuenta con inteligencia artificial, que luego de asume el nombre de Samantha (voz Scarlett Johansson) que primero se convierte en su amiga y más tarde en su amante, ya que Theodore encuentra más placentera la compañía de Samantha que la de un ser humano.





Jonze aborda dos temas, primero las relaciones humanas; luego el uso y abuso de la tecnología (en este caso la inteligencia artificial para ser más exacto); ambos temas entre mezclados en el film, Theodore se siente solo y Samantha le ofrece su compañía, si bien es cierto que actualmente vivimos en un mundo en donde la tecnología juega un papel importante en nuestras vidas, así como que en la actualidad se tiene un ritmo de vida muy estresante, en donde a muchas personas no tienen tiempo de socializar, ya que sólo viven para su trabajo, por tal motivo varias personas buscan alternativas para poder conocer nueva gente, siendo el Internet la más popular, tanto así que mucha gente pasa más pendientes de su celulares, tablets o laptos que de las personas que los rodean, es como si la vida virtual tuviese más importancia que la vida real.





Her es una película inteligente, dramática y romántica, en donde se desnuda las relaciones interpersonales así como con la tecnología que en sus inicios está creada para satisfacer nuestras necesidades básicas, sin embargo ha evolucionado a pasos gigantescos a tal punto que quizás en un futuro muy cercano, pueda reemplazarnos.




Etiquetas: [Blue Jasmine]  [Woody Allen]  
Fecha Publicación: 2014-03-04T16:25:00.004-08:00
"You choose losers because that’s what you think you deserve and that’s why you’ll never have a better life."



Blue Jasmine, es una película de los EE.UU.; escrita y dirigida por Woody Allen, producida por Letty Aronson, Stephen Tenenbaum y Edward Walson, está protagonizada por: Cate Blanche, Alex Baldwin, Sally Hawkins, Bobby Cannavale, Peter Sarsgaard, Louis C.K; Andrew Dice Clay, Alden Ehrenreich entre otros; la película es una historia en donde una señora de la alta sociedad de Nueva York cae en la pobreza y se muda a San Francisco a vivir con su hermana y a empezar una nueva vida.




Comenzaré este post con una gran confesión/aclaración, es la primera película que veo de Woody Allen, a pesar de ser un cineasta reconocido, nunca tuve la oportunidad de ver algún film suyo, así que no tengo referencia de sus anteriores trabajos, obvio que después de ver esta película decidí “ponerme al día” con el trabajo de este gran director/guionista.
En Blue Jasmine muestra el ocaso de  una mujer madura, primero vemos a Jeanette "Jasmine" Francis (Cate Blanche) que lo perdió todo, puesto que como dice un antiguo refrán “Las tragedia no viene solas”: la infidelidad de su cónyuge (Alex Baldwin), los negocios ilícitos de este, los problemas con su hijastro (Alden Ehrenreich), la imposibilidad de adaptarse a su nueva vida y a un trabajo, no llevarse bien con el novio de su hermana, problemas con el ex marido de su hermana, problemas con su actual novio (Peter Sarsgaard) ; es prácticamente como tuviese que nacer de nuevo, y prácticamente este sólo y sin dinero, pues su vida anterior, a pesar de esta llena de lujos y riquezas, es falsa y efímera. En contra parte a su hermana (ambas son adoptadas) Ginger (Sally Hawkins) una mujer que se le podría catalogar como conformista, ya que a diferencia de su hermana esta no tiene lujos, y es de la clase obrera de los EE.UU; vemos como fracasa en su primer matrimonio (Andrew Dice Clay), por culpa del marido de Jasmine, así como intenta re hacer su vida con un mecánico (Bobby Cannavale), pero la llegada de Jasmine dificulta su relación debido a que estos no se llevan.





Es una película donde Allen crítica a los trepadores y farsantes de las altas sociedades, así como a los oportunistas de las clases bajas que buscan subir de nivel a costa de todos sin importarles nada, también a las mujeres conformistas que su único anhelo es tener un marido a su lado  y vivir a costa de él, así tenga que humillarse y así como a los mediocres que no hacen nada por superarse ,  un critica a una sociedad plástica, en donde el lema “más tienes eres mejor” se cumple a cabalidad, pero todo esto está presente en forma de comedia, no es directo, todo lo contrario es sutil, empero si uno analiza a las dos hermanas vemos muchos estereotipos, por un lado la aprovechadora Jasmine que sólo busca un marido que la mantenga, que no puede valerse por sí misma ya que no tiene oficio ni beneficio, por otro lado Gingeruna mujer que limita con la vulgaridad, que echa la culpa de su pobreza a que no tienes buenos genes, y que también necesita un hombre a su lado para sentirse menos frustrada.



