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Etiquetas: [Frank Miller]  [Robert Rodriguez]  [Sin City A Dame to Kill For]  
Fecha Publicación: 2014-12-02T17:54:00.000-08:00
"Death is just like life in Sin City. It always wins."



 Sin City: A Dame to Kill For, es una película de los EE.UU. dirigido por Robert Rodriguez y Frank Miller, producido por Robert Rodriguez, Sergei Bespalov, Aaron Kaufman, Stephen L’Hereux, Iliana Nikolic, Alexander Rodnyansky y Mark Manuel, escrita por Frank Miller está basada en la novela gráfica Sin City del mismo Miller, es la secuela de Frank Miller’s Sin City (2005); cuenta con las actuaciones de Mickey Rourke, Jessica Alba, Josh Brolin, Joseph Gordon-Levitt, Rosario Dawson, Eva Green, Powers Boothe, Dennis Haysbert, Stacy Keach, Jaime King, Ray Liotta, Jeremy Piven Bruce Willis.




La ansiada segunda parte de Sin City al fin se cristalizó este año, si bien es cierto que ha tenido más críticas negativas que positivas, sin embargo y a mi punto de vista no me parece una mala película, para empezar diré que estoy de acuerdo que es inferior a su antecesora, ya que a la dupla Miller/Rodríguez se puso la vaya muy alta, pero eso no fue obstáculo que puedan hacer una segunda parte digna de su antecesora, con cuatro historias buenas llenas de acción, golpes, sangre y mujeres bellas, ambientadas en un ciudad disfuncional, en donde la ley no existe, obvio que hay un nexo entre esta película y la primera entrega, no sólo es la ciudad donde se desarrolla la acción, sino que hay historias y personajes que vuelven a aparecer, creando un puente entre ambas películas; lo que más me gusta del film es la estética (que es la misma de la primera entrega, pero con mejoras en los gráficos producto del avance de la tecnología) que ayuda al estilo neo-noir que trasmite el comic, otra punto a favor es que da un final (que quizás no sea del agrado de todos) a la historia que más me impactó de la primera parte: “That Yellow Bastard”,en donde Nancy Callahan (Jessica Alba) esta dispuesta a vengar la muerte de su amado John Hartigan (Bruce Willis), de las historias nuevas creo la que más resalta es “A Dame to Kill For” en donde la actriz Eva Green se lleva la película, no solo por sus desnudos sino también, este segmento a mi opinión es el que resumen mejor la esencia de la obra de Miller.





Eso si la película tiene escenas innecesarias, otro defecto es que los segmentos no estén al mismo nivel; ya que ambas partes “The Long Bad Night” no están al nivel de las otras secuencias, así como creo que se pudo prescindir de “Just Another Saturday Night”; otro defecto que tiene la película, defecto el cual tiene la mayoría de películas con segunda parte, es que la trama por momentos se hace obvia y el factor sorpresa disminuye, empero esos detalles creo que la película es aceptable.



Etiquetas: [God Help The Girl]  [Stuart Murdoch]  
Fecha Publicación: 2014-11-25T17:25:00.000-08:00

God Help the Girl, es una película británica dirigida y escrita por Stuart Murdoch, producido por Barry Mendel, protagonizado por Emily Browning, Olly Alexander, Hannah Murray y Pierre Boulanger, siendo un musical que se centra en jóvenes escoceses que quieren formar su banda de indie pop.




"High School Musical" para Hipster, creo que con esa frase puedo resumir la película opera prima de Stuart Murdoch (vocalista y compositor de la banda escocesa Belle & Sebastian) aclaro que no estoy diciendo que esta película sea mala, pero pudo hacer sido mejor, sin embargo no quiero no quiero hacer un linchamiento a Murdoch, ya que creo que tiene futuro en el sétimo arte, y sus próximas películas pueden ser mejores. En la parte musical no hay nada que criticarle, si conoces y eres amante la discografía de Belle & Sebastian, creo que no tendrás problemas con estas y sabrás de antemano que estilo tienen, el punto débil de la película es el trama, es forzado y por momentos absurdo, en donde por un lado se ve la inexperiencia del director y por otro su ganas de hacer las cosas bien, los diálogos me parecen banales, lleno de cliché de los hípster, así como lo personaje: la enferma mental, el nerd antisocial y la niña rica mimada sin amigos también son estereotipos de “los que forman una banda y ser famosos”; a pesar de que contó actores con experiencia el director no los supo aprovechar a su máximo y obvio eso creo yo ya no es culpa de ellos.




Repito, creo que Murdoch tiene futuro en el cine, pues ideas tiene, lo que necesita es tiempo, para poder plasmar mejor sus ideas, así como adquirir experiencia y mejorar. Si bien las expectativas fueron altas, no es para sepultar al director, pues entre los puntos positivos, yo rescato que supo captar la escena independiente de Escocia.




Etiquetas: [Christopher Nolan]  [Interstellar]  
Fecha Publicación: 2014-11-18T21:54:00.000-08:00
"We used to look up at the sky and wonder at our place in the stars, now we just look down and worry about our place in the dirt."



Interstellar es una película de los EE.UU. dirigida por Christopher Nolan, coescrita con su hermano Jonathan, producida por Christopher Nolan, Emma Thomas y Lynda Obst, protagonizado por Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Jessica Chastain, Bill Irwin, Ellen Burstyn y Michael Caine, narra la historia de un grupo de astronautas que buscan un nuevo hogar para los humanos, así como las relaciones interpersonales entre los protagonistas.



Intestellar es una película que te deja perplejo hasta días después de haberla visto, ya que no es una típica película de espacial - ciencia ficción, sino que expone de una forma interesante varios conceptos y teorías científicas tales como: los agujeros de gusanos, la gravedad, la relatividad del tiempo, las dimensiones, viajes en el tiempo y la conquista del espacio exterior, todo eso mezclado con un toque de drama, acción y suspenso; sin duda este nuevo trabajo de Christopher Nolan vuelve a mostrar su capacidad de crear historias complejas pero con un fondo sencillo y cotidiano como la historia familiar y las relaciones humanas. Inspirada en la mejor película de ciencia ficción de la historia; 2001: A Space Odyssey, ya que hay guiños que Nolan le hace a Kubrick a lo largo de la película, como en la dirección fotográfica o el rigor científico mostrado.




Ambientando en un planeta tierra moribundo en un futuro apocalíptico, donde vivir prácticamente es una hazaña, un grupo de astronautas tiene la misión de ir al espacio para buscar un nuevo hogar para la raza humana (cabe mencionar que antes se enviaron otras misiones) empezando una odisea espacial en donde ellos no saben si van a volver o no a la Tierra; en el espacio el tiempo trascurre más lento comparado con la tierra (teoría de la relatividad), así que mientras en nuestros viajeros sólo han transcurridos algunos horas o algunos días, para sus familiares han pasado años además el planeta tierra que cada vez es más inhabitable.




Con actuaciones magníficas, un buen guion, con magníficos efectos espaciales, un gran trabajo en ambientación y fotografía, así como una historia que atrapa, estamos ante las 3 horas más intensas de este año.




