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Etiquetas: [Apocalipsis]  [ciencia ficción]  [James McAvoy]  [Jennifer Lawrence]  [Marvel]  [Michael Fassbender]  [Oscar Isaac]  [superhéroes]  [XMen]  
Fecha Publicación: 2016-05-23T06:56:00.000-07:00

Por: Sergio Cueto

X-Men: Apocalypse, la esperada continuación de X-Men: Days of Future Past, ya está aquí y con advertencia incluida: "Solo los más fuertes sobrevivirán". El nuevo proyecto mutante de Bryan Singer parte de tres ideas bastante claras: lanzar un relevo generacional con jóvenes versiones de Jean Grey (Sophie Turner), Cyclops (Tye Sheridan) y Storm (Alexandra Shipp), amplificar en todos los sentidos a su predecesora, y asentar las bases  para Wolverine 3 -que tendrá calificación R y será la última participación de Hugh Jackman.

De entrada nos presentan a En Sabah Nur, al que ya habíamos visto en la escena post-créditos de Days of Future Past, convertido en una suerte de dios vivo en Egipto: Oscar Isaac nos presenta a un villano contundente, imponente y de poderes desorbitados, aunque gran parte de su atractivo parece perderse bajo el maquillaje(recordemos que tuvo una fuerte campaña contra su aspecto inicial, objeto de burlas en la red).


"De las cenizas de su mundo construiremos uno mejor"


El tono ochentero de la película transmite muy bien la ambientación la época: Nightcrawler (Kodi Smit-McPhee) luce como Michael Jackson, Quicksilver juega Pac-Man en una clásica máquina en su habitación, por mencionar dos ejemplos. Las referencias estéticas justifican el look un tanto rockero de los Jinetes mutantes. La banda sonora del film en ese punto, se ajusta a la perfección.

Nightcrawler

En cuanto a los puntos flojos del film, podría decir que se repite un patrón ya visto: Magneto dubitativo entre el bien y el mal, Xavier ofreciéndole redención y una espectacular secuencia protagonizada por Quicksilver (hit ochentero incluido). Esto último, sobre todo, nos da en la yema del gusto, pero no llega a ser tan novedoso como en la precuela.

Quicksilver

Destacan las licencias al humor y la auto-referencia: En un momento del metraje (ojo con el pequeño spoiler) Jean Grey comenta que El retorno del Jedi es la peor de la saga Star Wars -por ser justamente la tercera. ¿Se anticipó Singer a la crítica? ¿Se justificó a priori?

Entre las mayores virtudes tenemos los sobredimensionados efectos especiales (un excelente manejo en cámara lenta de excepcionales secuencias), además de las historias humanas detrás de los mutantes: el amor frustrado de Charles Xavier, la tragedia de Magneto (impecable Michael Fassbender), las dificultades y tormentos de Jean Grey y en concreto la evolución de Mystique, que se convierte en un referente para toda una nueva generación. #TeamJLaw



Y como no hay película de X-Men sin Wolverine, la aparición del mutante de las garras era más que obvia. De hecho, hay un cambio importante en la historia que todos conocíamos, y que nos mostrará el perfil del personaje para su aparición en solitario. #OldManLogan

Los fans acérrimos de los cómics encontrarán guiños muy interesantes: desde la calvicie del Profesor Xavier, el origen del cabello blanco de Storm o el nivel omega de Jean Grey expandido al límite. Sophie Turner por cierto, se amolda bien a su personaje (aunque se extraña la elegancia de Famke Janssen). Jubilee tiene una pequeña aparición, y es que, tal vez, veamos un poco más de ella en la versión extendida de la película.


Recuerden que hay una importante escena post-créditos, que nos adelanta lo que está por llegar al mundo X. No olviden googlear el nombre que aparece al final, se van a sorprender. El cameo de Stan Lee es menos festivo que el de Deadpool y Captain América: Civil War, pero cumple.

En conclusión, X-Men Apocalypse es entretenida y tiene la cualidad de tenerte enganchado. Un blockbuster a carta cabal. En lo personal X-Men: First Class y X-Men: Days of Future Past dejaron la valla bastante alta. A la franquicia mutante le queda larga vida en pantalla –se habla de una nueva trilogía a partir de aquí-; esperemos que en la próxima, podamos ver un mayor desarrollo de personajes. Su impresionante reparto y el riesgo asumido por Singer, responden la pregunta.




Ficha técnica


Dirección: Bryan Singer
Producción: Lauren Shuler Donner, Bryan Singer, Simon Kinberg, Hutch Parker
Guión: Simon Kinberg, Dan Harris, Michael Dougherty, Bryan Singer
Música: John Ottman
Fotografía: Newton Thomas Sigel
Montaje: John Ottman
Reparto: James McAvoy, Michael Fassbender, Jennifer Lawrence, Oscar Isaac, Sophie Turner, Tye Sheridan, Alexandra Shipp
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Año: 2016
Género: Aventura, ciencia ficción, superhéroes
Etiquetas: [ciencia ficción]  [Marvel Comics]  [mutantes]  [quiz]  [superhéroes]  [XMen]  [XMen Apocalypse]  
Fecha Publicación: 2016-05-19T08:33:00.000-07:00



Mientras preparamos nuestra crítica sobre la esperada X-Men Apocalipsis, te dejamos por acá un pequeño quiz que pondrá a prueba tus conocimientos sobre todas las pelis de la exitosa saga de los mutantes.

(Respuestas al final del post.)


1. ¿Cuál es el principal valor del casco de Magneto?


a. Protege de las ondas telequinéticas
b. Resistente al adamantio
c. Bloquea las ondas telepáticas
d. Permite leer los pensamientos
e. Incrementa el poder magnético


2. ¿Cuál de los siguientes personajes no es un Jinete del Apocalipsis?

a. Storm
b. Nightmare
c. Angel
d. Magneto
e. Psylocke


3. ¿En cuáles de las siguientes películas de X-Men aparece la Dra. Moira?

a. X-Men Last Stand y X-Men First Class
b. X-Men First Classy X-Men Days of the Future past
c. X-Men Origins: Wolverine y X-Men First Class
d. X-Men First Classy Deadpool
e. X-Men Last Stand y X-Men Days of the Future Past


4. ¿Cuál era el nombre de Rogue antes de unirse a los X-Men?

a. Marie
b. Selina
c. Kitty
d. Wanda
e. Diana


5. ¿Cuál de las siguientes actrices no ha interpretado a Mystique?

a. Jennifer Lawrence
b. Rebecca Romijn
c. Willow Shields
d. Morgan Lily
e. Todas han interpretado a Mystique


6. ¿En cuál de estas películas aparece Deadpool por primera vez?

a. X-Men Last Stand (cameo)
b. Deadpool
c. The Wolverine
d. X-Men Origins: Wolverine
e. X2: X-Men United


7. ¿Cuál de las siguientes es una incongruencia real de las películas…? (Obviar X-Men Days of the Future Past.)

a. La edad de la doctora Moira
b. Xavier aparece caminando en un momento en el que se supone ya está paralítico.
c. En X-Men 1, cerebro ha sido creado por Charles y Erik, mientras que en X-Men First Class, el creador es Hank McCoy.
d. En X-Men 2, Hank McCoy aparece en su forma humana en un cameo en la TV, cuando se supone ya debería estar convertido en Bestia.
e. Todas las anteriores


8. ¿En cuál de los siguientes contextos históricos es que Magneto descubre sus poderes?

a. La II Guerra Mundial
b. La Guerra Fría
c. La I Guerra Mundial
d. La Guerra de Irak
e, Ninguna de las anteriores


9. ¿En cuál de los siguientes aspectos o elementos se aplica la habilidad de Banshee?

a. Fuego
b. Hielo
c. Sonido
d. Luz
e. Diamante


10. ¿Cuál es el acontecimiento definitivo que acaba llevando a Mystique al lado de Magneto en X-Men Days First Class?

a. La alianza entre Estados Unidos y la URSS para atacar a los mutantes
b. Las palabras desmotivadoras de Hank
c. Sentimientos no correspondidos por parte de Xavier
d. La muerte de Darwin



10 puntos: No sólo eres fan de las películas de X-Men, sino que posiblemente tienes los cómics, muñequitos, tienes fan-arts escondidos debajo de tu cama y hasta un póster de tu chic@ X-Men favorit@ en el techo de tu cuarto (justo sobre tu cama, para comenzar bien el día). Lo que nadie sabe, es que en realidad tú eres un mutante camuflado en la sociedad. En tus tiempos libres te dedicas a buscar la escuela del profesor Xavier (o en planear una rebelión mutante). ¿Tu superpoder? Empujarte el combo más grande del cine antes de que acaben los comerciales.

9-7 puntos: Te encanta X-Men pero tampoco eres fan al punto de tener todo el merchandising de la saga. Te identificas con algunos de los personajes más reflexivos y, de rato en rato, tratas de justificar tu afanamiento haciendo un paralelo comparando las escenas con momentos de la historia real. Según tú, X-Men brilla por su contenido político y la forma en que identifica a los grupos minoritarios.

6-4 puntos: En realidad no eres fan de X-Men, pero te parece una buena pela para pasar el rato con los amigos o algún afán. No te has visto toda la saga, pero cuando se trata de sorprender al resto, te sueltas algún dato curioso (haciendo tu gesto de interesante) que deja a todos con cara de “¡Ohhhhhhhhhhh!”. Cuando se trata de elegir a tu personaje favorito, siempre dices “Wolverine” porque tira mecha y todos y todas lo aman.

3-2 puntos: Te metiste a ver X-Men porque no tenías nada que hacer y era la única que encajaba en el horario. A la hora de la hora, te dedicas a hacer preguntas al del costado y a tirar canchita.

1-0   puntos: Todavía nos preguntamos, por qué estás resolviendo el quiz (lol).



Respuestas: 1) c 2) b 3) a 4) a 5) c6) b 7) e 8) a 9) c 10) a


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Etiquetas: [cosplay]  [Deadpool]  [escenarios]  [Marvel Comics]  [performance]  
Fecha Publicación: 2016-05-13T21:16:00.002-07:00



Brayan Adán Dante Saenz Quispe es el Deadpool peruano. Últimamente le hemos visto posereando entre las páginas de la revista Somos; también tuvimos el honor de tenerle como co-presentador en Cinemafic y en la obra benéfica Cinematosis Navideño 2015. En la vida real, Brayan es un joven de 22 años que trabaja como técnico informático, pero sueña con desarrollarse como diseñador gráfico y cosplayer profesional. Lo que pocos conocen de él, es que también es un superhéroe de medio tiempo. Al igual que el Deadpool original, Brayan tiene su particular estilo de impartir justicia, y aprovecha su personaje para dar rienda suelta a su disparatado sentido del humor.

¿Cómo empezaste en el mundo del Cosplay?

Hace 3 años. A mí siempre me ha gustado el anime, el manga, las películas sobre cómic. En ese entonces había visto una película que se llama Watchmen; me encantó la trama. Me encantó más que nada el personaje de Rosrchach porque es bien tétrico. Entonces un día veo en face que hay un evento llamado Lima Comics, y me dije “voy a hacer de Rosrchach”. Yo en ese entonces no sabía mucho de cosplay; no tenía telas, no sabía coser ni nada. Pero tenía unos zapatos parecidos, tenía el pantalón… La gabardina que usa él la busqué entre la ropa de mi mamá. Ella tenía una que estaba guardada hace tiempo, y me dije “ah, yo la uso”. Luego empecé a buscar un sombrero igualito. Me fijé en todos los detalles, hasta en el botón abierto del hombro del personaje. Mi papá incluso acababa de comprar unos guantes de cuero para el frío y le pedí que me los preste. La máscara la improvisé con la manga de un polo blanco; la corté, y me la puse en la cabeza así de frente; pinté en mi cara la sombra negra que tiene Rorschach y luego cosí la parte de la cabeza. Cuando llegué al lugar, no sentí roche. Me gustó porque la gente se acercaba y me decía “foto, foto”, y yo hacía todas las poses. Desde ahí me gustó el cosplay; interpretar al personaje, copiar su caminada, su forma de hablar, era una experiencia fascinante.

Con su primer cosplay.


¿Cómo se convierte Deadpool en tu personaje de cabecera?

Siempre me han gustado los comics y para ser franco siempre me ha encantado el Hombre Araña; desde la infancia, cuando veía el dibujo en Fox Kids y me la pasaba pegado. Pero en ese entonces había también un personaje llamado Masacre (Deadpool en la versión traducida), que había visto en un comic que me habían regalado. Me gustaba mucho porque se regeneraba y era todo irreverente. Empecé a averiguar sobre él y quise hacer su personaje, pero pensé que era difícil por el traje de licra; no sabía adónde mandarlo a hacer… y lo postergaba. Pero luego veo que va a salir la película Deadpool, y lo bueno de las películas recientes sobre cómics, es que los trajes son más reales; entonces es más fácil ser fiel al traje. Para esto, todos cuando me conocen me dicen “oye, tu personalidad se parece a la de él”, porque soy egocéntrico, un poco descontrolado, hago reír… Así que me fui a comprar una tela parecida según lo que había visto en los adelantos de la película. Mientras compraba la tela ya estaba pensando en qué iba a hacer, cómo iba a hablar, cómo iba a posar… Para esto, ya había visto bastantes fotos de él.


Curiosamente Deadpool también es fan de Spider-Man…

Claro, apenas lo supe dije “ya que soy fan de Spider-Man, voy a hacer a Deadpool que también es fan de Spider-Man”.


¿Qué es lo que más te gusta de Deadpool?

Su personalidad. Que no siempre está quieto, que a veces no dice cosas coherentes. Estás hablando de un tema serio y él está haciendo otra cosa, como que no le interesa. Muestra una chispa que da gracia. Además, me gusta que tenga su propia ley; por lo mismo que es un mercenario, suele matar por plata, pero si ve que alguien necesita ayuda, él ayuda; tiene su lado bueno. Pero él no quiere una liga de superhéroes, tiene su propia ley; es anti-reglas y justo yo también soy así. Algo que me encanta de hacer de él, es que ya tengo la personalidad, pero al ponerme el traje puedo multiplicarla por diez. Ser más egocéntrico, más chispa, más abierto; enfatizar mis actitudes.


Hace poco supimos también que le pegaste a un choro. Podríamos decir que en ese momento se te salió Deadpool… (Risas.)

Sí. Bueno, yo estaba por las Malvinas y había tipos que le estaban robando a un pata. Yo no lo conocía, parecía un estudiante. Yo estaba al frente de la pista, mirando cómo la gente pasaba y se iba de largo. Entonces yo dije, “si yo estoy acá y tengo la posibilidad de entrar, lo hago, porque necesita ayuda”. Fui hecho un loco, le metí una patada a un choro, porque encima eran dos, y no era justo. Entonces al que le estaban robando, se paró también y empezamos a pelear los dos. Uno de los choros me metió un rodillazo en el ojo izquierdo, pero no sentí nada en el momento, porque estaba con la adrenalina. Seguimos peleando. Uno de los choros se fue corriendo y el otro se quedó en el piso quejándose. Entonces recién pensé en que de repente venían más con armas y agarré al que le habían estado robando; lo jalé del brazo y le dije “vámonos”. Nos fuimos corriendo. Él me agradeció, me agarró la mano fuerte y me dijo “toma, te doy plata”, pero yo no le acepté. Le dije: “Yo lo he hecho porque pienso que tú también harías lo mismo y pienso que de repente más adelante puedes ayudar a otro que lo necesite”.


Te arriesgaste bastante…

Si, en ese momento no pensé en las consecuencias. La verdad es que siempre me han disgustado las injusticias.


Pero Deadpool a veces también apoya a los malos, ¿verdad? ¿Finalmente de qué lado está?

Deadpool siempre ha sido rebelde, pero después de todo el trauma que vivió, que le quemaron la cara y lo dejaron tipo Freddy Krueger, se volvió peor. En verdad es cierto que él mata por plata y a veces lo contratan los malos, pero él tiene su propio código; si le piden que mate un niño, él no lo mata; más bien le voltea la torta a los que lo contrataron. En verdad entender a Deadpool es difícil; improvisa en todo, es alocado, su forma de ser es descabellada. Por eso es difícil para los villanos hablar con él, o para el Profesor X entrar en su cabeza, porque la tiene hecha un laberinto. Aun así, en los últimos cómics que han salido ya se define para el lado de los buenos. Le cuesta, pero lo hace.