Una película inteligente, en donde las actrices: Cate Blanche y Sally Hawkins, se ponen la película al hombro y donde Allen no hace más que re afirmar la fama que le precede.


Etiquetas: [American Hustle]  [David Russell]  
Fecha Publicación: 2014-02-26T20:21:00.001-08:00
"When you are offered a favor or money, take the favor, not the money. 
Jesus said that, didn't he?"



American Hustle es una película de los EE.UU. dirigida por David O. Russell y producida por Charles Roven, Richard Suckle y Megan Ellison, el guion estuvo a cargo de Russell y Eric Warren Singer, mientras que la parte musical recayó en el experimentado Danny Elfman, y es protagonizada por Christian Bale, Amy Adams, Bradley Cooper, Jeremy Renner, Jennifer Lawrence y Louis C.K. La historia está basada en un hecho real que basada en una operación ABSCAM del FBI en los 70s y 80s.







Esta historia está basada en hechos reales, de cómo dos estafadores Irving Rosenfeld (Christian Bale) y Sydney Prosser (Amy Adams) son “reclutados” por Richie DiMaso (Bradley Cooper), agente del FBI para desmantelar a otros estafadores, hasta que descubren que el reciente electo alcalde de Nueva Jersey Carmine Polito (Jeremy Renner) es un estafador y deciden ponerle una trampa, que significaría un duro golpe contra el crimen organizado.





American Hustel, es una película audaz y entretenida, que cuenta con actuaciones magistrales, que dan vida a una historia caótica e inteligente, en donde al fin de cuentas nadie sabe para quién trabaja, ya que los estafadores resultan estafados, en donde los chicos buenos no se salen al 100% con la suya, y donde los malos actúan en beneficio de otras personas (¿el fin justicia a los medios?), es una película que desnuda la ambición humana, pero no en forma mala, más bien de una forma hasta cierto punto filosófica, ya que no la muestra como algo malo (y tampoco como nada bueno) sino para ser más sencillos la muestra gris; como es el mundo real, nada es completamente bueno, y nada es completamente malo, todo depende de las circunstancias y de los distintos puntos de vista.





Etiquetas: [Martin Scorsese]  [The Wolf of Wall Street]  
Fecha Publicación: 2014-02-18T17:04:00.000-08:00
"Sell me this pen!"



The Wall Of Wall Street es la más reciente película de Martin Scorsese que está basada en las memorias de Jordan Belfort, y cuenta con la actuación de Leonardo DiCaprio como Belfort, así como de Johan Hill, Margot Robbie, Matthew McConaughey, entre otros; en esta vemos la historia de Belfort en el competitivo mundo de la Bolsa de Valores de Nueva York.





Todo comienza cuando un joven y tímido Jordan Belfort empieza a trabajar como corredor de la bolsa, al principio vemos cómo le va bien, sin embargo debido al lunes negro (19 de octubre de 1987) una caída histórica del índice bursátil Dow Jones bajó 508 puntos, luego entró a una empresa de poca monta (valores a centavo) para después formar su poca firma y así poder ascender económica y social mente, y tener cambios en su vida como por ejemplo conseguir una cónyuge modelo o vivir en una mansión, no obstante no todo es color rosa ya que el FBI empieza a investigar a Belfort y se dan cuenta que su dinero no es nada lícito.




Los puntos a favor de esta película, primero es la ambientación ya que supo plasmar el final de los años ochenta y el inicio de los años noventa, luego está la historia que muestra la maestría de Scorsese que supo plasmar una historia que atrapa al espectador de principio a fin, una historia cargada de humor negro, lleno de escenas de drogas, alcohol, sexo, una historia llena de valores y antivalores, una historia llena de personajes variopintos que me lleva a otro aspecto que hace que esta película sea tan bueno, me refiero a las actuaciones, sobre todo de DiCaprio que es sin duda su mejor papel, ya que se metió en el personaje tan complejo como Belfort, que creo que es sin duda es la mejor película en la que ha actuado, y si le sumamos otros aspectos, como fotografía, montaje o música, estamos sin duda a una de los mejores trabajos de estos últimos años.