Etiquetas: [Frank]  [Lenny Abrahamson]  
Fecha Publicación: 2014-11-05T20:13:00.000-08:00


Frank es una película del Reino Unido dirigida por Lenny Abrahamson, producida por David Barron, Ed Guiney, Stevie Lee y Andrew Lowe, escrita por Jon Ronson y Peter Straughan, protagonizada por Domhnall Gleeson, Michael Fassbender, Maggie Gyllenhaal, Carla Aznar, François Civil y Scoot McNairy; y es la historia de cómo un joven apasionado por la música, se une a una banda de rock y como es el día a día en esta nueva etapa de su vida.





Jon (Domhnall Gleeson) de forma fortuita se une como tecladista a una banda llamada ‘Soronprfbs’ liderados por Frank (Michael Fassbender) un excéntrico personaje que siempre usa una cabeza de cartón, sin embargo el único que cree en Jon es Frank, ya que los otros miembros de la banda Clara, que toca el theremin (Maggie Gyllenhaal), la baterista Nana (Carla Aznar) y el bajista francés Baraque (François Civil) se resisten a la presencia de Jon, no ocultando su incomodidad y rechazo hacia él; sin embargo todo cambia cuando Don el manager de la banda (Scoot McNairy) se suicida en plena grabación del disco, y Jon sugiere dar un nuevo giro a la banda llevando a una crisis interna, aumentando malestar que ya existía.





Frank es una historia donde nos muestra una banda de seres inadaptados, un grupo de hispters locos, uno más raro que el otro, en donde el único cuerdo aparentemente es Don el manager, y en donde Frank es más que su líder, es el genio incomprendido, con problemas mentales, una especie de gurú espiritual que guía (o trata de guiar) a esta colección de seres raros, este personaje fue bien desarrollado por Michael Fassbender que a pesar de que toda la película lleva la cabeza de cartón demuestra que es uno de los mejores actores de esta época; otro personaje que resalta es el de Jon interpretado por Domhnall Gleeson, aunque vuelve hacer del chico lerdo pero de buen corazón, que durante toda la película trata de encajar en este grupo de freaks.




Frank es una película sobre música, sin ser un musical, un película sobre las interacciones humanas, así como sobre los sueños y metas personales, sin duda una película entretenida, una de las mejores comedias dramáticas de este año.



Etiquetas: [El Elefante Desaparecido]  [Javier FuentesLeón]  
Fecha Publicación: 2014-10-29T14:51:00.001-07:00
"La verdad se esconde detrás de uno"


El Elefante desaparecido es una película peruana dirigida y escrita por Javier Fuentes-León, producida por Michel Ruben, Javier Fuentes-León, Andrés Calderón, Delia García y Miguel Valladares, está protagonizada por Salvador Del Solar, Lucho Cáceres, Angie Cepeda, Tatiana Astengo, Vanesa Saba, Andrés Parra, Carlos Carlín, Toño Vega y Magdyel Ugaz. Es un film neo-noir, policial de suspenso con elementos de lo real maravilloso.




A mi opinión estamos frente a la mejor película peruana de la historia (hasta el momento claro está) un historia redonda, con actuaciones buenas, y con un trabajo técnico A1; para empezar quiero resaltar el diseño del trama que me pareció novedoso para la industria cinematográfica de este país, está película muestra una clara influencia en los trabajos de Stanley Kubrick, David Lynch o David Fincher, un film misterioso, incompresible y enigmático, en donde la sensación de duda y perplejidad está insertada en la esencia del film, generando más de una sorpresa puesto que lo obvio está ausente de este film, además ese juego de fantasía y realidad termina por confundir de una forma placentera al espectador, que al final deja de ser un simple observador y se convierte de una u otra forma en un protagonista, ya debe seguir con este rompecabezas para poder entender (o intentar) el desarrollo de la película.




Una historia bien pensada, trabajada con profesionalismo, con personajes bien logrados, con un trabajo de fotografía impecable y con un sonido tenebroso que va de la mano con el espíritu enigmático de este film, demostrando la evolución de sus director Javier Fuentes-León, ya que desafió los estándares conservadores del cine peruano con “Contracorriente”, esta vez lo vuelve a desafiar pero de una forma más vanguardista, y a la espera que en el Perú se continúe con este tipos de trabajos.



Etiquetas: [David Fincher]  [Trent Reznor]  
Fecha Publicación: 2014-10-21T12:11:00.000-07:00
"What are you thinking? What are you feeling? 
What have we done to each other? What will we do?"




Gone Girl es una película de los EE.UU. dirigida por David Fincher, escrita por Gillian Flynn basada en la novela homónima del mismo Flynn producida por Leslie Dixon, Bruna Papandrea, Reese Witherspoon y Ceán Chaffin, cuenta con la musicalización de Tren Reznor líder de Nine Inch Nails (que ya es un colaborador habitual de Fincher) y cuenta con la actuación de Angus Wall, Ben Affleck, Rosamund Pike, Neil Patrick Harris y Sela Ward.






Gone Girl es un thriller que te emociona los 149 minutos, puesto que el factor sorpresa está presente durante toda la película, que mantienen al espectador tenso y no hay tiempo para parpadear, David Fincher vuelve a crear una historia fascinante e inteligente, en donde vemos la historia de un matrimonio en problema, que saca a relucir los más escalofriantes secretos de esta pareja; la obra de Fincher siempre se ha caracterizado por la intensidad y Gone Girl no es la excepción, ya que los actores principales (Ben Affleck y Rosamund Pike) se cargan con toda la responsabilidad a la hora de crear este par de personajes complejos, y plasmar la idea del director.




Fincher recrea un matrimonio disfuncional, en donde la rutina, monotonía y la falta de comunicación acabaron por destruirlo, vemos por un lado a Nike Dunne (Ben Affleck) un marido cansado de una vida en pareja que poco a poco se vuelve indiferente hacia las necesidades de su mujer, y que busca amor en una de sus alumnas; por otra parte Amy Elliott Dunne (Rosamund Pike) la consorte que cansada de la indiferencia de su marido y al descubrir la infidelidad, planea un maquiavélica venganza, sin medir las consecuencias; la mujer puede ser tan dulce como cruel dicen, y en este caso Amy demuestra ambas caras mostrando su lado más oscuro y cruel, mientras que en público se presenta como una mujer débil, la cónyuge ideal y abnegada que sufre del maltrato psicológico de su marido.



Personajes complejos y una historia fascinante, son los ingredientes de este intrigante flim, en donde Fincher plasma el libro en una enigmática película, que sin dudas es una de las mejores del año.


Etiquetas: [Boyhood]  [Richard Linklater]  
Fecha Publicación: 2014-10-13T10:36:00.000-07:00

Boyhood es una película de los EE.UU. escrita y dirigida por Richard Linklater, producida por Cathleen Sutherland, Jonathan Sehring, John Sloss y el mismo Richard Linklater, está protagonizada por Ellar Coltrane, Patricia Arquette, Lorelei Linklater & Ethan Hawke, la película fue grabada en 39 días repartidos a lo largo de 12 años y muestra los cambios que sufre de Manson (Ellar Coltrane) a lo largo de este periodo, que incluye mudanzas, relaciones interfamiliares, coyunturas socio políticas, amores, desilusiones, amistades etc. Es quizás el proyecto cinematográfico más grande de la historia del cine.





