Bien, para empezar, he de disculparme por no haber escrito estos días, en sí he tenido la predisposición de hacerlo, pero surgieron algunos contratiempos, entre ellos, ver la película que lleva el mismo título del álbum del que hablaremos hoy; "Yellow Submarine", el décimo primer y antepenúltimo álbum de estudio de los Beatles, que a la misma vez cumple el rol de soundtrack (de la mencionada película) y de disco recopilatorio (porque algunas canciones que aparecen eran parte de álbumes anteriores o singles lanzados un tiempo atrás). Ya que consideré importante, y lo fue, el ver el filme antes de mandarme a escribir. Así que bueno, un par de cosas antes de empezar; primero, si bien estoy de acuerdo con la influencia de los Beatles en muchas buenas bandas y la cultura musical en general, nunca he sido fan de ellos, siempre he preferido, por varios kilómetros por delante, a sus principales competidores en Norte América; los Beach Boys, ya que de los Beatles, salvo en este álbum y algunos singles, nunca he gustado mucho. Segundo, pese a estar alejado de lo "beatle" de la vida y ser algo lejano a la banda de Liverpool, he quedado encantado y fascinado por el trabajo audiovisual que es, en conjunto, "Yellow Submarine".

Bien, para empezar, les contaré la wikipédica sinopsis de la película: Pepperland (Pimientalandia) es un alegre paraíso musical bajo el mar, protegida por la Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, el cual cae bajo un ataque sorpresivo por los Blue Meanies (Malines Azules, unas bufonezcas criaturas que de manera alegórica, representan a las personas malas ), quienes odian la música. Su ataque consiste en encerrar a la banda en una burbuja, paralizan a los ciudadanos y convertirlo todo en color azul. El anciano alcalde de Pepperland envía al Joven Fred en un abandonado submarino amarillo para buscar ayuda. Fred llega a Liverpool, donde sigue al deprimido y cabizbajo Ringo y lo persuade para que lo ayude. Ringo procede a reunir a sus amigos John, George, y finalmente Paul. Los cinco viajeros parten a Pepperland en el submarino amarillo, pasando a través de diferentes mares:
Mar del Tiempo - donde el tiempo retrocede y avanza al ritmo de la canción "When I'm Sixty-Four".
Mar de la Ciencia - donde cantan "Only a Northern Song".
Mar de los Monstruos - donde el temible monstruo "aspiradora" aspira todo su entorno y a él mismo.
Mar de la Nada - donde obtienen ayuda de un "hombre de ningún lugar", el "Doctor en Filosofía" Jeremy Hilary Boob, y cantan la canción "Nowhere Man". Ringo se compadece de él y lo lleva al submarino.
Faldas de los Encabezados (o Mar de las Cabezas) - donde se separan del submarino y John canta "Lucy in the Sky with Diamonds".
Mar de Agujeros - donde Jeremy es capturado por uno de los Blue Meanies. Después Ringo salta en un agujero verde (el cual se vuelve el Mar Verde), finalmente llegan a Pepperland.
Reunidos con el Viejo Fred y el submarino, imitan a la Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band y "alzan al país en rebelión", Jeremy es rescatado y todo florece y se vuelve colorido. Pepperland se restablece. Los Meanies son obligados a rendirse, John ofrece su amistad, a la que el Jefe Blue Meanie acepta. Finalmente una gran fiesta tiene lugar.
Al final del filme, The Beatles hacen una aparición en persona, al día siguiente, con unos recuerdos (el minúsculo motor del submarino, un poco de amor y medio hoyo). John advierte de la presencia de nuevos Blue Meanies y cantan un reprise de All Together Now, el cual finaliza con una variación del título de la canción en diferentes idiomas.
La escena de Jeremy Hilary Boob es la que más me enterneció, sobre todo al final, cuando termina de sonar "Nowhere Man" y te das cuenta de lo solitaria y triste vida que llevaba este personaje, que simboliza al hombre de la era industrial, capaz de todo y a la vez, de nada.

Si bien no soy crítico de cine ni pretendo serlo, esta película animada me parece excelente, tanto por la historia, la manera de contarla, los dibujos y la música, además del mensaje que lleva dentro: todo está en la mente.
La película se lanzó el año 1968, y el álbum a principios de 1969, ambos con muy buena acogida por parte del público.

Y bueno... En "Yellow Submarine" no salen todas las canciones que están en la película, ya que sólo aparecen seis canciones en la cara A del disco, y en la B sólo los temas sinfónicos, compuestos básicamente por George Martin (conocido popularmente como el quinto beatle, ya que produjo casi toda la producción discográfica de los muchachos de Liverpool). Cuando se lanzó el álbum, mucho de lo que contenía no era nuevo. "Yellow Submarine", la canción, ya había aparecido en su disco "Revolver", de 1966. "All You Need is Love" había sido un sencillo exitoso en 1967, tema que también había aparecido en el álbum estadounidense "Magical Mystery Tour" más tarde ese mismo año. "Only a Northern Song" había sido escrita originalmente para el Sargento Pimienta, y en gran parte había sido grabada en febrero de 1967. "It's All Too Much" se grabó justo antes de que el Sargento Pimienta saliera, aunque fue acortada (duraba ocho minutos) para "Yellow Submarine". "Hey Bulldog" (grabada en 1968) y "All Together Now" (grabada en 1967) sí parecen haber sido escritas especialmente para la ocasión, aunque Lennon lo había negado con la primera de ellas, grabada durante la filmación del clip promocional de "Lady Madonna".

De "Yellow Submarine" adoro todas las piezas sinfónicas, y en lo que consta a lo rock, mis preferidas son "Yellow Submarine" y "All Together Now", por la melodía y la letra.
La primera nos habla acerca de una vida feliz y cómoda, que se vive, valga la redundancia  dentro de un submarino amarillo.
La segunda, es una canción con una letra muy infantil, que puede representar fácilmente la manera de pensar de todo niño.
Aunque no aparecen en el álbum, los temas "Eleanor Rigby" y "Nowhere Man" me parecen preciosos y de letras muy profundas.

En 1999 se lanzó, sin el éxito conseguido por otros discos recopilatorios de la banda, "Yellow Submarine Songtrack", que contiene todas las canciones, menos "A Day in the Life", que aparecieron en la película, tampoco incluye los temas sinfónicos.

No sé qué más decir... Es demasiado en verdad, "Yellow Submarine" es una de las cosas más geniales que he visto y escuchado en mi vida, por eso, al final del post, pues les dejaré la película para que la vean, pues no hay mejor manera de disfrutar y entender la música, que viendo el film...

Tracks:

Cara A

1. Yellow Submarine
2. Only a Northern Song
3. All Together Now
4. Hey Bulldog
5. It's All Too Much
6. All You Need Is Love

Valoración del Álbum:

"Human After All" es el tercer álbum de estudio del dúo francés de música house Daft Punk, lanzado en Marzo del 2005. Con este post, estaríamos completando ya los artículos sobre la discografía de Daft Punk.

Valoración del Álbum:

M83 es un grupo de música electrónica fundado el 2001 por Anthony González y Nicolás Fromageau (quien estaría en la banda sólo tres años), ambos procedentes de las Antibes, Francia. El nombre de la banda está inspirado en la galaxia espiral Messier 83.
Esta vez hablaremos acerca de su sexto álbum de estudio, último al día de hoy, me refiero a "Hurry Up, We're Dreaming", un disco doble lanzado en octubre del 2011.
Con respecto a la música ambiental, shoegaze y electrónica con tintes experimentales, este disco es junto a "Wait for Me" de Moby, "Machines That Listen" de Delta Mirror y "Yoshimi Battles the Pink Robots" de The Flaming Lips, uno de mis favoritos.
Con una esencia melódica realmente fascinante, "Hurry Up, We're Dreaming" es uno de esos discos de melodías cósmicas e interestelares, que a uno lo hacen sentir flotando, con usus increíbles y magnificas canciones... Aunque ninguno de los singles del disco, supera en genialidad a sus poco conocidas compañeras de álbum, ya que por ejemplo "Raconte-Moi Une Histoire", mi favorita del disco, no alcanza en popularidad a "Midnight City", la más comercial de todas, pero te logra atrapar de mejor manera que esta.

En sus dos discos, "Hurry Up, We're Dreaming" combina de manera perfecta la música de estilo shoegaze y ambiental con el synthpop y la electrónica, electropop para ser más preciso, llegando a unos matices tan bien logrados, que en lo normal, llega a confundir a todos aquellos amantes de etiquetar la música, con temas tan espectaculares como el Intro y "Wait", pertenecientes al disco uno, y "My Tears Are Becoming a Sea" y el Outro, del disco dos.

Pero, dentro de todo este universo de bellas canciones, hay una que para mí resalta sobre todas, tanto melódica como líricamente, me refiero a la ya mencionada "Raconte-Moi Une Histoire", (del francés "cuéntame una historia" o "cuéntame un cuento") la sexta del primer disco, una canción que une la candidez e inocencia infantil, con el terrible mundo de las drogas. La canción se inicia con un sonido del sintetizador, seguido de unos chasquidos de dedos, a los que luego se aúna la voz de una niña pequeña, quien nos empieza  a narrar la historia acerca de una rana, mientras la niña habla, aparecen también sonidos de cuerdas de guitarra y tambor, junto a diversos arreglos que le dan una textura muy sinfónica. La narración de la niña va hasta la mitad de la canción, momento en el que "Raconte-Moi Une Histoire"  digámoslo así, revienta, llegando al punto máximo del éxtasis musical.

La letra de "Raconte-Moi Une Histoire" nos cuenta sobre una rana, la cual vive dentro de la selva, muy lejos de todo, a la que si encuentras y tocas su piel, hará cambiar tu mundo para siempre... Creo que mejor les dejo la letra:

"I've heard about this frog
It's very tiny frog
But its also very special
You can only find it in the jungle
So far away from you/me
But if you find it
And if you touch it
Your world can change forever
If you touch her skin
You can feel your body changing
And your vision also!
Blue becomes red, and red becomes blue
And your mummy, suddenly becomes your daddy
And everything looks like a giant cupcake
And you keep laughing, and laughing, and laughing
Nothing is quite the same really
And after you finish laughing
It's time to turn into a frog yourself
Its very funny to be a frog
You can dive into the water
And cross the rivers, and the oceans
And you can jump all the time, and everywhere
Do you wanna play with me?
We can be a whole group of friends
A whole group of frogs
Jumping into the streets
Jumping into the planets
Climbing buildings
Swimming in the lakes, and in the bathtubs
We would be hundreds, thousands, millions
The biggest group of friends the world has ever seen
Jumping and laughing... forever
It would be great, right?"

("He escuchado hablar de esta rana
Es muy pequeña rana
Pero también es muy especial
Sólo la puedes encontrar en la selva
Muy lejos de ti/mi
Pero si la encuentra
Y la tocas
Tu mundo puede cambiar para siempre
Si toca su piel
Puedes sentir tu cuerpo cambiar
Y tu forma de ver también!
El azul se vuelve rojo, y el rojo se vuelve azul
Y tu mamá, de repente se convierte en su papá
Y todo parece un cupcake gigante
Y te la pasas riendo y riendo y riendo
Nada es lo mismo realmente
Y cuando hayas terminado de reír
Es hora de convertirte en una rana a ti mismo
Es muy divertido ser una rana
Se puede bucear en el agua
Y cruzar los ríos y los océanos
Y puedes saltar todo el tiempo, y en todas partes
¿Quieres jugar conmigo?
Podemos ser todo un grupo de amigos
Todo un grupo de ranas
Saltando en las calles
Saltando en los planetas
Escalada edificios
Nadando en los lagos y en las bañeras
Seríamos cientos, miles, millones
El mayor grupo de amigos que el mundo haya visto jamás
Saltando y riendo... siempre
Sería genial, ¿verdad?")

Más que del mero hecho de hablar sobre ranas que producen efectos alucinógenos al ser tocada su piel, cosa que existe, la canción puede tomarse como una apología a las drogas, pero, aquí viene el pero, al prestarle atención a la canción, a su melodía, a la letra en general, al lado narrativo, sin querer defender la canción ni nada por el estilo, "Raconte-Moi Une Histoire" gira completamente del sentido vacío, a algo muchísimo más concreto y puro; el uso de las drogas se da a través de la búsqueda de una infantilidad perdida por el tiempo, o que, en todo caso, nunca existió o se vio perdida en la niñez.
Ustedes dirán ¿qué? ¿cómo?, pues, queridos amigos, fijémonos en dos hechos muy simples y concretos dentro de la construcción de "Raconte-Moi Une Histoire", primero: que está hecho a modo de narración de cuento infantil. Segundo: que quien nos narra la historia, es una niña de cinco años, dándole así, más fuerza al primer punto.
Esto, me llevó a pensar lo siguiente; los niños, en su infancia, viven imaginando cosas increíbles, viven deseando cupcakes gigantes, viven creyéndose ranas, viven viendo mundos de colores... Viven su imaginación. Imaginación que al llegar la edad adulta, se suele perder. O simplemente pasa que cuando niños, vivimos hechos desafortunados, cosas que nos robaron la niñez y nos hicieron sentir la realidad demasiado pronto, es entonces, que en un intento subconsciente de reavivar o de recobrar la infancia perdida, el ser humano se ve sumergido en el mundo de las drogas...