Según tú, ¿qué es lo que debe tener un verdadero intérprete de Deadpool?

Sus chistes negros. Y es lo más difícil de conseguir, en verdad… Si yo le digo algo a una persona sin el traje, se puede molestar… con el traje, lo puedo decir, pero como yo tengo una actitud más respetuosa y amable, no lo digo… Lo digo adaptado, como para niños, que no sean chistes tan pesados; evito los chistes raciales o muy sexuales, cosas que sí hace Deadpool. Hace poco, por ejemplo, yo tenía una presentación en el ICPNA, y había niños, entonces no podía soltar todos los chistes. Todos sabemos que Deadpool habla lisuras, saca el dedo medio, etc. Yo a Deadpool lo he adaptado un poco. Hay momentos además en los que Deadpool cae pesado; yo tengo que hacerlo más simpático para el público. Puedo ser bromista, hacer mis gestos sensuales –como él- mostrando las nalgas, abrazar tiernamente o hacer el signo de amor y paz. Puedo saltar, jugar, tirarme al suelo, peor ahí nomás. Ahora, yo creo que un verdadero Deadpool debe ser capaz de romper esa barrera.


Y exponerse a alguna paliza… (Risas). Con nosotros estuviste en Cinematosis Navideño y en la premiación de Cinemafic… ¿En qué otras actividades sueles participar?

Me gustan todos los eventos de comics, películas, anime. Cuando hay eventos de beneficencia también me gusta ayudar. Esa vez de Cinematosis Navideño también me encantó porque ayudé a los niños a ser felices. Me encanta esa expresión única que tienen los niños, que se emocionan y cuando les tocas la mano te miran con cara de “esta mano no me la lavo nunca”. Hubo otra experiencia de un evento de zombis en centro  cívico; yo estaba de Cíclope-zombi y había un niño y que le decía a su papá “¡Papá mira, un zombi, un zombi!” y yo me acerco y le toco la mano. Se mira la mano y me mira y se queda parado como cinco minutos; no se movía. Luego me abrazó y fue un abrazo súper sincero. Con esas cosas me doy cuenta de que el cosplay no es sólo fotos, sino que en la interpretación transmites también sentimientos únicos en la gente.




Podríamos decir que una de las cosas que más te llena es el contacto con la gente…

Claro, incluso antes de empezar con los trajes, desde que estaba en el colegio me gustaba hacer reír a las personas. Siempre me ha gustado que se sientan bien al lado mío, que sonrían, animarlos para que se sientan alegres y con energía. Cuando vi que el cosplay podía hacer eso pero multiplicado por diez, me encantó, me enganchó; iba con mi personalidad.


Como cosplayer, ¿cuáles son tus aspiraciones a futuro?

Yo tengo muchas ideas, soy una persona que sueña bastante. Si me vuelvo profesional y conocido en este mundo, me gustaría ayudar a personas que también quieren hacer cosplay; darles recomendaciones, motivarlos, asesorarlos. A veces los que recién empiezan piden consejos a personas equivocadas que les desaniman o incluso los discriminan. A mí me dicen “oye, qué genial tu traje, cómo lo haces”, y yo en lugar de cerrarme, los aconsejo para que lo hagan incluso mejor que yo. Además, tengo el sueño de viajar a diferentes países con mis trajes y representar al Perú en las distintas presentaciones; concursar o apoyar ahí como staff.

El chico bajo la máscara

¿Piensas que el cosplay puede tener alguna especie de aporte artístico, cultural o social?

Claro, tiene todo. Aparte de que cuando haces al personaje, actúas, interpretas. Uno se dedica; así como alguien que hace ballet prepara su cuerpo, sus pies, su agilidad. En cosplay es igual, te quedas de amanecida haciendo tu traje y te metes en tu cabeza al personaje que vas a interpretar; qué detalles qué gestos son los que importan de ese personaje. Incluso hay quienes hacen una mezcla de sonido y actúa en base a ello. Eso es un arte, prepararte para hacer algo que te gusta y saber que la gente lo vería también.


¿Cómo te preparas?

Viendo imágenes del personaje. Obviamente el personaje me tiene q gustar. Veo videos para ver cómo gestualiza, qué es lo q más hace, cuáles son sus frases comunes. A veces cuando estoy solo, hablo, me miro al espejo, veo qué gestos hago, cómo mover las manos.


¿Cuánto tiempo toma tu preparación?

Soy una persona bien expresiva al momento de hablar y actuar; no tengo pelos en la lengua, no me trabo, no me avergüenzo. Normalmente una semana y media, quince días… dependiendo del personaje. Obviamente, también, si el personaje me gusta, es porque ya lo conozco, pero para interpretarlo, tengo que ver más detalles: sus rasgos, su forma de hablar, su pose más conocida. En el caso de Deadpool, sería echado, en una pose sensual.


Por último, ¿qué harías si fueses Deadpool por un día?

Primero haría lo curioso: probaría si soy inmortal y ver hasta dónde puedo llegar. Probaría disparándome, acuchillándome, para ver si puedo seguir vivo. Según eso, iría a hacer justicia, a ayudar a los débiles, a los que me necesiten… Después, iría a la televisión peruana y acabaría con los que dicen mentiras, calumnian… o incluso iría hasta el Palacio de Gobierno y haría lo posible por evitar la corrupción.

Etiquetas: [Anne Bancroft]  [Dustin Hoffman]  [Día de la Madre]  [El Graduado]  [Mike Nichols]  [Mrs Robinson]  [Simon and Garfunkel]  
Fecha Publicación: 2016-05-08T20:11:00.002-07:00


Por: Alexiel Vidam

Tomando en cuenta la fecha –día de la madre-, supongo que es casi inevitable que todo cinéfilo se cuestione cuál, de todas las madres del cine, sería su favorita. La mía, sin dudarlo, es Mrs. Robinson. Valga la aclaración, sin embargo, no me refiero a ella como la madre que me gustaría tener (contra… y toco madera)… sino como la mujer que a todos nos encantaría conocer.

Y es que, vamos…  ¿Quién que haya visto El Graduado, de Mike Nichols, no se ha enamorado de ella?

Mrs. Robinson es la mujer prohibida por excelencia. Aquella mujer que nos lleva siglos de experiencia, para quien nunca seremos suficientemente maduros, ni suficientemente interesantes.


Creo, pues, que la mujer conecta con uno de nuestros impulsos más primitivos: el instinto de territorialidad. Luchamos por imponernos como individuos, valga la redundancia, como seres individuales. Porque como seres humanos, egocéntricos como naturaleza, necesitamos gritarle al mundo que existimos; y lo hacemos, imponiendo ante el otro nuestra presencia. Mrs. Robinson es –precisamente- la mujer que nos pone a prueba, la que se burla de nosotros, la que nos dice “me gustas, pero nunca tanto”, “te miro, pero nunca tanto”, creando, pues, una profunda –aunque no muy perceptible- crisis existencial, donde el individuo encuentra frustrado su deseo de ser reconocido. Se trata del gancho perfecto, donde un reconocimiento a medias genera esperanza, pero a la vez la suficiente insatisfacción como para que el ego golpeado del individuo se lance a la aventura de insistir.


Eso es lo que pasa con Benjamin (Dustin Hoffman), “el graduado”. Cansado de vivir lo que se espera de él, este joven veinteañero se halla en busca de sí mismo, y es en medio del desconcierto, que descubre a la intrigante Sra. Robinson (Anne Bancroft). Ella encarna la voz de su rebeldía. Ella, además, es la única que parece distinguirle; la única que parece escuchar esa voz interior que le invita a romper con lo establecido.

Curiosamente, aunque desde otro ángulo, la búsqueda de “Ben”, parece ser la misma que la de su amante.Ella, es una mujer desencantada que busca rebelarse tanto o más que él mismo.Se trata de un ser solitario, descontento con su realidad, marcado por circunstancias que dieron un giro a su vida y apagaron sus sueños. Aunque nunca lo diga, aunque se esconda tras su imagen dominante, llegamos a entender que se busca a sí misma en él, tanto como él lo hace en ella.


¿Qué sucede entonces cuando el chico rebelde decide mirar a otra parte…? El dilema de Mrs. Robinson no es sólo la crisis de volver a perderse… Es también el de la mujer que se encuentra en la incómoda situación de competir con su propia hija, tan hermosa como ella alguna vez… pero joven y radiante.




Etiquetas: [Alex Garland]  [Alicia Vikander]  [ciencia ficción]  [Domhnall Gleeson]  [drama]  [Ex Machina]  [inteligencia artificial]  [suspenso]  
Fecha Publicación: 2016-05-05T09:35:00.000-07:00


"Crear una máquina consciente no es parte de la historia del hombre. Es la historia de los dioses."

Por: Sergio Cueto

Elegante, sobria, profunda e inquietante. Ésas son algunas de las características de Ex Machina, el debut de Alex Garland (guionista de Sunshine y Dredd) como director en la gran pantalla. Con un intenso manejo del thriller psicológico, la película protagonizada por Oscar Isaac, Domnhall Gleeson y Alicia Vikander, se convirtió en una de las grandes sorpresas del 2015, con un lugar asegurado en los tops de muchos cinéfilos.

El film nos cuenta la historia de Caleb, un programador de 24 años que trabaja en una de las mayores empresas de Internet del mundo. Un día gana un concurso, cuyo premio es una semana de vacaciones. ¿El lugar? La mansión privada de Nathan, el excéntrico presidente ejecutivo de la compañía para la que trabaja. Un misterioso laboratorio-búnker privado alejado de la civilización. Aquí, al parecer, se está gestando el siguiente paso evolutivo. Las referencias a un Frankenstein modernos son, bastante obvias.



"Toma tiempo saber... Conocer bien a otra persona."


Caleb luego descubre que debe participar en un experimento tan extraño como fascinante: interactuar con la primera inteligencia artificial del mundo, que habita en el cuerpo de una preciosa mujer-robot: Ava.

¿Qué es una inteligencia artificial? ¿Cómo la definimos? Ex-Machina continúa la tendencia del cine actual de ciencia-ficción. Intenta indagar en las relaciones de los humanos con entes artificiales (como ya vimos en Transcendence y de un modo más logrado en Her) ¿Podrá Caleb demostrar que ese intrigante ser creado ha conseguido desarrollar conciencia?


"Si sólo escucharas la voz de Ava, creerías que es humana. La verdadera prueba está en saber que es un robot y ver si aún crees que tiene conciencia."


Agresión. Miedo. Soledad. Obsesión. Control. Con un guión absorbente y brillante, el film combina una puesta en escena impresionante y efectiva. Va desde hermosos espacios abiertos hasta la artificial claustrofobia donde se desarrolla buena parte del metraje (sin llegar a contar mucho, para no arruinar el factor sorpresa). La película es, en una palabra: hipnotizante.

Sobre sus personajes: Ava (Alicia Vikander) logra mezclar inocencia, inteligencia y sensualidad en una actuación memorable. Nathan (Oscar Isaac) es –a todas luces- un genio con complejo de Deus ex machina, enfrentado a su creación; y Caleb, (Domhnall Gleeson) otorga una vulnerabilidad muy fuerte, que se transmite en todo momento.

Domhnall Gleeson como Caleb
Pero, ¿qué nos hace humanos? ¿Pasamos de ser creación a convertirnos en Dioses?¿Es posible crear conciencia de la nada? El desarrollo de la película pone sobre la mesa el eterno debate de la moralidad sobre la creación de una inteligencia artificial. Este es un de los puntos más interesantes en el desarrollo del film – su enorme trasfondo filosófico- que lo convierte en uno de los títulos imprescindibles del género, sin lugar a dudas.


"Tú aprendes sobre mí pero yo no aprendo nada sobre ti. Ésa no es una buena base para una amistad."



Ficha técnica

Dirección: Alex Garland
Producción: Andrew Macdonald, Allon Reich
Guión: Alex Garland
Dirección artística: Katrina Mackay
Fotografía: Rob Hardy
Música: Geoff Barrow, Ben Salisbury
Montaje: Mark Day
Efectos especiales: Double Negative London
Reparto: Domhnall Gleeson, Alicia Vikander, Oscar Isaac, Sonoya Mizuno
País: Reino Unido
Año: 2015
Idioma: Inglés
Género: Ciencia ficción, drama, suspenso
Etiquetas: [AntMan]  [Capitán América]  [Civil War]  [Iron Man]  [Los Vengadores]  [Marvel Comics]  [Spiderman]  [The Avengers]  
Fecha Publicación: 2016-04-29T07:15:00.002-07:00
Luego de una larga espera, por fin, llega a nosotros la ansiada película de Marvel: “Capitán América: Guerra Civil”.



Por: Matías Wong

La segunda película de Marvel dirigida por los hermanos Russo. Nuevamente con Steven Rogers (Capitán América) como protagonista, esta vez no sólo estará acompañado por Natasha Romanoff (Black Widow) y Sam Wilson (Falcon), sino que se intentará juntarse con todos los héroes de Marvel (con la ausencia de Thor y Hulk).

Tras los destrozos por parte de nuestros héroes en las películas anteriores, las Naciones Unidas crean los Acuerdos de Sokovia, en los cuales se establece que los Vengadores, dejarían de ser una asociación privada, y estaría controlada por el consejo de 117 países diferentes. Dado esto, los héroes se dividen en dos bandos, los que están de acuerdo con firmar (Team Iron Man), y los que no (Team Captain). Esta película anticipa lo que viene en Avengers: Infinity War I y II.


La segunda película del Capitán, El Soldado de Invierno, era considerada por muchos la mejor película de Marvel hasta el momento, y con atrevimiento, puedo decir que ya no lo es más. Las escenas de acción, la interrelación entre personajes (y el número de estos mismos), un guión  tanto serio como divertido, la cantidad de historias dentro de una, y la evolución de éstas, hacen que esta sea la mejor película de Marvel hasta ahora.

La historia en sí se basa en Capitán América y Iron Man; sin embargo, lo que le da el toque de frescura frente a las dos películas de los Vengadores, es la inclusión de tres nuevos personajes al grupo habitual de los héroes: Ant-Man (quien ya tuvo su propia película), Spiderman, y Black Panther.



Un Scott Lang (Ant-Man) divertido, irónico y siempre cumplidor, contactado por Clint (Ojo de Halcón), se sitúa del lado de Capitán América. Él y Spiderman son justamente los que le dan humor a esta pieza. No posee tantos minutos en la pantalla, al igual que nuestro arácnido preferido.  Un Peter Parker totalmente renovado (Tom Holland es el tercer actor que le interpreta) y joven. Esta vez sin contar la historia sobre cómo adquirió sus poderes, es localizado y contactado por Iron Man cuando este necesita ayuda para vencer a Capitán América. Spiderman es una pieza clave dentro de la película, si es que de humor hablamos; le da viveza a una película recargada de acción.

Black Panther es un personaje totalmente nuevo dentro de este universo cinematográfico. Sus orígenes se dan a conocer dentro del diálogo de los personajes; su historia no se desenvuelve dentro de la película (la película acerca de él se estrena recién en 2018). Sin embargo, es una pieza fundamental dentro de la trama.


Regresando a los personajes ya establecidos, tenemos a Capitán América, que se siente abandonado y solo. Él inconscientemente busca “familia”, y sólo logra sentirse cómodo con los recuerdos de su amigo de la juventud, Bucky, el Soldado de Invierno, quien es buscado por los diferentes ministerios de seguridad de los países del mundo. Para variar, se la pasa en conflicto con Iron Man, quien en casi toda la película contradice su forma de pensar.

Iron Man mantiene su forma de ser, siempre irónico y terco. Le cuesta aceptar sus errores, y esto muchas veces afecta al resto del grupo. Sin embargo, en esta película se desarrolla mucho más su personaje, inclusive más que en sus propias películas. Dejando de lado el nombre de la película, se podría decir que el Hombre de Hierro es el verdadero protagonista.