Hablar de Boyhood es hablar de Richard Linklater un prolijo director cine, entre su filmografía incluye la odisea juvenil/hippie de Dazzed and Confused (1993), o SubUrbia (1996) que viene ser una crítica a una juventud sin sueños y esperanzas, o una no cursi historia de amor como la trilogía “Before”: Before Sunrise (1995), Before Sunset (2004) & Before Midnight (2013), hasta la divertida School of Rock (2003) y un largo etc, todas estas películas han sido su mejor carta de presentación , que han marcado un estilo único, en donde los diálogos son el elemento principal de sus películas, relegando a la acción en un segundo plano, y es aquí en donde resalta la genialidad (si me permiten el uso de esta palabra) de Linklater, ya que logra plasmar películas interesantes sin caer en monólogos aburridos o diálogos intrascendentes; en el caso de Boyhood no es la excepción, pues para empezar podría afirmar que este film es el resumen de los trabajos previos de Linkalter, debido a que tiene algo de cada película anterior del autor, otro punto a favor es que podemos ver el realismo a su máximo nivel utilizado en el cine, ya que podemos ver como los actores evolucionan de la mano de sus personajes, detalle rara vez visto en el cine.






Boyhood es como la vida misma, lloras, ríes, tienes esperanzas, te desilusionas, pero siempre avanza, ya que no hay lugar para retroceder y volver a empezar; un historia que te atrapa desde el inicio, unas actuaciones sobresalientes de Patricia Arquette & Ethan Hawke, sin embargo, y a mi opinión, las palmas se las llevan Ellar Coltrane y Lorelei Linklater que espero sea el debut de una larga carrera cinematográfica, ya que talento tienen; los actores en general supieron cristalizar la idea de Linklater y así darnos una historia bonita.




Etiquetas: [Keiichi Sato]  [Masami Kurumada]  [Saint Seya Legend of Santuary]  
Fecha Publicación: 2014-10-06T09:58:00.001-07:00


Saint Seya: Legend of Santuary (聖闘士星矢 Legend of Sanctuary) es una película animada japonesa dirigida por Keiichi Sato, producida por Bandai Visual, escrita por Kaito Ishikawa, está basada en la obra de Saint Seiya de Masami Kurumada, siendo un reborn de la serie clásica.





Comenzaré estas líneas diciendo que soy un mega fan de Saint Seiya (o como lo conocen acá "Los Caballeros del Zodiaco") sigo la historia desde 1994 cuando la pasaron en un canal de televisión abierta de mi país, luego con el tiempo conseguí los mangas (historietas japonesas) y demás cosas relacionadas con la serie, he leído y visto casi todo (Saint Seiya Omega me aburrió, así que lo dejé en los primeros 30 capítulos), obvio que cuando anunciaron la película me entusiasme,a pesar de que los traillers no fue mucho de mi agrado, sin embargo como buen fan decidí ir a ver la película y sacar mis propias conclusiones.




Hay que recalcar que esto es un reborn de la serie, es decir se basa en ella, pero hay ciertos cambios, que debieron hacerlo para el montaje cinematográfico. Los personajes principales siguen siendo Saori Kido (Athenea) y sus cinco santos de bronces incondicionales: Seiya de Pegaso, Shiryu de Dragón, Hyōga de Cisne, Shun de Andrómeda e Ikki de Phoenix, deben combatir al Santuario que está gobernado por Saga de Géminis y los santos de oros, tal y como la serie clásica (salvo las omisiones que en este caso resultan obvias y necesarias). Los cambio realizados para agilizar la obra, tienen a mi gusto resultados diversos, por un lado los cambios que se muestran en la primera mitad de la película son buenos, en contraste con los de la última mitad que me parecen malos; con respecto a los personajes a los santos de bronces respetaron sus personalidades, salvo Seiya que lo hicieron más gracioso, mientras que los Santos de oro la mayoría también fue respetada, aunque deteste la escena de Deathmask (que a pesar no es mi favorito, pero lo que le hicieron no tiene nombre), tampoco me gustó el cameo de Afrodita (mismo caso que lo anterior), empero tomé con cierto agrado que Milo sea mujer, tampoco me gustó que la segunda parte de la película fuese muy rápida en comparación con la primera parte.






No quiero dar más detalles, pues ya he dado muchos spoilers, en si recomiendo verla que a pesar no me gustó mucho como la serie clásica, tiene cosas interesantes y al menos pasarás un momento agradable, lo bueno que la película la pueden disfrutar, incluso las personas que nunca han visto Saint Seiya en su vida.


Etiquetas: [Destin Cretton]  [Short Term 12]  
Fecha Publicación: 2014-09-29T21:44:00.002-07:00
"It's impossible to worry about anything else when there's blood coming out of you."



Short Term 12 es una película de los EE.UU. dirigida y escrita por Destin Cretton, producida por Maren Olson, Asher Goldstein, Joshua Astrachan y Ron Najor y cuenta con las actuaciones de Brie Larson, John Gallagher, Jr., Kaitlyn Dever, Rami Malek, Keith Stanfield, Kevin Hernandez, Melora Walters, Stephanie Beatriz, Lydia Du Veaux, Alex Calloway, Frantz Turner y Diana-Maria Riva, es la historia de Grace una supervisora de un hogar para jóvenes problemas.




Creo que este es una de las películas más crudas y realistas del año 2013, pues muestra a un grupo de jóvenes problemas; que no tienen un hogar o si lo tienen no son precisamente lugares en donde los menores puede vivir; que junto a sus supervisores tratan de salir adelante, sin embargo este no es un film en donde los tutores no tienen problema y siempre tienen todas las respuesta, todo lo contrario estos también han tenido (y tienen) problemas y traumas, que hasta cierto punto pueden ayudar a estos a ayudar (o intentarlo) a los jóvenes bajo su tutela.




Creo que el éxito de esta película, es la sencillez, que junto con su realismo, busca sensibilizar a una sociedad cada vez más egoísta a que existe otro mundo, que creo que debemos prestarle atención, pues quizás no sea nuestra historia directa, sin embargo con nuestras acciones podemos ayudar a hacer mejor el mundo a alguien más, así mismo y hablando ahora desde un punto de vista más técnico-cinematográfico, Cretton nos muestra que se pueda hacer buen cine en los EE.UU. sin mucho presupuesto y con una temática social, sin caer en el sensacionalismo y amarillismo






Etiquetas: [Alejandro Jodorowsky]  [Dune]  [Frank Pavich]  [Jodorowskys Dune]  
Fecha Publicación: 2014-09-07T18:41:00.001-07:00



Jodorowsky's Dune es una película tipo documental del 2013 dirigida por Frank Pavich, producida por Frank Pavich, Stephen Scarlata y Travis Stevens; protagonizado por Alejandro Jodorowsky, Michel Seydoux, H. R. Giger, Chris Foss, Nicolas Winding Refn, Amanda Lear y Richard Stanley; y cuenta la historia de como no se realizó el film de ciencia ficción más ambicioso de la historia del cine; la versión cinematográfica de Dune.




Antes de empezar con mí reseña, o mejor dicho con mi intento de ella, creo que debo de hacer una introducción de quien es Alejandro Jodorowsky y de que es Dune, esto, obviamente es sobre todo para quienes no tienen una idea o no conocen al director y la obra. Alejandro Jodorowsky es un director, historietista, maestro spiritual, gurú, etc. chileno nacionalizado francés entre sus películas más notables tenemos: “El Topo” y “La Montaña Sagrada” ambas consideradas películas de culto. Duna (original Dune) es una novela de ciencia ficción escrita por Frank Herbert en 1965, considerada como una de las grandes obras de este tipo de literatura, en su época fue un éxito de ventas, el libro tuvo una adaptación cinematográfica el año de 1984 a cargo de David Lynch, sin embargado el primero que quiso llevar a Dune a la pantalla gigante, fue el excéntrico Jodorowsky, lo quiso hacer justamente entre dos películas íconos del cine de ciencia ficción; "2001: A Space Odyssey" del maestro Stanley Kubrick y "Star Wars: Episode IV - A New Hope" de George Lucas.