No soy un profesional al respecto ni nada por el estilo, sólo me pongo a imaginar desde lo que sé y he aprendido. Pero, no hubiese logrado llegar a la conclusión descrita allá arriba, sin un hecho muy importante, las palabras textuales de mi estimado primo Luis Daniel que me dijo al respecto de la letra de "Raconte-Moi Une Histoire": siempre es mejor pensar en la pura imaginación infantil. Estas palabras dieron inicio a la disertación mía... Disertación que les dejo el día de hoy, para que se sienten a pensar y vean que siempre hay algo más allá dentro de la música...

Respecto a la canción, en una entrevista dada el 2011 a Pitchfork, Anthony González  dijo lo siguiente: ...Con esa canción, yo quería empezar con algo tan ridículo, básica e infantil, que luego creciera a algo muy conmovedor y humano. Es peligroso, pero si lo escuchas en el contexto del álbum, tiene sentido...

Y bueno, antes de dejarles la lista de canciones, quiero mandarle un saludo especial a Koshky La Rana (ja ja ja). Bueno... Cada disco contiene once canciones, y son las siguientes:

Disco 1

1. Intro
2. Midnight City
3. Reunion 
4. Where the Boats Go
5. Wait
6. Raconte-Moi Une Histoire
7. Train to Pluton
8. Claudia Lewis
9. This Bright Flash
10. When Will You Come Home?
11. Soon, My Friend

Disco 2

1. My Tears Are Becoming a Sea
2. New Map
3. OK Pal
4. Another Wave from You
5. Splendor
6. Year One, One UFO
7. Fountains
8. Steve McQueen
9. Echoes of Mine
10. Klaus I Love You
11. Outro

Valoración del Álbum:

"Judgement" es el sexto álbum de estudio del dúo de futurepop VNV Nation, lanzado el año 2007.Contiene temas muy bien elaborados, desde los que tienen un sonido más festivo, hasta los melancólicos y reflexivos, todos dentro de la ya conocida estética de VNV Nation.
Hace más o menos un mes escribí sobre su octavo y último álbum, "Automatic", del 2011, último por ahora, porque según leo, el dúo estaría lanzando un nuevo disco en setiembre de este año, que llevaría un corte y estética más sinfónico; "Transnational", así que estaremos a la espera.
Pero bueno, sigamos con "Judgement", el disco que me hace escribirles el día de hoy. Este disco, al igual que su sucesor, contiene temas que mezclan mucho de lo techno con los sinfónico, con grandes cuotas de synthpop, dando como resultado ese futurepop que caracteriza a VNV Nation. "Judgement" contiene diez temas en total, que discurren entre temas instrumentales puros y cantados, dando como resultado una mezcla de canciones muy interesante. Mis temas favoritos son "Prelude", "Illusion", "Carry You" y "As It Fades", la primera y la última, dos instrumentales que realmente son fascinantes.

En sí, considero que "As It Fades" es el mejor tema del disco, pese a que los vocales de Ronan Harris en "Illusion" y "Carry You", en general en todos los temas cantados, son increíbles, me parece que lo mejor del dúo se encuentra en sus instrumentales, ya que te hacen sentir en una especie de ópera cósmica, una ópera espacial, con unos niveles de música sinfónica increíbles, en base claro, al igual que mucho de la música de Vangelis, al sintetizador.

Yo personalmente recomiendo la música de VNV Nation, para todos aquellos que buscan relajarse un poco, y para aquellos que aman las vertientes más experimentales y épicas de la música electrónica.

Tracks:

1. Prelude
2. The Farthest Star
3. Testament
4. Descent
5. Momentum
6. Nemesis
7. Secluded Spaces
8. Illusion
9. Carry You
10. As It Fades

Espero que pueden adquirir este álbum, está demasiado genial, recuerden que lo pueden hacer en Amazon y iTunes.

Valoración del Álbum:

En Marzo del 2001 Daft Punk lanzó su segundo álbum de estudio, "Discovery", que sorprendió a los seguidores del dúo por tener un sonido algo alejado del acid house original que los había caracterizado en "Homework". "Discovery" se acerca bastante a un sonido más disco, con unos toques de rock, todo esto, claro, dentro de su típica estética house, un house bien alimentado por el synthpop .. Cabe recalcar que cierto acid funk de "Homework" se mantiene perenne en "Discovery".
Bien, antes de continuar, he de decirles, por si no se acuerdan, que estamos rumbo al 21 de Mayo, día en que se lanzará el nuevo disco de los franceses, es por eso que estoy escribiendo acerca de todos sus discos, digámoslo así, estoy haciendo los honores previos. Para ver el resto de artículos al respecto, sólo deben hacer clic aquí y ya!
Bueno, sigamos hablando de "Discovery". Este álbum es también la banda sonora de la película anime "Interstella 5555: The 5tory of the 5ecret 5tar 5ystem", que fue una colaboración entre los creadores del álbum, Leiji Matsumoto y Toei Animation. Todos los videos musicales para las pistas del álbum son segmentos de la película. "Interstella 5555" sigue la historia de una banda extraterrestre secuestrada.

En su lanzamiento, los críticos notaron la inmediata diferencia en estilo entre "Discovery" y "Homework". El cambio en la estética fue un movimiento brusco para los fans de los primeros trabajos de los Daft Punk, causando que algunos críticos dejaran el álbum por los suelos, pero posteriormente, como suele pasar con las cosas geniales, "Discovery" tomó el lugar que le correspondía, siendo gratamente mencionado por las revistas especializadas, que le dieron un alto puntaje, hasta cinco estrellas sobre cinco, tal como hizo la revista Q. El álbum incluye apariciones especiales de Romanthony, Todd Edwards y DJ Sneak.

Este disco contiene uno de los temas más populares de Daft Punk; "Harder Better Faster Stronger", del cual el señor Kanye West haría una genial reversión seis años después, titulándole "Stronger", para su disco "Graduation", valga el decir que la portada del álbum ese es genial, y que el video que hizo el señor West para "Stronger" es fantástico.
Además de la mencionada canción, entre los temas más populares del disco encontramos a "Aerodynamic", con un solo de guitarra realmente alucinante, y a "One More Time", dos tenas de los más representativos del dúo francés.

Pero, siempre hay un pero, mis temas preferidos del disco, entre los que está "Aerodynamic", aunque sin un exceso de fanatismo, son "Crescendolls", un tema demasiado discotequero y bailable, y el excelso y melancólico "Veridis Quo", que a través de sus acordes synthpop te lleva a descubrir universos nunca antes vistos.

"Discovery" contiene catorce canciones, y son las siguientes:

1. One More Time
2. Aerodynamic
3. Digital Love
4. Harder Better Faster Stronger
5. Crescendolls
6. Nightvision
7. Superheroes
8. High Life
9. Something About Us
10. Voyager
11. Veridis Quo
12. Short Circuit
13. Face to Face
14. Too Long

Valoración del Álbum:

Sin duda, uno de los álbumes más importantes e influyentes de la historia; "Pet Sounds", de los Beach Boys, que junto al popular "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" de los Beatles, conocido también entre los hispanohablantes como el "Sargento Pimienta", marcan el inicio de lo que unos pocos años más tarde se convertiría en el rock sinfónico y progresivo. Cosa que se daría tres años después, según algunos, de lanzado este disco, es decir, 1969. Aunque como siempre, la discusión sobre cuál es el primer disco de rock progresivo es demasiado compleja, así que no entraré en ello, ya que como dije antes, me falta mucho por aprender, así que mejor regresemos a hablar de "Pet Sounds".Pero primero algo sobre The Beach Boys; The Beach Boys es una banda de pop rock formada en la ciudad de Hawthorne, California, Estados Unidos, en el año 1961. Fue el grupo más representativo del life xstyle californiano de los años sesenta, así como también de la música y cultura del surf de la época. La banda estuvo integrada en su fundación por los hermanos Wilson; Brian (compositor, voz, bajo y piano), Carl (guitarra y voz) y Dennis (batería, voz); junto con un primo de la familia, Mike Love (voz); y un compañero de estudio de Brian, Al Jardine (guitarra y voz). Bruce Johnston (voz, bajo y piano) se unió más tarde al grupo para reemplazar a Brian Wilson en las actuaciones en vivo.

Al principio de su carrera, sus composiciones se basaban exclusivamente en el surf rock y el pop de los años sesenta, ya durante la segunda mitad de la década, el grupo incursionaría en el pop barroco y pop psicodélico, y posteriormente, experimentaría con otros sonidos nuevos, como el soul y el gospel, sin abandonar su bien elaborado pop.

"Pet Sounds" es el décimo primer álbum de estudio de los Beach Boys, lanzado en Mayo de 1966, con muy poco éxito comercial al principio, debido en parte a la poca promoción que había hecho Capitol Records del mismo, pero también influyó mucho el hecho de que los seguidores de la banda esperaban algo más normal, esperaban el clásico pop rock de la banda hasta ese momento. Sería recién en el año 2000 que el disco recibiría certificación de oro y platino. Pero bueno, como a veces suele suceder con las grandes obras, en su momento no se saben apreciar... aunque esto no duraría mucho, ya que influiría en trabajos como el recordado "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" de los Beatles, lanzado el año siguiente... Así es, no se sorprendan, es más, el productor de los británicos, George Martin, dijo que "sin "Pet Sounds" no hubiera existido el "Sgt. Pepper's", afirmando asimismo que el "Sgt. Pepper's" solo fue un intento de alcanzar el nivel de "Pet Sounds"... Para mí el "Sargento Pimienta" se puede refundir en lo más profundo de la tierra... Según yo, los Beach Boys son muy superiores a los de Liverpool....

Sobre el disco varios artistas dieron su opinión, por ejemplo Eric Clapton dijo: "Considero que "Pet Sounds" es uno de los más grandes discos de pop que han aparecido en la historia. Todo su contenido musical absorbe los sentimientos que hay en mí."... Elton John tampoco fue ajeno: "Decir que me encantó sería quedarse muy corto. Nunca había escuchado unos sonidos tan encantadores, tan perfectamente grabados. No cabe duda de que ha cambiado la manera en que yo, y otra gente, grabamos nuestra música.".

La historia del nacimiento de "Pet Sounds" es la siguiente: tras el lanzamiento de los álbumes "Summer Days (and Summer Nights!!)" en abril de 1965, y "Beach Boys' Party!" en noviembre del mismo año, el bajista y director técnico de la banda, Brian Wilson, carecía de inspiración musical para grabar un nuevo disco. Pero sería en diciembre de 1965, cuando apareció el álbum "Rubber Soul", de los Beatles, uno de los principales competidores de los Beach Boys, que Brian Wilson, impresionado por este, le dijo a la banda: "Eso es todo, realmente me siento desafiado a hacer un álbum mejor.". Así que Brian Wilson decidió dejar a un lado los conciertos y giras para centrarse en el trabajo de estudio durante las grabaciones de "Pet Sounds". La mayoría de las composiciones y arreglos musicales fueron hechos por él. De acuerdo con su idea, el álbum tendría elaboradas armonías vocales, efectos de sonido, e instrumentos no convencionales, tales como instrumentos árabes, electroteremines (unas vainas super raras), timbres de bicicleta, campanas, botellas de Coca-cola, y ladridos de perro; todo esto junto con los teclados y guitarras habituales. Todas estas innovaciones dieron lugar a crear un sonido rico y único, extraño para aquella época. El álbum tuvo un impacto significativo en el desarrollo de la música pop y la música rock en general, inspirando a muchos músicos a que utilizaran múltiples instrumentos en sus grabaciones musicales. Ha sido considerado como uno de los discos más influyentes en la historia de la música popular y clasificado como el mejor álbum de todos los tiempos por diversas revistas de música.