Etiquetas: [Alfonso Cuarón]  [Gravity]  
Fecha Publicación: 2014-02-12T21:58:00.003-08:00
"I see nothing! I see nothing!"


"Gravity" es una película de los Británica - Estadounidenses coproducida, dirigida, coescrita y coeditada por el mexicano Alfonso Cuarón, protagonizada por Sandra Bullock y George Clooney , en un flim espacial y trata de cómo una astronauta lucha por sobrevivir de unos restos espaciales que han destruido su centro de comando. Al principio, me negaba a ver esta película, debido a que su trama me pareció muy aburrida, a pesar de las muy buenas recomendaciones; sin embargo y gracias a esas casualidades de la vida la termine viendo, y tuve que tragarme mis palabras, ya que creo yo es una de las mejores películas del 2013, es cierto el trama es muy simple (está expuesto en el párrafo anterior), pero eso no hace que esta sea una película obvia y aburrida, todo lo contrario tiene su dosis de suspenso que hace que el espectador la disfrute de principio a fin, otra punto resaltante son los monólogos de Sandra Bullock, ya que el peso de la película recae el 90% en ella y lo supo manejar bien; así como los efectos especiales que en este caso le da un toque de suspenso y emoción que una película de esas características necesita , y para acabar los simbolismos , la película es una metáfora sobre la vida y la muerte; como por ejemplo la imagen de la Bullock flotando en posición fetal con los cables fungiendo de cordón umbilical (clara alusión al nacimiento), y la escena final que es una clara referencia a la evolución.






 “Gravity” sin duda es una de las películas mejores logradas el 2013, con un argumento simple, pero con un trabajo profesional tanto detrás como delante de cámaras, que la convierte en un film que con el tiempo será de culto.



Etiquetas: [James Wan]  [The Conjuring]  
Fecha Publicación: 2013-12-18T15:32:00.002-08:00
"You have a lot of spirits in here, but there is one I'm most worried about because it is so hateful."


The Conjuring es una película de terror de los EE.UU. del año 2013, dirigido James Wan producido por Tony DeRosa-Grund, Peter Safran y Rob Cowan; está basada en hechos reales que tuvieron lugar en una granja, en donde una familia empieza a ser testigo de fenómenos paranormales. Está protagonizada por Vera Farmiga y Patrick Wilson en el papel de los parapsicólogos Lorraine y Ed Warren, que son investigadores de hechos paranormales, acompañados de Lili Taylor y Ron Livingston como Carolyn y Roger Perron.




 La película se basa en el caso de una “casa embrujada” que es habitada por la familia Perron , en donde suceden hechos paranormales que aterroriza a los miembros de la familia (Carolyn, Roger y sus 5 hijas) hasta que contactan con los famosos videntes Warren y estos ponen en marcha toda su experiencia para así ayudar a resolver el gran problema que les afecta .





 En si es un argumento simple, típico de las películas de terror (genero venido a menos en los últimos años) sin embargo debido al impecable trabajo de Wan podemos decir que es sin duda una de las mejores películas de terror (al menos de lo que va de la década) debido a sus diálogos, escenas, música, escenas, fotografía y todos los demás detalles que son importantes para realizar una buena película, y sobre todo de este género que es el más difícil de realizar, ya que para que una película de terror sea buena ; además de cierta forma esta película es un homenaje a los clásicos de terror de los sesenta y setenta, es más está ambientada en 1971 y Wan supo captar la escancia de ese década, como se vio en el vestuario, maquillaje y escenografía utilizadas, en resumen es una película que tiene todos los elementos de este género y que creo (y espero y deseo) que marcará la pauta para el repunte de este tipo de películas.




Etiquetas: [Before Midnight]  [Richard Linklater]  
Fecha Publicación: 2013-12-02T09:08:00.001-08:00
"You are the fucking mayor of Crazytown, do you know that? You are!"