El documental es la historia de un sueño no realizado, de un objetivo no alcanzado, pero no de una forma triste sino más bien desde un punto de vista alentador, en donde el espectador va haciéndose una idea de cómo pudo ver sido Dune; a lo largo del filme, Jodorowsky explica el proceso de concepción de esta obra, de cómo recluta a sus “elegidos” entre los que destacan Moebius, H.R. Giger, Dan O'Bannon, Pink Floyd, Orson Welles, Salvador Dalí o Mick Jagger, todos ellos reclutados para crear el más ambicioso proyecto cinematográfico de la historia; también nos muestran los bocetos, así como son narradas diferentes anécdotas en el proceso de creación de Dune, es obvio que no todas esas anécdotas son reales (mejor dicho me cuesta mucho creer la veracidad de muchas de ellas)sin embargo Jodorowsky sabe marketear bien su obra que a pesar nunca vio la luz le guarda cariño y una cierta esperanza que algún día vea la luz.


En este documental Frank Pavich logra presentar un proyecto abortado, pero como se ve en el transcurso del mismo, de una u otra forma está presente en el cine, ya que muchos directores toman ideas de Dune, como influencias en sus películas, así como trata de revindicar la imagen de Alejandro Jodorowsky, un cineasta olvidado, pero que es una de los más importantes cineastas de la historia.


Etiquetas: [Gareth Evans]  [The Raid 2 Berandal]  
Fecha Publicación: 2014-08-23T15:37:00.001-07:00
"En la cárcel lo mejor será escoger un lado. Los solitarios no suelen durar mucho."


The Raid 2: Berandal, es una película de acción de Indonesia, dirigida por el galés Gareth Evans, producida por Ario Sagantoro, Nate Bolotin y Aram Tertzakian, escrita por Evans y protagonizada por Iko Uwais, Arifin Putra, Oka Antara, Tio Pakusadewo, Alex Abbad, Julie Estelle, Ryuhei Matsuda, Kenichi Endo y Kazuki Kitamura, es la continuación directa de The Raid: Redemption del año 2011.




Como se menciona en el párrafo anterior The Raid 2: Berandal, es la continuación de The Raid: Redemption, sin embargo a diferencias de otras sagas, no esta adaptada meses o años después, esta empieza en donde la otra acaba, pero ahora Rama (Iko Uwais) debe primero entrar a la cárcel para ganarse la confianza de Uco (Arifin Putra) hijo del mafioso Bangun y así poder descubrir a los policías corruptos; todo esto sucede mientras vemos un derroche increíble de artes marciales, violencia excesiva y mucha pero mucha sangre. A mi opinión es mejor que su predecesora, pues no solo muestra más acción, sino que también más contenido (parricidio, traición, corrupción), más variedad de personajes, y se desarrolla en otros ambientes, no solo en el edificio en donde suceden los acontecimientos de la primera parte, además de que la acción es mejor, aunque no hay una pelea épica como sí sucede en la primera entrega.





Evans a pesar de ser británico, supo captar la esencia de las películas de acción de Asia, puesto que me hizo recordar los clásicos del cine Kung Fu de la China, además sabe ser realista, ya que como decimos coloquialmente en nuestro país “me creí la peleas” ya que los movimientos y coreografía de los actores fue verosímil, y la cantidad de sangre fue la necesaria, no hubo exageración ni sobre actuación. Me atrevería a afirmar que estamos frente a un nuevo clásico del cine de acción, además Hollywood ya le ha puesto los ojos encima y pretende hacer su propia versión de esta película.




Etiquetas: [Guardians of the Galaxy]  [James Gunn]  [Marvel Comics]  
Fecha Publicación: 2014-08-10T16:56:00.000-07:00
"I Am Groot"



Guardians of the Galaxy es una película de los EE.UU. dirigida por James Gunn producida por Kevin Feige, escrita por James Gunn y Nicole Perlman, protagonizada por Chris Pratt, Zoe Saldana, Dave Bautista, Vin Diesel, Bradley Cooper, Lee Pace, Michael Rooker, Karen Gillan, Djimon Hounsou, John C. Reilly, Glenn Close y Benicio del Toro, está basada en la historieta homónima Dan Abnett y Andy Lanning de la editorial Marvel Comics.





El Universo Marvel sigue produciendo películas basadas en su comics, este año ya lanzó cuatro películas, siendo está Guardians of the Galaxy la última en estrenarse, a mi gusto es una película que cumple, es entretenida y tiene mucha dosis de acción típica de las películas de super héroes, cuenta con un reparto coral, que le permite desarrollar una historia sin depender de un personaje en especial; y la forma en como se presentaron cada uno de los héroes fue de la forma más sencilla y rápida para no complicar el desarrollo de la película y no aturdir al espectador que no conoce mucho de este comic, el trama también es simple, de como unos 5 anti héroes forma de casualidad un escuadrón para proteger la Galaxia, si bien la película creo yo no puede ser disfrutada por alguien que no le gusten los comics, tiene momentos que creo que hace una película que al menos vale la pena verla una vez.






Marvel sigue utilizando el séptimo arte para captar más fanáticos, y creo que hizo bien en adaptar a la pantalla gigante un cómic poco conocido, para así captar más lectores, ojalá que también en un futuro adapte Squadron Supreme o haga un reborn de Howard the Duck (dato si ven Guardians of Galaxy quédense hasta el último) y continúe introduciendo a nuevas personas al mundo maravilloso del comic.





Etiquetas: [Batman]  [DC Comics]  [Etham Spaulding]  [Son of Batman]  
Fecha Publicación: 2014-08-03T11:51:00.000-07:00

Son of Batman, es una película animada dirigida por Etham Spaulding, producida por Sam Register, James Tucker y Alan Burnett, escrita por James Krieg, esta basada en la historieta Batman and Son de Geoff Johns, Jim Lee y Scott Williams, narra la historia de Damian Wayne hijo de Talia Ra’s Ghul y Bruce Wayne o mejor conocido como Batman




Batman es el héroe más popular y representativo de la DC Comics, es el personaje de dicha empresa que tiene más adaptaciones a series de televisión (animadas y live actions), películas, video juegos, etc esto se debe creo yo, a que no es un super héroe con poderes como otros (Superman, Wonder Woman o Flash por citar algunos ejemplos) Batman sólo tiene su intelecto, y su fuerza como armas para combatir el crimen, además de poseer una personalidad enigmática y su carácter solitario y antisocial. Su más reciente película animada nos muestra a su hijo Damian Wayne, que fue criado y entrenado por su abuelo paterno Ra’s al Ghul y por su madre Talia al Ghul, como heredero de la liga de asesinos, hasta que aparecer Deathstroke (antiguo discípulo de Ra’s) matando a Ra’s, y luego se enfrentan Deathstroke con Damian como resultado el primero pierde un ojo, esto ocasiona que Talia a enviar a su hijo con Bruce Wayne  iniciando así una extraña relación padre hijo, en donde nuestra héroe tendrá que “criar” a un hijo que es un sociópata encubierto, que solo busca venganza,sea cual sea el camino.