A principios de 1966, Wilson se puso en contacto con el poeta Tony Asher, para que lo ayudara a escribir los temas del nuevo álbum. Según Asher, quien apenas conocía a Wilson, no podía imaginar que el propio Wilson lo hubiera buscado para su proyecto personal, ya que él no sabía nada acerca de su manera de trabajar.
La mayoría de las canciones del álbum fueron escritas durante diciembre de 1965 y enero de 1966.
Volviendo de una gira de tres semanas por Japón y Hawái, los miembros de la banda, Mike Love, Al Jardine, Carl y Dennis Wilson, quedaron impresionados por los nuevos sonidos, las técnicas musicales y la letra de las canciones que Wilson había creado para el nuevo disco. Love, en particular, quedó perplejo al ver que Wilson no incluyó en sus composiciones cosas referentes a "los coches, las chicas y la playa", fórmula que exitosamente había marcado la carrera del grupo hasta ese momento.

A mediados de febrero del '66, los Beach Boys viajaron al Zoológico de San Diego para tomar las fotos que se utilizarían en la portada del nuevo disco, que ya había sido bautizado como "Pet Sounds". Según con las notas publicadas en el álbum, la idea de tomarle fotos a la banda alimentando una variedad de caprinos fue extraída de una obra de teatro. El título vino del deseo de Brian de rendir homenaje a Phil Spector, nombrando el álbum utilizando sus iniciales, y de la idea de que los sonidos que más le gustaban a Brian en el álbum eran los de los animales.

"Wouldn't It Be Nice", "You Still Believe In Me" y "Sloop John B" son mis temas favoritos del disco.
La primera habla de los deseos de una joven pareja de permanecer juntos por siempre:

Wouldn't it be nice if we were older
Then we wouldn't have to wait so long
And wouldn't it be nice to live together
In the kind of world where we belong

You know it's gonna make it that much better
When we can say goodnight and stay together

Wouldn't it be nice if we could wake up
In the morning when the day is new
And after having spent the day together
Hold each other close the whole night through

Happy times together we've been spending
I wish that every kiss was never ending
Wouldn't it be nice

Maybe if we think and wish and hope and pray
It might come true
Baby then there wouldn't be a single thing we couldn't do
We could be married
And then we'd be happy
Wouldn't it be nice

You know it seems the more we talk about it It only makes it worse to live without it
But let's talk about it
Wouldn't it be nice

"You Still Believe In Me" nos habla del pedido de una persona a otra, para que esta segunda no deje de creer en ella, la primera. La letra y la melodía es bastante triste.

"Sloop John B", mi favorita de todas, es una canción tradicional del caribe, pero fue arreglada en algunos versos por Brian Wilson. La letra originalmente habla inicialmente de que el personaje que narra esta canción viene con su abuelo en el balandro John B (un barco), ellos beben toda la noche y se pelean, luego cuando él está nuevaen el John B, pasada la pelea, dice que quiere volver a casa por que está mal por la pelea con su abuelo, cuando está en el barco dice que el segundo oficial se emborrachó y le rompió el baúl al capitán y  que el alguacil se lo llevó, él se entristece y quiere volver a su hogar, finalmente termina repitiendo "let me go home, ¿why don't you let me go home?" ("déjame ir a casa, ¿por qué no me dejas ir a casa?"). La letra es divertidamente trágica...

Haciendo un redondeo, todas las canciones del álbum lindan los tres minutos de duración. En total, "Pet Sounds" dura una media hora aproximadamente. "Wouldn't It Be Nice" es la canción más popular del disco actualmente, en sí, la más conocida de los Beach Boys...

Y bueno, melódicamente ¿qué se puede decir? Para mí, con respecto a ese tema, "Pet Sounds" es uno de los mejores álbumes de la historia, líricamente también lo es, pero siguiendo con lo del sonido, sólo puedo decir que las voces, la guitarra, la batería, los estupendos arreglos sinfónicos, hacen de este disco uno de los más bellos que han podido existir jamás.

"Pet Sounds" contiene trece temas, y son los siguientes:

1. Wouldn't It Be Nice
2. You Still Believe In Me
3. That's Not Me
4. Don't Talk (Put Your Head On My Shoulder)
5. I'm Waiting For the Day
6. Let's Go Away For Awhile
7. Sloop John B
8. God Only Knows
9. I Know There's an Answer
10. Here Today
11. I Just Wasn't Made For These Times
12. Pet Sounds
13. Caroline No

Valoración del Álbum:

En este mundo de la música, muchos han hecho covers de sus canciones favoritas, de las bandas que les gustan. Grandes bandas han hecho covers de otras más grandes... Y a veces los covers han llegado a ser más conocidos que las versiones originales.
En este mundo de tributos y reversiones, Tangerine Dream, banda importante dentro de ese viejo movimiento progresivo alemán llamado krautrock, padres de la música electrónica y creadores del genial y reconocido "Stratosfear", se ha visto envuelta. La idea habría surgido en el año 2008, a partir de una broma del promotor del grupo, quien les dijo que deberían hacer covers del "American Top 40", lo cual habría derivado en una apuesta, y finalmente en el disco, cuyo acabado y mezcla final se llevaron a cabo el 2010, en los Eastgate Studios de Viena, Austria. Este álbum se lanzó el mismo año y lleva el nombre de "Under Cover – Chapter One", que trae consigo verdaderas sorpresas y genialidades musicales. Aunque melódicamente está dentro de una estética pop rock y new wave, no pierde la esencia, hasta cierto punto, tradicional de la banda. Pero es muy probable que a los fans de Tangerine Dream tradicionales, no les simpatice mucho este trabajo.

Pero, ¿qué encontraremos en "Under Cover – Chapter One"?, pues aquí mis queridos amigos, les va la lista de joyitas:

1. "Cry Little Sister" (Gerard McMahon)
2. "Everybody Hurts" (R.E.M)
3. "Precious" (Depeche Mode)
4. "Space Oddity" (David Bowie)
5. "The Model" (Kraftwerk)
6. "Wicked Game" (Chris Isaak)
7. "Hotel California" (Eagles)
8. "Suzanne" (Leonard Cohen)
9. "Heroes" (Bowie)
10. "Forever Young" (Alphaville)
11. "Iris" (Goo Goo Dolls)
12. "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)" (The Beatles)
13. "Hallelujah" (Leonard Cohen)
14. "Wish You Were Here" (Pink Floyd)

Valoración del Álbum:

El rock está de luto, por eso el día de hoy, al enterarme a través de la cuenta de Facebook de Pink Floyd del fallecimiento de Storm Thorgerson, decidí hacer un alto al post que estaba haciendo para poder de alguna manera, rendirle un pequeño homenaje.
Pentagramario no es la mejor publicación sobre música del mundo, ni de América Latina, ni siquiera del Perú, aún así, hoy, antes de seguir escribiendo el post que se viene, quiero que todos aquellos que realmente amamos la música, el rock, Pink Floyd... Nos sentemos a pensar un rato, a meditar, a preguntarnos si algún día podremos como él, dejar una huella tan grande como la que nos dejó, a través de sus diseños, impresos en aquellas gloriosas tapas de los álbumes que nunca olvidaremos. Puede que muy pocos sepan quién es Storm Thorgerson, pero para quienes lo sabemos, sólo nos queda darle las gracias a un grande que el día de hoy nos ha dejado... Nunca lo conocí, pero me gustaría decirle "wish you were here, Storm, how i wish you were here"... Lo único que sé es que me lo encontraré el día que me toque partir también hacia el Great Gig in the Sky...
Para aquellos que no saben quién fue él, pues les dejo esto: http://es.wikipedia.org/wiki/Storm_Thorgerson

Hay cosas en la vida yo no sé... Lo que sí sé y me queda claro, es que "Wish You Were Here" de Pink Floyd, es una de las canciones más hermosas de la historia de la música. Pero no voy a hablar hoy sólo de la canción ya nombrada, sino también del álbum al que pertenece, que lleva el mismo nombre; "Wish You Were Here", lanzado en setiembre de 1975.
Es el noveno álbum de estudio de la banda británica y sucesor del increíblemente genial "The Dark Side of the Moon". Consiguió mucho éxito comercial y aunque al principio los críticos fueron algo duros, con el tiempo "Wish You Were Here" se ha posicionado como uno de los mejores álbumes de la historia, ubicándose en muy buenos lugares de las distintas listas especializadas, como en el 2007, cuando una de las emisoras de radio más grandes de Alemania, WDR 2, pidió a sus que oyentes votaran por "Los 200 Mejores Álbumes de la Historia", donde "Wish You Were Here" quedó en el primer lugar. Cosas por el estilo hacen que este disco sea uno de los mejores de la historia, no sólo porque lo creo en mi humilde opinión, sino que también lo demuestran los números (por ejemplo: 900.000 copias iniciales en Estados Unidos (la cantidad más alta de Columbia hasta la fecha) y los seguidores que tiene...

La temática de "Wish You Were Here", escrita completamente por Roger Waters, explora la ausencia, la industria musical y los problemas mentales del anterior miembro de la banda; Syd Barrett. El álbum cuenta con cinco temas, aunque en sí son cuatro, ya que el primero, "Shine on You Crazy Diamond", que consta de nueve piezas, está dividido en dos partes, la primera que va al inicio del disco (de la pieza número uno a la cinco), y la segunda (de la seis a la nueve), que lo cierra. "Welcome to the Machine", "Have a Cigar" y "Wish You Were Here" son los temas que unen "Shine on You Crazy Diamond", convirtiendo de esa manera en algo compacto y fuertemente unido al álbum al que pertenecen.

"Shine on You Crazy Diamond" es un tributo a Barrett, la letra, al igual que todo el álbum como dije, está compuesta por Roger Waters. La música de esta canción lleva los créditos de Gilmour, Wright y Waters.
"Welcome to the Machine" es la segunda canción del álbum. Es notable por su uso de sintetizadores fuertemente procesados y guitarras. La canción explora la visión negativa del grupo acerca de la industria musical y toda sociedad industrializada.
"Have a Cigar" es una crítica sobre la hipocresía y la avaricia dentro del negocio de la música. La música en sí es un rock más puro que el resto del álbum. Comienza con un agitado riff interpretado por la guitarra eléctrica y el bajo. La pista se completa con una guitarra adicional, piano eléctrico y partes de sintetizador para crear una textura medio funk.
"Wish You Were Here" contiene letras relacionadas no sólo con la condición de Barrett, sino también con la forma de ser del carácter de Waters... Es básicamente una pista acústica, con geniales acompañamientos de piano eléctrico y guitarra eléctrica en distintos pasajes de esta. La letra además se puede tomar de manera romántica, dado el nombre del tema, que invita un poco a ello... Ya depende del análisis que haga cada uno al respecto y el sentido que le encuentre a la letra.

Yo personalmente tengo un aprecio especial por este disco, sobre todo por su canción homónima, en sí, podría hablar más y explayarme demasiado con este disco, contar cosas como por ejemplo, la aparición sorpresiva de Syd Barrett en los estudios de Abbey Road durante las grabaciones de "Wish You Were Here", algunas curiosidades respecto a las tapas o el cover de Tangerine Dream a la canción homónima, pero creo que por ahora les dejo esto, ya haré un análisis más profundo del disco apenas tenga tiempo, ya que tengo las ganas de hacerlo, y por sobre todas las cosas, este álbum se lo merece.

Tracks:

1. Shine on You Crazy Diamond, Pt. 1
2. Welcome to the Machine
3. Have a Cigar
4. Wish You Were Here
5. Shine on You Crazy Diamond, Pt. 2

Valoración del Álbum:

Los escucho y creo que es muy probable que no lleguen mucho más allá de donde ya se encuentran. The Scritp es uno de esos grupos, que para mí, los puedes escuchar y no te molestan, pero tampoco llegan a captar de veras tu atención. Si no fuese por la canción "For the First Time", de su disco del 2010 "Science & Faith", segundo de su carrera, ellos no serían parte de mi biblioteca musical... Y sólo una cosa capta mi atención de ellos fuera de la ya nombrada canción, y es su acercamiento por momentos al sonido de U2, se entiende, The Script también es irlandés... Pero esto de acercarse al sonido de Bono y compañía ocurre por pocos momentos, momentos que se terminan diluyendo...
The Script, en este disco, el único que he escuchado de los tres que tienen, logra aburrirme de manera casi absoluta, lo único que lo salva de mi total desprecio es "For the First Time", la primera canción que escuché de ellos y que me hizo ilusionar por un instante, pero no, al final no eran lo que esperaba. Siento que esa canción es un lunar de verdadera genialidad en medio de lo cansino que es "Science & Faith", demasiado pop rock camuflado tras una estética de rock alternativo.