Before Midnight es una película romántica dirigida por Richard Linklater, co-producida por el mismo Linklater además de Christos V. Konstantakopoulos y Sara Woodhatch, está protagonizada por Ethan Hawke y Julie Delpy, es la secuela de “Before Sunrise” (1995) y “Before Sunset” (2004)





Y la historia de amor entre el estadounidense Jesse (Ethan Hawke) y la francesa Celin (Julie Delpy) ha evolucionado, ya no son los veinteañeros que fortuitamente se conocieron en el tren y decidieron pasar una día juntos conversando, ni tampoco son los treintañeros que se re encuentran luego de 9 años y deciden darse una nueva oportunidad, ahora ya son una pareja casada con dos hijas (gemelas) que deciden pasar unas vacaciones en Grecia con otras parejas (una contemporánea a ellos, otra de menor edad y otra mayores a ellos), ya no son conversaciones sobre su pasado en sus respectivos países cuando ambos eran un par de desconocidos, ahora las conversaciones (y discusiones) son de una pareja consolidada, ya que las cosas cambian cada 9 años, ahora ya son adultos, ahora ya son padres; es decir podemos ver la evolución de los personajes (ayuda también que los actores principales también han evolucionado) y por ende sus conversaciones también son distintas, y pesar de todo esto la película no ha perdido la esencia de sus dos predecesoras, y eso es que la conversación sigue siendo el “protagonista” principal de esta saga, ya que ambos personajes siguen disfrutando de algo que creo se está perdiendo (en cierto punto por la internet y los teléfonos celulares) que es la conversación presencial, en cambio en los films se muestra a una pareja que simplemente está conversando para desahogar sus miedos y frustraciones, así como compartir sus metas y alegrías.






Una película de argumento simple, pero al mismo tiempo compleja, un film de amor pero sin llegar a lo cursi, una película sin diálogos inteligentes (los diálogos son cotidianos) pero no ligera, una película buena de principio a fin, en donde los personajes principales te cautivan, una historia que te envuelve puesto que uno termina siendo parte de las conversaciones que mantiene los protagonista a lo largo de la historia, y es inevitable que uno se identifica con ambos personajes.




Etiquetas: [Emir Kusturica]  [Underground]  
Fecha Publicación: 2013-11-24T23:26:00.001-08:00
"Si no son los alemanes los que nos bombardean, son los aliados"



Underground es una película de la ex Yugoslavia del año 1995, dirigida por el cineasta Emir Kusturica, producida por Pierre Spengler, Karl Baumgartner, Maksa Ćatović; escrita por Dušan Kovačević y Emir Kusturica; y narra la historia de Yugoslavia desde la Segunda Guerra Mundial hasta la Guerra de los Balcanes, pasando por el periodo socialista en donde fue gobernada por Tito.