Damian es todo un personaje, entra en la categoría de niño prodigios, sus habilidades tanto física como mentales, son simplemente asombrosas , incluso me atrevo a decir que son superiores a las de su padre, el encuentro y la posterior convivencia con Batman es más que difícil (más para nuestro héroe claro está) ya que de la noche a la mañana se ve obligado a convertirse en un padre y sobre todo maestro, pues no hay nadie en el mundo de la DC mejor que Batman para ser el padre, maestro y guía que Damian, no hay nadie que sepa mostrarle cómo diluir el odio y la sed venganza y usarlas contra el crimen, tal y como podemos observar en una de las escenas finales cuando Damian vuelve a derrotar a Deathstroke.




Etiquetas: [The Grand Budapest Hotel]  [Wes Anderson]  
Fecha Publicación: 2014-07-27T22:00:00.004-07:00
"Keep your hands off my lobby boy!"


The Grand Budapest Hotel, es una película dirigida por el director texano Wes Anderson, producida por Wes Anderson, Jeremy Dawson, Steven M. Rales y Scott Rudin, escrita por el propio Anderson y Hugo Guinness, protagonizado por Ralph Fiennes, F. Murray Abraham, Edward Norton, Mathieu Amalric, Saoirse Ronan, Adrien Brody, Willem Dafoe, Léa Seydoux, Jeff Goldblum, Jason Schwartzman, Jude Law, Tilda Swinton, Harvey Keitel, Tom Wilkinson, Bill Murray, Owen Wilson y Tony Revolori; la película es una historia, de amistad entre conseirge de este famoso hotel y su joven protegé, del robo de una herencia y de los líos familiares, en un país Europeo ficticio del periodo de entre guerras.





Anderson, es sin duda uno de los directores más importantes de los últimos años, ya que sabe crear historia fantásticas y real maravillosas como esta, su más reciente película, su forma innovadora de narración así como puesta en escena es parte de su sello personal, creando historias, pasajes y personajes entrañables, y The Grand Hotel Budapest no escapa de este concepto, con una historia aparente simple, pero plasmada de una forma compleja (una historia, dentro de otra historia, encerrada en otra historia), en un país onírico ubicado en los alpes de Europa: Zubrowka (que en realidad es el nombre de una marca de Vodka) en el periodo de entre guerras, la historia de un famoso conseirge Monsieur Gustave (Ralph Fiennes) de modales refinados, un dandy, un casanova, y leal a los principios de su trabajo, que se “encariña” con las huéspedes viejas y ricas que asisten al hotel; que toma como protegé a un joven Zero Moustafa (Tony Revolori) que rápidamente se hacen amigos y le enseña todo lo que un buen lobby boy debe saber, y viven quizás la aventura de sus vidas cuando Monsieur Gustave recibe una pintura del Renacimiento como herencia de una de su más distinguida huésped Madame Céline Villeneuve Desgoffe und Taxis o simplemente Madame D. (Tilda Swinton), empezando así una batalla con los herederos de esta.






Una comedia, con mucha aventura, en donde la lealtad está presente en varios pasajes de este film, ambientada en un mundo etéreo, en donde se demuestra el talento de Anderson de crear historias magníficas (en lo personal por momentos creía que estaba viendo una película animada en especial Fantastic Mr. Fox del mismo director), creo que está es una de las mejores películas de este año.





Etiquetas: [Batman]  [DC Comics]  [Flash]  [Green Lantern]  [Jay Oliva]  [Justice League War]  [Superman]  [Wonder Woman]  
Fecha Publicación: 2014-07-20T21:41:00.001-07:00
"Here's the plan. Green Lantern kicks Superman's ass. TMZ's got the video."


Justice League: War es una película animada dirigida por Jay Oliva, producida por Sam Register, James Tucker y Alan Burnett, escrita por James Krieg, esta basadas en la saga de comic de la empresa DC Comics llamada New 52 que es un re inicio en las principales historias de esta casa editorial.




Para poder disfrutar esta película no es necesario ser un fan de los comics, ni mucho menos haber leído Justice League: Origin (historieta de donde se basaron para hacer la película), para poder entender/disfrutar lo que sucede, ya se explica de una manera rápida cada uno de los personajes y situaciones, así como podemos ver las personalidades de ellos interactuar entre sí, quizás sí Ud. ya leyó el comic pero no ha visto aún la película, se “desilusione” un poco con las licencias tomadas (vamos, en toda adaptación fílmica de comics existen licencias), sin embargo en lo personal esas licencias, no arruinan la película, es más se le puede ver que esta expuesta la historia desde otro ángulo.






Esta película es muy distinta a las demás películas de la Liga de Justicia, pues acá el personaje principal es Green Lantern, en donde se le muestra más humano, que en las otras adaptaciones fílmicas de la Liga, un humano inseguro y timorato, no un superhéroe que todo lo resuelve con su anillo de poder, todo lo contrario es la versión más humana de Green Lantern que yo recuerde, otro aspecto que me llamó la atención es que Superman ni ata ni desata en el trama de la película, no es el líder, no es héroe, es un miembro más, a mi gusto es la más innovador (aclaro que no soy un anti Superman) pero digamos ver una película de la DC en donde hay un verdadero trabajo de equipo es algo más que agradable, y por último Batman sin duda es el mejor personaje de la DC Comic y en esta película no es la excepción ya que es vital en el desarrollo del trama de la película. A mi gusto es una de las mejores películas animadas de la DC, que a mi gusto en este segmento tiene mejores tramas que su principal competencia.





Etiquetas: [Jonathan Glazer]  [Scarlet Johansson]  [Under The Skin]  
Fecha Publicación: 2014-07-13T22:11:00.000-07:00

Under The Skin es una película de ciencia ficción británico-estadounidense del año 2014, dirigido por Jonathan Glazer, producido por James Wilson y Nick Wechsler, basada en la novela homónima de Michel Faber, protagonizado por Jeremy McWilliams, Joe Szula, Kryštof Hádek, Paul Brannigan, Adam Pearson, Michael Moreland, Dave Acton, Jessica Mance y Scarlet Johansson.



 

El argumento es de un alíen que toma el cuerpo de una hermosa chica (Scarlet Johansson) y junto a su compañero otro alíen en el cuerpo de un motociclista recorren Escocia, con el objetivo de buscar hombres, que caen engañados de una falsa promesa de sexo, para luego comérselos, curiosamente la única parte del cuerpo humano que no sirve como alimento es la piel humana; la cosa cambia cuando conoce a un hombre con neurofibromatosis y que le ayuda a escapar, sin embargo es asesinado por el motociclista, mientras ella intenta ser humana, intenta comer, intenta tener sexo, hasta que huye a un bosque donde un guardabosque intenta violarla y al arrancarle la piel se da cuenta su verdadera forma del extraterrestre, luego el guardabosque le hecha gasolina para incendiarla y luego su cuerpo se hace humo.