¿Por qué escribo sobre The Script y su "Science & Faith"? Pues porque hace un tiempo me venían pidiendo por ahí que lo hiciera, y bueno, ahora ya saben mi opinión al respecto... "Science & Faith" simplemente me resulta aburrido, y creo que aquellos que me leen de manera continua podrán darse cuenta del porqué escuchando un par de sus canciones...  Y bueno, de vez en cuando es bueno rajar de algo... Ja ja...

Tracks:

1. You Won't Feel a Thing
2. For the First Time
3. Nothing
4. Science & Faith
5. If You Ever Come Back
6. Long Gone and Moved On
7. Dead Man Walking
8. This = Love
9. Walk Away
10. Exit Wounds

Valoración del Álbum:

Cosas extrañas suelen pasar cada cierto tiempo, y esta es una de ellas. Hace unos días atrás, viendo televisión me estacioné en un canal que casi nunca veo, por la pésima calidad de su programación (bueno, qué canal televisivo peruano es bueno?), ya que anunciaban el videoclip de una canción, "Te Vi", de Julieta Venegas. Me imaginé que era nueva, y no me equivocaba, así que me llamó la atención ver qué era lo último que había hecho esta cantante mexicana, de la que nunca he sido muy adepto, aunque me han simpatizado una que otra de sus canciones, sobre todo del disco "Sí", lanzado el año 2003, de donde me gustaron "Lento" y "Andar Conmigo", canciones que dicho sea de paso, fueron los singles principales del álbum. Además de esas dos, recuerdo que me agradaron "El Listón de Tu Pelo", que cantó junto a Jarabe de Palo, y una versión que hizo de "Perfecta", con Miranda, intérpretes originales de la canción.
Entonces empezó a sonar "Te Vi", con un video bien indie (no se los voy a contar, se los dejaré al final), algo extraño para lo que ya había visto de Julieta, que siempre había ido hacia el pop fresita, pero esta vez hacía notar una nota, valga la redundancia, de música independiente de estética oscura, en el videoclip claro está, sobre la música y la melodía, viene ahorita... El vídeo fue grabado en Mar de Plata, Argentina y actúan los nietos de Luis Alberto Spinetta, el vídeo tiene el formato de trailer de una película.

Cuando empieza la música, a la par del video, el sonido de esta fue extremadamente distinto a lo que me había predispuesto a escuchar, no, no era latin pop, no era ese latin común que siempre había hecho ella, no era ese latin sin mucho afán, muy suave, simple, cosa que era parte de su magia, de la magia de Venegas, sino que todo lo contrario, empezó a sonar un sintetizador, y luego unos drums... What the f...? Era synthpop, no espera, electropop, no espera, minimal, no, techno... En serio, fue genial, fue una grata sorpresa... Era algo que me recordaba a Moby, otro poco a Dorian, un toque de VNV Nation, y algo de "On Melancholy Hill" de Gorillaz... Fue uno de esos momentos en los que te sientes iluminado... No lo sé, tal vez exagero...

"Te Vi", es la canción número tres del sexto y último álbum de estudio de la señorita Venegas; "Los Momentos", lanzado hace poco, el 19 de Marzo del presente año. "Te Vi" tiene una letra oscura, triste, que acompañada de la melodía cuasi feliz que posee, le da una estética de felicidad-melancólica. Pero en general, es una canción que invita a las lágrimas... Habla de cuando te ilusionas de una persona a tal punto, que cuando te das cuenta de que no le pasa lo mismo al otro, caes en una profunda melancolía...

Así que después de escuchar esta maravilla de canción, hice lo posible para poder agenciarme de "Los Momentos". Adjuntado ya a mi colección de discos, procedí a escucharlo de manera íntegra. En términos generales el álbum me gusta, salvo por la canción "Vuelve", que se puede ir a lo más profundo del inframundo, eso por culpa, a mi entender, de Rubén Albarrán, que canta parte de la canción, y la MALOGRA completamente.

Julieta Venegas ha dicho que este disco es muy distinto a sus anteriores producciones, más "oscuro y reflexivo", y por obvias razones, no le falta razón.
La situación que está viviendo México sirvió en parte de inspiración para las canciones. "Los Momentos" toca algunos problemas sociales-políticos, pero desde una perspectiva vista por ella, más emocional.
El sonido del álbum es sobre todo de estética minimalista e indietrónica.
Las letras no son tan felices, son más reflexivas que otra cosa.
Los once temas que componen "Los Momentos" son de composición propia de Julieta.

Tracks:

1. Hoy
2. Por Qué?
3. Te Vi
4. Nada Importante
5. Verte Otra Vez
6. Vuelve
7. No Creí
8. Volver a Empezar
9. Tuve Para Dar
10. Los Momentos
11. Un Poco De Paz

Valoración del Álbum:

"Don't Let Me Down" es la canción que más me gusta de The Hollies, junto a "The Air That I Breathe", componen el par de temas que más disfruto escuchar de esta genial banda de pop rock británico.
La historia de The Hollies se las contaré más adelante (¿de cuántas bandas voy diciendo lo mismo ya?), pero hoy les traigo el disco que más me gusta de este grupo, de los tres que he escuchado de ellos, "Stay with the Hollies", de 1964, "Distant Light", de donde sale el tema más popular de la banda; "Long Cool Woman (In a Black Dress)", lanzado en el '71, y "Hollies [1974]", del que hablaré hoy.
A este disco, de nombre homónimo, se le agrega "1974" no sólo por ser del año en que salió, sino principalmente porque hay otro álbum de la banda, que tiene el mismo nombre, pero que fue lanzado en 1965, así que para diferenciarlos se les agrega al nombre el año de lanzamiento respectivo.
El principal tema de este disco, ya refiriéndome al de 1974, es "The Air That I Breathe", que dicho sea de paso fue la primera canción que escuche de esta banda británica, y que amé desde la primera vez... Fue amor a primera escuchada... Esta canción, que es la número cinco del disco, alcanzó los primeros lugares de las listas de distintos países, como en Estados Unidos, donde llegó al puesto seis del Billboard Hot 100 del verano del '74.

Y bueno, los dos temas que más me gustan de "Hollies [1974]" ya los mencioné al principio, lo que quiero es mostrarles las letras, para lo cual usaré de ejemplo "Don't Let Me Down", porque "The Air That I Breathe" me parece que ya es demasiado popular... Así que aquí les va... Con ustedes, la letra de "Don't Let Me Down":

The sun is overshadowed by the presence of the moon
Night time has fallen, she'll be comin' home soon
Leave the door wide open, ah, so she won't need a key
Lock it behind you baby, draw the blinds so no one can see

There's only one thing on my mind
Don't let, don't let me down
Don't let, don't let me down
Feelings are near the ground

Silence is golden, ah, for me there's just one choice
The music of your laughter, rippling of your voice
The freshness of the evergreen, ah, fades as if too shy
Can't compete with your beauty, couldn't if it tried

There's only one thing on my mind
Don't let, don't let me down
Don't let, don't let me down
Feelings are near the ground

Let's build somethin' to climb on
Makin' the show a live one
No need for make-up, let's be real

Give all in what you're givin'
Makin' life worth livin'
Bein' alive's how you should feel

Oh and don't let, don't let me down
Feelings are near the ground

Don't want the sun to be shinin'
Raisin' his eyebrows at the moon
Sayin' I told you, so she wouldn't show
Well, don't speak too soon

I hear her footsteps
Walkin' on the outer floor
Well, it could be
I don't know, I don't know for sure

There's only one thing on my mind
Don't let, don't let me down
Don't let, don't let me down
Feelings are near the ground

Come on back, can't live without you
Come on back, (I need you, I need you, I) can't live without you
Come on back, (I want you, I want you, I) can't live without you

Come on back, (C'mon, c'mon, c'mon, I) can't live without you
Come on back, (I love you, I love you, I) can't live without you
Come on back, (I need you, I need you, I) can't live without you

(El sol está eclipsado por la presencia de la luna
La noche ha caído, estará llegando pronto a casa
Deja la puerta abierta, ah, para que no necesite una llave
Ciérralo detrás de ti baby, cierra las persianas para que nadie pueda ver

Sólo hay una cosa en mi mente
No me falles
No me falles
Los sentimientos están cerca del suelo

El silencio es oro, ah, para mí sólo hay una oportunidad
La música de tu risa, murmullo de tu voz
La frescura del siempreverde, ah, se desvanece como si fuese demasiado tímido
No puede competir con tu belleza, no podría si lo intentara

Sólo hay una cosa en mi mente
No me falles
No me falles
Los sentimientos están cerca del suelo

Construyamos algo para subirnos
Haciendo el espectáculo en vivo
No hay necesidad de maquillaje, seamos realistas

Dar todo en lo que estás dando
Hacer que valga la pena vivir
Estar vivo es como te debes sentir

Ah, no me falles
Los sentimientos están cerca del suelo

No quiero el sol para brillar
Alzando las cejas a la luna
Diciendo te lo dije, para que no se muestre
Bueno, no hables demasiado pronto

Oigo sus pasos
Caminando en la planta exterior
Bueno, podría ser
No lo sé, no lo sé con seguridad

Sólo hay una cosa en mi mente
No me falles
No me falles
Los sentimientos están cerca del suelo

Vamos hacia atrás, no puedo vivir sin ti
Vamos hacia atrás, (Te necesito, te necesito) no puedo vivir sin ti
Vamos hacia atrás, (Te deseo, te deseo) no puedo vivir sin ti

Vamos hacia atrás, (Vamos, vamos, vamos) no puedo vivir sin ti
Vamos hacia atrás, (Te amo, Te amo) no puedo vivir sin ti
Vamos hacia atrás, (Te necesito, te necesito) no puedo vivir sin ti)

Esta canción me la estoy aprendiendo, prometo que cuando me salga bien, fácil la grabo y la subo para que ustedes la escuchen, si quieren...

Siguiendo con el álbum de hoy, parte de su particularidad es la canción "The Day That Curly Billy Shot Down Crazy Sam McGee", la número diez y última de este disco, que sigue la línea del sonido de la ultra-popular "Long Cool Woman (In a Black Dress)", aunque prefiero la primera que la segunda...
Es por contener tres canciones que me gustan mucho, además de otras siete super buenas... Con sonidos que van desde el pop rock, el blues, el pop melódico y algo de jazz, que "Hollies [1974]" es uno de los álbumes esenciales de mi colección personal.

Como ya dije, contiene diez temas, y son los siguientes:

1. Falling Calling
2. It's a Shame, It's a Game
3. Don't Let Me Down
4. Out on the Road
5. The Air That I Breathe
6. Rubber Lucy
7. Transatlantic West Bound Jet
8. Pick Up the Pieces Again
9. Down on the Run
10. Love Makes the World Go Round

Valoración del Álbum:

"Sur La Mer" es el décimo tercer álbum de estudio de la banda británica de rock progresivo The Moody Blues, lanzado en Junio de 1988, con "I Know You're Out There Somewhere", a la cabeza, su single lanza, que llegó a posicionarse bastante alto en las distintas listas musicales.
"Sur La Mer" es el sucesor, por orden y por naturaleza, de "The Other Side of Life", del año 1986. De "The Other Side of Life" les hablaré muy pronto, pero por ahora sólo debo dejarles un par de datos puntuales acerca de este disco, para que puedan entender mejor "Sur La Mer".
"The Other Side of Life", aunque manteniendo un estilo progresivo, se aleja un tanto de la progresividad de los álbumes que le preceden, como por ejemplo "The Present", de 1983, "Long Distance Voyager" de 1981 y "Octave", del '78, pese a que estos ya mostraban el acercamiento de The Moody Blues hacia un sonido más pop, es en 1986 cuando la estética pop ochentera se apodera bastante del sonido de la banda británica, dejando un poco de lado lo progresivo que sonaban sus anteriores discos, sobre todo los sesenteros y de la primera mitad de los setenta. Aún así, "The Other Side of Life" nunca tocó el pop de manera completa, ya que lo rock y cierto halo sinfónico, que recuerda a "Days of Future Passed", del que les hablé hace ya un tiempo, envuelven este álbum, convirtiéndolo más en un álbum de pop rock melódico, sobre todo en el tema que abre este disco, "Your Wildest Dreams".