Antes de empezar con la reseña (o mi intento de hacer una) debo comentar un poco de la historia de Yugoslavia, pues sin este contexto es imposible entender la película. Yugoslavia se formó en 1918, como la unión de los siguientes países actuales: Eslovenia, Croacia, Serbia, Montenegro, Bosnia-Herzegovina y Macedonia, es decir agrupó a la mayoría de pueblos eslavos del sur (a excepción de Bulgaria), antes de dicha unión estos países fueron parte de los Imperios Otomano y Austro-Húngaro, que lograron su independencia al finalizar la Primera Guerra Mundial; en el periodo entre guerras el Reino de Yugoslavia vivió años de tensión debido a las diferentes nacionalidad y religiones que co-existían en el territorio (los croatas y eslovenos son católicos, los serbios, macedonios y montenegrinos son ortodoxos y los bosnios musulmanes; sin contar con los albaneses, griegos y otras minorías étnicas) esto facilitó a que la Alemania Nazi (junto con Italia, Bulgaria, Hungría y Rumanía) invadiese este país, convirtiéndolo en un estado títere, esto se dio con mira al futuro plan de Hitler de invadir la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas, sin embargo la resistencia estuvo a cargo de los partisanos liderados por Josip Broz, más conocido como Tito, un militar político, líder del Partido Comunista Yugoslavo, que con ayuda de los aliados (específicamente de la Unión Soviética) logró expulsar a las fuerzas del eje, luego instituyendo un gobierno socialista, donde fue elegido presidente de por vida; cabe mencionar que los estados socialistas de Europa post guerra mundial fueron: la Unión Soviética, Rumanía, Bulgaria, Checoslovaquia, República Democrática de Alemania, Hungría, Albania y Yugoslavia; todos salvó el último formaron lo que se conoce como el Pacto de Varsovia, en donde la URSS impartía su ideología hacía los demás países, Yugoslavia a pesar de ser un país con un gobierno socialista siempre se mantuvo al margen de la órbita de influencia Soviética, Albania también se mantuvo al margen pero es un caso especial que al menos para fines de este artículo no vale la pena mencionar, Tito gobernó Yugoslavia hasta su muerte en 1980, luego hasta 1991 sus seguidores intentaron mantener Yugoslavia unida, pero debido a la Re Unificación Alemana (1989), las políticas de la Perestroika y el futuro desmembramiento dela Unión Soviética, así como en menor medida la separación de Checoslovaquia, y por ende la caída del sistema comunista en Europa, y sumado a la rivalidad étnica religiosa de los estados que conformaban Yugoslavia, estalló una guerra que se le conoce como la Guerra de los Balcanes, que duró hasta inicios del nuevo milenio, Yugoslavia quedó dividida en los países que mencioné líneas arriba, cabe mencionar que el nombre Yugoslavia fue usado hasta el 2003, en donde se cambió el nombre por el de Serbia y Montenegro (único estados que se mantenía unidos) y luego el 2006 en que ambos países se separaron, los problemas en los territorios continúan, debido a las diferencias étnicas en Bosnia-Herzegovina, y los sueños independentista del Kósovo (territorio situado en Serbia) , y al parecer será un zona conflictiva al menos por unos años.







El contexto histórico es importante para entender la película, pues a pesar de no ser un documental histórico, está ambientado en la época desde que Yugoslavia fue invadida por los alemanes hasta la Guerra de los Balcanes, es decir recorre la historia yugoslava por 50 años; la película está dividida en tres partes, la primera es La Guerra en donde se habla de la invasión Nazi, luego la Guerra Fría que es la época del gobierno de Tito y por último Las Guerras que habla de las Guerra de los Balcanes, pero el punto de vista con el cual son expuesta las situaciones no son trágicas, más bien le quiere dar un visión más cómica, con mucha irreverencia, y situaciones irrisorias, que hacen de esta una película trágico-cómica; en donde las metáforas están presentes a lo largo de la película, como por ejemplo el sótano en donde vivían escondidos los supervivientes de la Segunda Guerra Mundial fabricando armas para la resistencia, es un figura del engaño vivido por el pueblo “yugoslavo” en la época del comunismo de Tito en donde todas las etnias vivían en “paz” , pero cuando muere Tito es imposible de mantener esa unidad impuesta a la fuerza, empezando así la Guerra de los Balcanes, en la película ese momento está plasmado cuando cae el techo y la gente puede salir del sótano y se encuentran con otra guerra, pero esta vez una interna. Emir Kusturica supo plasmar la historia de este ya extinto país de los Balcanes, de una forma suspicaz y sin caer en los conflictos étnicos ya expuestos, en una película inteligente y exquisita, sin la intención de ser un film histórico, todo un clásico del cine de los años 90’s.




Etiquetas: [Javier Corcuera]  [Sigo Siendo Kachkaniraqmi]  
Fecha Publicación: 2013-09-11T12:56:00.000-07:00
"¿Quién puede vivir sin música?"


Sigo Siendo(Kachkaniraqmi) es una película del tipo documental peruana, dirigido por Javier Corcuera, producido por Rolando Toledo y Gervasio Iglesias, esta filmada en los idiomas español, quechua y sipo-conibo, trata acerca la música peruana, y cuenta con la actuación entre otros de: Magaly Solier y Susana Baca.