Es una película extraña, es lenta, con poco diálogo, es mucho más visual, en donde Scarlet Johansson carga con toda la responsabilidad, no sólo por su belleza, sino la forma inteligente de asumir el personaje, me gustó esa humanización que sufre el alien y la forma de cómo quiere ser parte de la raza humana; el director Jonathan Glazer supo plasmar una película inteligente y experimental, pero exquisita en la parte visual y ni que hablar de la fotografía que fue espléndida. Es cierto no es una película fácil, es más para poder “entenderla” tuve que verla dos veces para poder captar detalles que pasaron desapercibidos la primera vez que la ví (y les aseguro que si la veo una vez más saldrán más y más detalles); no es una basura “indie hipster wannabe” o “intelectualoide” como muchos afirman, en lo personal lo considero como una película de ciencia ficción distinta de los cánones de este género, demostrando así que es posible hacer ese tipo de películas sin ser mediático.





Etiquetas: [Asghar Farhadi]  [Le Passé]  
Fecha Publicación: 2014-07-06T17:00:00.001-07:00
"Je préfère parler de maintenant. Car le passé, c'est fini, tout ça."



Le Passé es una película franco-italo-iraní dirigida y escrita por el iraní Asghar Farhadi, producida por Alexandre Mallet-Guy y protagonizada por Bérénice Bejo, Tahar Rahim y Ali Mosaffa, la película es una especie de triángulo amoroso bizarro, en donde vemos expuestos varios problemas familiares y sociales.





La historia comienza cuando Amahad (Ali Mosaffa) regrese a Paris de su natal Teheran para completar los trámites de divorcio con Marie (Bérénice Bejo), curiosamente Amahad aún tiene buenas relaciones con las hijas de ella (de un matrimonio anterior), es más creo que las niñas se llevan mejor con él que con su madre; cuando regresa se entera que ella tiene una nueva relación con Samir (Tahar Rahim) que tiene un hijo y a su ex cónyuge en estado de coma. Amahad se encuentra sin querer en medio de un lío que puede y debe ayudar, sobre todo a Lucie (Pauline Burlet) la hija adolescente que Marié que tiene malas relaciones con su padre biológico que vive en Bélgica, y que además siente culpa por lo que pasó con la primera cónyuge de Samir.




Estamos ante un drama familiar inteligentemente plasmado por Asghar Farhadi y majestuosamente interpretado por los actores; un verdadero rompecabezas de emociones, una vorágine de sentimientos, expuestos de una forma compleja, cargadas de mucha tensión, y a pesar de tener varios elementos sentimentales (amor, divorcio, familias dispares) no hay tiempo para los llantos, ya que la acción es más psicológica que emocional, sin duda una gran película, que no hace más que reafirmar el gran talento de Asghar Farhadi.





Etiquetas: [Dallas Buyers Club]  [JeanMarc Vallée]  
Fecha Publicación: 2014-06-22T15:15:00.002-07:00
"I got one... one life, right? Mine. But I want someone else's sometimes."



Dallas Buyers Club, es una película de los EE.UU. dirigida por el canadiense Jean-Marc Vallée, producida por Robbie Brenner y Rachel Winter, escrita por Craig Borten y Melisa Wallack, está protagonizada por Matthew McConaughey, Jennifer Garner y Jared Leto, la película está ambientada en los años 80’s, estaba basada en la vida de Ron Woodroof, un hombre infectado con el SIDA y se dedicó a traficar medicamentos para venderlos a otros infectados en los EE.UU.




Eran los años 80’s, y el SIDA fue la “enfermedad” de moda, había muchos mitos, como que era una enfermedad únicamente de los homosexuales y uno que otro drogadictos, era “raro” o mejor dicho “mal visto” que un heterosexual tuviese esa “enfermedad”, en medio de este ambiente aparece la figura de Ron Woodroof (Matthew McConaughey) un típico machista, homofóbico del estado de Texas, que se contagia debido a su adicción a las drogas, los médicos le dan 30 días de vida, sin embargo gracias a unas drogas “ilegales”. En esta película creo yo, hay dos puntos que son expuesto, el primero la fuerza de voluntad, es decir luego de que le informan a Ron Woodroof que le quedan 30 días de vida, busca todas las alternativas para seguir viviendo, no se deja doblegar y saca todo la garra de los viejos cowboys que colonizaron el viejo oeste, también el tema de las compañía pequeñas e independientes vs las grandes multinacionales, pues vemos cómo estás impiden que los medicamentos lleguen a sus pacientes, obligando a los pacientes a comprar los productos de los grande laboratorios.




Las actuaciones de la película me parece, que es el punto más alto de la película, empezando por Matthew McConaughey que da vida al anti héroe, Ron Woodroof simpático y antipático durante toda la película, un ser rudo, aparentemente frío; luego esta la doctora Eve Saks, interpretada por Jennifer Garner, confieso que es una de mis actrices fetiches la sigo desde que la descubrí en la serie Alias, y para mi fue una buena alegría verla, su performance fue aceptable cumplió con lo que tenía que hacer y listo, sin embargo la mejor actuación fue para Jared Leto (insisto que se dedique a la actuación más que a la música) que supo interpretar magníficamente a Rayon un travestí adicto que se convierte en el mejor amigo de Ron. Sin duda una película con un sólido argumento y grandes actuaciones, que vale la pena ver.




Etiquetas: [Rossana Díaz Costa]  [Viaje a Tombuctú]  
Fecha Publicación: 2014-06-14T21:54:00.001-07:00

Viaje a Tombuctú es una película peruana dirigida y escrita por Rossana Díaz Costa, co-producida por Tombuctú Films y Machaco Films; protagonizada por Andrea Patriau, Jair García, Matilda Martini, Flavio Espinoza, Elide Brero, Enrique Victoria y Juan Palomino; está ambientada en Lima de los años 80’s y narra la relación entre Ana y Lucho desde su infancia, que trata de sobrevivir en medio de un clima violento refugiándose en un país imaginario llamado Tombuctú. Esta es la ópera prima de la directora.



Confieso, que la película no me llamaba, fui al cine para verla sólo porque quede con unos amigos, mis expectativas eran bajas, pero grata fue mi sorpresa al encontrar una película que cumple, vamos no es un bodrio, pero también está lejos de ser la mejor película peruana de la historia, tiene aciertos, pero también desaciertos; para empezar la película sabe recrear los años 80’s en el Perú, pero esta llenos de cliché que por momentos son tan forzados que da la impresión que fueron puestos sólo para llenar espacio o para captar público, pues sabemos que los peruanos por una extraña razón amamos esa época; otra característica es que no tiene un arco argumental sólido, eso no es algo malo, sin embargo en el caso específico de esta película resulta mediocre, por un lado aplaudo que haya sido experimental, aplaudo su espíritu introspectivo, felicito que haya hecho un cine que sea arriesgado, felicito a la directora por sus agallas y espero que siga haciendo ese tipo de cine innovador que creo que es bueno para poder mejorar la calidad del cine local, aunque su afán innovador se olvidó de algunos detalles como las actuaciones ni atan ni desatan quizás algún actor de más nivel le hubiese dado más peso, o la actuación de los niños simplemente me pareció nefasta, de puro relleno, como si los niños actores no hubiesen tomado un taller de actuación, o si lo tomaron fue hecha a la rápida.





Pero vamos a lo parte buena, pues como dije, la película no es mala, sobre todo de cómo fue presentado el protagonista principal Lucho (Jair García) que siempre está en un constante viaje interno, y Ana (Andrea Patriau) que cumple el rol de narradora, de su cómplice, la única que intenta entender que es lo que pasa, la única que se da cuenta que algo no está bien en la psique de Lucho, así como las distintas metáforas de viajes ayudan en entender el film, desde la primera escena en el puerto del Callao, o la emigración de los chicos del vecindarios, hasta el viaje a la parte andina de Lima, es decir los viajes reales son una metáfora del viaje interno de Lucho, sin embargo quedaron muchos cabos sueltos, que quedan a la interpretación personal. En conclusión una película interesante en la forma, pero con muchas deudas en el fondo



Etiquetas: [Ethan Coen]  [Inside Llewyn Davis]  [Joel Coen]  
Fecha Publicación: 2014-06-04T14:59:00.001-07:00
"Folk singer with a cat. You queer?"



Inside Llewyn Davis, es una película de los EE.UU. producida, dirigida y escrita por los hermanos Coen (Joel & Ethan), protagonizado por Oscar Isaac, Carey Mulligan, John Goodman, Garrett Hedlund, F. Murray Abraham y Justin Timberlake; narra la historia de un cantante de folk con más pena que gloria llamado Llewyn Davis, en la ciudad New York de los años 60’s.




Llewyn Davis (Oscar Isaac) es un cantante de folk venido a menos, que no tiene un hogar y debe de vivir a favores de sus amigos, y desde que su compañero se suicidó su carrera musical ha venido a menos, bajo este contexto los hermanos Coen logran plasmar una tragi comedia, iniciando un viaje hacia el interior de este artista, que busca de muchas formas permanecer vigente en el mundo de la música folk. Mención aparte, creo yo, está el gato Ulises (el nombre no es de casualidad) y su contraparte femenina, podría decirse que es el segundo protagonista; los gatos son animales independientes y en la película Ulises se escapa, aparece y desaparece; los Coen supieron capturar esta libertad para utilizarla como metáfora de este viaje interno que realiza Llewyn. La música es vital en el transcurso del film, con buenas canciones que van de la mano con las imágenes, no sé si los Coen hayan querido realizar un homenaje al folk, sin embargo el resultado final es una apología a este género.




Una película rara, sin inicio y sin fin, en donde a ritmo de música folk, narra la vida de este músico fracasado, interpretado magistralmente por Oscar Isaac, con el humor negro típico del trabajo de los Coen, quizás no sea su mejor película, empero tiene momentos memorables.




Etiquetas: [Alexander Payne]  [Nebraska]  
Fecha Publicación: 2014-05-27T21:42:00.004-07:00
"Oh, They're over in the Catholic cemetery. Catholics wouldn't be caught dead around all these damn Lutherans."



Nebraska, es una película de los EE.UU. rodada en blanco y negro, dirigida por Alexander Payne, producida por Albert Berger y Ron Yerxa, escrito por Bob Nelson, y protagonizada por Bruce Dern, Will Forte, June Squibb, Stacy Keach y Bob Odenkirk.





Nebraska es un film, sobre el amor familiar, y más específicamente entre un padre, en este caso Woody Grant (Bruce Dern) un ex veterano de la Guerra de Corea, alcohólico y que ahora sufre de demencia senil y su hijo David Grant (Will Forte); Woody cree que ganó un premio, y empecinado decide iniciar su viaje, el cual su hijo lo acompaña para demostrarle que todo es una farsa; hacia Lincoln Nebraska para cobrarlo, sin embargo debido a un accidente deben hacer una parada en la ciudad natal de Woody: Hawthorne (también situada en Nebraska); iniciando así otro viaje, pero esta vez hacía el pasado de Woody, un pasado agri agridulce, lleno de momentos agradables y de otros no; así como de personajes que muestran la peor cara del ser humano en donde el egoísmo, la avaricia y la mezquindad están presentes en varios de los personajes de la película , un viaje espiritual y emocional; en donde se muestran pasajes solitarios y calles vacías, cargadas de emotivas vivencias y de recuerdos expuestos como comedia, pero con alma dramática. Así mismo, ambos viajes se pueden interpretar como un replanteamiento del “sueño americano”, en donde Woody viaja hacia una ciudad en busca de un premio que le permitiría tener una vida mejor, pero este debido a su estado no sabe cómo empezarlo, sólo sabe hacia dónde debe de dirigirse.





Una película intensa, en donde se plantean varios temas, como los personales, familiares, sociales, etc. Una película donde desfilan varios personajes que escapan del “gringo promedio”, una película en donde se muestran familias dispares (atípica del cine de los EE.UU.), un road movie en donde los automóviles no son el medio de transporte; sino la memoria, los recuerdos y sobre toda la esperanza; sin duda Payne supo cómo abordar varios temas de una forma espléndida en poco menos de dos horas, pero creo que no hubiese podido sin la ayuda de dos personas, primero a Phedon Papamichael como director de fotografía que logró bellas postales que son visibles a lo largo de la película, y sin Mark Orton el encargado de la música, que le dio el toque rural al film. Quizás no sea la mejor película del 2013, empero, si es una de las emotivas, que cumple con su función, que es la del acercamiento familiar.








Etiquetas: [El Viento se Levanta]  [Hayao Miyazaki]  [Se Levanta el Viento]  [The Wind Rise]  
Fecha Publicación: 2014-05-21T22:04:00.001-07:00


Kaze Tachinu (風立ちぬ) traducida como “Se Levanta el Viento” en América Latina y “El Viento se Levanta” en España, es un película animada japonesa, dirigida y escrita Hayao Miyazaki, producida por Yōji Takeshi, basada en la novela corta Se levanta el viento de Tatsuo Hori y en el manga homónimo de Hayao Miyazaki, la película se realizó en los estudios Ghibli, siendo esta la última película del genial Miyazaki, pues ya anunció su retiro.



Creo que muchos amantes del séptimo arte, saben que si se trata una película de los estudios Ghibli y que además está dirigida por Miyazaki, no hay pierde, pues a lo largo de 35 años este director ha sabido plasmar verdaderas obras artes en la pantalla grande, títulos como “Mi Vecino Totoro”, “Mononoke Hime” o “El Viaje de Chihiro” hablan por sí sólo de la calidad de este cineasta; y su última obra “Kaze Tachinu” no es la excepción; la película es la historia de Jirō Horikoshi (cuyo seiyuu es Hideaki Anno, creador de Neon Genesis Evangelionun ingeniero aeronáutico japonés, cuya pasión es fabricar aviones, sin embargo debido al estado de guerra que vive su país, se dedica a fabricar aviones de guerra para las Fuerzas Armadas del Japón.





Ambientada en años antes de la Segunda Guerra Mundial, nos muestra la historia de Jirō Horikoshi, un apasionado de los aviones, que pronto se convertirá en uno de los ingenieros aeronáuticos más importantes del Japón, que en un futuro se encargaría de diseñar los aviones caza que fueron utilizados por la Armada japonesa para bombardear la base Pearl Harbor de los EE.UU.; Miyzaki logra recrear una época dura para la historia de la humanidad y Japón, tal como ya lo había presentado su compañero Isao Takahata en la maravillosa “La Tumba de las Luciérnagas” ; pero esta creo yo de una u otra forma es una película más “optimista”, puesto predomina el anhelo de Jirō de convertirse en un gran diseñador de aeronaves a pesar de las adversidades que se le presentan.




La película tiene una realización sobresaliente, re confirmando la calidad de los estudios Ghibili, además de contar con una historia que te atrapa, sobre todo si eres un amante de la historia, así como de tener como sub trama al amor entre Jirō y Naoko Satomi, que a pesar de la adversidad (la enfermedad de ella) logra prevalecer, y sin contar con las escenas oníricas entre Jirō y el ingeniero aeronáutico italiano Giovanni Battista Caproni, que le dan el toque real maravilloso a este filme. Sin duda una despedida apoteósica del gran Miyazaki.



Etiquetas: [Charlotte Gainsbourg]  [Lars von Trier]  [Nymphomaniac Volume I]  [Nymphomaniac Volume II]  
Fecha Publicación: 2014-05-14T10:55:00.000-07:00




Nymphomaniac (NYMPH()MANIAC) es una película dirigida y escrita por el danés Lars von Trier, producido por Marie Cecilie Gade y Louise Vesth; protagonizada por Charlotte Gainsbourg, Stellan Skarsgård, Stacy Martin, Shia LaBeouf y Christian Slater, además también participan Uma Thurman, Sophie Kennedy Clark, Connie Nielsen, Hugo Speer, Jamie Bell, Willem Dafoe y Mia Goth entre otros. La película fue estrenada en dos partes (Nymphomaniac Volume I & Nymphomaniac Volume II) y es la última entrega de la “Depression Trilogy”, que es conformada por las películas "Antichrist" (2009) y "Melancholia" (2011), ambas también están protagonizadas por Charlotte Gainsbourg.



Aprendiendo trigonometría

El trama, es como Joe (Charlotte Gainsbourg) cuenta sobre su vida y su ninfomanía a Seligman (Stellan Skarsgård), después de que este la encuentre en un callejón golpeada y tirada en la pista, y le brinde ayuda, para luego empezar una charla interesante entre ambos personajes, en donde Joe narra momentos de si vida, mientras que Seligman las escucha, y hace comparaciones de varios índoles (científicos, filosóficos, musicales, literarios, teológicos, matemáticos históricos etc), durante esta charla van desfilando personajes variopintos que van agregándole peso a la historia.







Es una película típica de Lars von Tier, cruda, oscura, transgresora y sobre todo polémica, pero al mismo profunda, llena de detalles que obliga al espectador a estar atento, y de forma inconsciente, el director te trasmite conocimientos en diversas materias; es una historia en donde el sexo no es un placer, todo lo contrario es sinónimo de dolor y pena, es una cruz con la cual Joe debe de cargar; sin bien es cierto el elemento sexual está presente en este film, no es más que un elemento distractor, lo más importante (creo yo) es el sufrimiento de Joe, que está presente en cada pasaje de la película.






Como siempre Lars von Tier, se muestra provocador, en su film, desde el inicio con la frase “a los 2 años descubrí mi coño” o las escena en donde el padre de Joe (Christian Slater) fallece y Joe tiene un orgasmo, es a mi opinión la película más cruda y desafiante en la exquisita filmografía de Lars von Thier, con una historia llena de imágenes fuertes, pero al mismo tiempo nos muestran estampas que estoy seguro que formaran parte de la historia del cine.








Etiquetas: [Abdellatif Kechiche]  [Blue Is the Warmest Colour]  [Julie Maroh]  [La Vie dAdèle]  
Fecha Publicación: 2014-05-06T23:12:00.000-07:00
"Il n'est pas le problème. Il me manque quelque chose. Je suis tout foiré. Je suis fou."



La Vie d'Adèle – Chapitres 1 & 2 (o si prefieren su título oficial en inglés Blue Is the Warmest Colour) es un película francesa dirigida y producida por Abdellatif Kechiche, escrita por Julie Maroh, basada en la novela gráfica de la misma Maroh titulada “Le Bleu est une Couleur Chaude” (de allí el título en inglés) , está protagonizada por Adèle Exarchopoulos y Léa Seydoux; está película ganó La Palma de Oro, en el festival de Cannes del 2014.





La Vie d'Adèle, relata el amor lésbico entre Adèle (Adèle Exarchopoulos) y Emma (Léa Seydoux), la primera es (o empieza siendo) una estudiante de preparatoria, mientras que la segunda es una estudiante de bellas artes, empezando así una relación lésbica, prohibida, llena de tabús, entre ambos personajes, vemos como este amor evoluciona desde una aventura de una noche loca de pasión hasta el desenlace del mismo con los personajes ya adultos, así mismo vemos como Adèle evoluciona como personaje, como crece, y como va buscando ese “yo interno” que es lo que ella siempre ha buscado.






Una película plasmada de una forma maravillosa, por Abdellatif Kechiche, si bien es cierto aún no he leído la novela gráfica (estoy en proceso); puedo afirmar que la historia me atrapó, y no necesariamente por las escena de sexo lésbico, y eso es debido a la forma de cómo está plasmada, en donde la metáfora del color azul está presente en toda la vida de Adèle, pues que el color de Emma es azul, y así mismo durante el film vemos como ese color está presente, hasta convertirse en el símbolo de la madurez de nuestra protagonista, es decir no se trata de la película cliché lésbica pro derechos LGTB, es una película que habla de la madurez y de la búsqueda dela identidad personal, sobre los estereotipos que la sociedad nos impone.




Etiquetas: [Ron Howard]  [Rush]  
Fecha Publicación: 2014-04-27T21:36:00.000-07:00
"The closer you are to death, the more alive you feel. It's a wonderful way to live. It's the only way to drive."



Rush es una película de los EE.UU dirigida por Ron Howard, producida por Andrew Eaton, Eric Fellner, Brian Oliver, Peter Morgan, Brian Grazer y Ron Howard, escrita por Peter Morgan, protagonizada por Chris Hemsworth, Daniel Brühl, Olivia Wilde, Alexandra Maria Lara y Pierfrancesco Favino; esta basa en hechos reales, más específicamente en la temporada de Fórmula 1 de 1976 y el duelo por el título entre los pilotos James Hunt y Niki Lauda




Esta es una película biográfica, y está inspirada en la relación amistad-respeto-rivalidad entre el piloto austriaco Nick Lauda (Daniel Brühl) y el británico James Hunt (Chris Hemsworth), ambos son personas distintas, Lauda pertenece a la burguesía austriaca, es disciplinado, metódico, calculado, mientras que Hunt es un sínico, mujeriego, bebedor, fumador, aparentemente pertenece a la clase media británica, sin embargo ambos comparte la misma pasión: Las carreras deportivas, vemos como los dos se convierten en pilotos profesionales de la fórmula 1 (su más grande anhelo), y luego el final de la temporada de 1976, que fue la que más los marcó profesionalmente. Howard logra plasmar ambas vidas en forma paralela de  Brühl y Hemsworth saben plasmarlas de forma sagaz.





 La temporada de F1 de 1975, acaba con la victoria del metódico Lauda, todo parece que la de 1976 también el austriaco se coronaría con el bi campeonato, pero un accidente en donde casi pierde la vida y que le dejó heridas profundas, logra que aflore el lado solidario de Hunt, que no se siente motivado a correr sin su más importante rival, haciéndolo que este regrese a las pistas y así correr la última carrera de esa temporada, y regalándonos una de las mejores escenas del 2013.





 En si no esperaba mucho de esta película, ya que no soy fan de Howard, y tampoco de las películas de automovilismo, la vi más que todo por Brühl y Hemsworth, ya que me sorprendieron tanto en "Inglourious Basterds" como en "Thor"/"Avengers" respectivamente, sin embargo como fue plasmada la historia y las actuaciones, me dejaron gratamente satisfecho.