A finales de la década de 1970, el sintetizador ya se había convertido en el arma principal del sonido pop dentro de la banda, pero nunca había llegado al punto de que pudiese hacer categorizar algún álbum o canción de The Moody Blues, lanzado entre 1978 y la primera mitad de los ochenta, como sythpop, que fuese similar al de por ejemplo, Orchestral Manoeuvres in the Dark, famosos, por sobre todo, gracias al tema "Enola Gay", lanzado a finales de 1980. Es en 1988, con "Sur La Mer", que el sintetizador rompe dentro del sonido de The Moody Blues, llevándolos hacia el mayor éxtasis de la estética pop de aquellos años, centrada básicamente en el sonido de este instrumento. Pero cabe hacer notar que si bien es el sintetizador el instrumento con más poder dentro del pop ochentero, la batería cumple un rol muy importante, ya que debe ser agresiva, sin serlo a la misma vez, suena contradictorio, pero en canciones, por ejemplo, como "Sooner or Later" o "Separate Lives" de The Alan Parsons Project, ambas del disco "Vulture Culture", de 1985, la batería, muy rítmica, se siente como aguantada, pero lo espectacular viene en cada uno de los momentos en estas canciones cuando el instrumento de percusión ya no aguanta más, por decirlo de alguna manera, y rompe, dándole pase a los momentos épicos de las mencionadas canciones.

 Aún así, "Sur La Mer" contiene temas muy pop rock melódico, que recuerdan al sonido de su predecesor.

La letra de "I Know You're Out There Somewhere", el tema de apertura del álbum, es la continuación de la de su par en "The Other Side of Life"", el ya mencionado "Your Wildest Dreams", que también abre el disco al que pertenece.
La letra de "Your Wildest Dreams" cuenta la historia de un hombre, el cual está recordando a su primer amor, y se pregunta si ella le recuerda de la manera en que él la está recordando. Es una letra muy bonita y con mucha añoranza, obviamente. Y bueno, en "I Know You're Out There Somewhere", este mismo hombre se da cuenta que sigue amándola y se promete regresar a ella... "Return again..." dice la letra...

I know you're out there somewhere
Somewhere, somewhere
I know I'll find you somehow
And somehow I'll return again to you

The mist is lifting slowly
I can see the way ahead
And I've left behind the empty streets
That once inspired my life
And the strength of the emotion
Is like thunder in the air
'Cos the promise that we made each other
Haunts me to the end

I know you're out there somewhere
Somewhere, somewhere
I know you're out there somewhere
Somewhere you can hear my voice
I know I'll find you somehow
Somehow, somehow
I know I'll find you somehow
And somehow I'll return again to you

The secret of your beauty
And the mystery of your soul
I've been searching for in everyone I meet
And the times I've been mistaken
It's impossible to say
And the grass is growing
Underneath our feet

I know you're out there somewhere
Somewhere, somewhere
I know you're out there somewhere
Somewhere you can hear my voice
I know I'll find you somehow
Somehow, somehow
I know I'll find you somehow
And somehow I'll return again to you

You see I know you're out there somewhere
O yes I know you're out there somewhere
You see I know I'll find you somehow
O yes I know I'll find you somehow

The words that I remember
From my childhood still are true
That there's none so blind
As those who will not see
And to those who lack the courage
And say it's dangerous to try
Well they just don't know
That love eternal will not be denied

I know you're out there somewhere
Somewhere, somewhere
I know you're out there somewhere
Somewhere you can hear my voice
I know I'll find you somehow
Somehow, somehow
I know I'll find you somehow
And somehow I'll return again to you

Yes I know it's going to happen
I can feel you getting near
And soon we'll be returning
To the fountain of our youth
And if you wake up wondering
In the darkness I'll be there
My arms will close around you
And protect you with the truth

I know you're out there somewhere
Somewhere, somewhere
I know you're out there somewhere
Somewhere you can hear my voice
I know I'll find you somehow
Somehow, somehow
I know I'll find you somehow
And somehow I'll return again to you

(Sé que estás ahí fuera en alguna parte
En algún lugar, en algún lugar
Sé que voy a encontrar alguna manera
Y de alguna manera voy a volver de nuevo a ti

La niebla se está levantando lentamente
Puedo ver el camino a seguir
Y he dejado atrás las calles vacías
Que una vez isnpiraron mi vida
Y la fuerza de la emoción
Es como un trueno en el aire
Porque la promesa que nos hicimos el uno al otro
Me atormenta hasta el final

Sé que estás ahí fuera en alguna parte
En algún lugar, en algún lugar
Sé que estás ahí fuera en alguna parte
En algún lugar se puede escuchar mi voz
Sé que voy a encontrar alguna manera
De alguna manera, de alguna manera
Sé que voy a encontrar alguna manera
Y de alguna manera voy a volver de nuevo a ti

El secreto de su belleza
Y el misterio de tu alma
He estado buscando en todos los que conozco
Y las veces que he estado equivocado
son imposibles decir
Y la hierba está creciendo
Debajo de nuestros pies

Sé que estás ahí fuera en alguna parte
En algún lugar, en algún lugar
Sé que estás ahí fuera en alguna parte
En algún lugar se puede escuchar mi voz
Sé que voy a encontrar alguna manera
De alguna manera, de alguna manera
Sé que voy a encontrar alguna manera
Y de alguna manera voy a volver de nuevo a ti

Ya ves que sé que estás ahí fuera en alguna parte
O sí, yo sé que estás ahí fuera en alguna parte
Ya ves que sé que voy a encontrar alguna manera
O sí sé que voy a encontrar alguna manera

Las palabras que recuerdo
de mi infancia todavía son verdaderas
Que no hay nadie tan ciego
Como el que no quiere ver
Y para aquellos que no tienen el valor
Y dicen que es peligroso tratar
Bueno, ellos simplemente no saben
Que el amor eterno no será negado

Sé que estás ahí fuera en alguna parte
En algún lugar, en algún lugar
Sé que estás ahí fuera en alguna parte
En algún lugar se puede escuchar mi voz
Sé que voy a encontrar alguna manera
De alguna manera, de alguna manera
Sé que voy a encontrar alguna manera
Y de alguna manera voy a volver de nuevo a ti

Sí, sé que va a pasar
Puedo sentir que se acercar
Y pronto vamos a volver
Para la fuente de la juventud
Y si te despiertas preguntándose
En la oscuridad, voy a estar allí
Mis brazos se cierra a tu alrededor
Y te protegen con la verdad

Sé que estás ahí fuera en alguna parte
En algún lugar, en algún lugar
Sé que estás ahí fuera en alguna parte
En algún lugar se puede escuchar mi voz
Sé que voy a encontrar alguna manera
De alguna manera, de alguna manera
Sé que voy a encontrar alguna manera
Y de alguna manera voy a volver de nuevo a ti)

Puede que no les llegue a gustar la melodía de "I Know You're Out There Somewhere", eso es ya cuestión de gustos, pero lo que nunca podrán negar es lo hermosa que es su letra.
La melodía de esta canción inicia con un sonido del sintetizador que recuerda un poco al de "Your Wildest Dreams", seguido de un zumbido de este mismo instrumento acompañado de la batería, que va marcando el ritmo de la canción, a la cual se suma luego la guitarra eléctrica. "I Know You're Out There Somewhere" dentro de su estética sythpop, tiene muchos arreglos, tanto progresivos como sinfónicos, además de los juegos vocales y los coros, cosa que para mí, la hace sencillamente irresistible. El armado en general del tema, es grandioso.

"Suer La Mer" contiene en total 10 tracks, con canciones que van desde el pop rock melódico hasta un rock progresivo que tira a synthpop... En sí, el disco no cabe dentro de la etiqueta synthpop, pero ganas de hacerlo, no le faltan... Las letras discurren principalmente dentro de una vertiente amorosa.
El segundo single del álbum, después de "I Know You're Out There Somewhere", es "No More Lies", que alcanzó un éxito medio.

Otra de mis canciones favoritas de este disco son "Want to Be With You" y "Here Comes the Weekend".

Los créditos de las canciones se reparten entre Justin Hayward y John Lodge. En el trabajo musical estuvieron, Hayward, Lodge, Patrick Moraz y Graeme Edge.

Tracks:

1. I Know You're Out There Somewhere
2. Want to Be With You
3. River of Endless Love
4. No More Lies
5. Here Comes the Weekend
6. Vintage Wine
7. Breaking Point
8. Miracle
9. Love Is on the Run
10. Deep

Valoración del Álbum:

Bacilos fue una reconocida banda de latin pop fundada en la ciudad de Miami, Florida, con tres integrantes de diferentes nacionalidades, Jorge Villamizar (Colombia), José Javier Freire (Puerto Rico) y André Lopes (Brasil). Gracias a que su música está influenciada por géneros como el rock, salsa, rumba, vallenato, trova, samba, bossa nova, etc, es uno de los grupos musicales de habla hispana más reconocidos y exitosos en América y Europa, principalmente en España, debido también a su originalidad, ya que no existe o ha existido otro grupo parecido.
Al empezar a dar sus primeras exposiciones en público, consiguieron una buena cantidad de adeptos, llamando así la atención de varios ejecutivos de la industria musical, quienes les ofrecieron a los integrantes su primer contrato con una disquera venezolana, el cual firmaron. Su primer contrato discográfico no fue muy benéfico. Bacilos vivió la parte más oscura de su corta carrera al estar fuera de los escenarios algo de cuatro años por malos manejos de su disquera. Además, durante ese tiempo el grupo se separó al retornar Jorge Villamizar  a su país por el vencimiento de su visa. Regresó a Miami en 1999 para reunir al grupo nuevamente y así grabar su primer álbum de estudio, titulado "Madera", con la ayuda de amigos y familiares. Dicha producción vendió mil copias en unas semanas. Gracias a "Madera", le ofrecieron a Bacilos un contrato con WEA International, sello discográfico de la Warner Music Group, en el año 2000, el cual fue firmado inmediatamente.

Ese mismo año lanzan su segundo álbum de estudio, el homónimo, que no fue otra cosa que la reedición de "Madera", con algunos cambios en el orden de la lista de canciones. Su primer single, "Tabaco y Chanel", llegó a los primeros lugares de popularidad en Latinoamérica, principalmente en Colombia, y España. Uno de los momentos más trascendentales del grupo fue su integración a la gira "El Alma al Aire" realizada por Alejandro Sanz, que los llevó a Europa, específicamente a España. Fue de esa manera como se ganaron una gran popularidad en la madre patria, cuya consecuencia fue la edición de su primer disco, con un nuevo diseño de sus carátulas, exclusivamente para ese país.

"Bacilos" contiene en total 10 temas, con melodías muy latinas, obviamente, que van desde las más melancólicas y tristes, hasta las más felices y alegres. Las letras a su vez, son entre románticas, tristes, analíticas, críticas y pícaras. Mis favoritas son el popular "Tabaco y Chanel" y "Crónica".

Tracks:

1. Manchados de Amor
2. Tabaco y Chanel
3. Bésela Ya
4. Soledad
5. Cuestión de Madera
6. Lo Mismo Que Yo
7. Crónica
8. Ahí Va la Madera
9. Más Allá
10. Cómo Querer

El 2006 fue el año de su última gira titulada "Contigo Se Va", por América y el continente europeo. Realizaron su último concierto como conjunto el día 21 de febrero del 2007, en el XLVIII Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, en Viña del Mar, Chile. Yo era un niño todavía...

Valoración del Álbum:

Aunque se dice que la letra es en parte una alusión a la novela "1984" de George Orwell, y puede que no falte razón en ello, personalmente pienso, al igual que otras personas, que el sentido de esta canción va más allá.
Compuesta por Alan Parsons y cantada originalmente por Eric Woolfson, "Eye in the Sky" es la segunda canción del disco de 1982 que lleva su nombre, y es también, la canción más exitosa que The Alan Parsons Project lanzó en toda su carrera. El disco al que pertenece, abre con el tema "Sirius", un instrumental estupendo con una espectacular melodía del sintetizador y los teclados, acompañada con un magnífico solo de guitarra... "Sirius" no es otra cosa que el tema introductorio de "Eye in the Sky"...
El sonido de esta canción es un clásico pop rock ochentero con sus tonos progresivos, donde la batería y la guitarra se llevan la mayor parte de los aplausos, además de los vocales, claro. La letra, tiene un sentimiento profundo de sinceridad, compuesta por un orden claro y directo de las cosas, sin preámbulos ni falsas analogías.

Valoración de la Canción:

"Concerto for Group and Orchestra" es el primer álbum en directo del grupo de hard rock británico Deep Purple, lanzado en diciembre de 1969, después de sus tres primeros álbumes de estudio, lanzados entre 1968 y mediados de 1969. Fue interpretado por la  Royal Philharmonic Orchestra dirigida por Malcolm Arnold, compuesto por Jon Lord, teclista de Deep Purple y grabado en el Royal Albert Hall de Londres.
La historia de la banda no se las voy a contar hoy, lo haré en algún momento más adelante, cuando lo crea debido. Por ahora, les traigo este en directo, una de las más grandes muestras de rock sinfónico, tanto de la banda como dentro del género en general. La versión original, en vinilo, contiene cuatro piezas, que en sí son tres temas; "First Movement: Moderato-Allegro", "Second Movement: Andante", que está dividido en dos, la primera parte en la cara A, y la segunda, en la B, aunque en la versión en CD, que tengo yo, está como una sola pieza. Cierra la presentación "Third Movement: Vivace-Presto". Justamente en esta versión que poseo, de manera digital, son cinco temas, ya que el disco abre con dos que son meramente hard rock, ambas de larga duración; "Hard Road (Wring That Neck)" y "Child in Time", las dos superan los doce minutos y no aparecen en el vinilo.