Hasta ahora en el 2013 han sido estrenadas 3 películas peruanas “Asu Madre”, ”Cementerio General” y "Sigo Siendo (Kachkaniraqmi)", las dos primeras a mi gusto son un bodrio, no me gustaron así que no perderé tiempo en ellas; en cambio Sigo Siendo (Kachkaniraqmi) es distinta, para empezar es un documental y puedo afirmar que el cine documental en el Perú es escaso; y este explica la relación hombre-música y como esta influye en la cotidianidad de los diferentes pueblos del Perú, para efectos de este documental se ha centrado principalmente en los pueblo afro peruanos (costa centro-sur, departamentos de Ica y Lima) andinos (específicamente los del pueblo quechua-chanka ubicados geográficamente en Ayacucho) y Shipo-Conibo (amazonia peruana, departamento de Ucayali); otro punto a destacar es que el film no ha tomado una visión paternalista, ni caricaturesca, como todos los proyectos similares han tratado a estos pueblos, una visión que siempre los toma como la última rueda del coche, como si no fueran peruanos, como si se tratase de gente que vive en otro país, creo que propuestas como esta deben existir más, y no recurrir en que idioteces como la marca Perú (discúlpenme pero eso de la Marca Perú me parece una gran idiotez) para buscar un “nacionalismo”; tampoco quiero que se me mal entienda, que todos los peruanos le debe gustar toda la música hecha en Perú, ya que somos un país diverso y por citar dos ejemplos, dudo que alguien de Puno se sienta identificado con el festejo; o alguien de Chiclayo se sienta identificado con el Huaylas, pero al menos (creo yo) debemos aprender a escucharnos y a dialogar, para poder respetarnos y seguir avanzando como nación.






Estamos creo yo, frente a un buen producto, en donde el equipo de producción se ha informado bien y realizó un buen trabajo de investigación, ya sea en la parte musical como el archivo fotográfico, ojalá que se sigan haciendo el cine documental y ojalá que si sigan haciendo películas interesantes que no recurran en el facilismo en mi amado país.




Etiquetas: [Curtis Hanson]  [LA Confidential]  
Fecha Publicación: 2013-07-18T09:04:00.002-07:00
"Don't ever try to fucking bribe me or I'll have you and Patchett in shit up to your ears."

 

L.A Confidential, es una película de los EE.UU. del año 1997; dirigida por Curtis Hanson y producida por Curtis Hanson, Arnon Milchan y Michael G. Nathanson; protagonizada por Kevin Spacey, Russell Crowe, Guy Pearce, Kim Basinger, Danny DeVito y James Cromwell; está basada en la novela homónima de James Ellroy; cuyo trama es la corrupción en el departamento de Policía de la ciudad de Los Angeles, estado de California, está película supo revivir el cine negro y contiene una trama que se hace cada vez más compleja a la medida que trascurre el film.





En L.A. Confidential hay tres policías los cuales son los protagonistas de esta película, en primer lugar tenemos a Wendell "Bud" White (Russell Crowe) que es el clásico “policía malo” al que no le interesa los medios solamente cumplir con su deber, y está obsesionado por salvar a las mujeres que sufren maltrato físico-psicológico; el segundo policía es Edmund "Ed" Exley (Guy Pearce) el “policía bueno” un novato hijo de un ex policía que quiere limpiar la imagen del cuerpo policiaco, y hacer lo correcto, así se gane el odio de sus compañeros y el tercer y no menos importante está Jack Vincennes (Kevin Spacey) el “amarillista” ya que en todos sus casos está presente el reportero sensacionalista Sid Hudgens (Danny DeVito), estos tres policías de diferentes personalidades y caracteres, en el trascurso del film se van desarrollando una especie de necesidad entre ellos, puesto que los casos que ellos investigan están conectados y todo tiene que ver con una red de corrupción que impera en el cuerpo policiaco; otra protagonista importante en el argumento de la película es Lynn Bracken (Kim Basinger) una prostituta que se parece a Veronica Lake (una estrella de cine allá por los 50) que de una u otra forma es un nexo entre los miedos y traumas de los policías (de White y Exley para ser más específicos) y la red de corrupción en la que vive la ciudad de Los Angeles. Otro personaje a mencionar es Dudley Liam Smith (James Cromwell) el capitán de la policía el verdadero “villano” de la serie, un típico policía sin escrúpulos que utiliza la institución para su beneficio personal.







Curtis Hanson supo plasmar en la pantalla grande, una película llena de acción, pero al mismo tiempo con un trama complejo, que envuelve al espectador, además es que pudo plasmar varias personalidades complejas que interactúan entre sí, haciendo de este film uno de los más importantes de los años 90’s, reviviendo el cine negro que estuvo prácticamente dormido toda esa década, así como supo recrear también la década de los años cincuenta (50) un periodo de post guerra en donde a pesar de que los Estados Unidos junto a la otrora Unión Soviética eran las superpotencias mundiales, vivía una crisis social (es más aún no la supera) en donde la corrupción a todos los niveles estaba presente y el cuerpo policiaco no era la excepción . Otro punto importante que creo que debo mencionar, es el director también pudo plasmar, la importancia del trabajo en equipo, ya que a pesar de tratarse de personas distintas eso no es barrera para poder trabajar en busca de un objetivo en común, como podemos observar en primer lugar la relación del serio, correcto e inteligente Exley con el excéntrico, egocéntrico y polémico Vincennes; y luego de Exley con el “animal”, rudo e impulsivo White , esto último se debe creo yo a que ambos en el fondo tienen una intención parecida para ser policía, que es la de obtener una justicia que nunca tuvieron en sus vidas. Sin duda un film lleno de imágenes y escenas memorables, que vale la pena ver varias veces.










Etiquetas: [August Rush]  [Kirsten Sheridan]  
Fecha Publicación: 2013-07-10T08:39:00.000-07:00
"The music is all around US, all you have to do is listen."



August Rush es una película de los Estados Unidos del año 2007, dirigida por la irlandesa Kirsten Sheridan y producida por Richard Barton Lewis, protagonizada por Keri Russell, Jonathan Rhys Meyers, Freddie Highmore y Robin Williams, la película es un musical, en donde justamente la música es el personaje principal, ya que toda la película gira alrededor de la música y de la importancia en los individuos y la sociedad.


El argumento es de como un niño huérfano Evan Tylor (Freddie Highmore) busca a sus padres biológicos, el argumenta que ellos se comunican con él a través de los sonidos, sus padres son Louis Connelly (Jonathan Rhys Meyers) un guitarrista/vocalista de una banda de rock llamada “The Connelly Brothers” y Lyla Novacek (Keri Russell) un chelista de una orquesta filarmónica, ambos se conocieron, tuvieron sexo, y ella quedó embaraza, pero Louis no ni ella es un padre que negó todo, ni ella una mujer despechada que no quiso contarle la verdad, más bien fue el padre de ella (interpretado por William Sadler) que impidió que esta pareja se reencontrará y pudiera tener un final feliz, por lo contrario dio por adopción al hijo fruto de ese amor, Evan ya con once años decide buscar a sus padres, y el camino que utiliza es la música pues el siente que ellos se comunican con él a través de ella (a pesar de que ambos padres ya han dejado de tocar) , en este camino conoce a Maxwell "Wizard" Wallace (Robin Williams) un músico callejero que obliga a los niños a trabajar para el, y que queda maravillado por el talento de Evan, (que luego lo rebautiza como August Rush), pero luego de una redad policial August escapa y se refugia en una iglesia protestante, donde el pastor descubre su potencial musical, lo lleva a una escuela de música (la prestigiosa Julliard School) donde perfecciona su talento, y al final de varias peripecias llega a encontrar a sus padres, cuando este último da un concierto.





Schopenhauer escribió “La música es el verdadero lenguaje universal que en todas partes se entiende, y por ello se habla en todos los países y a lo largo de todos los siglos, con gran tesón y gran celo...” creo que esta frase resume bien el sentido de la película, ya que a mi gusto, no es el historia de Evan/August buscando a sus padres, sino la historia de que como la música puede unir a la gente, ya que es un medio de expresión que esta inerte al ser humano, y es capaz de entenderla todo aquel que lo escuche sin importar la lengua, religión, etnia , o nivel socio-cultural, la virtualidad de Agust Rush como niño prodigo en la música va más allá de entender por si solo como funciona un pentagrama, ya que es la música su forma de poder entrar en contacto con el mundo, es su lenguaje, su forma de expresión, es parte de su “yo” que está en sus genes, y es capaz de entenderla, codificarla y expresarse a través de ella, esta es sin duda una película que elogia a esos seres maravillosos (los músicos) que comparten su arte, con nosotros los simples mortales, es una forma de darle gracias por esta labor que nos permite vivir el día a día con más facilidad, ya que como diría Nietzche “La vida sin música sería un gran error”