La historia se completa personajes como la Bruja Escarlata, Visión, Máquina de Guerra, Falcon, Ojo de Halcón y la importantísima Natasha Romanoff, la Viuda Negra. Ella es fundamental en la evolución de la historia, pues, como es sabido por los fans de la película, su personalidad es flexible frente al bando que toma.

Finalmente, una buena película de superhéroes nunca es buena sin un buen villano, quien normalmente es igual o más poderoso que nuestros mismos protagonistas (Ultron o Loki son buenos ejemplos). Zemo, no tiene esa característica. Es lo opuesto a los villanos de los filmes “vengadores”. No posee ningún poder sobrenatural. Es un simple mortal trastornado por la muerte de su familia en Sokovia (culpa de los Vengadores). Su personaje cuenta con una evolución psicológica increíble, además de una mentalidad maquiavélica que consigue enfrentar a los héroes. El famoso “divide y vencerás” es aplicado en este caso, y de manera casi perfecta.

Daniel Brühl es el Barón Zemo

Muchos podrían considerar un villano de este tipo como “desperdiciado” o excesivamente simple; pero, desde mi punto de vista, se trata del mejor villano visto hasta ahora en el universo cinematográfico de Marvel. A diferencia de Ultron, y a la par con Loki, llegamos a comprender la psicología del personaje. Quizás, es cierto, sería necesario un guión más rico, para lograr el desarrollo adecuado del personaje. Lo hemos vivido con la competencia; con el Guasón de Nolan (Heath Ledger) o con el Lex Luthor de Snyder (Jesse Eisenberg), y no podemos negar que en este aspecto –el de los villanos-, DC se lleva la delantera. Podríamos decir, entonces, que la genialidad del personaje, recae sobre todo en la excelente actuación de Daniel Brühl, actor alemán conocido en este lado del mundo por su papel en Bastardos sin Gloria, de Quentin Tarantino.

En conclusión, Capitán América: Guerra Civil, es de lo mejorcito que ha tenido Marvel hasta ahora. Los hermanos Russo han sabido manejar una cantidad enorme de personajes de manera perfecta, cosa que no es nada fácil. Sin exagerar, uno al ver la película se da cuenta de que al menos podrían existir 10 películas separadas metidas en una sola. Marvel ha conseguido ir mejorando cada vez desde que se dio el inicio a su universo cinematográfico en 2008, con Iron Man.


Ficha técnica:

Dirección: Anthony y Joe Russo
Producción: Kevin Feige
Guión: Christopher Markus, Stephen McFeely
Idea original: Joe Simon y Jack Kirby (Capitán América de Marvel Comics) y Mark Millar (Civil War de Marvel Comics)
Música: Henry Jackman
Fotografía: Trent Opaloch
Montaje: Jeffrey Ford
Reparto: Chris Evans, Robert Downey Jr., Scarlett Johansson, Jeremy Renner, Chadwick Boseman, Elizabeth Olsen, Daniel Bruhl, Paul Rudd, Tom Holland, Sebastian Stan, Don Cheadle
País: Estados Unidos
Año: 2016
Idioma: Inglés
Género: Superhéroes, ciencia ficción, acción
Etiquetas: [artes marciales]  [Chifa]  [cine peruano]  [comedia]  [Flores Brothers Producciones]  [kung fu]  [La Venganza del Fachoy]  
Fecha Publicación: 2016-04-19T12:31:00.002-07:00
Disparatada comedia de artes marciales con sabor nacional, se proyectará este miércoles 20.


Los guerreros Fachoy llegarán a Idat con la proyección gratuita de La Venganza del Fachoy, cortometraje que inaugura el género comedia de artes marciales en el cine peruano, dirigida a los alumnos y público en general. Además de brindar un conversatorio donde el director y el elenco de la cinta darán más detalles de la producción cinematográfica.

“La historia se centra en Pac Pow (Sasha Settembrini), guerrero de la orden del Fachoy que esconde su sabiduría en recetas de comida chifa. Sin embargo, él es considerado un traidor y un fugitivo por los miembros de dicha orden. Por ello, Siu Cao (Carlos De la Torre), antiguo compañero de entrenamiento, le está buscando para matarle. Bajo el mando de este último se encuentra, además, un escuadrón de cinco guerreros élite, cada uno experto en un estilo de combate”.


A partir de este cortometraje dirigido por los hermanos Hugo y Juan Carlos Flores, se está trabajando en una película del mismo nombre cuyo estreno será el próximo año (2017), al igual que un videojuego sobre la cinta, que cuenta con el valioso auspicio de: Cinematosis, GYM Paradise, Club SAUCE ALTO Resort y Restaurant Leña & Sabor.

Cabe recordar que La Venganza del Fachoy tuvo dos exitosas presentaciones ante el público en eventos como el Otaku Fest 2015 y Lima Geek Fest 2015. En este último, el elenco compartió escenario con estrellas de Harry Potter, The Walking Dead, Legends of Tomorrow y Star Wars.

La proyección y el conversatorio de La Venganza del Fachoy será realizará en el auditorio 28 de noviembre este miércoles 20 de abril a las 7:30 p.m. en la Torre 1 de Idat (Av. Petit Thouars 315 - Cercado de Lima). Ingreso Libre desde las 6:00 p.m.


Etiquetas: [Almost Famous]  [canciones]  [cine]  [Hedwig and the Angry Inch]  [Joan Jett]  [lista]  [música]  [Pink Floyd The Wall]  [ranking]  [Rock]  [The Doors]  [The Runaways]  
Fecha Publicación: 2016-04-18T18:39:00.000-07:00


Por: Alexiel Vidam

¿Quién ama el rock?Yo estoy segura de que muchos cinéfilos que pasan por aquí aman el rock. Y no por nada… El rock es uno de esos géneros musicales que, con su aparición, marcó un antes y un después en la historia del mundo, y que sigue envolviendo a millones de fanáticos con sus distintos niveles de complejidad… pero sobre todo, con esa intensidad tan característica que le dota de un espíritu rebelde y encendido. Siempre he pensado que la música es un estado de ánimo (¿alguien se imagina una película sin música?... o mejor dicho, ¿alguien se imagina la VIDA sin música?), y de todos los tipos, el rock es uno de los que nos mantiene más VIVOS, con todo lo que ESTAR VIVO implica.

Por esto, y porque el rock me acompaña a todas partes, he decidido dedicarle un homenaje cinéfilo a mi género musical favorito. Con ustedes… mi lista de “películas que todo amante del rock debería ver”.


THE RUNWAYS 

Directora: Floria Sigismondi
Año: 2010




Ya había escuchado sobre The Runaways… que era la primera banda de rock femenina de la historia, y que de ahí había salido la famosa cantante Joan Jett (I love Rock n’ Roll), pero de su música o de su historia, sabía poco o nada, y con esta película, me volví fan. Toda la puesta en escena está tan bien construida, que es difícil no quedar envuelto dentro del mundo de luces y escenarios, y ponerse a vibrar con la música. El guión, por su parte, está escrito desde la perspectiva deCherie Currie, vocalista de la banda, ya que el mismo se basó en la novela autobiográfica de la cantante, titulada Neon Angel: A Memoir of a Runaway.El argumento nos muestra cómo una joven de 15 años sin mucho que esperar del futuro, acaba convirtiéndose, de la noche de a la mañana, en una de las rock stars más aclamadas del momento. Muestra también el lado más oscuro del espectáculo: con sus vicios, excesos y dudas existenciales. Excelentes interpretaciones de Dakota Fanning y Kristen Stewart como Cherie Currie y Joan Jett, y de Michael Shannon como su manager, el estrambótico Kim Fowley. (Click aquí para leer la crítica de esta peli.)


PINK FLOYD THE WALL 

Director: Alan Parker
Año: 1982


Una película hecha para partirnos el cráneo en dos y triturarnos el cerebro en pedacitos. Pink Floyd The Wall es una pesadilla musicalizada. Es ese universo distópico y no tan paralelo en el que podríamos vivir (o hemos vivido más de una vez). Pink, el protagonista, es un hijo de la segunda posguerra. Un huérfano y testigo de la muerte. Es también el resultado de una educación sobreprotectora y castrante al mismo tiempo. Él lanza su grito de liberación a través de la música. ¿Pero qué pasa cuando el grito se pierde en medio de una sociedad brutal y violentamente homogenizada?... La “alienación” parece ser la única vía para salvarse, y el individuo construye su pared… ladrillo a ladrillo. (Click aquí para ir a la crítica completa.)


THE DOORS

Director: Oliver Stone
Año: 1991




Otra película para volverse fan y descubrir los temas más emblemáticos de una banda que marcó hito en la historia. Mucho se ha criticado esta película sobre la inexactitud en los detalles, y que se ha construido más en base a mitos y escándalos en vinculados a la banda, por lo cual no debería ser tomada como una biografía exacta. Sin embargo, el espíritu trasgresor y salvaje de sus personajes –en especial el de Morrison- no deja de despertar fascinación e intriga. Morrison (interpretado por un magnífico Val Kilmer) es un loco que asusta a la vez que encanta. Su genialidad va de la mano con una intensidad que alcanza niveles destructivos y que –paradójicamente- saca de ahí su poder de conmover, de tocar, de perforar y devorar almas.


ALMOST FAMOUS 

Director: Cameron Crowe
Año: 2000




Una seductora Kate Hudson y un encantador Patrick Fugit nos traen una película divertida, rebelde… pero sobre todo, muy conmovedora. Fugit, interpreta a William Miller, un muchacho de 15 años que vive su adolescencia durante los salvajes años 70, y debe lidiar con las burlas de sus compañeros y las restricciones de su conservadora madre. Sin embargo, sus habilidades como redactor periodístico atraen la atención de los directivos de la revista Rolling Stone, quienes le dan la oportunidad de su vida: viajar junto a la banda del momento y escribir un artículo. Nada más “cool” para un joven que necesita conseguir independencia y reafirmar su identidad mediante la música. Sin embargo, el camino de los reflectores puede estar también lleno de confusión y desamores… (Click aquí para leer la crítica.)


HEDWIG AND THE ANGRY INCH

Director: John Cameron Mitchell
Año: 2001




Una de las películas más conmovedoras de la vida y una de esas pelas que puedo ver cien veces sin aburrirme. Con una magistral banda sonora y una riquísima puesta en escena, John Cameron Mitchell nos presenta a su personaje más entrañable: la “mundialmente ignorada” cantautora Hedwig Schmidt, rockera transexual procedente de la ex Alemania comunista. Le acompaña una banda de estrambóticos personajes, integrantes de su banda de glam-rock “The Angry Inch” (la “Pulgada Irritada”), entre los cuales cabe destacar a su esposo Yitzhak (ex drag queen de origen judío, corista del grupo, y transexual de mujer a hombre). Ellos se encuentran de gira por distintos puntos de Estados Unidos, persiguiendo a la estrella de rock Tommy Gnosis, ex-pareja de Hedwig, quien le ha robado las canciones presentándolas como suyas. Mientras luchan por alcanzar el reconocimiento, Hedwig y su grupo de perdedores “cachuelean” de bar en bar, y entre canción y canción, nos van revelando el desgarrador pasado de Hedwig. (Click aquí para leer la crítica.)


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Etiquetas: [Batman]  [Batman vs Superman El origen de la justicia]  [DC Comics]  [Superman]  [Test de personalidad]  
Fecha Publicación: 2016-04-06T19:18:00.000-07:00


Por: Sergio Cueto

Sólo hay dos tipos de personas en este mundo. Y no, no estamos hablando de equipos de fútbol ni de partidos políticos… A continuación, te presentamos un test de personalidad basado en la última película del dueto dorado de los comics (sí, los que venden más  merchandising  que Zumba en temporada de circo): Batman VS. Superman… Para ser francos, hemos adaptado un cuestionario de Vanidades y lo hemos adaptado sólo para tus ojos (ok, no).

OJO: Este test es puro vacilón. No pretendemos herir susceptibilidades con las respuestas ni con los resultados finales,  así que no te piques si te sale el murciélago y eres fan del azuloso, o si te sale el kryptoniano y tú eres fan “DARKSSSSSSSSSSSSSSSS” como Batman. ¡El que se pica pierde!


1. ¿Cuál es tu plan ideal de fin de semana?

a) Cena en un restaurante de lujo (mientras más ficho, mejor)
b) Cervezas con los amigos, hasta que la señal te hace desaparecer.
c) Alguna actividad deportiva para lucir los coquitos.
d) Ir al cine de incognito, función trasnoche, asiento Z-11.
e) Salir a la discoteca (y llegar en un Lamborgini, obvio)
f) Alguna actividad cultural de la Municipalidad de tu distrito.


2. ¿Qué palabra te describe mejor?
a) Extrovertido (respect!)
b) Inteligente (ya alcanzas a Bill Gates… pero sin lo NERD)
c) Introvertido (que roche contestar eso)
d) Leal (no, no la película de Divergente)
e) Independiente (bailas con tu pañuelo)
f) Noble (rozando lo sonso… ya se aprovechan de ti)


3. Escoge a un integrante de la Liga de la Justicia:

a) Flash (y si es de Kodak, mejor)
b) Martian Manhunter (el marcianito cambia formas)
c) Wonder Woman (la “más ri’”)
d) Aquaman (el hermano de Aquafresh)
e) Cyborg (Hasta la vista, baby!)
f) Linterna Verde (“a Deadpool no le gusta esto”)

4. ¿Qué es lo más importante en una Sandwicheria? (Sí, ésa es la pregunta)

a) Variedad de salsas (para compartir con los amigos)
b) Rapidez en el servicio (para salir rápido de allí)
c) Que te sirvan yapa
d) Precio exacto (lo jiuston pe’ varón)
e) Suficiente espacio (para cambiarse de ropa en caso de emergencia)
f) Limpieza e Higiene (mínimo)

5. ¿En qué lugar del mundo te gustaría vivir?

a) New York
b) Turquía (Saludos a Fatmagul)
c) Londres
d) Chicago
e) Tokio
f) París

6. ¿Cuál es tu kryptonita?

a) El amor (friendzone forever)
b) La familia (la que no tienes) :(
c) El dinero (Euros, porque el dólar esta bajando)
d) Tu nobleza (de la que se aprovechan)
e) Tú mismo
f) La kryptonita (duh!)

7. Escoge una película

a) Armaggedon
b) Pearl Harbor
c) El Conde de Montecristo
d) El Hombre de Acero
e) Daredevil (¿Es en serio?)
f) Operación U.N.C.L.E.

8. Honestamente ¿Quién ganaría?

a) 100% Bats
b) Batman, aunque con mucha preparación 
c) Superman, aunque con mucho esfuerzo
d) 100% Sups
e) Empate técnico
f) Popy Olivera (nivel Debate del Domingo)




Mayoría: A, B, E



Sacaste: Batman
Te identificas con el Batman de esta película porque llevas años cultivando odio en tu corazón. Crees firmemente que a todo el mundo hay que darle lo que se merece. Tus relaciones duran lo mismo que las fiestas, y su único podría ser el mayordomo –en caso cuentes con los recursos-. A pesar de ser un poco cascarrabias, de un momento a otro estás dispuesto a aceptar tus errores y enmendar el camino. Sólo ten cuidado de no volverte excesivamente soberbio; a veces hasta el Caballero de la Noche necesita ayuda de los demás.


Mayoría C, D, F



Sacaste: Superman
Te identificas con el Superman de esta película porque estarías dispuesto a sacrificar todo por el bien de la humanidad. Aunque por ratos te tilden de “hijo de papi” que no sigue su propio plan maestro, al final tu profunda convicción en las segundas oportunidades y el amor eterno te definen como persona. Romántico de tiempo completo; encuentras tu paz interior en el campo, las montañas, los nevados y en donde sea que no te perturben.  Sólo ten más cuidado con en quién confías; tu nobleza puede dejarte más vulnerable que la kryptonita. Recuerda que la justicia tiene que empezar contigo mism@.
Etiquetas: [biopic]  [drama]  [Justin Chadwick]  [Kenya]  [Kimani Maruge]  [The First Grader]  
Fecha Publicación: 2016-04-03T08:31:00.000-07:00


Kimani Maruge se desviste. Frente a él, un grupo de ministros percibe las marcas en su piel. Tres latigazos uniformes dibujan con sangre el mapa del sufrimiento keniano a merced del Imperio Británico. Con ochenta y cuatro años a cuestas, la misión de este hombre no es causar lástima; en primer término quiere restituir a la profesora de una escuela primaria ubicada en las montañas de Nairobi y después, aprender a leer, sobreponiéndose a los límites de la edad y de su propio pueblo, que lo considera un acto ilícito.