"Concerto for Group and Orchestra" fue interpretado sólo dos veces entre 1969 y 1970, para permanecer treinta años sin ser interpretado nuevamente por la banda. En 1999 el concierto fue interpretado de nuevo en el Royal Albert Hall londinense, la performance ha sido repetida varias veces en la década siguiente.

El 2003 "Concerto for Group and Orchestra" fue reeditado en DVD.

Acá les dejo la versión original para que la disfruten:

Valoración del Álbum:

Para mí, uno de los más grandes dúos de música electrónica de la historia, y no sólo dúos, grupos en general. Me refiero, obviamente, a los franceses Guy Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter, Daft Punk, los infaltables en toda buena fiesta.
Este par se conocieron en Lycée Carnot, una escuela secundaria en París. Los dos se hicieron buenos amigos, lo que los llevó a iniciar la banda Darlin', con Laurent Brancowitz en 1992. Bangalter y Homen-Christo tocaban bajo y guitarra, respectivamente, mientras Brancowitz tocaba la batería. El nombre del trío provenía de la canción de The Beach Boys del mismo nombre, que grabaron junto con una composición original, la cual fue lanzada en un EP de Duophonic Records multiartista. Una reseña negativa de la revista Melody Maker llamó a la agrupación "A bunch of daft punk" (un manojo de tontos punk), ellos, en vez de ignorarla, la encontraron interesante. Como Homen-Christo comentó: "nos esforzamos demasiado en encontrar [el nombre] 'Darlin', y pasó tan rápido...". Darlin' se desintegró después de lo sucedido, dejando oportunidades de Brancowitz en estar con Phoenix, una popular banda francesa de rock alternativo. Bangalter y Homen-Christo formaron Daft Punk y empezaron a experimentar con cajas de ritmos y con sintetizadores.

En 1993, Daft Punk atendió un rave en Disneyland París, en donde conocieron a Stuart Macmillan, integrante de la banda Slam y co-fundador de la discográfica Soma Records Quality Recordings. El demo que le dieron a Macmillan formó el debut de Daft Punk con el sencillo "The New Wave", el cuál tuvo una publicación limitada en 1994. El sencillo también contenía la versión final de "The New Wave", llamada "Alive", la cuál se introdujo en su primer álbum, "Homework", del que hablaremos en un momento.

Daft Punk regresó al estudio en mayo de 1995 para grabar "Da Funk", que se convirtió en su primer éxito comercial ese mismo año. Tras el éxito de "Da Funk", que también se incluiría en "Homework", Daft Punk decidió buscar a un representante. Finalmente terminaron contratando a Pedro Winter, que regularmente promocionaba a Daft Punk y a otros artistas en sus clubes nocturnos. La banda luego firmó con Virgin Records en septiembre de 1996.
Esto fue lo que dijo Bangalter sobre la decisión de firmar con Virgin:
Muchas compañías nos hicieron ofertas. Vinieron de todas partes, pero decidimos esperar porque no queríamos perder el control de lo que habíamos creado. Rechazamos a muchas compañías discográficas. No estábamos interesados en el dinero, así que rechazamos a las que querían más control de lo que nosotros estábamos dispuestos a tener. En realidad, somos más como socios con Virgin.

Cabe recalcar que Daft Punk es conocido también por sus excéntricas presentaciones en vivo y por los trajes que usan en ellas, sobre todo por sus máscaras robóticas, aunque estas no se usaron hasta pasada la era de "Homework", con el lanzamiento de su segundo álbum de estudio; "Discovery". Lo que siempre han mantenido es esa especie de anonimato y repudio a la fama al estilo rockstar, ya que lo importante para ellos no es que la gente los reconozca ni que se enamoren de ellos, su intención es que las personas reconozcan su música y se enamoren de esta, que gusten de lo que ellos hacen, no de ellos como personas... Daft Punk prefiere alejar lo público de lo personal y concentrarse en su arte, y eso, pese a sonar contradictorio, los ha hecho más famosos, ese halo de misterio que hay al rededor suyo les ha convertido en esas estrellas de la música electrónica, que se niegan a serlo.

Como dijo Bangalter, conocido por ser el "hablador" del dúo: No creemos en el estrellato. Queremos estar enfocados en la música. Si tenemos que crear una imagen, debe de ser una imagen artificial. Eso esconde nuestro aspecto físico y también muestra nuestra opinión del estrellato. No es un compromiso.

"Homework", es, como dije al principio, el primer álbum de estudio de Daft Punk, lanzado a principios del año 1997, cuenta con dos temas que son de los más populares del dúo, y a la vez, de los más reconocidos dentro del ámbito electrónico y house, convirtiéndose en íconos absolutos del french house, me refiero a "Da Funk" y "Around the World", los temas base de este espectacular disco, que en total contiene dieciséis tracks, de los cuales cuatro, son mis favoritos, "Indo Silver Club", "Burnin'" y los otros dos ya mencionados, temas que para mí, son infaltables de toda fiesta elogiable.
Letras no hay, ya que todos los temas en su mayoría son instrumentales, salvo en casos como "Around the World", que repite el nombre de la canción durante todo el desarrollo de esta. El sonido se identifica por ser claramente house, con momentos funk, acid y techno.

Tracks:

1. Daftendirekt
2. WDPK 83.7 FM
3. Revolution 909
4. Da Funk
5. Phoenix
6. Fresh
7. Around the World
8. Rollin' & Scratchin'
9. Teachers
10. High Fidelity
11. Rock'n Roll
12. Oh Yeah
13. Burnin'
14. Indo Silver Club
15. Alive
16. Funk Ad

Este artículo marca el inicio de mi trabajo acerca de la discografía de Daft Punk, tal como hice con Coldplay, Traffic Sound, The Alan Parsons Project, entre otros, hace un tiempo atrás. Lo hago porque se acerca el lanzamiento oficial de "Random Access Memories", su cuarto álbum de estudio, además, algunas personas ya me había estado pidiendo al menos un post del genial dúo francés, así que aquí lo tienen.

Valoración del Álbum:

Resulta que a mediados de los años '70, cuando el rock progresivo estaba muy en boga y muy de moda entre el pueblo rockero, el señor Charly García andaba como loco de un lado al otro con toda su creatividad encima y sin dónde plasmarla, ya que Sui Generis se había desintegrado hacía poco tiempo, es por ello, que ni corto ni perezoso, se embarca en un nuevo proyecto musical, que tendría como principales influencias a bandas como Yes, Genesis, Pink Floyd y Focus, me refiero a La Máquina de Hacer Pájaros, un grupo que duró muy corto tiempo (1975-77), pero que nos dejó grandes canciones y la demostración de que sí podemos hacer rock progresivo del mejor en Latinoamérica.
Los vientos del rock progresivo y sinfónico golpeaban la puerta de García, recordar el fantástico solo de teclados y piano en el concierto despedida de Sui Generis (en el tema "Un Hada Un Cisne"), dentro del estilo Rick Wakeman de "Yessongs", y los arreglos de "Instituciones" (último disco de la banda) que ya insinuaba arreglos en elaborado estilo, además de su reconocido gusto por Procol Harum o su banda de cabecera, The Beatles. La idea de un nuevo proyecto en esta línea ya estaba en marcha.

Oscar Moro, ex baterista de Los Gatos y de Color Humano, entre otras bandas, le había mencionado a Charly que quería trabajar con él. Fue Moro precisamente el primer convocado. Existía por entonces en el Buenos Aires de principios de 1976, una banda formada por Pino Marrone en la guitarra, Aníbal Kerpel en el teclado, Gonzalo Farrugia en la batería y José Luis Fernández que tocaba el bajo. Este joven abandonaría esa banda para unirse a García y Moro. El reemplazante de Fernández sería Gustavo Montesano, mientras que la banda citada luego sería Crucis, una de las grandes en Argentina.
El debut de este grupo (Moro, García Fernández) se dio en Córdoba, poco después, en ese show conocen a un fan, también músico, que tocaba guitarra, llamado Gustavo Bazterrica, que se transformaría en el cuarto miembro del grupo. Alcanzado el estatus de cuarteto, La Máquina de Hacer Pájaros realiza sus primeras presentaciones capitalinas en el boliche La Bola Loca, propiedad de Atilio Stampone. También se había incorporado un coro a cargo de Ana María Quatraro y Héctor Dengis. Pero Charly no estaba conforme y decide agregar a otro integrante para poder alcanzar una identidad grupal que no dependa tanto de él, y eliminar al coro. Es así como Carlos Cutaia, ex Pescado Rabioso, entra a formar parte de La Máquina de Hacer Pájaros. "La onda es hacer una música elaborada, con concepción en los arreglos. Pero no queremos hacer una música hermética, queremos que la entienda todo el mundo." manifestó Charly García en el año 1976. También dijo Charly que la banda pretendía ser "el Yes del subdesarrollo".
La Máquina de Hacer Pájaros fue contemporánea al inicio de la dictadura argentina, y es en este grupo donde Charly comienza a desplegar su enorme potencial como músico, compositor, cantante y letrista.

Había por esos años una tira de humor gráfico, cuyo protagonista era un tal García, y la historieta se titulaba "García y La Máquina de Hacer Pájaros", la coincidencia hizo que adoptaran ese nombre para la banda. El dibujante y humorista autor de esa tira, llamado "Crist", les hizo una graciosa historieta para la portada del álbum debut, en donde el protagonista presentaba a la banda, definiéndola como "un pájaro progresivo".

Con el material suficiente para un disco (mucho del cual ya venía de Sui Generis), comienzan a tocar en locales para no más de trescientas personas, para terminar de afianzarse y afinar los detalles finales, corría mediados de 1976...
Con ese material, totalmente escrito por García, aunque en contra de lo que él pretendía, ya que deseaba ser uno más adentro del grupo y no el líder, (pero la cantidad y la calidad de su producción musical pudo más) se disponen a grabar su debut discográfico. El disco debut fue llamado igual que la banda. La voz de Charly en este primer disco de La Máquina de Hacer Pájaros, casi ni se escucha. En cambio, sí pueden escucharse los coros de Celeste Carballo (actualmente, ícono del rock argentino), con solo 20 años de edad en aquel entonces. "La Máquina de Hacer Pájaros" fue lanzado a finales de 1976.

"La Máquina de Hacer Pájaros" contiene siete temas en total, con varios tracks de larga duración, aunque el que más resalta (y el que se convertiría posteriormente en el clásico de este disco y el tema más popular y reconocido de la banda), es "Cómo mata el viento norte", la canción que menos dura de su disco homónimo.

Las letras de este álbum marcan una distancia con las de Sui Generis, donde eran de estilo más adolescente y amoroso, en este disco, podemos ver a un García intentando ser más profundo. Aunque dicho sea de paso, el tema que abre el álbum homónimo de La Máquina de Hacer Pájaros, "Bubulina", ya se tocaba en las presentaciones en vivo de Sui Generis.

Por otra parte está el lado melódico, que demuestra una gran madurez musical por parte de Charly y compañía. Aunque digámoslo así, los discos de esos años, lanzados entre 1973 y 1976 por bandas como Focus, Pink Floyd o The Alan Parsons Project, el álbum debut en el caso de esta última, están mucho más desarrollados, mientras que La Máquina de Hacer Pájaros, pese a ser de la segunda mitad de los 70's, tenía un rock progresivo más hacia "In the Court of the Crimson King", de King Crimson, considerado el primer álbum de rock progresivo, o "In Search of the Lost Chord", de los Moody Blues, también algo por ahí del famoso "Yellow Submarine" de los Beatles, todos de finales de los sesenta y con un sonido mas lo-fi (esto sin desmerecerlos, ya que los discos mencionados son de los más grandes de la historia, lo-fi no es sinónimo de malo), aunque tiene también bastante similitud sonora con "Close to the Edge", de Yes, lanzado en el '72. En cierto modo, esto se debe a que en esa época era más difícil acceder a los nuevos discos lanzados en Estados Unidos y Europa. Pero estas comparaciones se vuelven simples vanidades al escuchar el disco, donde uno se encuentra con un rock progresivo de primerísima calidad, al nivel de Pink Floyd, Yes, y de las principales bandas progs de aquellos años.