Con un presupuesto bastante austero pero con la ventaja de contar con exteriores bendecidos por la naturaleza, El escolar (The First Grader) cuenta la historia de Kimani Maruge, un keniano que a sus 84 años no sabe leer y desea reinsertarse en el sistema escolar. Kenia, tras años de barbarie, yace finalmente en un período de restauración democrática. Entre los nuevos decretos que instaura el gobierno de turno, se publica un artículo donde se lee claramente: “la educación para todos”.


Maruge se entera de esto y va a la escuela, exigiendo ser aceptado como alumno. Inicialmente  solo quiere aprender a leer para darle trámite a una carta que el gobierno de su país le mandó hace ya un tiempo atrás. Pero luego, a base de templanza, se nos revela como un personaje que quiere aprender un oficio y retar las barreras del tiempo. Siente que ha perdido valiosos años como prisionero y en constantes flashbacks lo recuerda; él colgado de una viga, sufriendo cortes con cuchillos calientes y en otras sentado, gritando de dolor tras la inserción de un lápiz que le perfora los tímpanos. La sobrepoblación, el gran número de padres que pugnan por darle educación a sus hijos y el racismo entre tribus, hacen que esta tarea sea mal vista, pues muchos consideran que Maruge le quita el puesto a un niño, a quienes ellos mismos denominan “el futuro de Kenia”.

Esto se evidencia en toda la película. Hay alumnos que incluso no cuentan con un pupitre. Las chances de surgir profesionalmente en un país cuya democracia está floreciendo se evidencian, sobre todo en el notorio abismo social existente entre la capital y el lugar donde se filma la película, ausente de calles y gobernado principalmente por el polvo y la miseria.


Pero aquí hay un punto en el que vale la pena detenerse,  y es el tema del racismo. Llamémosle así porque en verdad es un asunto mucho más complejo y que da, incluso, para una investigación posterior. Entre los mismos kenianos hay una fractura social evidente que no es del tipo exactamente racial  sino más bien tribal. Se alude constantemente al sometimiento mostrado por algunos grupos étnicos hacia los británicos y eso es tomado como traición. Muchos de ellos, como se ve, colaboraron directamente con la invasión y fueron soldados que aplicaron los castigos contra su propia gente. El mismo Maruge muchas veces hace este tipo de referencias cuando las autoridades lo reprenden y diciendo frases que aluden a la complexión física de sus agresores, a quienes identifica rápidamente como descendientes de una tribu. Si hay algo que resulta anecdótico, es que son muy pocos quienes se consideran kenianos a secas. Lo admiten, sí, pero todavía es perceptible la añoranza del pasado que surge, sobre todo, cuando hay disputas sociales.

Con los altibajos propios de toda película, queda claro que la intención primordial es conmover y Maruge termina convirtiéndose en una metáfora de sí mismo; no se trata solo de leer, sino de entender tanto la lectura como la educación como bases para entender el pasado y su importancia. Es un drama que revela tanto las rencillas que todavía perduran entre las tribus africanas, como el miedo a la educación y lo que trae consigo de manera inevitable: cambios de la tradición y acercamiento a la modernidad, vista por muchos como algo descocido y perjudicial.



Aunque basada en un hecho real, The first grader pinta de cuerpo entero algo que es aún más grave y perceptible tanto en Kenia como en el resto del mundo: el miedo al conocimiento como forma de rebelión contra la realidad.


Ficha técnica


Dirección: Justin Chadwick
Producción: Vittoria Sogno
Guión: Ann Peacock
Reparto: Oliver Litondo, Naomie Harris, Tony Kgoroge
Música: Alex Heffes
Fotografía: Rob Hardy
Edición: Paul Knight
Países: Reino Unido, Estados Unidos, Kenya
Año: 2010
Género: Biopic, drama
Duración: 103 minutos


Etiquetas: [Batman V Superman Dawn of Justice]  [Batman vs Superman El origen de la justicia]  [Ben Affleck]  [DC Comics]  [Gal Godot]  [Henry Cavill]  [Wonder Woman]  [Zack Snyder]  
Fecha Publicación: 2016-03-25T16:01:00.000-07:00


Por: Sergio Cueto

¡Llegó el ansiado día! El Amanecer de la Justicia ya está entre nosotros. Nos encontramos, pues, frente al segundo largometraje de Zack Snyder, donde se desarrolla al personaje de Kal-El (Superman). En esta ocasión, le tocará enfrentar a Batman, justiciero de Gotham, quien decide castigarlo tras sus últimas acciones. Vale decir que Batman vs. Superman, es también la piedra fundamental de lo que será La Liga de la Justicia, un título que vendrá dividido en dos partes previstas para 2017 y 2019.

¿Lo mejor de la película? Empezamos con el desarrollo de Batman utilizando, paradógicamente, su génesis para mostrarnos su caída. Un sueño, una esperanza rota, en pocos minutos; podemos revivir con él esa paulatina pérdida de fe en la humanidad que nos lleva al Batman más violento hasta la fecha. A la par tenemos a un Bruce Wayne maduro, bebedor, mujeriego y con mucho rencor acompañado por el genial y fiel Alfred de Jeremy Irons: "La fiebre, la rabia, la sensación de impotencia que vuelve a los hombres buenos, crueles."


Si Batman vs. Superman alcanza fácilmente los 160 minutos de duración, la acción como tal no llega hasta el tramo final de la misma. También les adelantamos: NO hay escena post-créditos; no se queden en el cine esperando algún teaser a futuro.

Las cerca de dos horas iniciales se dedican a mostrarnos poco a poco como va creciendo el conflicto entre Superman y Batman, dos superhéroes que se perciben el uno al otro como amenazas. "Él tiene el poder de aniquilar la raza humana y tenemos que destruirlo. "


Batman no considera a Superman ni siquiera humano (y en verdad no lo es), y cree que tiene demasiado poder como para gestionarlo por sí mismo. Superman ve en Batman a un justiciero de la calle, un vigilante al margen de la ley. Está incluso dispuesto a denunciarlo e investigar sus métodos por la vía periodística (sin mucho éxito).

El guión toma su tiempo para mostrarnos no solo éste conflicto; también uno más elaborado tras bambalinas. Un conflicto social ético y hasta político: La Senadora Finch (Holly Hunter) y Lex Luthor (Jesse Eisenberg) tienen un enfrentamiento verbal muy interesante; ellos presentan posturas opuestas que defienden con uñas y dientes. ¿Puede ser un Dios todopoderoso y bondadoso a la vez?

El cara a cara de Batman y Superman es espectacular, y es la parte que todos esperan ver con ansias, por más que la justificación final de que tengan este cuerpo a cuerpo no sea tan simple como una lucha de egos. Hay un trasfondo interesante y bastante más profundo. "Negro y azul. Dios vs. Hombre. Día contra la noche."



La forma en la que cada uno exhibe sus fortalezas y debilidades, y toda la iconografía desplegada, cumple las expectativas de largo. Tanto el traje como la armadura táctica de Batman, como sus complejos equipos informáticos, vehículos y su nave en modo dron (gracias Alfred), contribuyen a crear un personaje tan familiar como atractivo para el espectador.

La simbología asociada a Superman es un punto aparte para comentar. Podría decir que nos muestra (a propósito de la Semana Santa) a un héroe mesiánico, que debe sacrificarse para ser comprendido por una humanidad que le teme. La genta odia aquello que no comprende, y así volvemos al tono cuasi bíblico que el director ya había mostrado en Man of Steel, con abundantes planos picados (desde lo alto), en los que su aparición es casi redentora.


Pasando a Lex Luthor, los más fieles seguidores de DC Comics van a rasgarse las vestiduras; se trata de un personaje completamente distinto al original. Y –aunque a muchos les cueste admitirlo- se agradece. Se trata de un Lex reinventado, acorde al nuevo universo que nos plantea Zack Snyder. Además del dinero, la ambición y su visceral odio hacia Superman, este nuevo Lex está un tanto “jokerizado”, si cabe el término.

Él plantea una cuestión, entre sus desvaríos: la incompatibilidad entre poder hacer todo y hacer el bien, a la vista del resultado palpable en la sociedad. Queda claro que proyecta en el hombre de acero esa paradoja y es lo que le lleva a buscar su destrucción, o al menos justificar así sus fines no-santos. "Los demonios no vienen del infierno, vienen del cielo."


Lex Luthor
¿Los puntos flojos? Como punto más importante y crucial, la cantidad de misterios sin resolver. Uno de ellos es un sueño premonitorio (se supone) de Bruce Wayne. Como esta crítica es libre de spoilers, no indagaré en ella, pero vale decir que, si no eres de acérrimo seguidor de los cómics, seguro lo sentirás como momento incoherente.

Otro problema es el metraje. Y es que Batman vs. Superman quiere abarcar demasiado y ésa es su principal debilidad: Nos muestra muchos personajes, algunos difíciles de reconocer para los no-fans, como el personaje de Callan Mulvey (KGBeast). La película tal vez debió centrarse en el choque de Batman y Superman (que parece algo corto), como prometía el título; en vez de ello, pretende meter en el mismo saco a una cantidad de personajes que entran y salen sin mayor profundidad. Quizás la idea de Snyder era dejarnos curiosos ante una futura entrega del universo expandido de DC Comics, pero peca de emplear elementos en demasía. Esperamos conocer un poco más de Wonder Woman en su película en solitario, al igual que en el proyecto de Batman y La Liga de la Justicia.


Si tomamos en cuenta además que –en teoría- Batman vs Supermanocurre en el mismo universo que Escuadrón Suicida, aún no nos queda claro cómo van a encajar lo que hemos visto aquí con aquella película.

En cuanto a su aspecto visual y técnico, la fotografía es impecable. El uso de la atmósfera oscura y lluviosa es marcado a pesar de que no todo ocurre en Gotham, pero es que el tono de la película en general. Si te gustó Man of Steel, yo creo que amarás ésta película; si no fue así, posiblemente te decepciones por su densidad. Zack Snyder arriesga el todo por el todo en su inicio para conformar el grupo de superhéroes bandera de DC, y de hecho no existe un término medio: o la amarás o la odiarás.


Gotham

Metropolis

No es una película sencilla, se aproxima bastante Watchmen (del mismo director) en este sentido. Cruda, melancólica, violenta, amarga. Son sentimientos humanos que rara vez se mezclan en el universo superheróico; es por esto que se siente como un proyecto arriesgado y transgresor.

¿Es Batman vs Supermanlo que hemos esperado? Como conclusión, estamos ante un filme oscuro, una correcta continuación a los hechos de Manof Steel, muy diferente a lo que nos tiene acostumbrados Marvel, eso está claro. Tenemos, posiblemente, al mejor Batman en cine hasta la fecha, a un Superman humano, dubitativo, y una Wonder Woman que da batalla.


Con todo, considero que Batman vs Superman consigue abrir con éxito la puerta para un universo compartido que ya está ahí, presentando personajes y consolidándolos de cara al futuro del universo DC. Pero este nuevo universo puede ser (o ya es) mucho más tenebroso de lo que me habíamos imaginado. Quizás es el necesario episodio, trágico y decadente, de una saga que terminará con el triunfo de la luz. No espero menos de un universo en el que existe Superman.




Ficha técnica

Dirección: Zack Snyder
Producción: Charles Roven, Deborah Snyder
Guión: Chris Terrio, David S. Goyer
Idea original: Batmany Superman de DC Comics
Música: Hans Zimmer
Fotografía: Larry Fong
Montaje: David Brenner
Reparto: Henry Cavill, Ben Affleck, Amy Adams, Jesse Eisenberg, Jeremy Irons, Gal Gadot
País: Estados Unidos
Año: 2016
Idioma: Inglés
Género: Ciencia ficción, Acción, Drama, Superhéroes
Duración: 151 minutos





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Etiquetas: [cine]  [Cinemafic]  [cosplay]  [Disney]  [fanfiction]  [La Venganza del Fachoy]  [literatura]  [Marvel]  [premiación]  
Fecha Publicación: 2016-03-24T17:24:00.000-07:00


El concurso de relatos sobre cine llegó a su fin y se prepara para anunciar a sus ganadores en una celebración inspirada en la entrega del Oscar.

“Habrá sketchs, música en vivo, cortos, trailers y otras sorpresas”, así lo han anunciado Cinematosis y Libros Delivery, organizadores del evento. Vale decir, que esta premiación corresponde al concurso previamente organizado, en el cual los participantes debían tomar dos o tres películas de una lista señalada en las bases, mezclarlas dentro de un mismo universo, y crear un relato escrito.

En esta ocasión, el animador de la noche será el actor Gian Morales, egresado de la escuela D’Art y de la escuela de Canto de Broadway Perú, quien ha participado en destacados montajes profesionales como Los Locos Addams, Grease, Rent y Mandrágora. Entre los números, se contará con la presencia del grupo Le Gang, que interpretará los mejores temas peliculeros versionados al estilo soul. Se expondrá el cortometraje animado Pétalos, ganador del premio de financiamiento Cortos de Vista 2015, además de los más recientes trailers de los próximos estrenos de Marvel, Pixar y Disney Studios.



Para sorprender aún más a los asistentes, se contará con una pasarela de los más emblemáticos personajes del cine, número a cargo de Cosplay Perú. Por si fuera poco, el elenco original de la película La Venganza del Fachoy  -primera comedia peruana de Artes Marciales- realizará un sketch relacionado al filme e interactuará con el público.

Por supuesto, no podía faltar la presentación de los grandes ganadores de los paquetes de premios y del viaje Lima-Iquitos-Lima con estadía pagada en el Hotel Emperador Terraza, quienes participarán de un brindis de honor junto a todos los asistentes.


Al igual que en la edición anterior, el jurado ha estado compuesto por cuatro representativas figuras del cine y la literatura peruana: José Abelardo Güich (escritor de Los Espectros Nacionales, El Misterio de la Loma Amarilla, entre otros) y Alberto Schroth Prilika(ganador de la competencia Lucha Libro 2013, autor de Sala de Montaje y Cuentos a Tajo Limpio) y los directores y guionistas de cine Fernando Montenegro (Cada Viernes Sangre, Entonces Ruth) y Jesús Álvarez Betancourt(Quizás Mañana, Japy Ending).

La cita se llevará a cabo el día jueves 31 de marzo, a las 7 p.m. en el auditorio de la biblioteca del ICPNA de Miraflores (Av. Angamos Oeste 160, Miraflores 15074 – Cruce de Av. Angamos con Av. Arequipa). Ingreso libre (capacidad limitada). Para ir al evento en facebook, click aquí.

Gracias al fan club Marvelitas Now! por este banner promocional

El evento es posible también gracias al apoyo de Viajes Beauce, Cinecolor Films, Editorial Altazor, Editorial Animal de Invierno, Editora Vuk, Alhuen Store, Clean&Clean, Juguetes Insanos, Zona Geek, Distribuidora Gary, Voz Actual, Revista Dedomedio, El Buen Librero, Piscosour.com, Tridamia, XTN!, Alhuen Store y Revista Ventana Indiscreta.

Etiquetas: [Brie Larson]  [drama]  [Emma Donoghue]  [Jacob Tremblay]  [Lenny Abrahamson]  [Oscar 2016]  [Room]  
Fecha Publicación: 2016-03-21T18:58:00.000-07:00


Por: Luciana Fonseca

Para muchos que vivimos en la ciudad, nuestra habitación contiene lo mejor de nuestro mundo. Podríamos pasarnos horas en ella, pero no todo el día ¿verdad? El ritmo de la ciudad nos expulsa de nuestras habitaciones o departamentos, con hijos o siendo solteros. Esta es una película que nos invita a apreciar este tipo de libertad, que muchas veces olvidamos por ser tan obvia hasta ser considerada inherente a nosotros… pero no lo es.

Normalmente, el primer contacto humano que tenemos, es con nuestra madre. Luego ese espacio entre ella y nosotros se va haciendo cada vez más grande. Primero, cuando dejamos de lactar y empezamos a gatear y luego a caminar. Probablemente ella tenga que ir a trabajar y dejarnos al cuidado de diferentes personas. Si la extrañamos o no, creo que no es un tema para preocuparse, porque en el mundo actual esta separación se da a una edad tan temprana que ni si quiera nos da tiempo para darnos cuenta. Sin embargo podemos decir que en algún momento de nuestras vidas, nuestra madre es nuestro hogar, nuestro mundo, nuestra habitación.



Para Jack el protagonista de Room, no ha existido tal separación con respecto de Joy, su madre.  Joy (Ma’) cayó en un hoyo más negro que el de Alicia en el país de las maravillas, del que no ha podido salir en 7 años. Este hoyo, por supuesto, no la llevo a ningún país maravilloso. Todo lo contrario; la llevó a un cuarto oscuro en el que tuvo que aguantar sola a su secuestrador por dos años, hasta que naciera su hijo Jack: “Lo más hermoso había visto”. Aunque suene increíble,  los dos viven juntos con permiso de su secuestrador al que llaman “el viejo Nick” y al que Jack jamás ha visto bien, excepto por los atisbos de rostro que se muestran a través de las rendijas de su armario, donde duerme. Para Jack, el viejo Nick es mitad real porque es mitad parte de su experiencia diaria.

La dicotomía en el mundo de este niño, es que todo lo que está en el cuarto es real, y todo lo que está afuera es el espacio exterior y los planetas de la televisión.Imagínense cumplir cinco años y descubrir que hay mundo exterior, del que no sabes absolutamente nada. La adaptabilidad del ser humano puede ser infinita, tanto así que podemos atarnos a la idea de que la realidad es sólo lo que vemos. Esto le sucede a Jack cuando llega el momento de escapar del cautiverio en el que nació. Cual animal salvaje, le veremos en su proceso de adaptación al mundo que tan bien conocemos, pero que a sus ojos es aún desconocido (y por lo tanto, peligroso). Podría parecer al comienzo del film que Ma’ es la protagonista, y la que nos va a llevar en la historia; sin embargo, es Jack y su mirada infantil y pura hacia el mundo, lo que nos emociona y nos lleva a reflexionar sobre nuestra mirada aburrida de nuestro entorno.


El hermetismo que hay al comienzo de Room, no sólo del espacio sino también del sonido, separa un antes y después en la película.El ritmo de la trama se acelera a medida que Jack va descubriendo, recién a sus cinco años, el mundo exterior, con los árboles y sus hojas verdes y sus hojas marrones muertas.

La dirección de Lenny Abrahamson, con su predominancia de planos cerrados (objetos y rostros enfocados muy de cerca), plasma a la perfección la esencia de la historia basada en el libro de Emma Donoghue, quien estuvo a cargo del guión. Las actuaciones son otro elemento muy importante. Tanto Brie Larson (ganadora del Oscar a Mejor actriz) y Jacob Tremblay (galardonado como Mejor actor joven en los Choice Awards), con tan sólo 9 años, con toda su expresividad, te sumergen en la historia de principio a fin. La visión del director nos permite alternar entre la perspectiva de Ma (Joy) y la perspectiva de Jack.




Hablando con sinceridad, se trata de una película dura y triste, pero deliciosamente reveladoraa la vez, en el sentido de que cuestiona nuestra visión sobre el mundo, nos enfrenta con maldad humana, y nos conecta también con la fortaleza de Ma’ y Jack, y su valentía de volver a vivir.


Ficha técnica

Dirección: Lenny Abrahamson
Producción: Ed Guiney, David Gross
Idea original: Emma Donoghue (basada en su novela homónima)
Guión: Emma Donoghue
Dirección artística: Michelle Lannon
Música: Stephen Rennicks
Fotografía: Danny Cohen
Montaje: Nathan Nugent
Reparto: Brie Larson, Jacob Tremblay, Joan Allen, Sean Bridgers, William H. Macy
Países: Canadá, Irlanda
Año: 2015
Idioma:Inglés
Género: Drama
Etiquetas: [Christian Clavier]  [cine europeo]  [comedia]  [Florian Zeller]  [Patrice Leconte]  [Rossy de Palma]  
Fecha Publicación: 2016-03-19T13:48:00.000-07:00


Por: Sergio Lescano

¿Cuándo fue la última vez que pudiste ver una película, escuchar un CD de principio a fin, o leer más de un par de capítulos del libro que comenzaste hace meses sin ser interrumpido por alguien o algo? Si no lo recuerdas, no te preocupes, no estás solo. De hecho, en tiempos actuales es común que muchas de nuestras actividades cotidianas (comer, por ejemplo) se vean constantemente interrumpidas ya sea por los gadgets que parecen gobernar nuestra vida, o por personas que han perdido la delicadeza de respetar lo que los gringos llaman me time o “tiempo para mí”. Sin embargo, en lugar de hacer una crítica densa a esta realidad que vivimos (en la que no podemos ni tomar una ducha sin que suene nuestro celular… el cual, por supuesto, llevamos hasta al baño), No Molestar hace exactamente lo contrario: satiriza dicha realidad hasta decir basta, con resultados satisfactoriamente positivos.



El título original de No Molestar es Une heure de tranquillité (“Una hora de tranquilidad”), título doblemente irónico, ya que Michel, el protagonista, no logra obtener ni siquiera un minuto de tranquilidad a lo largo de casi toda película. Por consiguiente, ofrece a los espectadores más de una hora llena no de tranquilidad, sino de risas.

La película está dirigida y adaptada al cine por Patrice Leconte, experimentado realizador parisino, famoso por comedias exitosas como Les bronzés, y dramas aclamados por la crítica como Monsieur Hire. La protagoniza Christian Clavier, uno de los actores franceses más carismáticos y reconocidos; además, cuenta con un reparto internacional de lujo, que incluye a la divertidísima Rossy de Palma, una “chica Almodóvar” que tiende a robarse cada escena en la que está presente.



Pero como dijo Jack el destripador, vamos por partes.

En No Molestar, Christian Clavier interpreta a Michel, un dentista amante del jazz de unos cincuenta años aproximadamente.Mientras camina despreocupadamente por un mercado de pulgas encuentra, para su alegre sorpresa, el vinilo de Me, Myself and I, que en sus palabras es nada menos que la obra máxima de Neil Youart y el referente por excelencia del buen jazz. Sin pensarlo dos veces lo compra por el precio que le piden (afirmando que hubiese pagado hasta el triple por él), y se dirige a su casa para escucharlo. De pronto, una tras otra, empiezan a sucederse diversas situaciones que lo van metiendo en entreverados líos, y que finalmente le impiden escuchar su amado Me, Myself and I. Sin mencionar spoilers, diré que los enredos en los que se envuelve Michel van desde lo cotidiano (un insistente y hablador vecino), hasta lo absurdo (una familia de inmigrantes coreanos que su hijo decide amparar en su casa). Dichas situaciones van in crescendo conforme avanza la película, haciendo que Michel entre en un estado de desesperación extremo, perdiendo totalmente la compostura cuando las cosas se salen absolutamente de control.


Desde su inicio, el filme se anuncia como una comedia ligera, que no exige pensar demasiado y con la que uno puede simplemente relajarse. Como tal, la película funciona y cumple su cometido de hacer reír, tomando como eje la genialidad de sus actuaciones. En primer lugar, por la interpretación de Clavier –el ancla de la película-, quien no sólo captura y encarna la desesperación creciente de forma realista y no por eso menos cómica; también logra obtener casi de inmediato la simpatía del espectador, a pesar de los flagrantes defectos de su personaje. Luego, por el trabajo de los demás actores, quienes les imprimen a sus personajes muchísimo humor y presencia.

Como mencioné antes, esta no es una película que sobresalga por su profundidad o por la complejidad de su trama. De la misma manera, vale mencionar que la gran mayoría de personajes son unidimensionales y no presentan mayor evolución a lo largo del film. En otras palabras, aparecen como elementos gratuitos exclusivamente diseñados para causar gracia. Roles de este tipo en actores menos talentosos y experimentados hubiesen caído en lo cliché, pero el elenco de No Molestar es tan bueno que cada aparición, por más corta que sea, genera risa y aporta al filme como un todo.


El segundo motivo por el cual la película resulta tan efectiva, es el ritmo; factor que muchas comedias descuidan y por el que no logran mantener la atención del espectador. Patrice Leconte opta por no dejar espacios largos entre los gags. Más bien, conforme avanza la historia, va hilando las distintas situaciones de forma trepidante, como si fueran piezas de dominó que, sin parar se empujan unas a otras. De esta forma, en vez de dejar que la trama retorne al ritmo apacible con el que comenzó, Leconte aprovecha el momentum cómico de la situación y lo lleva un paso más allá con la siguiente. A propósito, en cierta forma el ritmo de la película me recordó al de una montaña rusa. Es lenta en sus primeros instantes, pero no tarda en coger velocidad, y una vez que lo logra, no hace más que incrementarla cada vez más, para explosionar en un clímax tras el cual pensé. La sensación final fue la de la mencionada montaña rusa: “¿cómo es que pasó tan rápido?”, “¡quiero hacer (ver) eso de nuevo!”.



Ficha técnica

Dirección: Patrice Laconte
Idea original: Florian Zeller (de su novela homónima)
Guión: Patrice Laconte
Reparto: Christian Clavier, Carole Bouquet, Rossy de Palma, Stéphane De Groodt, Valérie Bonneton, Sébastien Castro
País: Francia
Año: 2014
Género: Comedia
Duración: 79 minutos





Etiquetas: [drama]  [investigación]  [Mark Ruffalo]  [Michael Keaton]  [Oscars 2016]  [periodismo]  [Spotlight]  [suspenso]  [Tom McCarthy]  
Fecha Publicación: 2016-03-14T07:37:00.000-07:00

Por: Fabiola Martínez

Cuando una película es basada en hechos reales, inevitablemente genera intriga y expectativa en la audiencia. Pero si a esto le sumamos un tema tabú para la sociedad, conceptos como “iglesia”, “pederastia” y “prensa”, y el tacto necesario para tratarlos sin caer en el facilismo de lo explícito; entonces tenemos a Tom McCarthy dirigiendo Spotlight de una manera admirable.

Spotlight, el equipo de investigación del periódico The Boston Globe, está formado por Walter Robinson (Michael Keaton) –un perspicaz y agudo editor- y su equipo de reporteros: Sacha Pfeiffer (Rachel McAdams), Mike Rezendes (Mark Ruffalo) y Matt Carroll (Brian d’Arcy James). Todos con formación católica, son asignados a investigar a fondo los casos de sacerdotes pederastas registrados en Boston.El fin es revelar a la sociedad el verdadero y oscuro funcionamiento de la iglesia católica en la ciudad –claro-, bajo la premisa de elevar las ventas del periódico. La formación católica de los personajes es un factor clave en el desarrollo de la historia, pues la investigación se torna muy personal e incómoda para ellos.



Contar la historia desde la óptica del trabajo de investigación hecha por el equipo Spotlight, le permite a McCarthy ser todo un caballero mientras que, con mucho tino y  toques de sarcasmo, destruye la imagen –ya bastante manchada- de la iglesia católica a nivel mundial. La película retrata de forma muy cercana a la realidad, lo adoctrinados (o será adormecidos) que se encuentran los cerebros de los creyentes. Y es que la fe ciega es el motor de la hipocresía en muchos casos.

McCarthy y Josh Singer (los guionistas), han sabido insertar las frases precisas durante el trascurso de la película, estableciendo un claro rechazo hacia la iglesia católica por el manejo de desastres tan graves como lo son los casos de niños violados por sus sacerdotes en muchas ciudades del mundo. Haciendo un esfuerzo por mantenerse siempre correctos, abordan y exponen el caso concreta y preocupadamente. Logran que el espectador se sienta cercano al problema, mostrando, por ejemplo, escenas en las que un parque está frente a una iglesia, o niños que juegan cerca a la casa de un ex sacerdote pederasta. Recursos sencillos te acercan a la vulnerabilidad de la infancia en las calles.

Mark Ruffalo representa la sensibilidad humana, mientras que Michael
Keaton representa el pragmatismo de quien busca el bien mayor.

“La iglesia es una institución hecha por el hombre; mi fe está en lo eterno, intento separarlo” reza una línea del guión ganador al Oscar,  refiriéndose a un “sobreviviente” de abuso sexual por un sacerdote católico. Y es así que se establece la posición del discurso narrado en la película, es decir, no se busca ir tras la religión sino más bien de ir contra el sistema creado por los hombres que representan dicha religión. Porque decir que “son solo algunas manzanas podridas”, ya lo dicen las pruebas, no es una excusa para la negligencia.


Haber contado la historia desde el punto periodístico, hace que Spotlight sea una declaración estable y racional. Ya que sin dejar de lado que se trata de una película, hay factores innegables que hacen del film un documento importante para concientizar.



Ficha técnica:


Dirección: Thomas McCarthy
Producción: Steve Golin, Michael Sugar, Nicole Rocklin, Blye Faust
Guión: Thomas McCarthy, Josh Singer
Música: Howard Shore
Fotografía: Masanobu Takayanagi
Reparto: Mark Ruffalo, Michael Keaton, Rachel McAdams, Liev Schreiber, John Slattery, Stanley Tucci
País: Estados Unidos
Año: 2015
Idioma: Inglés
Género: Drama, suspenso
Etiquetas: [cine]  [Cinemafic 2015]  [cortometraje]  [cosplay]  [Disney]  [distopias]  [evento]  [La Venganza del Fachoy]  [literatura]  [Marvel]  [Pedro Almodívar]  [Pixar]  [premiación]  [Quentin Tarantino]  [Tim Burton]  
Fecha Publicación: 2016-03-07T23:42:00.002-08:00
Será una celebración especial llena de diversión y representaciones artísticas


Culminado el concurso Cinemafic, de relatos sobre cine, Cinematosis y Libros Delivery se preparan para anunciar y premiar a sus ganadores.

La premiación contará con un show especial de agasajo, donde la literatura y el cine tendrán papel protagónico. Se contará con la animación del actor Gian Morales, egresado de la escuela D’Art y de la escuela de Canto de Broadway Perú, quien ha participado en destacados montajes profesionales como Los Locos Addams, Grease, Rent y Mandrágora. Entre los números de la noche, se contará con la presencia del grupo Le Gang, que interpretará los mejores temas peliculeros versionados al estilo soul. Se expondrá el cortometraje animado Pétalos, ganador del premio de financiamiento Cortos de Vista 2015, además de los más recientes trailers de los próximos estrenos de Marvel, Pixar y Disney Studios.


 

Para sorprender aún más a los asistentes, se contará con una pasarela de los más emblemáticos personajes del cine, número a cargo de Cosplay Perú. Como si fuese poco, el elenco original de la película La Venganza del Fachoy -primera comedia peruana de artes marciales- realizará un sketch relacionado al filme e interactuará con el público.

Vale decir, que al igual que en la edición anterior, el jurado ha estado compuesto por cuatro representativas figuras del cine y la literatura peruana: José Abelardo Güich(escritor de Los Espectros Nacionales, El Misterio de la Loma Amarilla, entre otros) y Alberto Schroth Prilika(ganador de la competencia Lucha Libro 2013, autor de Sala de Montaje y Cuentos a Tajo Limpio) y los directores y guionistas de cine Fernando Montenegro (Cada Viernes Sangre, Entonces Ruth) y Jesús Álvarez Betancourt(Quizás Mañana, Japy Ending).


La cita se llevará a cabo el día jueves 31 de marzo, a las 7 p.m. en el auditorio de la biblioteca del ICPNA de Miraflores (Av. Angamos Oeste 160, Miraflores 15074 – Cruce de Av. Angamos con Av. Arequipa). Ingreso libre (capacidad limitada).

El evento es posible también gracias al apoyo de Viajes Beauce, Cinecolor Films, Editorial Altazor, Editorial Animal de Invierno, Editora Vuk, Alhuen Store, Clean&Clean, Guardarropa 360, Zona Geek, Distribuidora Gary, Voz Actual, Revista Dedomedio, El Buen Librero, Piscosour.com, Tridamia, XTN! y Alhuen Store.
Etiquetas: [biopic]  [Brian Helgeland]  [cine negro]  [Emily Browning]  [suspenso]  [Tom Hardy]  
Fecha Publicación: 2016-03-06T06:30:00.000-08:00


 Por: Claudia Alfaro

Leyenda: La profesión de la violencia, es una película basada en la historia real de Ronald y Reginald Kray: dos hermanos gemelos gansters –los más famosos de Londres, de hecho- que, pese a los complicaciones, peleas y  desacuerdos, logran mantener un lazo particular de “unión y de respeto” (una relación de amor-odio, para ser más precisos).

Realizada dentro de un contexto histórico de los años 50 y 60, y  ambientada con características relevantes del cine negro, el filme nos lleva a un mundo plagado de contrastes, donde resalta el estilo suspicaz y comicidad irónica de los personajes.


Protagonizados doblemente por Tom Hardy, es el actor en quien cae el mayor peso de la película, logrando, con su precisa actuación, marcar una diferencia entre dos protagonistas totalmente distintos.

Por un lado, el hermano Ronny es un hombre cuyo perfil está basado en avaricias, torpezas, impulsos y desenfrenos; él, en sí mismo, personifica a la mafia cruda y ensangrentada. En cambio Reggie, su gemelo, es quien mantiene la estabilidad emocional. Tiene una mente astuta, lo cual hace que “sus negocios” funcionen. Es él quien da equilibrio a esta dualidad, a los arrebatos de su hermano. Pero luego, conforme transcurre la historia, conocemos un poco más sobre los puntos débiles de este personaje, y por consecuencia, de sus verdaderos impulsos y quiebres.


Más allá del mundo de la fortuna y la avaricia, el argumento nos introduce en los sentimientos de Reggie Kray, así como en su historia de amor con Frances Shea (Emily Browning). Una pareja que en distintas oportunidades te deja con ganas de más. Empieza con una tierna aventura de amor, y poco a poco va sumergiéndote en una loca historia de dos mundos opuestos y contradictorios, que lucha contra viento, marea y tragedia. Un plot point que nos revuelca y nos hace cómplices con el verdadero insight de Reggie, donde el quiebre en su relación es un detonante fundamental a diversos sucesos perjudiciales, y un descenso catastrófico dentro de sus “triunfos”.


Por otro lado, el lenguaje audiovisual, se caracteriza por utilizar contrastes de luz, con sombras definidas, colores cálidos y un movimiento de cámara estable. El ritmo es cauteloso, pero digerible. Se maneja un lenguaje en donde la comicidad y picardía toman protagonismo en gran cantidad de escenas, particularmente manejadas por giros. El ambiente funciona, y la fotografía nos termina por trasladar completamente a la época; sin embargo, su punto débil es que, por momentos, la estilización de recursos llega a pecar de ser algo forzada

En conclusión, una película bastante entretenida y con una destacada interpretación.




Ficha técnica

Dirección: Brian Helgeland
Producción: Tim Bevan, Eric Fellner, Chris Clark, Quentin Curtis, Brian Oliver
Guión: Brian Helgeland
Idea original: John Pearson (de su obra The Profession of Violence)
Música: Carter Burwell
Fotografía: Dick Pope
Montaje: Peter McNulty
Reparto: Tom Hardy, Emily Browning, Paul Bettany, Taron Egerton, Colin Morgan
Países: Reino Unido, Francia, Estados Unidos
Idioma: Inglés
Género: Biopic, cine negro, suspenso
Etiquetas: [Carol]  [Cate Blanchett]  [descargas]  [LGBTI]  [libro vs película]  [literatura]  [Patricia Highsmith]  [Rooney Mara]  [Todd Haynes]  
Fecha Publicación: 2016-03-05T18:25:00.000-08:00


Por: Alexiel Vidam

Después de enviciarme con Carol, de Todd Haynes, el siguiente paso era bastante predecible (o al menos para mí): leer la novela. Para quienes no lo sabían, esta película se inspiró en la novela homónima de Patricia Highsmith, que inicialmente se lanzó con el título El precio de la sal, y bajo el pseudónimo de Claire Morgan. No es la primera novela de Highsmith que se traslada al cine, dicho sea de paso. El pionero en llevar una de sus historias a la pantalla grande, fue Alfred Hitchcock, quien adaptó Dos extraños en un tren en 1951.

**ATENCIÓN A SPOILERS**

Algo que pude notar de entrada al empezar a leer, fue que en la novela, las descripciones eran mucho más sugestivas desde el primer momento, lo cual, por supuesto, vuelve mucho más evidentes los sentimientos de Therese. Mientras que en la película la tensión se maneja de manera más sutil mediante gestos, juegos de miradas y silencios, en el libro tenemos contacto directo con los pensamientos de Therese (que es la verdadera protagonista, o por lo menos la co-protagonista principal), de modo que llegamos a compenetrarnos con el personaje a un punto en que incluso nos ruborizamos cuando ella se siente al descubierto.

La forma en que ella y Carol se conocen, si bien ha sido tomada del libro, en el filme presenta ciertas diferencias: Para comenzar, Therese no es fotógrafa sino escenógrafa. Se conoce con Carol en la tienda de juguetes, pero Carol nunca olvida sus guantes, sino que Therese queda tan impactada con su presencia, que a la hora de enviarle su compra, añade una tarjeta de navidad. Es ése el motivo por el que Carol la invita a cenar.

Como es de esperarse, debido a la mayor libertad de extensión que permite la literatura, en la novela los personajes están más desarrollados (incluso Richard, el novio de Therese). El preámbulo hacia el viaje que emprenden Carol y Therese también se hace más largo, y el viaje en sí, también está más lleno de paradas y descripciones; por ello, como lectores, nos sentimos más cerca de las protagonistas y vivimos más a fondo su romance.



El estilo que muestra el libro, de hecho, es bastante envolvente y encuentra su punto más fuere en la exploración psicológica de Therese; en la manera en que va descubriendo sus sentimientos y descifrando los de Carol en sus enigmáticas manifestaciones. Sin embargo, con todo y todo, éste es uno de los casos en los que un filme nos sorprende superando a su versión original.

Uno de los grandes goles de la película no sólo es haber elegido a las actrices precisas (a la hora de leer, es imposible no visualizar a Cate Blanchett y Rooney Mara, cuyas descripciones físicas y gestuales calzan a la perfección con las de la novela). Otro, es haber sabido extraer lo mejor de la obra, reordenarlo, completar los blancos (aquellos que se dan cuando seguimos la perspectiva de un sólo personaje), e incluso incrementar el dramatismo.



El mayor empleo de silencios en la película, aumenta la tensión. Ese jugueteo de expresiones contenidas, de comentarios a medias, ese tacto sutil y encaletado, nos van poco a poco atrapando y metiéndonos en la atmósfera condensada. Pronto nos sentimos tan ansiosos como Carol y Therese por llegar al clímax.

El cambio de profesión de Therese, a mi parecer, fue una cosa de practicidad. Era mucho más sencillo plasmar su sensibilidad artística en pantalla, mediante la captura de fotos, que mediante maquetas. De hecho, este detalle la acercó más a Carol, pues, de alguna forma, las imágenes capturadas por Therese son el claro reflejo de cómo la observa; de su propia mirada fascinada.


Otra cuestión que también se maneja mejor en la película, es el desarrollo del erotismo y del problema. Esto me sorprendió. Al leer a Patricia Highsmith durante la primera mitad del libro, y encontrarme en los zapatos de Therese, sentí que sucedería al contrario. Los descubrimientos de Therese nos tocan de manera íntima, de modo que uno espera que el momento cumbre-sexual y el momento cumbre-tragedia  nos lleven de la máxima excitación al máximo desgarro; pero no es así.

Después de un amplio preámbulo erótico, el primer encuentro sexual entre Therese y Carol tiene una descripción tan general, que uno llega a preguntarse inclusive si ocurrió (y lo confirma recién diálogos depués, cuando Therese le pregunta a Carol si había hecho “eso” antes). Los siguientes encuentros, de hecho, son apenas mencionados. Posiblemente, la autora se cortó por el pudor de la época (años 50), pero la cosa es que tanto preámbulo para ese “clímax”, nos deja un poco (bastante) frustrados. La película, en contraste, maneja la escena con la necesaria discreción para no caer en morbos, pero con mostrando lo suficiente para mantener la temperatura y que no quepa duda de lo que acaba de ocurrir.


En cuanto a la crisis, la película también nos “maltrata” más (en el buen sentido). Una vez que las protagonistas han consumado su amor, comienza el declive. Se revela el asunto del detective de manera abrupta, de modo que sentimos el tremendo cachetadón. La tragedia se desarrolla con rapidez, dejándonos en el lugar de una Therese completamente perdida, desencajada y hecha pedazos. La carta de Carol no da grandes explicaciones, pero dado que conocemos sus problemas, tampoco es necesario. Quizás, lo único que podemos criticarle, es que se haya largado así, de la nada, de pronto, sin lugar a discusiones ni a últimos abrazos.


En el libro, la cuestión es diferente. Su vínculo con su propia hija está bastante menos descrito(irónicamente, con todas sus descripciones, este punto está bastante descuidado). Carol menciona sus problemas con bastante superficialidad, y como no los vemos en pantalla, tampoco conectamos tanto con ellos. Sabemos que están, pero no los sentimos. De hecho, al tener el dato de una hija en pleito, ver a la madre chapar sus maletas y luego oponer mucha más resistencia que en el filme, por ratos nos puede chocar por irresponsable o por inverosímil (con todo y todo, se trata de una hija). La actitud de Carol nos resulta mucho más “random”, tanto cuando decide escapar de los problemas, como cuando decide darles cara o sencillamente rendirse.



Aun así, hay que reconocerle a la obra original el mérito de ser –hasta donde se conoce-, la primera novela homosexual con final feliz (toda una revolución en su tiempo). Con todos sus pudores descriptivos y sus puntos débiles, la novela de Patricia Highsmith fue una novela rebelde. Es posible también que esa desconcertante actitud de Carol en el punto de quiebre de la trama, sea reflejo de la opresión vivida por los gays de la época (la represión lleva a la explosión).

Vale decir –como anécdota del caso- que la novela partió de una experiencia de la propia autora. Deprimida y preocupada por dinero, ingresó a trabajar en un almacén de juguetes, donde quedó deslumbrada por la aparición de una distinguida clienta, de rubios cabellos y paso imponente. La mujer desapareció del lugar, pero no de su memoria. Llegando a su casa –y aprovechando la cuarentena de un repentino brote de varicela- se dedicó a escribir la novela… 235 páginas de corrido. Bomba de inspiración.


 

Aquí les dejamos el link de descarga del libro. Que lo disfruten.


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Etiquetas: [Alejandro González Iñárritu]  [Brie Larson]  [Chris Rock]  [El Renacido]  [Lady Gaga]  [Leonard]  [Mad Max Fury Road]  [Mark Rylance]  [Oscar 2016]  [premiación]  [Spotlight]  
Fecha Publicación: 2016-02-29T06:20:00.000-08:00


Por: Alexiel Vidam

Como decía anteriormente, el Oscar se venía lleno de sorpresas… y más de las que esperaba. Comenzando porque, en contra de mi propio pronóstico, mi favorita para el Oscar se llevó la estatuilla máxima. Spotlight, película que rinde homenaje al periodismo de investigación y que denuncia el encubrimiento de la Iglesia Católica a los sacerdotes pederastas, marca, desde mi perspectiva, un nuevo hito en la historia de la premiación. Quizás no se trate del filme más innovador de la lista en cuanto a recursos técnicos o estilo narrativo, pero se trata de una película con evidente mensaje autocrítico. Aquí los gringos no son los héroes, sino que la sociedad norteamericana se convierte en cómplice de los crímenes más sórdidos, y es un grupo de avezados periodistas el que decide dejar de hacerse de la vista gorda y comprarse el problema. Ya se observaba, como señalé en mi post anterior, varios cambios interesantes en los criterios de premiación, pero aun así, este resultado me ha parecido tan inesperado como interesante.


Otra gran galardonada fue The Revenant (El Renacido), que se llevó tres estatuillas: a Mejor Director (Alejandro Gonzáles Iñárritu), Mejor Fotografía (Emmanuel Lubezkii), y la tan esperada estatuilla a Mejor Actor... a Leonardo DiCaprio.


Por otra parte, los fans de DiCaprio estarán felices… y también quienes no somos sus fans pero sentíamos que ya le tocaba (“al César lo que es del César”, como dice el refrán). Creo que en general todos esperábamos ya este galardón, e incluso nos sentíamos más ansioso por saber quién se llevaba el premio a Mejor Actor, que el de Mejor Película. Bien merecido el Oscar, y es que, sin muchas líneas, la gestualidad del personaje convencía a la primera, y la resistencia del propio actor a las dificultades climáticas del rodaje, era otro mérito que tampoco se podía dejar de lado. En cuanto a su principal competidor, Eddie Redmayne, también considero que lo hizo bastante bien, pero me sigo quedando con su actuación en La Teoría del Todo, donde pienso que además el guión le daba más pie a lucirse, mientras que en La Chica Danesa, paradójicamente, que el vestuario y el maquillaje le robaban un foco a la propia interpretación.


“Muchas gracias a toda la Academia por este increíble honor, ‪The Revenant‬ es el producto de sacrificios incansables por un increíble elenco y equipo. Su apoyo incondicional y compromiso con este proyecto es la única razón por la que estoy en condiciones de aceptar éste premio. Ésta victoria es también una importante oportunidad para traer más atención al cambio climático y a la acción que debe ser tomada por todos nosotros ahora mismo.” - Leonardo DiCaprio


La verdad es que me quedé un poco decepcionada de que Carol–otra de mis favoritas- no obtuviese ningún premio, pero hay que admitir que la tenía difícil. Ha competido en varias categorías de Mad Max: Fury Road, que hasta ahora no me convence a nivel argumental, pero se le reconoce el gran mérito en la parte de la producción. Audiovisualmente, Mad Max Fury: Road es un monstruo impresionante; la capacidad del equipo de arte para transformar a los personajes, de todas maneras demostraba un esfuerzo notable (una vez más, “al César lo que es del César”). Siguiendo con Carol, Cate Blanchett tampoco se llevó el Oscar a Mejor Actriz, en contra de mis propios deseos, pero de igual modo era una categoría bastante peleada; Brie Larson nos convenció a todos con su desgarrado papel en Room, tomando en cuenta además, que se trata de una película con un foco muy específico, donde la calidad de la misma prácticamente dependía de ella y del actor que interpretaba a su hijo (Jacob Tremblay). El premio a Mejor Guión Adaptado sí me pareció completamente injusto. El guión de Carol mantuvo totalmente mi atención, mientras que con La Gran Apuesta me empezó a dar sueño y tuve que apagar la pela a los 48 minutos (y nunca la volví a prender…).


Brie Larson se llevó el Oscar a Mejor Actriz por su impresionante papel en The Room


En la categoría Mejor Actriz de Reparto, totalmente de acuerdo con el galardón para Alicia Vikander (de hecho, ya lo había mencionado en mis predicciones del post anterior). También la tenía reñida, pero me pareció, de entre todas, la más convincente. En su contraparte, la categoría Mejor Actor de Reparto la cosa fue menos predecible, pues las distintas premiaciones a nivel internacional habían reconocido a diversos actores en esta área. Mark Rylance, fue quien se impuso con su interpretación de espía ruso en Puente de Espías; un personaje que se caracteriza más que nada por sus silencios, sus frases entrecortadas pero profundas, y una mirada reflexiva. Considero que estuvo bien ganado, aunque mis preferencias iban hacia Mark Ruffalo (Spotlight) o hacia Tom Hardy por su convincente papel en El Renacido.


"No es justo Will, haces una película buena y no te nominan. Pero tampoco fue justo que te pagaran 20 millones por Wild Wild West".

"Que Jada (Pinkett Smith) boicotee el Oscar es como que yo boicotee los calzones de Rihanna. Es decir, de qué me quejo si nunca me invitaron"

- Chris Rock en la entrega del Oscar 2016

Acerca de la premiación en sí, lamentablemente debo decir que ha sido una de las más sosas que recuerdo. Por una parte comprendo el llamado a la reflexión que ha querido hacer el presentador Chris Rock, acerca de que debería haber más papeles importantes para los negros (ya que el problema de fondo no es si los premian o no, sino que al haber menos papeles para ellos, también tienen menos probabilidades de ganar), pero sentí que el hombre se la pasó toda la noche despotricando contra los blancos, lo cual evidentemente era incómodo para los presentes… y aburrido para los televidentes. Los chistes eran repetitivos y estaban cargados de ácido, además que tampoco entendí el afán del presentador de agarrárselas contra Will Smith, quien, en todo caso, estaba protestando de forma más certera y menos escandalosa que él.


"Til it happens to you", la emotiva canción de Lady Gaga dedicada a las víctimas de abuso sexual.


A mi parecer, un mensaje llama más a la reflexión si se suelta –cual dardo- una sola vez y bien lanzado. Al convertirse en una ametralladora de quejas, Chris Rock nos hizo sentir abrumados (o por lo menos a mí, y a varios de los que conozco), y eso, más que provocar un cambio, suele provocar un fastidio (de hecho, si la Academia empieza a tomarlo en cuenta, enhorabuena, pero, por desgracia, creo que es más probable que se lo eche a la espalda y no vuelvan a convocar al presentador). Con la única excepción de la parodia a La Chica Danesa (que debo admitir que sí me dio risa), los chistes de Rock me parecieron bastante malos (de hecho, su “ocurrencia” de las galletas, me pareció una mala copia de lo que hizo Ellen DeGeneres con la pizza). Finalmente, debo decir que, a nivel de espectáculo, fue una premiación bastante “misia”, donde lo más destacable fue la emotiva canción de Lady Gaga y la aparición de los androides de Star Wars en escena. Esperemos que para la próxima edición, las cosas mejoren.


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Etiquetas: [Alicia Vikander]  [Brooklyn]  [Cate Blanchett]  [El Renacido]  [Leonardo DiCaprio]  [Mad Max Fury Road]  [Oscar 2016]  [Puente de Espías]  [Spotlight]  [The Room]  
Fecha Publicación: 2016-02-28T10:24:00.003-08:00



Hoy por la tarde es la entrega del Oscar… y siento que viene con sorpresas.

Todos los años, mi queja sobre la premiación era la misma; acerca de sus marcados clichés de selección: estructuras narrativas clásicas (inicio-nudo-desenlace), estilo audiovisual con bajo nivel experimental, y una inclinación subrayada hacia los dramas de superación y siempre acorde con el american stablishment (su política, su religión, sus tradiciones).

El pasado 2015, sin embargo, empezó a delinear unos cambios interesantes. Prueba inminente de ello, fue la agradable sorpresa del triunfo de Birdman –filme totalmente atípico- en la categoría Mejor Película.

El Renacido, de Alejandro González-Iñárritu

Este año, las transformaciones parecen seguir su curso. Otra película de Iñárritu destaca entre las favoritas (El Renacido, protagonizada por el seis veces nominado Leonardo DiCaprio). Tenemos también una película de acción como Mad Max: Fury Road compitiendo por el máximo galardón, lo cual escapa del tradicional gusto “Drama Queen” que caracterizaba a la Academia. Está también The Room, desgarradora historia de estética experimental que por escenas raya con la alucinación. Y por supuesto, también habría que destacar ejemplos como Spotlighto Puente de espías, que, conservando el clasicismo en el estilo de narración, se muestran rebeldes con sus temas, criticando formalmente la doble moral norteamericana.

Spotlight (En primera plana, en Latinoamérica)

El cambio, por supuesto, también se extiende de manera evidente a otras categorías. Mientras que en 2013 una película como La Vida de Adèle –ganadora de la Palma de Oro- fuese ignorada por su temática homosexual, hoy tenemos películas abiertamente gays y trans compitiendo destacadas categorías como la de “Mejor actor”, “Mejor actriz” y “Mejor actriz de reparto”; me refiero a Carol y La Chica Danesa. Si bien es cierto que las competencias deberían siempre basarse en la calidad estética y narrativa de las películas a la hora de juzgarlas, no podemos negar que la ideología es propia de la capacidad reflexiva del ser humano, y que los cambios mentales al interior de la sociedad, de algún modo también afectan en los criterios de la misma para juzgar el arte. Y aunque hay mucho por evolucionar todavía, es evidente que nos encontramos en tiempos más justos y libres, lo cual de todas maneras se aplaude.

Carol

Si me preguntaran cuál es la película que va a ganar… casi puedo apostar a que será El Renacido, intuición basada en todo este “vuelo mental” sobre la evolución en proceso. El Renacido es una película que arriesga a nivel estético (juega con distintos tipos de ángulos y movimientos de cámara, así como con ciertas escenas algo contemplativas), pero nunca tanto a nivel narrativo (mantiene la estructura clásica). También es un filme que resalta aspectos que suelen agradar a Hollywood, como las actuaciones, la fotografía, y elementos de producción (selección de escenarios, vestuarios, fondos musicales). En otras palabras, se trata de una obra destacada a nivel técnico, novedosa en cuanto a ciertos recursos estéticos, pero lo suficientemente apegada a las normas como para no escandalizar el ojo tradicional. Es, entonces, un filme adecuado para la "transición”.


Ahora, en cuanto a mi opinión personal sobre las nominadas (de acuerdo a mi propio paladar), me quedo con Spotlight y con Room; con la primera, por su temática sumamente interesante, su trama intrigante de inicio a fin y por su resaltante sentido crítico (esta película va sobre la investigación de la revista Spotlight acerca de los casos de pederastia encubiertos al interior de la Iglesia Católica); con la segunda, por su precisión para transmitir el desgarro, el miedo y la enajenación que experimenta la madre en cautiverio.

The Room

Discrepo, por otra parte, con la nominación de La Gran Apuesta, película que se me hizo extremadamente lenta y aburrida, y que ni siquiera pude soportar hasta el final (si bien el tema de las crisis y los fraudes económicos puede ser muy interesante, me estresa cuando usan infinidad de conceptos poco afines con el mortal común que desconoce sobre temas financieros). Siendo sincera, tampoco me gustó Mad Max: Fury Road, a pesar de las alabanzas del público y de la crítica (la mas "contreras"), y de que sí me llegué a enganchar con sus precuelas (protagonizadas por Mel Gibson allá por los años 80). Esta película se me hizo extremadamente lineal, densa y simplona en cuanto a desarrollo de trama y construcción de personajes (aprecio, sin embargo, su excelente fotografía y reconozco lo interesante de una propuesta distinta en la lista de nominadas).

Mad Max: Fury Road

Brooklyn, a mi parecer, tampoco daba la talla. Es una película visualmente atractiva y con una protagonista bastante carismática, pero el argumento no es en absoluto retador ni original. Es una mezcla entre el sueño americano y una historia romántica que nunca consigue un verdadero pico de emoción, cayendo en un ritmo bastante plano e incluso soso. Desde mi punto de vista, mucho más justo habría sido nominar Carol, que cuenta con un argumento envolvente, personajes bastante más complejos y una capacidad para conmover impresionante (reforzada por su música y destacada fotografía). A mi parecer, esta película fue excluida únicamente por los prejuicios ya señalados líneas arriba, que se encuentran a medio derrumbe, pero no han terminado de caer.

Brooklyn



Alicia Vikander como Gerda Wegener (La Chica Danesa)

Con estos comentarios, cierro el post y me preparo para la entrega del Oscar –dentro de unas horas-, echándole las mejores vibras a DiCaprio para que esta vez se le reconozca, a Cate Blanchett y Alicia Vikander como mis favoritas para “Mejor actriz” y “Mejor actriz de reparto”


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Etiquetas: [Carol]  [Cate Blanchett]  [cine LGTBI]  [drama]  [Patricia Highsmith]  [romance]  [Rooney Mara]  [Todd Haynes]  
Fecha Publicación: 2016-02-27T05:33:00.000-08:00


Por: Alexiel Vidam

Carol, de Todd Haynes, es una película que remueve las fibras.Conmovedora hasta el tuétano y, por qué no decirlo… provocadora.

Protagonizada por Cate Blanchett y Rooney Mara, Carol presenta una historia de amor transgresora hasta hoy en día. Se trata del amor entre dos mujeres, en una época en la cual este tipo de amor resultaba aún mucho más escandaloso para la sociedad.

Años 50, Estados Unidos. Una joven de aspiraciones artísticas, con una vida bastante monótona y más de una duda existencial en la cabeza, conoce a una intrigante mujer de treinta y tantos.  La mujer, en proceso de divorcio, carga con los problemas típicos de este tipo de episodio. Sus preocupaciones más grandes: las intimidaciones del ex marido y mantener la custodia de su pequeña hija. De pronto, la joven que nunca sabe adónde ir, parece encontrar su lugar seguro y libre de fantasmas junto a esta contrariada mujer. Ambas emprenden un viaje que fluye cual metáfora de la profunda transformación que experimentan en su interior; de una sublime revolución emocional.





Uno de los puntos más interesantes de Carol, es que rompe con los clichés típicos de las películas de género lésbico, donde los personajes por lo general son bastante planos y estereotipados; donde todo el problema gira en torno al romance, y la calidad estética es bastante descuidada. Lamentablemente –y con pocas excepciones- se trata de películas huecas, hechas para el consumo de un nicho que tiende a conformarse con baja calidad por necesidad de identificación. Carol, por el contario, rompe con todos esos esquemas y brilla por su calidad artística.



Presenta personajes complejos y cercanos a la realidad; el argumento gira en torno a más de un problema y sin caer en cursilerías; da el peso correspondiente al romance como eje central, pero no deja de lado las dificultades humanas que presenta cada protagonista de acuerdo a su propio universo, forjado antes de que comience el romance. Para esto, las actuaciones son precisas. Cate Blanchett es Carol; es la encarnación perfecta de esta mujer sofisticada, que ha ganado su madurez a punta de puñetazos. Carol no es neurótica abusiva e irracional; tampoco es una típica mujer confundida. Por el contrario, somos conscientes de cuáles son los motivos reales de sus temores y somos capaces de comprender sus acciones por dolorosas sean. Rooney Mara, en contraste, nos muestra claramente y sin tapujos la transformación de Therese, como esa muchacha insegura que en el fondo sabe lo que quiere y lo que necesita, pero se siente atrapada por los prejuicios de su tiempo y las expectativas de quienes la rodean.  

Cate Blanchett, como Carol (nominada al Oscar a Mejor Actriz)

Rooney Mara, como Therese (nominada al Oscar a Mejor Actriz de Reparto)

La fotografía, es otro de los platos fuertes de la película, así como la música, que completa los ambientes o nos antepone los momentos de tensión (vale decir que la película cuenta con seis nominaciones al Oscar, entre ellas Mejor Guión Adaptado, Mejor Fotografía, Mejor Música Original y Mejor Vestuario). Ambos elementos acompañan perfectamente el desarrollo armónico de un argumento que fluye a ritmo ligero.La tensión va llegando de a pocos y nos prepara progresivamente para el momento cumbre. La explosión emocional y el erotismo llegan con suma naturalidad, sin aceleraciones ni exageraciones morbosas. Todo coloreado con una atmósfera emocional que estremece por dentro.


Me atrevería a decir que Carol no sólo resalta por su riqueza audiovisual y su originalidad dentro de la temática que aborda. También por el hecho de que, su estructura narrativa consigue conectar con el espectador a un nivel tan profundo, que uno por un momento se olvida de que se encuentra ante una historia homosexual. Lo único que existe en la pantalla, es una historia humana; una historia de amor real con todos sus problemas y sus divinidades. Es, digámoslo así, también una invitación a terminar de romper con los prejuicios que corrompen a nuestra sociedad.

Definitivamente recomendada. Corran a verla.



Ficha técnica

Dirección: Todd Haynes
Producción: Elizabeth Karlsen, Tessa Rosa, Christine Vachon, Stephen Woolley
Guión: Phyllis Nagy
Idea original: Patricia Highsmith (autora de la novela homónima)
Música: Carter Burwell
Fotografía: Edward Lachman
Reparto: Cate Blanchett, Rooney Mara, Sarah Paulson, Kyle Chandler
Países: Reino Unido, Estados Unidos
Año: 2015
Género: Drama, romance
Etiquetas: [acción]  [comedia]  [comic]  [Deadpool]  [Marvel Comics]  [Ryan Reynolds]  [superhéroes]  [Tim Miller]  
Fecha Publicación: 2016-02-26T15:10:00.002-08:00


Por: Sergio Cueto

Y llegó a nuestras pantallas, una de las películas de superhéroes más esperadas del año. Una película que no generaba gran expectativa en sus propios productores, pero –contra todo pronóstico- ha roto la taquilla a la vez que ha conquistado a la crítica.

La adaptación del personaje creado por Rob Liefeld y Fabian Nicieza a la pantalla, se convierte así en el triunfo de la apuesta más alocadamente salvaje jamás realizada. Deadpool no es la típica película de uniformes coloridos, poderes y música épica de Hans Zimmer. No, definitivamente no. Deadpool NO es un héroe; es todo lo contrario (y más).

Sólo la secuencia inicial de créditos en la película, es ya un indicador de cómo será el tono de la propuesta: la cámara recorre pequeños-grandes detalles de una escena de caos y destrucción a ritmo de un tema vintage bastante romántico y pegajoso. Estamos ante un filme de superhéroes atípico, una de esas películas descaradas que necesitan de la complicidad del espectador para cumplir su cometido. ¡Y vaya que lo logra!



Ryan Reynoldsnació para interpretar a Wade Wilson, no cabe duda. “Su Deadpool” (es tan suyo el Wolverine de Hugh Jackman es tan de él) es sarcástico y divertido; no es exagerado y está plagado de energía, humor negro, sarcasmo al máximo, referencias musicales, citas de otras películas… y también de un gran corazón (... después de todo, su estreno coincidió con el mes del amor). Nos identificamos con su historia llena de violencia brutal, y deseamos que recupere su rostro y regrese con su amada -bella, salvaje, sexy y nunca damisela en peligro- Vanessa (Morena Baccarin).

Pese a su calificación "R" (propia de un filme adulto), a Deadpool le ha bastado un fin de semana para acumular mundialmente 316 millones de dólares, éxito que anticipa un futuro con muchos menos filmes descafeinados en busca de público masivo. Ésta calificación para mayores –vale decir- no se debe sólo a las escenas de sexo y frecuente uso de groserías; también a la actitud del personaje, marca de fábrica en los comics, que incluso cuentan con una línea MAX (para mayores de edad), dadas las "libertades" de las que siempre ha gozado el mercenario bocón de Marvel.


Pero Deadpool también tiene un pasado, y es través de los flashbacks que descubrimos su vida de mercenario bonachón y confiado, cuyas (malas) decisiones, lo ha llevado hasta el punto actual. Asimismo, sabemos que detrás de la máscara, bromas aparte, se encuentra un individuo inseguro ante las apariencias; un neurótico que hace lo que le da la gana, pero de acuerdo a su propio sentido del bien y el mal.

Deadpool es la historia de un mutante parlanchín que no tiene reparos al asesinar a sus enemigos, clavarles una espada y seguir hablándole al público de tú a tú. Decapitaciones, cortes a la mitad y disparos en la cabeza -con las pocas balas que tiene a mano y que nos invita a contar-  forman parte de un día común para él. Y es que, en ese sentido, no se deja llevar por las reglas de moralidad de sus compañeros (sobre todo del inocente Colossus, quien busca cambiarlo y que sea "bueno").



Es aquí, que nos conectamos rápido con su carisma, ya que sus ocurrencias rayan casi en lo ridículo(recuerden ver el detalle de su mochila). Deadpool en la pantalla está consciente de que es un personaje salido del cómic y no teme expresarlo con cada monólogo, logrando interactuar con el espectador en las escenas que rompen la cuarta pared. Wham!

La película asume un estilo narrativo simple y directo: Hay un antihéroe, un villano, un mejor amigo, una chica, un par de situaciones graciosas y una historia de amor. Pero es la manera ingeniosa en que nos cuentan ésta historia donde radica el éxito. Deadpool se burla claramente de Ryan Reynolds (él mismo), de los X-Men y de Green Lantern (personaje que él interpretó para DC), además de contar con muchísimas referencias a la sexualidad, celebridades y hasta cantantes de la cultura popular de los ‘80.





En resumen, disfrutarán de la película. Es sumamente entretenida, de principio a fin. Miller, en su debut como director, prefiere apoyarse más en el sarcasmo que en la pirotecnia de efectos, para centrar la atención en Deadpool y mantenerse fiel al comic.También usa la buena música de Junkie XL en las escenas clave (banda sonora recomendadísima).

De hecho, la película está hecha para gustar tanto a viejos adeptos de Deadpool, como a sus nuevos fans, que sin duda quedarán encantados de hallar una película ruda, original y divertida. Y aunque muchos piensan que el cine de superhéroes está saturando el mercado (BatmanVSuperman/Avengers /X-Men), es en una cinta como ésta, donde la industria entera es parodiada, burlada y homenajeada, a través de una historia “agresiva y malcriada”; como un sutil (y subversivo) respiro de aire fresco. A pesar de las preocupaciones de 20th Century Fox, la cinta ha sido (y sigue siendo) un enorme éxito en la taquilla y continúa rompiendo todo tipo de récords. De momento, ya se ha anunciado una secuela.



P.D. Quédense hasta después de los créditos. ¡No se arrepentirán!




Ficha técnica:

Dirección: Tim Miller
Producción: Lauren Shuler Donner, Simon Kinberg, Ryan Reynolds
Idea original: Rhett Reese, Paul Wernick, Ryan Reynolds
Guión: Fabian Nicieza, Rob Liefeld (basada en el cómic Deadpool, de Marvel Comics)
Música: Junkie XL
Montaje: Julian Clarke
Reparto: Ryan Reynolds, Morena Baccarin, Ed Skrein, Gina Carano, T. J. Miller
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Año: 2016
Género: Comedia, acción, superhéroes
Etiquetas: [Alicia Vikander]  [biopic]  [drama de época]  [Eddie Redmayne]  [Einar Wegener]  [Gerda Wegener]  [La chica danesa]  [LGTBI]  [Lili Elbe]  [Premios Oscar]  [Tom Hopper]  [transgénero]  
Fecha Publicación: 2016-02-21T08:23:00.000-08:00


Por: Alexiel Vidam

La chica danesa, de Tom Hopper, es una película que provoca sentimientos encontrados. He visto la película en dos ocasiones; la primera, sabiendo poco (casi nada) sobre el personaje real que la inspira, y la segunda ya con una visión plenamente informada.

¿A qué viene la anotación? A que la sensación que te deja el filme tras un visionado completamente ignorante, deja ciertos dilemas de credibilidad argumental, pero una vez que te estrellas contra la realidad histórica, la sensación negativa puede volverse insoportable…Surge un conflicto poderoso entre actuaciones brillantes, excelente dirección artística y construcción dramática espectacular (hasta el desgarro)… y un esfuerzo desmedido del director por presentar una visión tradicional y ortodoxa de la historia… llegando incluso a alterar considerables datos con este objetivo.



El argumento trata de Lili Elbe (primera mujer transexual conocida de la historia), quien nació en Dinamarca en 1882 y vivió por lo menos hasta los 22 años bajo el nombre de Einar Wegener. Era un talentoso pintor en su época, y estaba casado también con una talentosa pintora: Gerda Gottlieb. En una ocasión, la modelo de Gerda falla a la reunión para culminar su retrato, por lo cual Einar accede a ayudarle, usando la vestimenta de la modelo. Esto provoca cierto “despertar” en él… Descubriendo que se siente mejor como mujer que como hombre. Como dato interesante, se ha postulado en varias ocasiones que Einar nunca fue un hombre al 100% ni siquiera en el sentido físico, sino que era intersexual. De hecho, hay varias fuentes que señalan que, durante una de las cinco cirugías que se realizó, se le encontraron unos ovarios atrofiados. 


La película presenta un par de interpretaciones brillantes –como ya hemos señalado-. Eddie Redmayne es la encarnación del conflicto; comenzando por el conflicto de descubrir, en su interior, una identidad que desconocía… o que él mismo había reprimido para no llegar a conocer. Recordemos que en esa época no se había creado las palabras “transexual” ni “transgénero”; no había referentes; era como sentir que uno es algo que sencillamente no existe… Recordemos también que eran tiempos en los que la homosexualidad era tratada de perversión, y uno podía acabar encarcelado o encerrado en un manicomio. Era entonces, un conflicto primero de auto-aceptación, luego de confrontación social… y finalmente emocional, pues él amaba a su esposa y no pretendía herirla.

Alicia Vikander, por su lado, es la clara manifestación del amor. Ella es una mujer extravagante y osada para su tiempo. Una mujer que “¡oh, qué horror, muestra los tobillos!”, que demuestra carácter y toma la iniciativa (en contraste con su amable e introvertido Einar). En un comienzo se siente muy segura con su relación, de modo que la repentina transformación de su marido es un choque intenso para ella… Sin embargo, decide apoyarle, a pesar del sufrimiento que para ella implica perder a su compañero. Alicia transmite con precisión los sentimientos encontrados de esta mujer; nos conecta con su drama; nos conmueve.



Estamos pues, ante dos personajes que, de una u otra manera se quieren, y sufren a su modo. Uno por imponer su identidad y alcanzar una vida plena; la otra por el dolor que supone su amor incondicional. Como ya hemos dicho, él tampoco pretende herirla, pero tiende a hacerlo con frecuencia. Llega un punto en el que su deseo de desconectarse completamente de su antigua identidad le lleva a caer incluso en actitudes frívolas y egoístas.

En este punto es que empieza el conflicto en el interior del espectador, y cuando la curiosidad por conocer la verdadera realidad surge con fuerza. ¿Estamos ante historia de Lili o la de Gerda? ¿El director pretende rescatar a Lili o generar antipatía hacia ella? ¿Las cosas se dieron tal y como se nos muestra? Aquí pues… nos vamos a Google.

... Y… Tatatatán!



*ATENCIÓN A SPOILERS*

Primera sorpresa:Lo que no nos dice la película, es que Gerda Wegener tenía muchos indicios de ser lesbiana; que incluso antes de comenzar travestir a Einar y volverlo en su modelo favorita, ya había realizado varios cuadros eróticos sobre amor entre mujeres. De hecho, muchos autores señalan cuando la pareja se fue a vivir a Francia, Gerda vivió su homosexualidad abiertamente. Eso, en definitiva, no sólo trae abajo el conflicto del filme, sino que lleva a resaltar detalles que en el mismo no nos llegan a convencer del todo… ¿Cómo a una mujer 100% heterosexual le puede divertir tanto travestir a su marido?.... Que para fetiches ahora hay de todos los gustos, pero tomemos en cuenta la época. Esto explicaría también –una vez más, partiendo de la mentalidad de entonces-, por qué Gerda apoyó en todo momento a Lili.

Personajes reales: Gerda Wegener junto a su esposo Einar... y detrás lo que
sospechamos es un autorretrato suyo junto a su "chica danesa".

Otra cuestión que la película no enfatiza desde su arranque, es que el androginismo de Einar era BASTANTE marcado (antes de su transformación ya era confundido con una mujer en ropa de hombre). Teniendo en cuenta su intersexualidad, posiblemente el conflicto de identidad surgiera desde mucho antes, sólo que el pintor lo tenía oculto por miedo social. Es probable también que esto fuese lo que llevó a Gerda a casarse (con el hombre más femenino que encontró). La cuestión es que en la película, mas bien vemos cómo un hombre-muy hombre (sólo que algo delgado), se pone un vestido y… tarán! Mágicamente se empieza a sentir mujer. De hecho, al principio, presenta una suerte de doble personalidad (con vestido… sin vestido), hasta que una termina por aplastar a la otra. Por supuesto que sus inclinaciones también sufren un cambio brusco y radical de 180°… lo cual nos deja bastante confundidos.


Einar... y Lili.

Todo esto me lleva a pensar que, por una parte, el director fue lo suficientemente optimista como para plantearse hacer visible un tema tabú (mucho más tabú que la “homosexualidad tradicional”… si acaso existe el término), pero luego… arrugó alucinantemente, seguramente intimidado por la censura o por sus propios prejuicios y desconocimiento del tema. Estamos entonces, ante una pela que “arriesga pero nunca tanto”, “muestra pero nunca tanto”, “pone un pie afuera del closet… y luego se esconde bajo la cama”.



Es una pena que, a pesar de todos sus valores artísticos en la parte visual e interpretativa, la mojigatería que presenta conlleve a discordancias bastante forzadas.




Ficha técnica:

Dirección: Tom Hooper
Producción: Tim Bevan, Eric Fellner, Anne Harrison, Tom Hooper, Gail Mutrux, Linda Reisman
Idea original: David Ebershoff (de la novela biográfica del mismo nombre)
Guión: Lucinda Coxon
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Danny Cohen
Reparto: Eddie Redmayne, Alicia Vikander, Matthias Schoenaerts
Idioma: Inglés
País: Estados Unidos
Año: 2015
Género: Drama
Etiquetas: [animación]  [aventura]  [comedia]  [Disney]  [Shakira]  [Zootopia]  
Fecha Publicación: 2016-02-18T12:05:00.001-08:00

Sueños, todos los tenemos. A veces son pequeños; otras veces, muy-muy grandes. Tan grandes que incluso dirían que están fuera de nuestro alcance. ¿Hasta dónde llegarías para hacerlos realidad? Cuando creíamos que lo habíamos visto todo, Disney nos sorprende con otra aventura inigualable. Zootopia, es un filme que trata sobre una utopía entre presa y depredador.

Nuestra historia gira en torno a una tierna conejita llamada Judy Hopps, que vive en un pueblito alejado de la ciudad, junto a sus padres y 225 hermanos y hermanas. Desde muy pequeña, su sueño más profundo fue convertirse en la primera oficial coneja de la fuerza policial. Sin embargo, ni sus propios padres tienen fe en ella; incluso le sugieren que siga el negocio familiar: cultivar zanahorias.



Zootopia es una civilización muy parecida a la nuestra. La pequeña Judy no tarda mucho en darse cuenta de que el mundo está lleno de prejuicios y estereotipos.  A pesar de que consigue entrar a la fuerza policial, le es dado el puesto más bajo; sólo por su diminuto tamaño y –en mi opinión-, porque es mujer (Judy es la única mujer en la fuerza policial). Su trabajo es colocar papeletas a los autos que se estacionan más tiempo de lo debido.


Cuando los ciudadanos de Zootopia comienzan a desaparecer, Judy tiene 48 horas para probar que puede ser una policía de verdad. Inicia una amistad poco usual con Nick Wilde, un zorro estafador que está basado en la apariencia de Robin Hood. Juntos recorren la cuidad en busca de pistas.


La película contiene varias escenas muy divertidas, como una irónica secuencia en la que Judy se siente asqueada por investigar en un local de animales nudistas. Además, se observa referencias a películas y series icónicas como El Padrino y Breaking Bad.

Si te gusta Shakira, también la podrás encontrar aquí. Interpreta a una sexy gacela llamada Gazelle (muy original, lo sé). No sólo da vida a este personaje, sino que también canta la canción principal de la película: Try Everything.


Debo admitir que el tráiler que vi me dio cero entusiasmo. A pesar de que todos se reían, a mí me estresaba lo lentos que podían ser los osos perezosos. ¿Quién contrataría a todo un personal de perezosos? Pensándolo bien… no está tan lejos de nuestra realidad. De cualquier modo, la película superó ampliamente mis expectativas.

Los creadores de Frozen y Grandes Héroes nos traen esta divertida  comedia que no demoró más de dos minutos en hacerme reír. ¡Nuevo récord! No hay excusa para perdérsela.








Ficha Técnica

Dirección: Byron Howard, Rich Moore
Producción: Clark Spencer
Guión: Jared Bush, Phil Johnston
Música: Michael Giacchino
Montaje: Fabian Rawley, Jeremy Milton
Reparto: Jason Bateman, Ginnifer Goodwin, Shakira, Idris Elba, Jenny Slate
País: Estados Unidos
Año: 2016
Idioma: Inglés
Género: Animación, comedia, aventura
Etiquetas: [ciencia ficción]  [cine]  [Cinemafic 2015]  [competencia]  [concurso literario]  [crossover]  [distopía]  [fanfiction]  [literatura]  [Pedro Almodóvar]  [Quentin Tarantino]  [Tim Burton]  
Fecha Publicación: 2016-02-17T19:21:00.000-08:00


El primer premio incluye un viaje al interior del país con estadía pagada.

Cinemafic 2015-16ya casi llega a su fin. Sin embargo, aún queda algo de tiempo para dejar volar la imaginación y hacer que los personajes de nuestras pelis favoritas interactúen en un mismo universo.

¿Aún no te has enterado?

Cinemafic es el concurso de relatos sobre cine organizado por Cinematosis y Libros Delivery.En esta segunda edición, la competencia consiste en realizar un fanfiction crossover; es decir, que tendrás que combinar a los personajes y/o contextos de dos o tres películas diferentes de las que aparecen en nuestras bases.


Son dos modalidades: A) Autor: Los concursantes podrán elegir de dos a tres películas de alguno de estos tres autores: Tim Burton, Pedro Almodóvar, Quentin Tarantino. Deberán crear una historia utilizando los personajes y/o contextos de las películas elegidas. Es absolutamente necesario que se combinen personajes de distintas películas, ya que se trata de un concurso de crossover (ello implica combinación).  B) Distopía: Los concursantes que elijan esta modalidad, deberán crear una historia combinando los personajes y/o contextos de dos o tres de las siguientes películas del género ciencia ficción distópica: Los Juegos del Hambre, Divergente, Terminator, 1984, Blade Runner, Matrix, Dark City, Metrópolis (con esta última título nos referimos a la película de 1927 –dirigida por Fritz Lang-, y no a su homónima de 2001, a la cual reservaremos para una próxima edición de la competencia). 

El primer premio consistirá en un viaje a Iquitos con estadía pagada, además de un paquete de libros y merchandising cinéfilo y el correspondiente diploma de honor. También habrá paquetes de libros, merchandising y diplomas para el segundo y tercer lugar, y diplomas y obsequios menores para tres menciones honrosas. El jurado está conformado por los escritores José Abelardo Güich (Los Espectros Nacionales, El Misterio de la Loma Amarilla, entre otros) y Alberto Schroth Prilika(ganador de la competencia Lucha Libro 2013, autor de Sala de Montaje y Cuentos a Tajo Limpio) y los directores y guionistas de cine Fernando Montenegro (Cada Viernes Sangre, Entonces Ruth) y Jesús Álvarez Betancourt(Quizás Mañana, Japy Ending). Los nombres de los ganadores serán revelados durante los últimos días de marzo, en un pequeño show de premiación.


En un principio, la fecha de cierre era el 31 de enero de este año. Sin embargo, a pedido del público, decidimos dar un poco más de tiempo a nuestros concursantes para que puedan pulir y terminar sus historias; el cierre definitivo del concurso, es el próximo lunes 29 de febrero.

¡No dejes de participar!

Para leer las bases, da click en el flyer:


Auspician: Biblioteca del ICPNA de Miraflores, Viajes Beauce, Hotel Emperador Terraza, Editorial Altazor, Editorial Animal de Invierno, Editora Vuk, Alhuen Store, Clean&Clean, Guardarropa 360, Zona Geek, Distribuidora Gary, Voz Actual, Revista Dedomedio, El Buen Librero, Piscosour.com, Cosplay Perú, Tridamia, XTN!, Alhuen Store.

Para más información, estate pendiente a las redes de Cinematosis y Libros Delivery, escribe a cinematosiscronica@gmail.como comunícate al 964367261 (Alexiel Vidam).