El álbum debut de La Máquina de Hacer Pájaros tiene un rock progresivo con mucha esencia sinfónica y psicodélica, también con algo de ácido, al buen estilo de King Crimson. Abre el disco, como dije antes, "Bubulina", rock progresivo sinfónico, con tintes de psicodelia, donde el sonido de los teclados es magnífico, y digo los teclados porque fueron justamente Charly y su Máquina, los primeros en introducir con éxito en una banda el uso de dos teclados de manera simultánea, en el Argentina y si no me equivoco, en América Latina también. Con unos quiebres alucinantes, el sonido de la batería es espectacular, cosa obvia, ya que la banda contaba con el mejor baterista argentino; Oscar Moro... Y bueno, en "Bubulina" no podemos dejar de mencionar la genial trabajo de la guitarra, con unos solos simplemente hermosos, bastante psicodélicos. Le sigue "Cómo mata el viendo norte", donde la guitarra acústica, acompañada del sintetizador y la suave y melodiosa voz de García, nos llevan de viaje por el paraíso del prog-rock. En esta canción, la batería, rítmica y sin aspavientos, acompaña demasiado bien, y a la vez el bajo, uff, "Cómo mata el viento norte" es una señora canción, digna de los más grandes y sublimes aplausos.
Aparece después, en tercer lugar "Boletos, pases y abonos", un tema muy sinfónico, con una estética que por momentos se acerca al sonido funk, sobre todo por el trabajo que cumple el bajo en este tema. Cabe resaltar también el magnífico solo de teclado, realmente es esencial el trabajo en teclados de La Máquina de Hacer Pájaros. "No puedo verme más" es el cuarto tema del disco, un rock progresivo bastante ácido, donde la guitarra cumple un rol básico dentro de la grandeza de esta canción.
Después viene "Rock and roll", que es básicamente un R&B, con algunos arreglos progresivos.
"Por probar el vino y el agua salada", el penúltimo tema del álbum, un folk rock que al igual que su predecesor, tiene arreglos prog.
Cierra el disco homónimo de esta gloriosa banda argentina "Ah, te vi entre las luces", la canción más larga del álbum, más de once minutos de voces melódicas, coros espectaculares, rock sinfónico, psicodelia ácida y rock progresivo que nada tiene que envidiarle a los grandes del rock progresivo británico.

Por eso y muchas cosas más, vamos a Argentina esta navidad!

La Máquina de Hacer Pájaros se separó a finales de 1977, dejando un efímero pero grandioso legado a todos los amantes del rock, que como yo, y otros miles más de personas, disfrutan mucho y demasiado de este género musical.
Nunca me cansaré de repetirlo, le duela a quien le duela, Argentina es el país que mejor rock en español ha lanzado... Ni siquiera España logra alcanzarle...
Aguante el rock che!



Fuente del contenido histórico: Wikipedia en español.

Valoración del Álbum:

Aunque ya separados, y con Aphrodite's Child desaparecido, Vangelis y Demis Roussos siguieron colaborando juntos como ya les he contado en alguna otra ocasión, si mal no recuerdo, de manera esporádica. El día de hoy les dejo este super disco, que no es tan fácil de conseguir, pero lo que sí podemos encontrar sin mucho problema son las canciones que lo componen, en YouTube.
"Magic" fue lanzado el año 1977, con música compuesta por Vangelis y cantada por Roussos. Contiene un total de once canciones, con letras bastante felices, al igual que las melodías que contienen, que discurren entre los sonidos de pop melódico, típicos de Roussos durante la mayoría de su carrera, y el sintético new age de Vangelis, que recuerda en muchos momentos al popular pero posterior BSO que hizo para la película "Blade Runner", del '82. Lo adornan también pasajes que tienen cierto sabor a reminiscencia de Aphrodite's Child, con su psicodelia y progresividad.
Y mientras ustedes se distraen con Vangelis y Demis, yo voy a seguir preparando los post prometidos acerca de Daft Punk.

Tracks:

1. Because
2. Time and Tide
3. Maybe Forever
4. My Face in the Rain
5. I Dig You
6. Margarita
7. Let It Happen
8. Bambine
9. The Banana Boat Song (Day-O)
10. Sister Emilyne
11. Before the Storm

Valoración del Álbum:

Así es mis queridos lectores, para todos los Daft Lovers y seguidores del popular dúo francés de música electrónica, Daft Punk, hay una gran noticia, ya está disponible en pre-orden para la versión física "Random Access Memories", su nuevo álbum, cuarto en la historia de la banda, que regresa ocho años después de su popularísimo "Human After All". El nuevo disco contiene trece temas en total, de los cuales no se sabe el nombre aún, ya que no hay casi información disponible por parte del grupo. Según me he informado, incluiría las colaboraciones de Giorgio Moroder, Nile Rodgers y Panda Bear. El álbum estará disponible el 21 de mayo, así que ya falta muy poco para poder disfrutar de su nuevo trabajo.
Todos los detalles disponibles y la pre-orden la encuentran en www.randomaccessmemories.com, página web destinada a todo lo que tiene que ver con en nuevo disco de Daft Punk. Dicho sea de paso, los franceses ya no sacarían este material con la disquera Virgin, ya que sería lanzado bajo el sello de la Columbia Records. Y bueno, estos días, antes del lanzamiento oficial de "Random Access Memories" en mayo, iré escribiendo acerca de los tres álbumes anteriores a este y, de paso, si me animo, le entramos también al BSO que hicieron para la película "Tron: Legacy", del 2010.

Hoy juega Perú, sí que sí, contra nuestro clásico rival, Chile, por las clasificatorias al mundial de Brasil 2014, y aunque puede que a la mayoría de ustedes no les importe, a mí sí, ya que las tres cosas que más me gustan son, la música, obviamente, los autos y el fútbol. Así que espero el día de hoy poder ver una victoria nacional. Ahora sí, también el día de hoy, le traigo un álbum genial, estupendo, que para mí, es el mejor de Pink Floyd, ya que siempre he dicho que prefiero a Pink Floyd sin Roger Waters que con él, se trata de "The Division Bell", el décimo cuarto y último álbum de la banda británica de rock progresivo, el segundo sin Waters. Y claro, cuando fue lanzado al mercado, la crítica le tiró una buena cantidad de piedras encima, diciendo, por ejemplo, que "la avaricia es la única explicación posible para este álbum simple y estúpido, notable por la fusión de rock progresivo pomposo y new age que pone enfermo", además de que el señor Roger salió a decir que era una "basura, tonterías de principio a fin", claro, me imagino que estaba resentido porque dentro de todo se creía amo y señor de Pink Floyd y el hombre creativo, craso error, a mi parecer, Roger Waters disminuyó mucho la capacidad creativa grupal, no niego que sea un buen músico, pero prefiero a David Gilmour, por kilómetros de distancia. Pero bueno, a la mayoría de los pinkfloyers que conozco no les simpatiza tanto el Pink Floyd de Gilmour como el de Waters, o el del mismo Syd Barrett.

Pero bueno, en 1985, al dejar Roger Waters la banda, este la dio por oleada y sacramentada, pero aún así, sus compañeros siguieron usando el nombre, por lo que hubo algunos pleitos legales, que después de que se repartieran a pedazos lo que quedaba del grupo, me refiero a autoría de las canciones y los derechos de estas, Gilmour, Mason y Wright pudieron continuar usando el nombre de la banda, aunque en el penúltimo disco de esta, el primero sin Waters, "A Momentary Lapse of Reason", Wright participó no como parte de Pink Floyd en sí, más bien fue músico asalariado, cosa que ya no ocurrió en "The Division Bell", donde también compuso y metió su cuchara...

En enero de 1993 Gilmour, Mason y Wright comenzaron a improvisar nuevos temas, en unas sesiones de grabación en los Estudios Britannia Row, recientemente reformados. A pesar de que la banda tenía cierta aprensión a grabar juntos nuevamente, después del primer día aumentó la confianza en sí mismos y poco después, pidieron al bajista Guy Pratt (quien, desde el final de la gira de "A Momentary Lapse of Reason", se convirtió en novio de la hija de Wright), que contribuyese. Según Mason, "ocurrió un fenómeno interesante, que fue que la forma de tocar de Guy comenzó a cambiar la atmósfera de la música que nosotros mismos habíamos creado con anterioridad". Sin los problemas legales que experimentaron a la hora de producir su álbum de 1987, "A Momentary Lapse of Reason", Gilmour estaba más tranquilo; si veía que la banda "estaba consiguiendo algo", simplemente apretaba el botón de grabar. En un punto Gilmour, grabó de forma clandestina a Wright tocando los teclados, capturando material que después sería la base de tres piezas musicales.

Valoración del Álbum:

Para todos aquellos que aman la música pop al viejo estilo, acá les dejo un álbum que contiene un tema que lleva el nombre del mismo y que ya deben conocer, me refiero a "Forever and Ever", del griego Demis Roussos, que aunque es nacido en Egipto, nació en el seno de una familia griega que fue expatriada de su país. Luego de estar junto a Vangelis en Aphrodite's Child, antes de que la banda se separase, lanza su primer álbum como solista: "On the Greek Side of My Mind", en el '71, disco que no pegó tanto como el posterior, del año 1973, que contiene el super éxito que da nombre al disco y que mencioné al inicio.
"Forever and Ever" es un disco que contiene canciones muy buenas y que a la misma vez te relajan, son suaves, como para pasar un momento con música a bajo volumen, mientras conversas, te tomas un café, y bueno, cuando vas en el auto... También son de esas geniales para simplemente sentarse a escuchar, como toda buena canción.
Bien, antes de continuar y dejarles la lista de temas y una canción para que escuchen, quiero contarles algo un poco sentimental, pero en el buen sentido, nada amoroso, sino de darme cuenta de lo valiosos que se han convertido este blog y mis conocimientos musicales para otras personas, entre las cuales se encuentran algunas que conozco y aprecio mucho.

Hace unos días atrás, mi estimado primo Paulo, gran conocedor de los mundos de la música y estupendo melómano, me dijo algo que dejó huella en mi persona: "dejando de lado el orgullo, ese blog tuyo me ha enseñado muchas cosas nuevas y que antes no conocía"... El día de hoy, para completarla, mi amigo el señor Sebastián Gálvez Fargo, me dijo: "contigo descubrí a The Strokes, The Killers, y bandas que me parecen geniales", dicho sea de paso, gracias a mí, el señor Fargo le agarró gusto junto a su hermano, popularmente conocido como Mr. Darcy, a un disco de Pink Floyd, grupo que siempre habían rechazado, y me refiero a su último disco; "The Division Bell". Esto me llena de mucha alegría, el saber que gente que en verdad sabe de música, aprenda cosas conmigo, descubra nuevos grupos, discos, melodías...

Bien, "Forever and Ever" contiene en total diez tracks, y son los siguientes:

1. Forever and Ever
2. My Friend the Wind
3. My Reason
4. Lay It Down
5. Lovely Sunny Day
6. Lost in a Dream
7. Velvet Mornings
8. Rebecca
9. When I Am a Kid
10. Goodbye My Love, Goodbye

Valoración del Álbum:

Bien, hoy les traigo un álbum sencillamente espectacular, uno de los mejores de la historia... "Days of Future Passed", de The Moody Blues, lanzado en diciembre del '67, considerado por muchos como el precursor del rock progresivo, es más, yo personalmente, junto a algunos otros, considero este álbum el primer gran álbum conceptual y el primer álbum progresivo. No puedo asegurar que sea el primer álbum conceptual, lo dudo mucho, pero sí puedo asegurar que es el primero de los grandes... Mis conocimientos musicales no dan para tanto por ahora, pero con los años me imagino, al crecer mis conocimientos, tendré la suficiente sabiduría musical como para poder dar un personal veredicto al respecto...
"Days of Future Passed" es mi disco favorito de los Moody Blues, es también el primer disco de esta banda británica que escuché de manera íntegra, aunque paradójicamente no contiene la primera canción que escuché de ellos, que es la popular "In Your Wildest Dreams", del año 1986. Cuando por primera vez escuché este hermoso álbum, me di cuenta que era justo lo que andaba esperando escuchar en una banda progresiva, algo super sinfónico, mi lado clásico me hacía sentir obligado a encontrar algo de esas dimensiones, y pues, al final lo terminé encontrando, y me fascinó.

Cabe recordar que de ese mismo año, 1967, es lanzado el primer disco de Pink Floyd; "The Piper at the Gates of Dawn", aunque este, pese a tener su lado progresivo, es más psicodélico, y en verdad, pese a ser de Pïnk Floyd, no se merece los aplausos y el renombre que le doy a "Days of Future Passed"... Una nota antes de continuar, el álbum de Pink Floyd es del mes de agosto, mientras que "Days of Future Passed", es de diciembre.

Este disco es el segundo de los Moody Blues, el primero es del año 1965, "The Magnificent Moodies", pero este primer disco tiene algunas distancias con el segundo, primero, que tira más hacia el R&B y el clásico pop rock británico de aquellas épocas, al estilo de los Beatles, Rolling Stones y bandas similares, segundo, que cuenta con dos miembros que se retirarían el año '66.

The Moody Blues contaba inicialmente con cinco miembros, primero: Ray Thomas (flautas, armónica, voz) y Mike Pinder (teclados y voz), ambos fundadores, a quienes se uniría más tarde Denny Laine (guitarra y voz), Graeme Edge (batería) y Clint Warwick (bajo), y serían estos cinco quienes compondrían los primeros Moody Blues, y quienes grabarían juntos su primer LP, ya en 1966, luego de algunas giras, Laine y Warwick decidirían pasar a retirarse, llenando su sitio Justin Hayward y John Lodge respectivamente, quedando así la formación más duradera de la banda, aunque unos años más tarde Patrick Moraz sustituiría a Pinder.

Bien, ya tienen algo de su historia, ahora sí, nos metemos de lleno a "Days of Future Passed".
The Moody Blues reagrupados, se proponen, antes que nada, mantenerse a flote financieramente, y deciden tocar principalmente en Europa. El despegue esperado se da cuando Deram Records, un sello de Decca Label, en 1967, decide que necesita un disco de larga duración para promover su nuevo equipo de sonido "Deramic Stereo". The Moody Blues es escogido para el proyecto propuesto, y les encargan elaborar los arreglos de una versión en rock de una pieza clásica llamada Dvorak’s New World Symphony, inmediatamente ellos convencen al productor y al ingeniero del staff, abandonar el material propuesto y permitir al grupo usar una serie de sus propias composiciones que denominaban “Un día arquetípico, de la mañana a la noche”. Estos aceptan y usando las cintas de la nueva música realizada por la banda, con arreglos de orquesta sinfónica ejecutados por el conductor Peter Knight, se realizo el álbum "Days of Future Passed", el cual se volvió un hito en la historia del grupo. La mezcla de rock y los sonidos clásicos era nueva, al principio confundió a la compañía disquera, pero al final se convenció y el disco fue producido y sacado a la venta. Este álbum, y sus temas "The Night: Nights in White Satin" y "The Afternoon: Forever Afternoon (Tuesday?)/Time to Get Away”, enganchadas armónicamente en el álbum, dieron como consecuencia su siguiente disco "In Search of the Lost Chords", del año 1968, en este nuevo proyecto la banda desecha la orquesta en favor del mellotron (instrumento musical electro-mecánico polifónico que apareció a mediados de los años '60), que rápidamente se volvió parte del sonido de la los Moody Blues.

El disco nos narra la vida, el ser de un día común y corriente, y en cierta manera, es una crítica a la monotonía diaria. Con unas letras espectaculares y a la vez simples, nos lleva a través de sus múltiples y suaves acordes, por un mundo donde un día común y corriente se convierte en algo más que eso, se convierte en la vida...

Yo creo que más que en las letras, sin despreciar a estas que son muy bellas y geniales, como el poema al inicio del álbum, recitado al final de la primera canción, que lamentablemente mucho se ha criticado por lo pomposo y clásico, lo más importante de este álbum se centra en la melodía, que también se ha criticado según he leído, por lo clásica y un tanto pasada de era que es, pero para mí, estos comentarios son sinceramente irrelevantes, porque creo a ciencia cierta, que en las melodías clásicas combinadas con las distintas afluencias rock, sobre todo de orden progresivo y psicodélico, se encuentra el secreto de lo maravilloso de "Days of Future Passed".

La melodía es estupenda, el sonido de la flauta y de los violines se llevan los aplausos a la hora de analizar el lado clásico, pero sin desmerecer al piano, que es hermoso en temas como "Evening: The Sun Set/Twilight Time". Del lado rock, obviamente progresivo y psicodélico, lo que me hace mucha gracia es en el tema "Lunch Break: Peak Hour" cuando el rock toma una esencia que dentro de su psicodelia, toma rasgos de surf rock y de proto-punk, algo super increíble...
Y las voces, melódicas, acompasadas, llenas de vida... Todo lo que compone "Days of Future Passed" es genial!

Y bueno,  "Days of Future Passed" contiene en total siete piezas, todas increíbles, no puedo resaltar ninguna, todas engranan en absoluta y perfecta armonía, dando una continuidad sonora al álbum que deja sorprendido al más conocedor, convirtiéndola en una pieza única e inestimable que todo melómano y amante del prog-rock debería tener en su colección, o al menos, escucharla íntegra una vez en su vida...

Tracks:

1. The Day Begins
2. Dawn: Dawn Is a Feeling
3. The Morning: Another Morning
4. Lunch Break: Peak Hour
5. The Afternoon: Forever Afternoon (Tuesday?)/Time to Get Away
6. Evening: The Sun Set/Twilight Time
7. The Night: Nights in White Satin

Valoración del Álbum:

Bien, mientras termino de preparar un material que quería mostrarles hace un tiempo, les traigo este álbum que es sencillamente espectacular, "End of the World", del año 1968, álbum debut de la banda griega Aphrodite's Child, de donde luego se lanzarían en solitario tanto el popular intérprete de pop melódico Demis Roussos, como al que ya mencionamos algunos post atrás, el compositor de new age Vangelis, aunque ambos ya venían de haber estado en otras bandas, cuyos nombres no recuerdo, pero bueno. Aphrodite's Child luego del lanzamiento de su primer disco, se volvió muy popular en Francia, donde vivían por esos días tres de sus cuatro miembros, ya que el último se había quedado cumpliendo servicio militar en su país natal, Grecia, debido a que la dictadura andaba en el poder aquellos días en la tierra Zeus, es por eso que los miembros de Aphrodite's Child, y de otras bandas griegas más, habían tenido que migrar al país de Víctor Hugo, unos de quedada y otros de paso a Inglaterra, como fue el caso de Vangelis y compañía, aunque al final se vieron obligados a permanecer en Francia por algunas revueltas que hubieron por allá y que no les permitieron partir a Inglaterra.

Durante sus cortos años de existencia, Aphrodite's Child sólo contó con cuatro miembros y nunca movió sus alineaciones, salvo una vez que por motivos de estar preparando un trabajo, Vangelis se ausentó durante una gira. Los cuatro componentes de la banda fueron: Vangelis Papathanassiou (teclados); Demis Roussos (bajo y voces), Loukas Sideras (percusión y voces), y AnargyrosKoulouris (guitarra), aunque este último no participó en "End of the World", ya que fue él quien se quedó a cumplir servicio militar en Grecia.

Ahora, a lo que vinimos. "End of the World", es un álbum que tiene cierto sabor a los Moody Blues, sobretodo en sus canciones más feeling, como "Rain and Tears" y "Valley of Sadness". En sí, este disco es predominado por un sonido de rock sinfónico más que progresivo per se, con sus tintes de pop melódico en algunos pasajes, que me recuerdan mucho a We All Together, aunque los peruanos son de un par de años después.
De "End of the World" recomiendo principalmente los dos temas feeling que mencioné allá arriba... Y bueno, espero lo puedan adquirir y en todo caso, escuchar sus nueve tracks en YouTube...

Verdad, antes de terminar, les adelanto que los post que se vienen son, primero, de los Moody Blues y segundo, de Demis Roussos, así que estén atentos, que ya salen, ya salen!

Tracks:

1. End of the World
2. Don't Try to Catch a River
3. Mister Thomas
4. Rain and Tears
5. The Grass Is No Green
6. Valley of Sadness
7. You Always Stand in My Way
8. The Shepherd and the Moon
9. The Shepherd and the Moon

Valoración del Álbum:

Dos en uno, así es "Bi", el último álbum del popular cantautor argentino Kevin Johansen y su grupo The Nada, un disco doble que es absolutamente genial. Se compone de dos partes, obviamente, el primer disco se titula "Jogo/Subtropicalia", y el segundo "Fogo/Pop Heart", el primero más latin y el segundo más hacia el pop, aunque ambos tienen como base melodías latinas. Fue lanzado el año pasado
Nunca fui muy conocedor ni fanático de Kevin, es más, nunca se me dio por investigar y escuchar su música, simplemente tenía su canción "Desde Que Te Perdí", de su álbum "City Zen", del 2004, y pues la escuchaba de vez en cuando. Hasta que un día, viendo VH1 vi un video de "Modern Love" de David Bowie, pero no interpretada por él, sino por Johansen, era el video de un cover increíble, y claro, me encantó esa versión y me puse a buscar, y me encontré con este disco, y no le presté mucha atención, simplemente adquirí el cover de "Modern Love" y ya, hasta que hace unos días vi que alguien había posteado la canción "Amor Finito", la primera del disco uno y del álbum en sí, una canción con una melodía y una letra realmente hermosas, y me dije "este disco tiene que ser mío", y bueno, lo adquirí.

Si están misios, pobres, agujas y no lo pueden comprar, pueden escuchar las canciones gratis desde la web de Kevin Johansen haciendo clic aquí, sólo deben hacer clic, valga la redundancia, en los nombres de las canciones y ya.

Y bien, este disco no está hecho para pensarlo, no, uno simplemente debe sentarse, echarse, y ponerse a escuchar "Bi", y dejándose llevar por sus múltiples universos, universos sin mundos habitables... "Amor Finito" es una de las canciones más bellas que he escuchado, y para mí, en mi opinión personal, es la más bella del álbum, tanto lírica como melódicamente, es genial, tierna, sincera... Es una canción pura, hecha para dedicarse a una sola persona en la vida de uno... Y acá les dejo la letra, para que lo comprueben por ustedes mismo, y no se preocupen, al final del post se las dejo para que la escuchen también.

"Cuando el amanecer
dejó de amenazar
nació la mañana
y tu parecer cambió de parecer
como si nada

Y una estrella fugaz
que el cielo atravesó
sin un testigo,
pasando ese umbral
que no se animó
a cruzar

Tu amor finito,
se acabará
Tu amor finito,
se acabará

Se acabará... Esta noche

Cuando el amanecer
dejó de amenazar
nació la mañana
y tu parecer cambió de parecer
como si nada

Y una estrella fugaz
que el cielo atravesó
sin un testigo,
pasando ese umbral
que no se animó
a cruzar

Tu amor finito,
se acabará
Tu amor finito,
se acabará

Se acabará...
se acabó
se acabó

Cuando el amanecer
dejó de amenazar
nació la mañana..."

¿Les gustó la letra no? Eso me imaginé... Obviamente que les gustó...
Y bueno, la siguiente que me encanta es la que les mencioné primero, el cover de "Modern Love", una suave y hermosa guitarra acústica que nos lleva por paraísos inimaginables... David Bowie debería sentirse feliz de que exista un cover tan genial como el de Johansen de su popular hit ochentero...

Así que bueno, espero puedan disfrutar de este hermoso y sutil álbum, lleno de diversos ritmos folclóricos de nuestra querida Latinoamérica con una suave base pop, que da justo en el clavo, desde el sensual tango argentino hasta sencillas notas con sabor andino y cosas medio tex-mex...

Ja ja, bueno, no sé qué más decir de "Bi", es que me he quedado demasiado enganchado con "Amor Finito", es preciosa! Creo que mejor les dejo la lista de canciones, y bueno, ya les dejé el link allá arriba para que las escuchen todas... Ah, verdad, el tema número cinco del disco primero, no es una canción, es el intro del tema sexto.

Tracks:
Disco 1

1. Amor Finito
2. Baja a la Tierra
3. Jogo (Subtropicalia)
4. Tan Fácil
5. Veredas de Agua
6. Vecino
7. My Name is Peligro
8. Alta, Fea y Linda
9. Milonga que Pasó
10. Picaflor
11. Nunca Digas Siempre
12. Whyoh
13. Chacarera del Deseo (Como Pega el Sol)
14. Waiting for The Sun to Shine
15. Buenos Aires Rio
16. Nieva en Buenos Aires

Disco 2

1. Y Sigo (Canción de Autoayuda Para Mí)
2. No Digas Quizás
3. Down in the Forest (So Many Lovers)
4. Glass
5. Party Girl (Love You To Death)
6. Basta ya de Bastas (Rastars & Rockstars)
7. Seventeen
8. Apocalypso
9. No Tiene Nombre
10. Los Tics Del Jazzero ( Tics of the Jazzman)
11. Dark Side Of Me
12. Everybody Knows
13. Modern Love

Valoración del Álbum: