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Etiquetas: [Bette Midler]  [comedia]  [Disney]  [halloween]  [Hocus Pocus]  [Hocus Pocus 2]  [Kathy Najimi]  [Sarah Jessica Parker]  [terror]  
Fecha Publicación: 2022-10-01T20:03:00.004-07:00


Por: Alexiel Vidam

Cuando se trata de segundas partes, especialmente si llegan después de tanto, a veces nos da un poquito de miedo. Y es que, seamos sinceros, Disney ha metido la pata más de una vez intentando jugar a la nostalgia: los live action de El Rey León, Mulán y Pinocho han sido algunos de sus desaciertos. Así que, cuando se anunció una segunda parte de Hocus Pocus, la reacción natural de esta humilde servidora, fue una mezcla de sentimientos opuestos.

Pues bien, comencé a ver Hocus Pocus 2 al menos con el nerviosismo de que no llegue a ser la sombra de la primera.  Debo decir, que mi sorpresa fue grande y positiva, pues me topé no sólo con un digno homenaje, sino también, con una muy bien lograda secuela.

La película cuenta con una estructura similar a la de su precursora. Inicia con un flashback que nos traslada a Salem en la época en que las brujas eran perseguidas. Luego damos un gran salto hacia la época actual donde conocemos a Becca (Whitney Peak), Izzy (Belissa Escobedo) y Cassie (Lilia Buckingham), tres adolescentes aficionadas a la hechicería. Durante un ritual de cumpleaños, Becca enciende una vela sin saber que ésta contiene una mecha negra, y termina invocando, accidentalmente, a las hermanas Sanderson.

Esta vez las brujas han aprendido de sus tropiezos en el pasado, así que deciden dejar de lado su viejo brebaje de almas, e ir de lleno en la elaboración del Magicae Máxima, el hechizo que las volverá todopoderosas y completamente invulnerables. Becca y sus amigas tendrán que evitarlo.

Al igual que su predecesora, la trama de Hocus Pocus 2 no entra en grandes pretensiones. Lo que busca es engancharnos con el encanto de sus personajes y arrancarnos carcajadas con situaciones divertidas. El mérito principal del guion está en saber combinar el espíritu noventero con las fórmulas más actuales, logrando un equilibrio perfecto. Hocus Pocus 2 recurre de cuando en cuando a algún flashback o guiño que despierta el filin de la primera película; sin embargo, añade la necesaria dosis de originalidad, presentando un conflicto completamente nuevo y perfiles protagónicos distintos a los de la primera entrega.

 La premisa central de la historia, es el vínculo de hermandad. Para reforzar esta premisa, el guion rescata unelemento clave de la mitología de las brujas: el aquelarre (el “clan” de brujas). Las brujas necesitan de su aquelarre para hacerse más fuertes y asegurar su supervivencia. Esta información es introducida a través del discurso de un nuevo personaje a quien se identifica como “Madre” (Hannah Waddingham), una bruja desconocida que le regala el libro de hechizos a Winifred Sanderson cuando ésta cumple 16 años.

En este punto vale decir que la película aprovecha el flashback inicial para explorar el backgroundde las hermanas Sanderson y cómo descubrieron su potencial de brujas a muy temprana edad. Esta introducción no sólo es interesante porque profundiza en la biografía de las antagonistas; además, nos presenta una brillante interpretación por parte de las tres niñas que interpretan a las jóvenes Winnie (Taylor Henderson), Mary (Nina Kitchen) y Sarah (Juju Journey Brener). Estas niñas SON la versión pequeña de Bette Midler, Kathy Najimi y Sarah Jessica Parker. Las tres están genialmente caracterizadas (punto para vestuario y maquillaje) y se nota que han observado y entrenado minuciosamente cada uno de los gestos, movimientos e incluso la entonación de voz de sus versiones adultas. Gran acierto del filme iniciar con esta jugada.

Por otra parte, nuestras tres villanas de siempre están impecables en sus papeles. De hecho, una de las cosas que más me gustaron de la película fue observar a las tres actrices sumamente cómodas en sus roles y pasándola bien. Se nota que las tres disfrutan lo que hacen, y algo que llama mucho la atención, es que, a pesar de los 29 años que han pasado entre este filme y su antecesor, las tres mantienen la esencia de sus personajes. Como punto a favor de la 2, el guion logra darle un poco más de peso a los personajes de Mary y Sarah, permitiendo que Kathy Najimi y Sarah Jessica Parker aporten más a la construcción de los mismos.

Al igual que en Hocus Pocus 1, en Hocus Pocus 2 las brujas se roban el show, opacando bastante a las protagonistas (¡es que estas brujas son demasiado carismáticas!). A pesar de ello, diría que, por la propia naturaleza de estos personajes, la nueva historia ha logrado que brillen un poco más que los protagonistas de la primera entrega.Además, el hecho de que Becca, Izzy y Cassie estén vinculadas con la magia desde el principio, las vuelve oponentes más interesantes y dignas de las hermanas Sanderson.

Personalmente, en lo que considero que Hocus Pocus 2 no consigue alcanzar a Hocus Pocus 1, es en el tema musical central. Era de esperarse que, si se buscaba mantener la esencia, la música fuese un elemento importante en esta segunda película. Se nota que la producción lo ha tomado en cuenta, pues la música de este filme está bien pensada, elaborada y colocada en las escenas; el tema central, cabe decir, está muy bien elegido. Lo que sucede es que tal vez ese I Put A Spell On You había dejado la valla demasiado alta; el nuevo tema se siente muy bien, pero queda la sensación de que I Put A Spell On You es insuperable.

A pesar de ello, debo decir que, si te gustó Hocus Pocus 1, es muy probable que Hocus Pocus 2 llene tus expectativas.Todos los elementos que te gustaron de la primera película están ahí, pero con los toques necesarios para que se mantenga la novedad y que todo no sea predecible. Prepara tu kleenex, pues hay algún giro conmovedor que puede que te sorprenda. Y no se te ocurra saltar los créditos, pues la escena posterior sugiere sorpresas a futuro.

 

Ficha técnica

Dirección: Anne Fletcher
Producción: Lynn Harris, David Kirschner, Steven Haft
Guion: Jen D'Angelo
Idea original: Mick Garris y David Kirschner
Música: John Debney
Fotografía: Elliot Davis
Reparto: Bette Midler, Sarah Jessica Parker, Kathy Najimy, Whitney Peak, Belissa Escobedo, Lilia Buckingham, Doug Jones, Tony Hale, Taylor Henderson, Nina Kitchen, Juju Journey Brener
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Año: 2022
Género: Fantasía, aventura, comedia, terror, infantil
Duración: 106minutos

 


*Esta película se encuentra disponible en Disney+.


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Etiquetas: [artes marciales]  [Cobra Kai]  [Karate Kid]  [Mary Mouser]  [Netflix]  [Peyton List]  [Ralph Macchio]  [series adolescentes]  [Tanner Buchanan]  [William Zabka]  [Xolo Maridueña]  
Fecha Publicación: 2022-09-12T20:20:00.006-07:00

 Por: Alexiel Vidam


*ATENCIÓN: El siguiente post contiene algunos spoilers.*


Luego de ver la temporada 5 de Cobra Kai (disponible en Netflix), puedo concluir que esta serie se encuentra en mi top de guilty pleasures. Sí, al igual que en temporadas anteriores, hay situaciones que exigen apagar el chip de la racionalidad por un momento, pero la fórmula resulta tan entretenida, que el interruptor se apaga con suma naturalidad y casi sin darnos cuenta.

La historia arranca justo donde nos dejó la temporada anterior; es decir, tras la derrota de los protagonistas en el torneo All Valley. Johnny (William Zabka) ha partido con Robby (Tanner Buchanan) hacia México en busca de Miguel (Xolo Maridueña), y Daniel (Ralph Macchio) está a punto de cerrar Miyagi-Do para centrarse en derrotar a Silver (Thomas Ian Griffith) sin exponer a los jóvenes. Samantha (Mary Mouser), por su parte, se siente frustrada y culpable por haber perdido ante Tory (Peyton List), y esta última está tratando de medir cómo moverse tras su desilusión hacia Silver y Cobra Kai. Mientras tanto, John Kreese (Martin Kove) permanece en la cárcel tras haber sido acusado de agredir brutalmente a Mantarraya (Paul Walter Hauser).

Aunque la trama central se centra en la lucha por evitar que Cobra Kai se expanda y que Silver siga corrompiendo a la juventud, como es usual, en torno a ello se desarrollan varias subtramas. Por una parte, la de Miguel y Robby y cómo van resolviendo sus problemas; luego está la de Johnny entrando en una nueva etapa de la vida que le lleva a madurar rápidamente, y, finalmente, al de Daniel intentando no perder a su familia por haberse metido de lleno en el enfrentamiento contra Silver. En segundo plano podríamos mencionar también la evolución de Tory a partir de sus interacciones con Kreese y lo que observa en el nuevo Cobra Kai de Terry Silver.

En líneas generales, diría que es una temporada que le saca muy bien el jugo a sus personajes, y que va cerrando por fin los conflictos importantes que se fueron planteando en temporadas pasadas.

Aquí observamos con más claridad que nunca el crecimiento que ha tenido Johnny, quien seguirá siendo nuestro entrañable patán favorito, pero ha logrado manejar mejor sus impulsos y hacerse cargo de sus responsabilidades. Otro personaje que muestra matices sumamente interesantes es Daniel, a quien, por primera vez derrotado, para luego emerger como el ave fénix con la ayuda de sus amigos y su familia.

Kreese, por su parte, aunque aparece poco, tiene participaciones contundentes, actuando siempre como la serpiente que es. El personaje consigue sorprendernos e incluso conmovernos al punto en que aparece la pregunta de si acaso alguien como Kreese sería capaz de redimirse. Este villano, a mi parecer, es mucho más contundente que Terry Silver, quien a ratos puede mostrarse un poco plano; por el contrario, Kreese es un antagonista que, con todo lo retorcido que puede ser, llega a mostrar matices profundos.

Por otra parte, tenemos a Chozen (Yuji Okumoto), un antiguo villano que se muestra redimido desde su primera aparición en la serie. Si este personaje ya se había ganado nuestro aprecio en la temporada 3, en esta temporada termina de robarse nuestro corazón. Chozen, representa un lado más frontal del Miyagi-Do, de modo que funciona como contrapeso para Daniel y buena dupla para Johnny, dado que tienen caracteres parecidos. Ya lo dice Dimitri en una secuencia de entrenamiento: “El sensei Toguchi es tan enigmático como el señor Larusso, pero tan rudo como el señor Lawrence”. Además, Chozen contrasta su temperamento firme con un jocoso sentido del humor que cae a pelo para aligerar la trama.

Entre los adolescentes, diría que quien destaca es Tory, mostrándonos un ángulo más reflexivo y crítico de su personalidad. Esta desencantada Tory está buscando respuestas, a la vez que se busca a sí misma y trata de comprender lo que es correcto. Además, se nos muestra también a una Tory más responsable para con sus compañeros, especialmente para Devon Lee (Oona O’Brien), a quien asume como pupila.

En cuanto a otros elementos, diría que Cobra Kai siempre se ha caracterizado por mantener el dinamismo, construido principalmente a partir de las escenas de acción y una excelente banda sonora (muy ochentera, muy al estilo Lawrence). Aunque esta temporada arranca con un ritmo más pausado (que poco a poco va tomando vuelo), nunca se siente aburrida, pues siempre tenemos la torpeza social de Johnny para entretenernos. Aparte de ello, como era de esperarse, tenemos el ingrediente nostálgico presente, esta vez con la aparición de Mike Barnes (“El chico malo del Karate”, interpretado por Sean Kanan) y Jessica Andrews (Robin Lively), el interés amoroso de Daniel en Karate Kid 3. Ambas apariciones, aunque son casi cameos, consiguen movilizar el filin del fanático de Karate Kid.

Ahora, si de aspectos negativos se trata, mencionaría una que otra situación repetitiva al inicio de la temporada (como los enfrentamientos entre “bandos” adolescentes), pero, por fortuna, éstas se van resolviendo rápidamente. También hay alguna situación algo cliché, como cuando Miguel se encuentra con su padre y aparece la típica frase de “no sé por qué, pero siento que ya nos conocemos”.

Algo que personalmente genera bastante ruido es el hecho de que, a lo largo de la serie, observemos diferentes disciplinas marciales (en el All Valley se aprecian movimientos de Tae Kwon Do, Kung Fu y Capoeira), y, sin embargo, todas sean identificadas como “Karate”. Es cierto que la serie puede tomarse ciertas licencias creativas para hacer que las escenas sean más vistosas e interesantes, pero diría que en esta última temporada se han pasado de la raya, pues constantemente se hace referencia al Tang Soo Do, un arte marcial coreano que comparte ciertas características con el Karate y el Tae Kwon Do. Esto, de alguna manera, hace sentir que, para los estadounidenses, todas las artes marciales son “Karate”, y todas las culturas asiáticas son iguales.

En fin… a pesar de lo mucho que me hace renegar este último punto, Cobra Kai sigue siendo 100% disfrutable (y adictiva), así que reitero lo que decía en las primeras líneas. A veces es necesario apagar el switch de la racionalidad, porque si se trata de entretener, vaya que esta serie lo consigue.


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Etiquetas: [Abracadabra]  [Bette Midler]  [brujas]  [Disney]  [El retorno de las brujas]  [halloween]  [Hocus Pocus]  [Kathy Najimi]  [Sarah Jessica Parker]  [Thora Birch]  
Fecha Publicación: 2022-08-29T20:06:00.008-07:00

Por: Alexiel Vidam

Hocus Pocus (1993) (Abracadabra en Latinoamérica y El retorno de las brujas en España) es una de esas películas que marcó mis años de primaria, cuando aún existía Blockbuster Video; luego se convirtió en un clásico que debía repetir cada Halloween. Hoy quiero hablarles de ella con motivo del próximo estreno de su secuela a través de la plataforma Disney+.

La historia comienza en 1693, en Salem, Estados Unidos y nos presenta a las hermanas Sanderson: Winifred (Bette Midler), Mary (Kathy Najimi) y Sarah (Sarah Jessica Parker), tres brujas obsesionadas con la belleza y la eterna juventud que, para lograr su propósito, roban la vida de los niños.

El joven Thackery Binx (Sean Murray) es testigo de cómo las brujas secuestran a su hermana Emily, e intenta rescatarla, pero es descubierto y condenado a vivir eternamente bajo la forma de un gato. Poco después de embrujar a Thackery y asesinar a Emily, las brujas son descubiertas y sentenciadas a la orca. 

No obstante, antes de morir, Winifred Sanderson llega a realizar un conjuro, que dice que ella y sus hermanas resucitarán cuando, en luna llena, en víspera del Día de Todos los Santos, alguien virgen encienda la vela de llama negra. En consecuencia, el gato Tackery Binx decidió usar su inmortalidad para vigilar la casa Sanderson y evitar que alguien cumpliera la maldición.

Luego de ello, nos trasladamos al 31 de octubre de 1993. Max Dennison (Omri Katz) es un adolescente que acaba de mudarse a Salem y se muestra incrédulo ante las historias locales de brujería. Para impresionar a Allison (Vinessa Show), una chica de su clase, Max decide colarse en la vieja casa de las hermanas Sanderson (que ha sido convertida en museo), donde acaba encendiendo la vela de flama negra. Esto trae de vuelta a las hermanas Sanderson, y ahora Max deberá detenerlas con ayuda de su hermanita Dani (Thora Birch), Allison y Binx.

El “gancho” de Hocus Pocus reside en el carisma de sus personajes y la agilidad de su trama. Las hermanas Sanderson se roban el show, a pesar de ser las villanas de la historia. Entre ellas destaca Winifred, la más inteligente y poderosa de las tres; Bette Midler se muestra sensacional e imponente. Su personaje se complementa bastante bien con las personalidades más torpes y distraídas de sus hermanas: la aduladora Mary y la coquetísima Sarah.

Los protagonistas, a decir verdad, brillan bastante menos que las antagonistas; sus personajes me resultaron algo estereotipados, con excepción del de Binx, quien resulta ser el líder y mentor del equipo a pesar de su forma gatuna. A pesar de ello, existe una buena química entre el grupo, lo cual permite que uno se ponga de su lado a lo largo de la aventura.

Sobre la historia, diría que el momento más memorable de la película es el de la fiesta de disfraces, cuando las hermanas Sanderson aprovechan las circunstancias para presentar un número musical que hechiza a los adultos para que “bailen hasta morir”. Esta escena además de ser sumamente divertida, nos permite apreciar la voz de Midler, quien inició su carrera actoral en Broadway. 

El hecho de que la historia se ambiente en Halloween, además, permite explotar en pantalla el recurso de los disfraces, y da libertad a las brujas para moverse sin ser reconocidas. Los trajes, peinados y maquillaje de éstas, por cierto, son de lo más rico a nivel visual.

Pasando a los puntos débiles, el filme parece haber descuidado ciertos detalles de continuidad (el fallo más notorio se da en el peinado de la actriz Sarah Jessica Parker, que a ratos aparece con el cabello lacio y a veces con el cabello ondulado), y dejado algunos huecos argumentales. 

Nos quedan dudas sobre por qué Binx, siendo un gato parlante, no habla en algunos momentos importantes de la historia (como cuando intenta que su padre lo reconozca). 

Tampoco queda muy claro por qué Billy (el ex novio zombie de Winnifred, interpretado por Doug Jones) en un principio sigue las órdenes de las brujas, pero luego se revela contra ellas.

A pesar de todo, nos encontramos ante una película encantadora y llena de espíritu noventero. Según la propia Bette Midler, se trata del rodaje “más divertido” de toda su carrera, sensación que se transmite desde la pantalla hacia el espectador. Hecha sin grandes pretensiones, Hocus Pocusbusca desconectarnos un rato y hacernos reír, cosa que logra bastante bien y le ha ganado un lugar en el cine de culto.Veamos qué tal le va a su secuela.

 

Ficha técnica

Dirección: Kenny Ortega
Producción: Steven Haft, David Kirschner
Guion: Neil Cuthbert, Mick Garris
Idea original: Mick Garris, David Kirschner
Música: John Debney
Fotografía: Hiro Narita
Montaje: Peter E. Berger
Reparto: Bette Midler, Kathy Najimy, Sarah Jessica Parker, Omri Katz, Thora Birch, Vinessa Shaw, Sean Murray, Doug Jones
Año: 1993
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Género: Fantasía, comedia, aventura, terror
Duración: 96 minutos 


*Esta película se encuentra disponible en Disney+.


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Etiquetas: [animación]  [Anime]  [comedia]  [comedia adolescente]  [Lovely Complex]  [romance]  [romance adolescente]  
Fecha Publicación: 2022-08-21T15:34:00.008-07:00

Por: Alexiel Vidam

Después de tiempo, decidí darle una oportunidad a un animede comedia romántica (debo admitir que este género no es de mis favoritos, ni para live actions ni para animación). Era una de esas tardes en que no provoca pensar, y me habían insistido tanto, que acabé sentándome a ver esta conmovedora historia sobre una mujer gigante que se enamora de un enano…

Bromas aparte, Lovely Complex, basada en el manga homónimo de Aya Nakahara, nos cuenta la historia de Risa Koizumi y Atsushi Otani, dos estudiantes de preparatoria cuya diferencia más visible, es su estatura. Risa mide 1.70 al principio de la serie (y luego crece dos centímetros), y Atsushi mide 1.56. Es decir, que ella sobrepasa la medida de la japonesa promedio, mientras que él es bastante bajito incluso para ser japonés. 

Esto muchas veces los hace punto de bromas de sus compañeros y profesores, lo cual genera conflicto entre ambos (él la llama “Amazona” o “gigantona”, mientras que ella lo llama “enano”). No obstante, ellos tienen más en común de lo que quieren aceptar, de modo que, poco a poco, irá surgiendo el romance.

En líneas generales, debo decir que me divertí mucho viendo la serie. La trama es bastante sencilla, pero captura la atención con la empatía que transmiten sus personajes y el ingenio con que se crean las situaciones cómicas. Aunque se trata de una historia de amor adolescente, los episodios se desarrollan de manera espontánea, sin repetir todo el tiempo los típicos clichés de este género. 

Además, el humor refresca y equilibra el tono de la trama, evitando que se torne empalagosa; diría, pues, que es un anime romántico bastante digerible para quienes no adoramos el romance.

La química entre los protagonistas está muy bien trabajada, así como la evolución de ambos, que se plasma, fundamentalmente, en la manera en que sus sentimientos se van transformando y develando. Personalmente, me hubiese gustado apreciar un poco más el desarrollo de Otani, cuyo cambio se percibe de manera algo acelerada en comparación al de Risa. 

Aunque el manga sí lo hace, el anime ha preferido centrarse totalmente en Risa, quien marca el punto de vista del relato y hace las veces de narradora. Los personajes secundarios, por su parte, sirven como elemento catalizador de la pareja central, impulsado y a veces obstaculizando accidentalmente los avances entre sus miembros.

En cuanto a la parte visual, considero que los gráficos son acordes con las distintas situaciones presentadas. Aunque predominan los rasgos finos en los personajes, no es rara la aparición de super deformeds (caricaturizaciones) para dar énfasis a las escenas disparatadas. Los colores pasteles también se encuentran presentes, como elemento típico de este tipo de anime.

Finalmente, la música también me parece un elemento a resaltar. Los openings y endings y endings, interpretados por el dúo Tegomassy la banda Hey! Say! 7, cuentan con sonidos ligeros y divertidos, y letras muy acordes con la temática adolescente. De hecho, los integrantes de estas agrupaciones cuentan con voces bastante juveniles, de modo que pegan bastante bien con el filinde la serie.


Ficha técnica

Director: Kounosuke Uda
Idea original: Aya Nakahara
Estudio: Toei Animation
Reparto: AkemiOkamura, Akira Nagata, Saori Higashi, Yasuhiko Tokuyama
Género: Comediaromántica, animación japonesa, comedia adolescente
Episodios: 24
País: Japón
Idioma: Japonés
Cadena televisiva: TBS, CBC, MBS, TUY, BS-i
Etiquetas: [Groot]  [Guardianes de la Galaxia]  [Marvel]  [MCU]  [Vin Diesel]  
Fecha Publicación: 2022-08-10T17:33:00.010-07:00

Por: Alexiel Vidam

Hoy en la madrugada se estrenó en nuestro país la simpática serie de cortos Yo soy Groot, protagonizada por Vin Diesel, a través de la plataforma Disney+. Por este motivo, aprovechamos para regalarte 8 datos que no conocías acerca de nuestro héroe de pocas palabras. 

Un origen no tan amigable

El personaje fue creado por Stan Lee, Jack Kirby y Dick Ayers, y tuvo su primera aparición en Tales of Astonish #13, en noviembre de 1960.  Por aquel entonces, Groot no era la criatura carismática y divertida que conocemos el día de hoy. De hecho, nació como un invasor que pretendía secuestrar humanos para la experimentación en su planeta de origen (el Planeta X). Otro dato interesante sobre él, es que en sus primeras apariciones podía articular discursos mucho más elaborados que “Yo soy Groot”.

El significado de llamarse Groot

“Groot” significa “grande” en neerlandés. Posiblemente eligieron el nombre en referencia a su estatura y capacidad para aumentar de tamaño. 

Raíces latinas

Como ya hemos mencionado anteriormente, Groot proviene, originalmente, del Planeta X, y pertenece a la especie Flora Colossus. Pero no se trata de un ejemplar cualquiera, sino el hijo del mismísimo rey, quien lo estaba entrenando antes de que Ronan eliminara a todos los de su especie (con excepción del Groot que conocemos). 

No obstante, en un universo alternativo llamado Guardianes del Infinito, escrito por Edgardo Miranda Rodríguez, Groot es de origen puertorriqueño. En esta versión se trata de un ceiba, un árbol que posee los espíritus de la población indígena taína. 

Héroe medioambiental

Baby Groot es un embajador no oficial del Día de la Tierra, pues Marvel, en conjunto con Disney Conservation Fund y Nature Conservancy, planta un árbol cada vez que el hashtag #GrootDanceBomb aparece en redes. 

Los superpoderes de Groot

Groot es resistente al fuego, puede controlar árboles y tiene un nivel intelectual de genio… aunque sólo pueda repetir su nombre. Además, puede ingerir madera, lo que le permite regenerarse y aumentar su fuerza. 

El “Yo soy Groot” más emotivo

Muchos recordarán que Groot le dedicó a Rocket un último “Yo soy Groot” antes de desintegrarse en la película Avengers: Infinity War(2018). Aunque la emotiva escena nos dio a entender que se trataba de una frase de despedida, James Gunn, director de Guardianes de la Galaxia reveló que su significado preciso es “¡Papá!”. Sí, pueden sacar su kleenex otra vez. 

Baby Groot: ¿hijo o clon?

En febrero de 2018, James Gunn confirmó que el Groot que aparece en Guardianes de la Galaxia Vol. 1 estaba muerto y que Baby Groot es su hijo. “Es un personaje diferente y no tiene los recuerdos del anterior”, declaró para SFX Magazine. Eso no evitó que el botánico James Wong se atreviese a afirmar lo contrario basándose en sus conocimientos. 

El científico señaló que, según la propagación vegetativa (una forma de reproducción de las plantas), Baby Groot sería un “clon genético perfecto del Groot grande”. También añadió que “incluso las plantas de la Tierra pueden procesar información compleja sobre el mundo que las rodea y retenerla sin necesidad de un órgano de almacenamiento central, como necesitan los animales (es decir, un cerebro). Si bebé Groot es un esqueje, es probable que conserve los recuerdos del Groot grande”. 

Vin Diesel para todos

Una de las cosas que nos suele molestar del doblaje, es que perdemos parte de la interpretación realizada por los actores originales. Sin embargo, eso no ocurre con Groot, pues Vin Diesel grabó más de mil veces la frase “Yo soy Groot” en distintos idiomas, entre ellos inglés, español, francés y mandarín. 

De modo que, incluso si ves las películas del MCU en versión latina, estarás escuchando la voz original de Groot. Ojo, esto no se aplica a la recién estrenada Yo soy Groot, que sí cuenta con un doblador para cada idioma; en ese caso, te recomendamos ver la serie en inglés, para poder escuchar la voz original.

Vin Diesel diciendo "Yo soy Groot" en diferentes idiomas.


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    Fecha Publicación: 2022-08-09T16:55:00.004-07:00

    Por: Alexiel Vidam 

    La pequeña Olive Hoover (Abigail Breslin) es una nena rechonchita y cuatro ojos, dueña de una sonrisa encantadora y una personalidad entrañable. Soñadora e inocente, Olive ansía ganar el concurso Little Miss Sunshine, para ser como sus ídolos de la tele.

    Por el contrario de lo que podría esperarse, esta niña tan alegre y carismática pertenece a una familia muy disfuncional. Su padre es un fracasado que se las da de gurú del éxito, su madre fuma a escondidas mientras intenta sostener la casa (y a la familia entera), su hermano es un adolescente emo que no habla desde hace meses, su tío ha intentado suicidarse, y su abuelo fue echado del asilo por consumo de drogas. Este desequilibrado conjunto es el encargado de acompañar a la pequeña Olive en un alocado road trip rumbo al certamen de belleza.

    En líneas generales, debo decir Little Miss Sunshine es una de esas historias que nos devuelven la esperanza cuando todo parece andar mal. Los personajes que rodean a Olive están todos al borde del colapso, enfrentando los problemas que más atormentan al ser humano promedio: bancarrota, matrimonio quebrado, soledad, derrota profesional, e incluso miedo a la muerte. Cada uno tiene su propia lucha y la lleva como puede, chocando, muchas veces, con el resto de caracteres que andan en su propio mundo y siendo protagonistas de su propia tragedia.

    A lo largo del viaje, los obstáculos van sacando lo mejor y lo peor de cada uno, resaltando el papel que juegan en la familia, y cómo la pequeña es el pilar que consigue unirlos. Es ella quien les da el primer motivo para empezar la aventura en primer momento, y quien, con su ingenuidad, protagoniza situaciones que dan motivo a los otros para apoyarse y prestarle apoyo.

    Entre los otros personajes, quien lleva las cosas con mayor ligereza es Edwin (interpretado por Alan Arkin, ganador del Oscar por este papel), el irreverente abuelo de Olive. Él vive los días a tope, habiendo asumido ya que le queda poco tiempo. Él es quien, dentro de todo, tiene el vínculo más cercano con la protagonista, quien se encarga de prepararla para el certamen, y el responsable de una de las escenas más hilarantes de la película. 

    Este personaje es tan interesante, que aun cuando no aparece hace sentir su presencia, y aporta un giro a la trama que obliga al resto de los personajes a trabajar en equipo.

    En el otro tramo del espectro se encuentra Richard (Greg Kinnear), padre de Olive y el personaje más insoportable de la historia durante casi toda la película. Para él la vida es una competencia que divide a la gente entre ganadores y perdedores. Él repite constantemente sus discursos de éxito, muchas veces, sin un mínimo de empatía. 

    No obstante, su personaje experimenta una evolución significativa en el último tramo del filme, cuando es capaz de ponerse en ridículo con tal de proteger y acompañar a su hija.

    Vale decir que esta película también representa una dura crítica a los certámenes infantiles de belleza, estrellándonos de cara con una realidad que somete a las niñas a una presión que raya con lo ilegal. Las rivales de Olive son pequeñas sumamente maquilladas e incluso sexualizadas, obligadas a mantener una sonrisa plástica y a demostrar piruetas que el jurado adulto es incapaz de realizar. 

    La parte más cruda de esto, es que las jóvenes actrices que interpretan a las rivales, son, en la vida real, competidoras de distintos certámenes de este tipo. De hecho, los atuendos, peinados y números que se observan en pantalla, son los que estas niñas han mostrado en tales competiciones.

    Finalmente, entre los aspectos técnicos del filme, me gustaría destacar la banda sonora, realizada por la banda DeVotchKa y por el compositor Michael Danna. La música, de acordes cálidos y optimistas, combina a la perfección con los tonos amarillos y rojizos de la fotografía, que al final del día abrazan a los personajes y plasman el tinte de la película, con un mensaje de fondo sumamente esperanzador.

     

    Ficha técnica

    Dirección: Jonathan Dayton, Valerie Faris
    Producción: David T. Friendly, PeterSaraf, Marc Turtletaub
    Guion: Michael Arndt
    Música: Mychael Danna, DeVochKa
    Fotografía: Tim Suhrstedt
    Montaje: Pamela Martin
    Vestuario: Nancy Steiner
    Reparto: Toni Collette, Greg Kinnear, Steve Carell, Paul Dano, Abigail Breslin, Alan Arkin
    Año: 2006
    País: EstadosUnidos
    Idioma: Inglés
    Género: Comedia dramática
    Duración: 101 minutos


    *Esta película se encuentra disponible en Star Plus.

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    Etiquetas: [DC Comics]  [Kevin Spacey]  [Marlon Brando]  [superhéroes]  [Superman]  [Superman Returns]  
    Fecha Publicación: 2022-08-03T18:44:00.008-07:00

     Por: Alexiel Vidam

    Durante estos días de vacaciones decidí mandarme una maratón con unos cuantos clásicos que no había visto. En esa lista, estaban las películas de Superman protagonizadas por Christopher Reeve… Sin embargo, hoy no vengo a hablar de aquellos clásicos (será motivo para futuros posts), sino de la menospreciada Superman Returns (2006) de Bryan Singer. El hecho de haberme puesto al día con la primera saga cinematográfica del Hombre de Acero, invitaba a volver a echarle un vistazo a aquella secuela-homenaje a las añoradas Superman y Superman II, y así, con una visión más global del tema, responder a la pregunta: “¿Es realmente mala?”.

    La película apela constantemente al sentimiento de nostalgia. Tenemos nuevamente la escena de Superman parando un coche, haciendo referencia, a su vez, a la portada de Action Comics 1. Reaparecen frases emblemáticas como “estadísticamente hablando, aún es el medio más seguro de viajar” (ya escuchada en Superman I), los discursos de Jor-El con todo su trasfondo mítico, interpretados, una vez más, por el icónico Marlon Brando (rescatado del metraje antiguo), o el “¿Qué es lo que decía mi padre?”, del villano Lex Luthor, que sigue obsesionado con los terrenos en la playa.

    El vuelo de Superman, la Fortaleza de la Soledad, la banda sonora de John Williams, el traje de Lois Lane y los actores elegidos tanto por su capacidad interpretativa como por su parecido con los viejos actores, siguen removiendo recuerdos. No obstante, esta película es mucho más que un simple conjunto de easter-eggs. Bryan Singer nos presenta una visión más reflexiva y melancólica del Hombre de Krypton.

    Han pasado cinco años desde lo ocurrido en Superman II, años en que el héroe ha estado alejado de la Tierra, explorando los recién encontrados restos de su planeta de origen. Desde sus clásicos orígenes, Superman es presentado como un personaje que, aunque convive entre humanos, no termina de ser uno de ellos. Sus poderes y su naturaleza alienígena lo separan del resto, cargándole, además, una enorme responsabilidad sobre los hombros. Singer enfatiza en sus sentimientos de soledad y alienación, conectándonos con la necesidad de encontrar a uno de sus iguales.

    Pero en el espacio el tiempo no transcurre al mismo ritmo, y cuando Superman vuelve de su inútil búsqueda, la Tierra ha cambiado. Los humanos han aprendido a continuar sin él. Lois Lane tiene una familia al lado de otro hombre y ha ganado el Pulitzer con un artículo llamado “Por qué el mundo no necesita a Superman”. Su presencia ya no parece ser necesaria… hasta que un recién liberado Lex Luthor encuentra la Fortaleza de la Soledad y empieza a hacer nefasto uso de la tecnología kryptoniana.

    He visto esta película en dos ocasiones. La primera, en su estreno, antes de haber visto los filmes clásicos. La segunda, luego de la mencionada maratón. En las dos ocasiones la disfruté. Durante primera, enganché con las emociones del protagonista, y me sorprendí positivamente por la visión desencantada del mismo. Me esperaba un argumento mucho más superficial, y a un Superman mucho más ñoño y estereotipado (aunque no había visto al Superman de Christopher Reeve, era la idea que tenía del superhéroe, sacada de los cómics clásicos); me topé, en contraste, con un personaje que, aunque colosalmente poderoso, no dejaba de ser humano y bastante profundo. 

    Pienso que Brandon Routhhace un buen trabajo plasmando a un Superman que, aunque es el mismo de Christopher Reeve, ha sido golpeado por nuevas circunstancias y, por lo tanto, se siente un tanto sombrío. Destaco también la actuación de Kevin Spacey como Lex Luthor, un villano inteligente, maquiavélico, dueño de un histrionismo bastante intimidante.

    Por otra parte, si en la dos primeras entregas de la saga clásica sentí la falta de acción (por ausencia de peleas o la poca seriedad de las mismas), eso no me ocurrió con esta película. Es curioso, pues Luthor es un enemigo 100% cerebral, de modo que no hay un enfrentamiento cuerpo a cuerpo. A pesar de ello, el filme logra mantener la tensión y el ritmo trepidante creando otras situaciones de peligro que el protagonista debe resolver. 

    A esto debo sumar que, aunque conecta con las películas de Richard Donner y Richard Lester, el largometraje de Bryan Singer presenta una historia que se entiende de principio a fin sin necesidad de ver las anteriores (importante, tomando en cuenta que se estrenó muchos años después). Todas las explicaciones están dadas como para que el nuevo espectador pueda disfrutar de la película sin problemas.

    Durante mi segundo visionado del filme, disfruté de lleno las referencias antes mencionadas. Pude observar, además, que el guion de Superman Returns se tomó la molestia de llenar algunos huecos argumentales que le restaban verosimilitud a sus predecesoras. Con esto, me atrevo a decir que Superman Returnsme ha permitido incluso apreciar más a fondo las entregas anteriores, logrando que el círculo se cierre.

    ¿Por qué no gustó la película en su momento? En realidad la pregunta es algo imprecisa, pues la crítica oficial le dio buenas calificaciones; quienes se rasgaron las vestiduras, fueron los fans. Personalmente, pienso que aquellos que no supieron apreciar la película no comprendieron el objetivo de la misma: funcionar como secuela y homenaje a la vez (con la solemnidad que esto último implica). 

    Algunos hicieron comparaciones odiosas con los filmes clásicos, y otros se quejaron de la ausencia de peleas (dejando de lado la construcción del personaje de Luthor humano y cerebral y que en las películas anteriores tampoco se explotaba mucho el cuerpo a cuerpo). Por otra parte, percibo sumamente injustas las críticas a las actuaciones; personalmente, considero que todo el cast estuvo a la altura de la propuesta.


    Ficha técnica 


    Dirección: Bryan Singer
    Guion: Bryan Singer, Dan Harris, Michael Dougherty (basado en los cómics de Superman por Jerry Siegel y Joe Shuster)
    Producción: Jon Peters, Chris Lee, Bryan Singer
    Dirección artística: Damien Drew, Lawrence A. Hubbs, Catherine Mansill, John Pryce-Jones, Charlie Revai
    Fotografía: Thomas Newton Sigel
    Vestuario: Louise Mingenbach
    Maquillaje: Tami Lane
    Música: John Ottman, John Williams
    Sonido: ErikAadahl
    Montaje: ElliotGraham, John Ottman
    Efectos especiales: Catherine Hart
    Protagonistas: Brandon Routh, Kate Bosworth, Kevin Spacey, James Marsden, Marlon Brando (video archivo)
    País: EstadosUnidos
    Idioma: Inglés
    Año: 2006
    Género: Aventuras, ciencia ficción, fantasía, superhéroes
    Duración: 154 min


    *Esta película se encuentra disponible en HBO Max.

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    Etiquetas: [aventura]  [comedia]  [drama]  [Navidad cinéfila]  [Netflix]  [romance]  
    Fecha Publicación: 2020-12-25T14:15:00.010-08:00

    Por: Mariana Loli

    Un factor infaltable en nuestra celebración navideña, son las películas temáticas (enciendes la tele, y están por todas partes; ahora también nos aparecen sugeridas en el catálogo de streaming). El catálogo de estas películas es bastante extenso: tenemos comedia, drama, aventura, e incluso terror. 

    Sin embargo, no cabe duda de la capacidad que tienen las películas románticas para capturarnos y enamorarnos (siempre y cuando no contengan demasiada azúcar). Y si fusionamos el poder de movernos el bobo, con la Navidad, obtenemos un resultado realmente conmovedor. 

    Por eso, a continuación, te dejamos una pequeña lista con los mejores romances navideños para que chorrees todo el día después del atracón de anoche. ¡Feliz Navidad! 

    CAROL (2015)

    Director: Todd Haynes

    Esta película nos transporta a Nueva York durante los años 50, y cuenta la historia de Therese Belivet (Rooney Mara) ─una joven trabajadora de una tienda de regalos navideños─, y Carol Aird (Cate Blanchett), una mujer rica y sofisticada que se encuentra atrapada en un matrimonio infeliz. Al conocerse surge entre ellas una conexión inmediata e intensa que transforma sus vidas por completo. 

    Carol es una historia de amor, pero principalmente del amor como una responsabilidad. Ambas protagonistas se ven comprometidas a tomar decisiones difíciles para poder seguir a su corazón sin dejar de ser fieles a sí mismas. Desde el factor cinematográfico, Carol se traduce como una obra de arte, un tributo al cine de época fusionándose con el cine moderno.(Para leer nuestro post completo sobre esta película, da click aquí.)


    THE HOLIDAY (2006)

    Directora: Nancy Meyers

    El amor es una puerta abierta que conduce a infinitas posibilidades, un sentimiento que llena de vida y nos hace creer que todo es posible, siempre y cuando, ambas partes apunten hacia ello. The Holiday cuenta la historia de Amanda Woods (Cameron Diaz) e Iris Simpkins (Kate Winslet), dos mujeres provenientes de EE.UU. y Gran Bretaña respectivamente, que deciden intercambiar hogares durante la temporada navideña después de terminar sus relaciones amorosas. 

    Cada una se enamora de un hombre de la localidad; sin embargo, el regreso a casa podría significar el fin de sus romances. La película nos permite vivenciar dos relaciones amorosas de una forma natural, explayándose en sus detalles para atrapar al espectador en un ambiente de entretenimiento y ternura. 

    Un factor que se adiciona a la perfección a la historia y la vuelve aún más atrapante, es el contexto de la Navidad, dado que los escenarios se ajustan al ambiente romántico de la historia.


    IT'S A WONDERFUL LIFE (1946)

    Director: Frank Capra

    George Bailey (James Stewart) es un hombre modesto que dirige un pequeño banco familiar. En la Navidad de 1945, tras la repentina desaparición de una importante suma de dinero ─que lleva a la ruina del banco─, decide suicidarse, pero un suceso extraordinario cambiará por completo el rumbo de las circunstancias.

    Aunque en su momento no fue el esperado éxito de taquilla, hoy It 's a Wonderful Life es reconocida como una de las mejores películas de la historia debido, especialmente, a la genialidad de su guion y sus excelentes actuaciones. Esta película es un cautivador cuento de Navidad, que nos deja como principal enseñanza el valor de uno mismo y de lo bello que es vivir; un clásico navideño, ideal para compartir con toda la familia. 


    LAST CHRISTMAS (2019)

    Director: Paul Feig

    Last Christmas cuenta la historia de Kate (Emilia Clarke); una joven que se encuentra en fastidiada y disconforme con su vida, trabajando como elfo de Navidad en una tienda. Ello da un giro de 180º en cuanto conoce aTom (Henry Golding), quien le enseña a Kate a ver las cosas con más optimismo y a mantenerse abierta a las distintas oportunidades que se le aparecen. Sin embargo, la época navideña pone obstáculos a la pareja, enseñándole la importancia de escuchar a sus corazones.

    Aunque tampoco fue un éxito de taquilla, Last Christmas es una comedia divertida, irónica y refrescante, que ofrece mucha emoción. Detrás de todos sus momentos hilarantes, nos deja una sensación de magia en el ambiente, y deseos de compartir momentos felices junto a aquellos que más amamos.


    LET IT SNOW (2019)

    Director: Luke Snellin

    Let it snow es unacomedia romántica adolescente hecha para desconectar por completo y disfrutar. El argumento nos ubica en el pueblo de Gracetown, en plena caída de una tormenta de nieve que deja incomunicado a un grupo de estudiantes de secundaria. Ello conlleva una serie de sucesos satíricos y emocionalmente impactantes que moverán sus vidas.

    El principal factor a destacar en la película es la química entre sus personajes, que lideran romances sazonados con mucho humor y momentos de aventura. La película es ligera y divertida, ideal para relajarse.



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    Etiquetas: [ciencia ficción]  [Covid19]  [dictadura]  [distopía]  [drama]  [Netflix]  [series]  [suspenso]  
    Fecha Publicación: 2020-12-03T23:01:00.011-08:00

    Por: Alexiel Vidam

    Y en una jugada Orwelleana ─atención a la ironía─, Netflixcaptó mi sed de películas y series distópicas, y decidió mostrarme La Valla en sus recomendaciones. Fue así que caí de lleno en otro escenario decadente y sumamente adictivo.

    La Valla, de Daniel Écija, nos traslada a España en el año 2045, después de la III Guerra Mundial. A modo de premonición, la serie nos presenta un mundo al borde del colapso por la escasez de recursos y la aparición de un virus mortal que se extiende rápidamente entre la población, y que hasta el momento no tiene cura (¿les suena en algo?). 

    El miedo y la inseguridad han puesto en jaque a la monarquía parlamentaria, llevándola hasta su disolución, y poniendo el poder en manos de una dictadura militar con ciertos rasgos que recuerdan al régimen Francisco Franco.



    "Las personas tenían mucho miedo y querían gobiernos muy fuertes que garantizasen su seguridad. (...) Lo malo, es que esos gobiernos fueron los que provocaron la guerra (...). Y en nombre de esa seguridad, pues nos quitaron lo más importante que tenemos las personas, (...) la libertad".

    La ciudad se encuentra dividida en dos sectores: En el sector 1 se encuentran los ricos y poderosos, vinculados al régimen; en el sector 2, se encuentran todos los demás, sobreviviendo en medio de la pobreza, los cortes de luz, la falta de agua y la opresión de la ley marcial. 

    La división de sectores, es marcada por una inmensa valla que evita que los ricos se mezclen con los pobres, que son los primeros en caer victimas del noravirus. Para cruzar la valla se necesita un salvoconducto especial firmado por alguien del sector 1.

    En medio de este escenario, seguimos la lucha de una familia que bien podría representar a todos los que viven en el sector 2 ─con excepción, tal vez, de los “informantes”, espías que reciben cierta protección, a cambio de vender a cualquiera que se atreva a cuestionar el poder estatal─.

    Begoña (Ángela Vega) es la odiosa informante del edificio donde
    viven los protagonistas.


    Los protagonistas son Julia (Olivia Molina), su cuñado Hugo (Unax Ugalde), y Emilia (Ángela Molina) ─su madre─.  El meollo del asunto empieza cuando Hugo llega a Madrid junto a su hermano Álex (Daniel Ibáñez) y su hija Marta (Laura Quirós) para encontrarse con Emilia, la madre de su difunta esposa. Casi de inmediato, Marta le es arrebatada a Hugo con la excusa de que él aún no tiene trabajo (los fines detrás de esto, son bastante oscuros, por cierto). 

    En paralelo, Julia se ve casualmente envuelta en el asesinato de un policía muy cercano al Presidente. Estas circunstancias trágicas irán uniendo sus caminos y a la vez despertando viejos vínculos familiares con el grupo de la Resistencia.

    Los personajes están muy bien construidos, en especial, los roles femeninos, que tienden a liderar a los masculinos. Entre las mujeres más interesantes de la serie, encontramos a Emilia ─sumamente astuta y de mucha acción, a pesar de su edad─, Julia─con un marcado sentido de la justicia, que, irónicamente, la lleva a cometer un crimen─, y, por supuesto, Alma (Eleonora Wexler), la retorcida esposa del ministro de sanidad, quien ejerce el poder a través de la manipulación y resulta ser el personaje más dominante de la historia. 

    Como “mención honorífica”, me gustaría mencionar a Rosa (Elena Seijo), la ama de llaves de la casa del ministro; un personaje tan gris que a veces nos resulta difícil identificarla como aliada o como enemiga.

    De los personajes masculinos, podríamos destacar a Luis (Abel Folk), Carlos (Juan Blanco) e Iván (Nicolás Illoro). Luis, es el ministro de interior; un hombre que se ha resignado y acomodado a las circunstancias, pero que va despertando a la vez que la realidad le explota en las narices. Carlos, es el novio de Julia, un militar en retiro que actúa de aliado en las sombras. 

    Iván, por su parte, es el engreído hijo mayor de Luis, quien pasa de ser un completo idiota, a mostrar su lado más sensible y valiente. En este caso, la mención honorífica sería para Fernando Navarro (Óscar de la Fuente), un sádico policía que se ve ahogado en la tragedia y acaba por convertirse en héroe.

    Cabe resaltar que estos personajes, tan bien pensados, no terminarían de convencer si no fuese por el nivel de las actuaciones. La expresividad con que plasman la evolución y los matices de los roles que representan, es sencillamente admirable. 

    A mi parecer, la que más sobresale, es la interpretación de Eleonora Wexler, pues considero que Alma López-Durán no se consagraría como la villana detestable que es, si no fuese por su brillante interpretación.

    En cuanto a la parte estética, la producción enfatiza en el anacronismo, haciendo metáfora de una de las más lamentables paradojas de la humanidad: la de retroceder pretendiendo avanzar. A diferencia de otras historias distópicas, donde al menos se observa un claro avance tecnológico, La Valla nos presenta un evidente retroceso (al punto en que los celulares prácticamente no existen). 

    Esta sensación de contramarcha se ve enfatizada por los ambientes deteriorados y una fotografía que prioriza en colores opacos y desaturados. Por si fuese poco, el himno de Nueva España le pone la nota escalofriante a toda esta atmósfera.

    Como cierre, veo necesario señalar que esta metáfora es la reflexión más profunda que la serie pretende ─y consigue─ transmitir, pues la misma se mantiene y se reafirma ─cual cachetada─ al final de la historia.

    Ficha técnica

    Creado por: Daniel Écija
    Guion: Daniel Écija, Inés París, Clara Botas, Roberto Martín Maiztegui, Jorge Valdano Sáenz, Veronik Silva, Ángela Armero, Tatiana Rodríguez, Arantxa Cuesta
    Dirección: David Molina Encinas, Oriol Ferrer, Luis Oliveros, Jesús Rodrigo
    Producción ejecutiva: Daniel Écija, Sonia Martínez, Inés París, David Molina
    Reparto: Unax Ugalde, Olivia Molina, Eleonora Wexler, Abel Folk, Ángela Molina
    Música: Daniel Sánchez de la Hera
    Fotografía: Néstor Calvo
    País: España
    Idioma: Español
    N.º de temporadas: 1
    N.º de episodios: 13
    Género: Suspenso, drama, ciencia ficción

    Etiquetas: [animación]  [cortometraje]  [drama]  [Netflix]  
    Fecha Publicación: 2020-11-24T20:06:00.007-08:00

    Por: Alexiel Vidam 

    Y de pronto entras a Netflix, y en tus sugerencias aparece la siguiente reseña: “Un recorrido emocional de dos padres que se refugian en recuerdos para intentar superar una trágica pérdida”. 

    La descripción va acompañada por un tráiler animado hecho a partir de puros gráficos a lápiz, sencillos, y sin embargo, con una expresividad penetrante; a esto se suma una melodía de piano que te genera un extraño vacío en la boca del estómago, y la sensación de que algo en el pecho se te está diluyendo, y que pronto se caerá.

    Sabes que vas a llorar, así que estás a punto de cerrar la pestaña y ponerte a ver algo más animado. Después de todo, es tarde, y te mereces algo feliz después de un día tan largo. Pero no puedes. Inmediatamente regresas Netflix y te dejas llevar por la curiosidad, y por ese impulso masoquista de sentir algo intenso, aunque sea doloroso.

    El corto inicia con ese piano sutilmente desgarrador, a la vez que los dos protagonistas ─el padre y la madre─ se encuentran sentados en una mesa demasiado larga. Sin mirarse. Sus rostros se observan vacíos. Juegan con la comida.

    En ese momento, descubres que todo es gris. Los dibujos están hecho a base de trazos torpes adrede, y no tienen color: sólo blanco, negro, y diferentes tonos de gris. Detrás de los padres se levantan sus sombras, que representan el remolino que llevan por dentro.

    Sin darte cuenta, ya estás llorando, pero aún es poco. Casi de manera imperceptible ha aparecido esa fina y afilada hoja que acaricia por dentro. Su caricia se va volviendo más marcada y más profunda a medida que la historia avanza. La madre ha encontrado una prenda de su hija y está a punto de quebrarse. El travieso gato no comprende qué sucede. 

    La pelota de la más joven de la casa se ha caído accidentalmente y ha abierto la puerta de la habitación. El gato la sigue y el tocadiscos se enciende de manera casi espontánea al toque de la pelota.

    La madre escucha esa canción tan familiar. La canción que su pequeña de 10 años escuchaba siempre; la que llevaba en los auriculares durante todos los paseos. Se sienta en la cama y frota la mano sobre el edredón para recordar a su pequeña. El padre la ve. Entra, se sienta a su lado, pero casi no la mira. Está desolado, y no sabe observar más allá de su dolor.

    De pronto aparecen los primeros colores. Hermosos tonos pasteles tiñen los recuerdos más bonitos.Los padres observan a su recién nacida; sonríen, están unidos, y unidos la acompañan a crecer. Ella los ama. Ellos los aman. Ella es feliz. Ellos también lo son.


    Sin embargo, ¿quién podría imaginar que aquella mañana en que se despidiera sonriente para ir al colegio, sería la última vez? Las sombras se ven consternadas e intentan impedir que la niña se marche. Ella no las ve. Sigue con su camino. Feliz. Las sombras se angustian, pero no pueden impedirlo.

    Ella ingresa. La bandera de los Estados Unidos luce brillante en el sobre la pared a la entrada del aula. La bandera luce incluso más brillante que los recuerdos felices. Será que lo que está por suceder es tan americano…

    “¡Bang! ¡Bang! ¡Bang!”Se oye desde adentro. Contienes la respiración. Se observa un celular. En la pantalla se lee “si algo me pasa, los quiero”. El mensaje se diluye. Y “¡bang! ¡bang! ¡bang!”, otra vez.

    Te desmoronas.

    Los padres siguen sentados en la cama. Dándose la espalda. Parece que un muro de hielo los divide. Un poco más, y estarán completamente solos. De pronto el gato ha notado algo que ellos no han visto. Salta y juguetea con una mano invisible. ¿Qué puede ser? Ellos voltean y lo observan. Es su hija.

    Una pequeña sombra se agranda y abraza a los padres. Se convierte en una inmensa bola de luz. Ellos se unen. Ella estará con ellos por siempre.

    Ahora ve a limpiarte los ojos…


    Ficha técnica

    Dirección: Will McCormack, Michael Govier
    Producción: Maryann Garger, Gary Gilbert, Gerald Chamales, Michael Govier
    Guion: Will McCormack, Michael Govier
    Música: Lindsay Marcus
    Edición: Peter Ettinger
    País: Estados Unidos
    Género: Drama, animación


    *No dejes de ver este cortometraje en Netflix


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    Etiquetas: [3 por cento]  [ciencia ficción]  [distopía]  [Netflix]  [series brasileras]  
    Fecha Publicación: 2020-11-24T13:36:00.011-08:00

    Por: Alexiel Vidam

    Quienes me conocen, ya saben de mi afición hacia las historias distópicas: 1984, Blade Runner, Ghost in the Shell, Akira, Los Juegos del Hambre, V de Vendetta… En su mayoría, todas estas historias tienden a seducirme con sus antihéroes y temáticas de mundos futuros decadentes. Sin embargo, pocas me resultan tan originales como 3%, la primera producción brasilera de Netflix, creada por Pedro Aguilera.

    3% nos traslada a un escenario en el cual Brasil ha agotado sus recursos y la gente vive en extrema pobreza (no tienen luz, viven comiendo alimañas, sus casas están todas destartaladas y hechas de materiales desechables, etc.). Sin embargo, anualmente, los jóvenes de 20 años, tienen la posibilidad únicade acceder a una vida mejor a través del Proceso, un procedimiento que consta de diferentes pruebas, en las cuales el candidato debe demostrar que es “digno”. 

    Las pruebas eliminarán al 97% de candidatos; sólo el 3% se hará merecedor de migrar hacia Mar Alto, una isla utópica donde tendrán la vida hecha, y a la cual sólo se puede llegar vía submarino.

    Para esto, los retos que el Proceso pone a los candidatos, pueden llegar a ser brutales, colocándolos en situaciones extremas en las cuales se les priva de comida o agua. En estos retos, no sólo se premian la inteligencia y la astucia, sino también el sentido de individualidad y, sobre todo, la fidelidad al Proceso. Es importante destacar estos dos últimos puntos, dado que, para llegar a Mar Alto, debe dejarse todo lo anterior atrás, incluyendo los vínculos familiares (todos llegan solos a Mar Alto).

    La fuerza de oposición a Mar Alto y al Proceso, es La Causa, un grupo subversivo que lucha por destruir el orden establecido para construir uno nuevo, con mayor igualdad (no por eso, sin embargo, con mejores métodos).

    Por otro lado, tenemos a los protagonistas, quienes, por distintos motivos se verán involucrados en el Proceso, y cuyas perspectivas del mismo, de La Causa y de lo que es bueno o malo, justificable o injustificable, se irán transformando de manera progresiva. En este grupo tenemos a Michele (Bianca Comparato), Fernando (Michel Gomes), Joana (Vaneza Oliveira), Rafael (Rodolfo Valente) y Marco (Rafael Lozano); cada uno de ellos con su propia personalidad, con sus propios puntos fuertes y débiles, sus propios valores, imperfecciones y zonas grises; esto último, precisamente, es lo que los hace tan ricos. 

    Ninguno de ellos se escapa de tener momentos de egoísmo, ni de cometer algún tipo de crimen; sin embargo, tampoco dejan de tener instantes de nobleza, desinterés o valentía. Estas situaciones tan contrastantes, brillan casi al mismo nivel, de modo que, en algún momento de la historia sentiremos rechazo por ellos, y en otro, llegaremos a encariñarnos, y a comernos las uñas cuando tambaleen en escenarios de vida o muerte.

    De izquierda a derecha: Michele, Marco, Joana, Rafael y Fernando

    Personalmente, resaltaría Michele, una joven inteligente, audaz y con mucha astucia, que en las primeras temporadas suele ser esa figura que trabaja un poco a la sombra, moviendo los hilos por detrás del telón, manipulando por aquello que considera justo. 

    Más adelante se mete más en la acción, demostrando su habilidad para el liderazgo, y sobresaliendo como la cabeza más política de quienes la siguen (en esta historia, hay más de un personaje que lidera, incluso dentro de un mismo bando).

    Michele Santana, interpretada por Bianca Comparato.

    Otro personaje sumamente interesante, es Ezequiel (João Miguel), un “villano” bastante peculiar y uno de los más camaleónicos que recuerdo en el mundo de la ficción. Ezequiel, es un sujeto que parece defender el Proceso a toda costa, y que lo aplica de manera una estricta, e incluso cruel. 

    No obstante, Ezequiel tiene sus propias motivaciones y planes en agenda que van más allá de Mar Alto o de La Causa. Él, además, tiene razones muy personales que guían cada una de sus decisiones, lo cual lo convierte en un personaje indiscutiblemente complejo.

    Ezequiel, interpretado por João Miguel

    Ahora, 3% tiene más que personajes profundamente interesantes para ofrecer: uno de sus puntos más fuertes, como indiqué al principio, es su singularidad; una singularidad que, de hecho, está muy vinculada a su país de origen. 

    Brasil, es uno de los países con mayor desigualdad en el mundo, y esto se observa en esa marcada diferencia entre el estilo de vida de las personas de Mar Alto y el de las personas del Continente (el resto del mundo). Se observa también, en el parecido que tienen los escenarios del Continente, con la precariedad que se vive en las favelas

    En cuanto a detalles más específicos, destaca una escena de desfile festivo que recuerda un tanto carnaval; se observa la influencia de los trajes típicos brasileros en ciertos atuendos del Continente (aunque, claro está, en una versión decrépita) y la música, está toda en portugués y sazonada con sonidos folclóricos.

    Para finalizar, quisiera redundar en el punto desigualdad, porque, en este universo, la misma depende del mérito. Nos encontramos, pues, ante una meritocracia, lo cual hace de 3%, una serie bastante audaz, que se atreve a retar aquello en lo que casi todos creemos: que el mérito debe definir nuestro lugar en la sociedad. 3% lleva esta idea a un punto extremo, en el cual unos tienen absolutamente todo y otros tienen absolutamente nada, sin punto medio

    La serie, además, pone sobre la mesa la pregunta de qué es lo que te hace mejor (o peor)…finalmente, lo que es bueno o funcional para una sociedad o en un determinado contexto, puede no serlo en otro completamente distinto.

    Ficha técnica

    Idea original: Pedro Aguilera 
    Dirección: César Charlone, Daina Giannecchini, Dani Libardi, Jotagá Crema 
    Producción ejecutiva: César Charlone, Tiago Mello 
    Reparto: Bianca Comparato, João Miguel, Michel Gomes, Rodolfo Valente, 
    Vaneza Oliveira, Rafael Lozano, João Miguel 
    País: Brasil 
    Idioma: Portugués 
    N.º de temporadas:
    N.º de episodios: 33 
    Duración: 60 minutos 
    Género: Drama, suspenso, ciencia ficción, distopía


    *Esta serie se encuentra completa en Netflix.


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    Etiquetas: [Alfred Hitchcock]  [misterio]  [suspense]  [terror]  [thriller]  
    Fecha Publicación: 2020-10-31T16:56:00.006-07:00

    “Mi amor por el cine es más grande que mi moral” - Alfred Hitchcock

    Por: Mariana Loli

    ¿Qué mérito debe uno cumplir para ser reconocido como “maestro”? “Maestro” es aquel que aprende y comparte su aprendizaje, aquel que busca ir más allá, transformar mentes, evolucionar ideas y generar un pensamiento crítico en sus aprendices. Un maestro siempre dejará un legado.

    El 13 de agosto de 1899 en Leyston, Inglaterra, nació Alfred Joseph Hitchcock, un niño de familia de clase media que se ganaba la vida gracias al comercio de verduras. Alfred estudió Ingeniería hasta 1914, año en el cual su padre falleció y debió dejar los estudios para trabajar. 

    Fue recién en 1920 cuando consiguió su primer trabajo relacionado a la industria cinematográfica, diseñando rótulos para la famosa Paramount Pictures. Así como su pasión, poco a poco, pasó de ser un sueño a una realidad.

    Desde los años 20 hasta los años 70, trabajó con diversos géneros cinematográficos, destacando el thriller y el policial, motivo por el cual se le conoce hasta hoy como “maestro de suspense”. Su estilo de narrativa visual inspiró a reconocidos directores de cine como Steven Spielberg, Guillermo del Toro, entre otros; generaciones de directores que, hasta la actualidad, sostienen a Hitchcock como referente del cine debido a sus aportes técnicos y narrativos.  

    Su técnica

    Para Hitchcock, el cine era un arte visual por encima de todo. Él decía que el diálogo podía complementar la historia, pero la verdadera trama se contaba a través de las imágenes; éstas llevaban el sentido de la historia. Esta preferencia por lo visual lo condujo a desarrollar distintas técnicas que, aun con el paso de los años, no han dejado de impresionar.

    Un elemento fundamental para la creación del suspenso en sus cintas fue el “tiempo artificial”, que consiste en alterar la secuencia de las tomas para extender el tiempo real a la vista del espectador. Por otro lado, los argumentos usados en las filmaciones no eran demasiado complejos, puesto, que como se mencionó anteriormente, para Hitchcock la riqueza se encontraba en la imagen. 

    No era muy común prestar tanta atención a los recursos audiovisuales en dicha época; esto llevó a que la crítica tildara más de uno de sus proyectos de “inconsistentes”, provocándole números bajos en taquilla.

    Según Hitchcock, el verdadero mensaje debía transmitirlo el actor a través de sus gestos faciales y acciones. Otro elemento fundamental para él, era el sonido (considerando la música y los efectos, mas no los diálogos): así como las imágenes se encargaban de transmitir el argumento, el sonido debía generar emoción y conectar al espectador con la historia. 

    Paso por la pantalla chica

    Entre 1955 y 1965 se emitió la serie de televisión americana La hora de Alfred Hitchcock, presentada por el director mismo. Fiel a su estilo, el género principal fue el suspense; sin embargo, trabajó también con una mezcla de drama, terror psicológico y misterio. 

    La serie fue creada y producida por él mismo y está compuesta de una recopilación de pequeñas historias bastante particulares, acompañadas siempre del característico humor negro de Hitchcock. 

    Al comienzo de cada episodio se presentaba frente a los espectadores con un “buenas noches”, y reaparecía en la escena final del episodio para brindar su interpretación personal de la historia.

    Inicialmente la serie llevaba el nombre de Alfred Hitchcock presenta, pero luego cambió a La hora de Alfred Hitchcock por el tiempo de duración de los episodios. En total se emitieron 10 temporadas: 7 de Alfred Hitchcock presenta y 3 de La hora de Alfred Hitchcock, y si bien Hitchcock presentaba cada uno de los episodios, solo llegó a dirigir 18, ya que al mismo tiempo dirigía otros proyectos.

    Para un director, realizar diferentes proyectos simultáneamente no es cosa sencilla. Ésta es una sólida prueba del talento, las habilidades y capacidades de Hitchcock como gran referente de la industria del cine. 

    Su filmografía

    Alfred Hitchcock durante el rodaje de Psicosis (1960).

    Dentro de sus películas más destacadas se encuentra la famosa Psicosis, película de horror psicológico moderno estrenada en 1960, innovadora en su manejo de la violencia y la sexualidad cosa atípica en una época marcada por la censura. Psicosis, además, sentó las raíces para un género que se asentó por fin en 1978 ─con el estreno de Halloween─: el slasher, subgénero del terror con violencia explícita y contenido sexual, protagonizado por un asesino psicópata y un grupo de adolescentes. 

    Tal fue el éxito de esta película (tuvo 4 nominaciones al Oscar), que tuvo dos secuelas de distintos directores y en 2013 se estrenó la serie de televisión Bates Motel, a modo de precuela.

    Escena más recordada de Psicosis (1960)

    Rebecca (1940) es su largometraje más atípico y el primero que realizó en Estados Unidos. Basada en la novela folletinesca Rebecca, escrita por Daphne du Maurier, este filme cuenta con un estilo de narración y filmación mucho más lineal que el resto de sus obras. Aun así, al estilo romántico y gótico de la novela, se añade el suspense característico del director, convirtiéndose en un clásico de su filmografía y uno de sus largometrajes más reconocidos.

    Rebecca (1940)


    A esta lista podemos añadir Vértigo(1958), que en su momento fue un fracaso de taquilla debido a su trama no convencional, centrada en la masculinidad y la obsesión. Sin embargo, el tiempo la reivindicado como una de las mejores películas de la historia del cine. 

    Vértigo se caracteriza por su narrativa audiovisual, destacando el juego con los espejos, las persecuciones, los planos picados y la escena del campanario. Considerada, técnicamente, una obra maestra.

    Vértigo (1958)


    La soga
    (1948) es otra de sus películas más ricas en suspense. Nos cuenta la historia de dos estudiantes que estrangulan a un compañero de la universidad y posteriormente organizan una fiesta, a la cual invitan a los familiares del muerto. Generó mucha controversia en dicha época por su representación tan real de la muerte y la suposición de que ambos protagonistas eran homosexuales. 

    La película se considera un “experimento” del director, ya que deja de lado el rodaje clásico para desarrollar escenas largas y continuas (cada escena dura 10 minutos sin interrupciones). Además, el filme casi en su totalidad, se desarrolla en un sólo escenario (con excepción del exterior mostrado en la aparición de los créditos).

    La soga (1948)


    Por último, Con la muerte en los talones (1959) destaca como una de sus películas más originales, al fusionar el thriller con el humor.Aquí se intercala secuencias de acción y giros argumentales, consiguiendo un ritmo ágil y disfrutable. Fue la película más cara que hizo Hitchcock, pero también un éxito de taquilla con 3 nominaciones al Oscar. 

    Con la muerte en los talones (1959)

    Su legado

    Hitchcock tiene más que merecido el apelativo de “maestro del suspense, pues su principal aporte a la industria, además de su rica y extensa filmografía, es su estilo audiovisual, que perdura a lo largo de décadas y convierte su travesía por el mundo del cine en un legado.

    Existen 4 factores principales que conforman la filmografía de Hitchcock: perturbación, narrativa, innovación e influencia; todo esto en conjunto conforma su estilo único, alejado de los esquemas tradicionales de la época. 

    Además, introducir el factor psicológico ha sido determinante para generar un horror diferencial en el público. Éste, mezclado con su manejo de la intriga, tan característico, asegura un producto sumamente disfrutable.

    Hitchcock merece ser recordado con merecida admiración. Su innovación y su técnica pusieron a prueba el pensamiento crítico y la capacidad de análisis de sus espectadores, marcando la huella a generaciones posteriores de cineastas.

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    Etiquetas: [series]  
    Fecha Publicación: 2020-07-11T17:13:00.002-07:00

    Por: Alexiel Vidam

    En nuestro post anterior sobre Dark, dimos una mirada a toda la serie, centrándonos en los puntos fuertes y débiles de su tercera y última temporada. Sin embargo, desde el principio nos quedó claro que un sólo artículo no sería suficiente para explorar una historia tan compleja.

    Por eso, ahora te presentamos algunas de las preguntas más interesantes cuyas respuestas no son tan obvias a través de un primer vistazo a la serie, así como otras a partir de las cuales se puede señalar varias hipótesis, pero cuya respuesta definitiva quedó en el aire.

    ¿Por qué quienes mueren en los mundos 2 y 3 viven en el mundo 1?


    Adán nos dejó marcados con frases como “el principio es el fin y el fin es el principio” y “el tiempo es Dios, y el tiempo no tiene piedad”.

    El tiempo siempre busca mantener las cosas en su lugar. Esto, en un mundo donde los viajes en el tiempo son posibles, crea bucles inevitables, pues, al tratar de cambiar las cosas, los personajes se están enfrentando al tiempo, que es Dios, y por lo tanto, invencible.

    Esto somete a los personajes a un destino trágico, pues, sin importar lo que hagan, su destino será siempre el mismo, y al pretender cambiarlo, de alguna forma lo están cumpliendo.


    Una vez que se construye el bucle, éste se establece y el tiempo pretenderá mantenerlo eternamente para que todo siga en su lugar; esto, lleva a que todos los miembros del bucle deban permanecer con vida hasta que cumplan su función. Podemos decir, pues, que el bucle se convierte en el hijo del tiempo (el hijo de “Dios”); en un ser inmortal que se impone ante cualquier otra realidad. 

    Fuera de él, los seres tienen una función pasajera, que simplemente consiste en alimentar al bucle. Una vez que su utilidad al bucle culmina, su existencia deja de tener sentido. Es por esto que en los mundos 2 y 3, Regina no muere sino hasta ser madre de Bartosz, y Hannah hasta después de tener a Silja. En otras palabras, una vez que estos personajes han dado su “aporte” al bucle, se vuelven descartables.


    En el mundo 1, por el contrario, el bucle no existe, y por lo tanto, esa fuerza que busca la predominancia de unos, aun a costa de otros, tampoco está. Por lo tanto, los personajes descartados por el bucle serían libres de su destino trágico y podrían vivir de manera mucho más libre.

    ¿Quién es el padre de Regina?


    A lo largo de toda la serie, diferentes indicios nos hicieron suponer que el padre de Regina, era Tronte Nielsen. Esto, dado que observamos el acercamiento que tuvo éste de pequeño con Claudia Tiedemann, madre de Regina. Sabemos, además, que fueron amantes durante años incluso tras el matrimonio de Tronte─, y no le conocíamos alguna otra relación a Claudia. 

    Aparentemente, el propio Tronte tuvo también la sospecha de que Regina fuese su hija; sin embargo, en la temporada 3, Claudia le dice que no es así. Señala que durante muchos años deseó que Regina fuese hija de él, pero que luego entendió que lo mejor era que no fuese así, pues gracias a eso, Regina podría salvarse. 

    Con esto, comprendemos que el padre de Regina no puede ser parte del bucle, dado que todos los personajes que pertenecen al bucle, están destinados a desaparecer con la ruptura del bucle. ¿Quién es, entonces, el padre de Regina?


    La respuesta nos la da la última escena de la serie, cuando observamos la foto familiar donde aparecen, Claudia, Regina… y Bernd Doppler.Inmediatamente, nos remontamos a la escena en la que un Bernd alrededor de los 40, coquetea con una adolescente Claudia, y le dice que, si desea algo, no dude en ir a por ello. Años más tarde, Claudia sucedería a Bernd como directora de la planta nuclear…

    ¿Cómo es que Regina contrajo cáncer?


    Aunque la serie no nos lo dice explícitamente, podemos deducir que la causante de todo, es la planta nuclear. Tanto en el mundo de Adán, como en el mundo de Eva, Regina desarrolla un cáncer de mama; en ambos mundos, existe la central nuclear; la misma que no existe en el mundo de origen. 

    Dado que en el mundo 1, Bernd Doppler no consigue el permisopara construir la planta ─pues es el hijo de Jonas y Martha quien se encarga de “persuadir” al alcalde en los otros mundos─, la misma nunca existió, y Regina nunca sufrió las consecuencias de la radiación.


    Vale decir que un estudio publicado en 2015 en la revista The Lancet Haematology y realizado por la Agencia Internacional para la Investigación sobre el Cáncer (IARC), mostró que la exposición prolongada a dosis bajas de radiación ionizante puede causar leucemia. Asimismo, otros estudios relacionan esta exposición con otros tipos de cáncer, como el cáncer de tiroides.

    ¿Cómo es que Agnes obtuvo el apellido Nielsen?


    Aquí otra pregunta a la que la serie no responde sino de manera implícita. Agnes, era la madre de Tronte Nielsen. A su vez, era hija de Bartosz y Silja, de modo que podemos obviar que su apellido es Tiedemann (probablemente, el apellido de Silja sea Nielsen, dado que Hannah se hacía llamar Katharina Nielsen, pero es muy improbable que Silja le haya dicho su apellido a Bartosz, pues ella apareció en su vida con el único objetivo de tener a sus dos hijos). 

    Sabiendo cuál es el apellido de Agnes, sólo nos queda pensar que ella obtuvo el apellido Nielsen de su esposo, cuya identidad recién es revelada en la temporada 3.


    El esposo de Agnes, es el hijo de Jonas y Martha, pues, aunque tampoco nos lo dicen directamente, este personaje aparece frente a Tronte diciéndole que conoció a su madre, y que fue él quien eligió su nombre. En otra escena, también, aparece diciéndole a Doris Tiedemann que él había sido pastor (recordemos que anteriormente, Agnes le había contado a Doris que su esposo era pastor). 

    Por si esto no te termina de convencer, en la propia web oficial de Dark, se afirma que él es el padre de Tronte… Pero eso no termina ahí.


    Aunque el hijo de Jonas y Martha no tiene nombre, podemos obviar que su apellido es Nielsen, dado que él nunca trató directamente a su padre, y lo único que sabe de él por sus viajes entre los dos mundos, es que quiere matarlo. Por el contrario, él sí conoce a su madre, quien además vela desde siempre por su supervivencia. Por lógica, comprendemos que este personaje prefiere llevar el apellido de su madre.

    ¿Por qué Jonas adolescente tiene ojos azules y su versión del futuro tiene ojos verde-marrones?


    Esto es algo que la serie para nada dejó claro, y me atrevo a decir con bastante desazónque tampoco dio algún indicio importante que lo sugiriese. Esto me pareció un tremendo fail para una serie tan buena y que se caracterizó por haber cuidado tan bien otros miles de detalles.

    La teoría más verosímil, es que el color de los ojos de Jonas, cambió debido a su exposición a la radiación. El color de nuestro iris está determinado por la melanina, pigmento que se encarga de absorber la luz y proteger nuestros ojos. Sin embargo, frente a cargas muy altas de radiación, es posible que la misma destroce, descomponga y desprenda el pigmento.


    La incoherencia principal está en que, a más melanina, ojos más oscuros, de modo que, si uno se expone a la radiación, sus ojos pueden aclararse acercándose a la gama de los azules, mas no oscurecerse (como sucede en el caso de Jonas, que primero tiene ojos azules y luego tiene ojos marrones con cierto tono verde). 

    La segunda incoherencia está en que Claudia ha viajado al menos tanto como Jonas, y sus ojos han mantenido el color (de hecho, esto es algo en lo que se enfatiza a lo largo de la serie para poder reconocer al personaje en todas sus versiones).


    ¿Por qué la foto de Peter en la pared de Sic Mundus es tan antigua?


    Tenemos otro fail detected. Mucho se especuló sobre Peter hasta la segunda temporada, y es que su personaje ocultaba más de un secreto. Esto, se veía potenciado por la intriga que provocaba una fotografía en particular ubicada en la pared de Sic Mundus.

    Como bien habremos podido apreciar, Adán poseía fotos con los miembros de todas las familias pertenecientes al bucle. Sin embargo, lo que más llamaba la atención, era que la foto de Peter era antiquísima a comparación de la foto de Charlotte, cuando, en teoría, tienen casi la misma edad. De hecho, además de ser en blanco y negro, la foto de Peter lucía bastante desteñida y tenía el estilo de las fotos de los 50.


    Esto, como era de esperarse, dio pie a muchas teorías que señalaban que Peter habría viajado en el tiempo, y que realmente no era hijo de Helge (de hecho, nos cuesta imaginar a Helge entablando alguna relación sentimental). Sin embargo, en la temporada 3 nos revelaron ─un poco a la mala, a mi parecer─ que Peter sí era hijo de Helge, y que habría nacido aproximadamente en 1972. 

    Esto, a mis ojos, parece ser una salida rápida debido a la falta de tiempo para profundizar más en los orígenes del personaje, pues, si nos apegamos a lo que dice la serie en su tercera temporada, la fotografía que observamos en la pared de Adán no tendría ningún sentido.

    ¿Cómo es que Jonas, Magnus, Franziska y Bartosz viajaron a 1888?


    Aquí la pregunta no sólo es “cómo”; también “por qué”. Se sabe que, luego de recibir la carta de Martha, Jonas adulto entiende que debe salvar a Magnus, Franziska y Bartosz del apocalipsis. Para sacarlos inmediatamente del lugar de la tragedia, Jonas emplea la máquina del tiempo que ha olvidado Katharina (la misma que recibió Bartosz de Noah, y que luego le fue robada por Magnus y Martha). 

    Sin embargo, quedan dos incógnitas: por una parte, cómo acabaron en 1888. Por otra parte, por qué se trasladaron hacia esa época, si era tan difícil conseguir la sustancia que permitía viajar (la cual era obtenida de los barriles amarillos).


    Se supone que, en principio, sólo se podía viajar a 1987 o a 1954, dado que, si partimos de que el “presente” de la serie es 1987, estaríamos viajando 33 años al pasado o 33 años al futuro. Sólo mediante la partícula de dios era posible viajar a otras épocas. 

    Por otra parte, cuando Jonas adolescente hace contacto con Helge niño en el búnker, se estaba dando una situación anormal, pues el Jonas adulto estaba intentando erradicar el túnel y eso creó alteraciones, de modo que el Jonas del búnker acabó en 2052.


    A partir de este nuevo traslado, hacia 1888, entendemos que es posible saltar más de un ciclo de 33 años (2020 – 1888 = 132; 132/33 = 4 ciclos). Tal vez la razón por la que los personajes no viajaron más lejos, fue que no tenían una motivación que los llevase hacia allá (lo que movió a todos en principio, fue ubicar a Mikkel). 

    Entonces aparece la segunda interrogante: ¿por qué se trasladaron a 1888? ¿sería un error provocado por las alteraciones del Apocalipsis? La hipótesis quedó sin resolución.

    ¿Por qué Claudia no viaja al mundo de origen?


    La respuesta a ésta pregunta y a la siguiente, realmente han sido más difíciles de obtener, y he llegado a ellas gracias a May, la youtuber del canal Lo dice May, que tiene unos análisis muy interesantes de la serie desde el punto de vista científico.

    Como bien sabemos, Claudia es la más experimentada en cuanto a viajes en el tiempo y entre mundos.Ella, es la única que consigue llegar a la verdad sobre el origen y los pasos a seguir para desatar el nudo. Lo que provoca curiosidad es que, ella, teniendo la máquina que permitiría viajar al mundo de origen y evitar la formación de los dos mundos consiguientes, no lo hace, sino que se presenta ante Adán para explicarle cuál es la solución.


    ¿Por qué no desata el nudo ella misma? La respuesta dada por May, resulta ser bastante más simple de lo esperada, pero no por ello menos convincente. La youtuber señala que Claudia no viajó al primer mundo porque ella ya existía ahí, y eso habría podido generar alteraciones irreparables.

    ¿Cómo fue posible romper el ciclo?


    Esta respuesta sí es bastante más compleja. Según le explicación de May, quien se encuentra realizando los estudios en Física, el determinismo señala que todas nuestras acciones están predeterminadas por una situación de causa y efecto (que van desde nuestro ADN hasta las circunstancias ambientales), de modo que el libre albedrío es una simple ficción y todo lo que tiene que pasar, pasará inevitablemente.

    No obstante, la ciencia señala también la existencia de las fluctuaciones; esto quiere decir que, aunque todo esté predestinado a suceder en un bucle sin fin, el modo en el que suceden las cosas no es el mismo al 100%, sino que se dan cambios pequeños que, muy a largo plazo, acaban generando cambios mayores (y esto, es lo que busca aprovechar Claudia). 

    Visto desde este punto, así como lo que tiene que suceder sucede, esos pequeños cambios están predestinados desde el principio, marcando, también desde el inicio, el propio fin del bucle.


    En conclusión, el propio fin del bucle estaba predeterminado desde un inicio, sólo que este fin iba a llegar después de que el ciclo se repitiese una infinidad de veces; las suficientes como para que los diminutos cambios se sumen y formen un cambio tremendo.

    ¿Cómo es posible que Jonas y Martha vean a su contraparte niño, si la ruptura del bucle es algo que apenas está pasando?


    Al encontrarse en el “puente” que une los tres mundos, Jonas y Martha se encuentran en un espacio sin tiempo; de modo que, cuando ven a sus versiones infantiles, ese momento se está dando en todos los mundos y ciclos a la vez.

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    Etiquetas: [series]  
    Fecha Publicación: 2020-07-07T20:14:00.005-07:00

    Por: Fabrisio Ponce

    Chernobyl, es una miniserie de HBO del 2019, dirigida por Johan Renk y escrita por Craig Mazin. El argumento se centra en la catástrofe nuclear en la central soviética de Chernóbil, y el afán del gobierno por ocultar la realidad. Esta situación pondrá a sus protagonistas en un dilema moral entre la mentira y la verdad.


    Craig Mazin, al que se conoce por la trilogía de ¿Qué pasó ayer? y Scary Movie, logra en Chernobyl, un gran nivel de realismo y profundidad que no había mostrado en las películas previamente mencionadas. Del mismo modo, Johan Renk, hace uso de todo lo que ha aprendido en su paso como director, en series como Vikingos y The Walking Deadpara recrear la catástrofe nuclear.

    La serie hace un excelente uso del lenguaje audiovisual para representar la radiación que no es perceptible a simple vista, pero está presente en todo momento. La radiación está representada en el uso del color, la iluminación y la escenografía, los cuales generan un ambiente opresivo y hostil.


    Cabe destacar que el tratamiento del color que el director utiliza para las diferentes escenas y locaciones, busca dar una simbologíaespecífica. Un ejemplo sería al inicio de la serie cuando el reactor explota.

    Ahí se puede ver el uso expresivo que tiene el color verde en las luces y en las sombras. Todo eso busca generar una atmósfera de peligro. Johan Renk es cuidadoso en la elección de ese color, ya que representa la radiación, elemento principal de la serie.


    En los aspectos de la escenografía y el vestuario, podemos ver la preocupación por mostrar las cosas como eran en realidad. Hay mucha precisión en la indumentaria de los personajes acorde con el contexto narrado, en los detalles de las edificaciones, decorados y vestuarios.

    Para lograrlo, el director toma referencias de documentales sobre lo sucedido en Chernóbil, dado que la naturaleza de la serie requería muchísima verosimilitud en estos detalles, para no caer en la mediocridad. Además, las escenografías realistas ayudan a la construcción del relato.


    “Cada mentira que contamos implica una deuda con la verdad”, son las palabras de Craig Mazin, dichas a través de Valeri Legásov (Jared Harris), el protagonista de la serie. Mazin hizo una extensa investigación sobre el siniestro, en la cual se encuentra el libro Voces de Chernóbil, crónica de Svetlana Aleksiévich, que describe los acontecimientos del desastre a través de múltiples testimonios de sobrevivientes.

    El guionista saca diálogos enteros pertenecientes a este libro para incorporarlos en el guion. Si bien la serie propone fidelidad a los hechos, existe una excepción: el personaje Ulana Khomyuk (interpretado por EmilyWatson) es completamente ficticio, y fue creado por Mazin en un intento por representar a todos los físicos y químicos que ayudaron a contener el desastre.


    Personalmente y sin lugar a dudas, la serie contiene el mejor guion y la mejor dirección de los últimos años. Tiene una propuesta redonda que cumple con las expectativas del público y de la crítica, en especial, debido a su enfoque realista y sincero.



    Ficha técnica

    Creador: Craig Mazin (basado en Voces de Chernóbil, de Svetlana Aleksiévich)
    Dirección: Johan Renck
    Guion: Craig Mazin
    Productores ejecutivos: Craig Mazin, Carolyn Strauss, Jane Featherstone
    Productor: David Declerque
    Reparto: Jared Harris, Stellan Skarsgård, Emily Watson
    Fotografía: Jakob Ihre
    Editor: Jinx Godfrey
    Música: Hildur Gudnadóttir
    Locaciones: Lituania, Ucrania
    Países: Estados Unidos, Reino Unido
    Idioma: Inglés
    Género: Drama
    Nº de episodios: 5
    Duración: 60–72 minutos


    *Esta serie se encuentra disponible en HBO Go.

    *Si quieres leer más posts de Fabrisio Ponce, visita Pantallazo


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    Etiquetas: [Netflix]  
    Fecha Publicación: 2020-07-01T18:52:00.003-07:00

    Por: Alexiel Vidam 

    Se terminó Dark (o al menos eso sabemos hasta ahora) y eso genera sentimientos encontrados. Todos ansiábamos visionar el desenlace de esta serie que nos ha reventado las neuronas desde su lanzamiento en 2017, pero, al mismo tiempo, nos ha quedado el hueco de la excelente historia que se fue y que no terminó de resolver todas las preguntas que nos planteó; quizás por un tema de filosofía argumental (nos han remarcado que “lo que sabemos es una gota de agua; lo que ignoramos es el océano”, como lo señalase Isaac Newtonanteriormente), quizás, por falta de tiempo para abarcar todo.

    Dado que Dark es una inmensa telaraña, considero necesario dedicarle más de un post. En este primer post, haré un análisis general de la serie, enfocándome, sobre todo, en la temporada final.

    *ATENCIÓN: EL SIGUIENTE ANÁLISIS CONTIENE SPOILERS*


    Dark es una serie compleja, y esa complejidad, nos encanta. Pero no nos encanta por esa característica en sí, pues algo excesivamente complejo, puede ser frustrante a la vez. Al no llegar a entender lo que pasa, uno puede cansarse, aburrirse, y dejar de ver. Sin embargo, con Darkno pasa esto. 

    La tensión está muy bien manejada a lo largo de la trama, y los personajes son tan redondos, que uno llega a identificarse con ellos en algún punto (aunque los odie en algún otro); se produce la empatía necesaria para que el drama de cada uno de ellos nos genere intriga y queramos saber en qué terminará. Así pues, a uno puede caerle mal Ulrich por sus recurrentes “resbalones”, pero luego somos capaces de sentir su dolor y sufrir por él. 

    Uno de los casos más interesantes en este sentido, es el de Hannah, uno de los personajes más detestados de la serie debido a su fondo moral. A pesar de esto, Hannah es un personaje que llega a despertar cierta simpatía durante sus interacciones con su hijo Jonas, momentos en los que, al no existir interés romántico, deja de mostrarse como una persona egoísta.


    Ahora, el drama que captura tanto nuestra atención desde el principio, resulta ser un arma de doble filo en una serie como Dark, en la cual la cantidad de detalles es tremenda y exige de concentración máxima. 

    Diría que es imposible poder resolver todos los misterios de esta serie con un sólo visionado, pues lo más probable es que, en un principio, nos fijemos más en la tensión emotiva, y recién a la segunda pasada empiecen a aparecer ante nosotros, detalles que antes no habíamos llegado a captar. Hay que tomar en cuenta también, que la narrativa de Dark, es muy distinta a la que observamos en series o películas norteamericanas, donde los detalles tienden a mostrarse de manera explícita, como para que no le queden dudas al espectador. 

    En esta serie, por el contrario, casi nada se señala de manera específica; más bien se tiende a transmitir una serie de indicios y sugerencias como para que el espectador sea quien saque sus propias conclusiones.


    Y ya que hablamos de indicios, cabe señalar que no todos llegan verbalmente; aquí es que entran a tallar detalles importantes de la producción, como la dirección de arte (escenarios y objetos), el vestuario, el maquillaje, la musicalización y la elección de los actores. 

    En Dark, nos movilizamos a través de diferentes épocas; y signos como cicatrices, pósters, música de fondo, o prendas de vestir son elementales para que podamos reconocer a los personajes y el tiempo en el que se encuentran. Estos elementos, en general, están bastante bien trabajados.


    Los actores que interpretan a un mismo personaje en diferentes edades, realmente se parecen.Se pone también mucho énfasis a partir de los planos en las marcas representativas de cada uno de ellos; así podemos reconocer inmediatamente a Helge en la edad en que se encuentre, y nos quedamos pasmados ante la cicatriz en el cuello que presenta Adán (misma cicatriz que tiene Jonas en el cuello). 

    De estos puntos, en líneas generales tan bien cuidados, es que surge también uno de los que a mi parecer es uno de los errores más garrafales de la producción: el color de los ojos de Jonas, que de adolescente son azules… y en su versión adulta son marrones-verdes, sin que se presente justificación alguna a lo largo de la historia. Por ahí me plantearon que los ojos podían mutar por la radiación, pero Claudia ha mantenido su color de ojos, y ella también ha viajado muchísimo, de modo que la teoría se cae.


    Jonas Kahnwald

    Claudia Tiedemann

    Hablando ya de la última temporada en sí, los elementos estéticos que la caracterizan se mantienen (con cierta mejora gracias a un mayor presupuesto). Uno de los más importantes, la fotografía, se caracteriza por el uso de sombras marcadas que representa el tono oscuro del argumento, y el contraste con tonos pálidos transmite también la dualidad entre la vida y la muerte; la creación y la destrucción encarnadas en los personajes de Adán y Eva. 

    Eva, se identifica a sí misma como la luz de hecho, su agrupación se llama Erit Lux, que significa “la luz” en latín, pues busca la constante recreación del nudo, y la continuación del ciclo. Adán, por su parte, representa la destrucción completa del nudo, y con él, de todos sus integrantes. Esta dualidad también se encuentra dentro de sus dos personajes principales: Jonas y Martha.


    Jonas joven busca la luz, la salvación de sus seres queridos en especial de Martha, y suele aparecer vestido con la chaqueta amarilla (esa chaqueta contiene el color que aparece en tono más encendido en toda la serie); su cabello y sus ojos posiblemente también sean particularmente claros por este motivo. 

    El Jonas adulto, en contraste, es un personaje que se ve machacado y decepcionado en muchos sentidos; probablemente, su mirada y cabello más oscuros, pretendan ser una metáfora de su transición hacia la oscuridad (aunque esto, para nada ha sido plasmado de manera verosímil). En Martha, el cambio es menos evidente, pero lo podemos notar en la ropa: Martha inocente utiliza la chaqueta amarilla; la Martha que se convertirá en Eva, y la que sufrirá en manos de Adán (tras descubrir que ha sido utilizada), viste ropas oscuras.


    En realidad, donde se nota un gran cambio, es en el desarrollo de la trama. Durante los primeros episodios, el ritmo se detiene en mostrarnos los puntos comunes entre el mundo de Jonas y el mundo de Martha, jugando con el efecto déjà vu que cae a pelo con el nombre del capítulo, y se encuentra tan presente en el fondo de la historia. 

    A pesar de mostrarnos muchas situaciones similares a las que ya hemos visto, el ritmo está bien manejado; fluye con una rapidez moderada que nos permite captar la mayoría de detalles (reitero en que captar todos los detalles de una, aquí es imposible), pero que, al mismo tiempo, hace avanzar el argumento. Aun así, queda cierta sensación de que el mundo de Martha se presentó de forma excesivamente resumida, debido a la presión de contar todo en una sola temporada.


    A partir del episodio 6, el ritmo se transforma radicalmente. Comenzamos a correr y a saltar de un año a otro. En un momento estamos en 1888 y en otro estamos en 2052, de golpe. Esto puede resultar bastante confuso. Es necesario tener paciencia y poner pausa de rato en rato para terminar de asimilar lo que está sucediendo. 

    Asumir también, que tendremos que repetir las escenas en varias ocasiones. De hecho, para poder aceptar este cambio brutal en el ritmo narrativo, ya tenemos que estar suficientemente enganchados con la serie, pues puede llegar a provocar fastidio; se presenta la sensación de que nos están haciendo correr a toda velocidad y no estamos captando nada. Esto, a mi parecer, sí es una falla. 

    Denota un mal cálculo de tiempo; una mala organización del contenido que se irá mostrando. Pareciera que, en tres episodios, los creadores estuviesen tratando de resolver todos los misterios que fueron abriendo a lo largo de las temporadas. Lamentablemente, y como era de esperarse, no todos llegan a tener respuesta.

    Nunca llegamos a saber quiénes más salían en esta foto.

    El misterio principal sí llega a resolverse.
    Tenemos respuesta a la pregunta de “¿cuál es el origen de todo? ¿cómo se puedes escapar de este círculo?”. Junto con él, y con la atención y paciencia debidas, se llega a resolver otras preguntas que aparecieron con anterioridad: “¿Quién es el padre de Tronte?” “¿En qué se diferencian el plan de Adán y el plan de Claudia?” “¿Cómo es que Jonas se convierte en Adán?” “¿Quién es el padre de Regina?” “¿Quién se llevó a Charlotte cuando era bebé?” “¿Por qué Agnes lleva el apellido Nielsen?”. 

    Sin embargo, otras cuantas preguntas importantes -antiguas y nuevas- no fueron resueltas: “¿De qué lado está Agnes finalmente?” “¿Cómo se conoció con el padre de Tronte?” “¿Por qué hay una foto antiquísima de Peter, si finalmente sí era hijo de Helge y había nacido en los 70?”. Con estas -y otras- preguntas en el aire, hay, desde mi perespectiva, dos historias que quedaron a medias y resultaron poco convincentes: la de Aleksander, y la del hermano de Clausen. 

    Tanto Alexander, como Clausen, aparecieron como personajes que iban a aportar algo importante a la trama, y cuyo pasado estaba lleno de misterios; sin embargo, a ambos se les dio un final demasiado simple y su pasado se dejó sin desarrollar.

    Agnes Nielsen fue un personaje que despertó mucho interés y
    dejó más de una intriga.

    Además de los puntos débiles ya señalados, debo destacar que hubo un momento en particular que no pude comprar: el momento en que Jonas decide confiar en el redimido Adán.Tomemos en cuenta que Jonas acababa de ver morir a Martha su Martha en manos de Adán. 

    Viéndola en el suelo, llena de sangre, él empieza a llorar y a prometerle que cambiará todo; que la salvará. Inmediatamente después de eso, aparece Adán el que acaba de hablar con Claudia y le dice a Jonas que hay una forma de que no se convierta en él… pero que debe darle su confianza.

    A ver… ¿confiarías en el mismo tipo con cara de monstruo que acaba de matar a tu novia? Además, ¿cómo es que el Jonas que acababa de jurar que cambiaría las cosas, asume tan rápidamente que, lo mejor no es tratar de salvar a todos, sino borrarlos completamente?... Yo, personalmente, no lo asimilo.


    En contraste, considero que dos de los momentos mejor logrados de toda la tercera temporada, fueron el final de Katharina y Ulrich, y el momento en que Charlotte y Elisabeth, se llevan a la pequeña Charlotte (sí, Charlotte se secuestró a sí misma, y Elisabeth secuestró a su propia hija… que al mismo tiempo es su madre). En ambos momentos solté varios lagrimones. 

    No pude con la tristeza de ver al pobre Ulrich esperando a su esposa eternamente en el psiquiátrico, la misma, que había sido asesinada por su propia madre (crudísimo). En esta temporada, también pude terminar de comprender el dolor de Noah quien acabó siendo uno de mis personajes favoritos, desesperado por recuperar a su pequeña hija y cegado por Adán, quien le lleva a justificar cada uno de sus crueles actos con tal de alcanzar el paraíso (porque “en el paraíso no hay dolor ni sufrimiento. Todo lo que hemos hecho, allí se olvida. Todo el dolor que hemos sentido se borra, y los muertos viven”).

    Naoh resultó ser mucho más humano de lo que aparentaba.

    Con sus pros y sus contras, podemos decir que el final es bueno, y que cumple con develar los secretos más importantes que se había presentado. Personalmente llegué a apreciar el final bastante más en el segundo visionado que en el primero (y tras detenerme a repensar en varios puntos que no tenía tan claros); a mi parecer, es un final que, como el resto de la serie, debe observarse más de una vez. 


    Ficha técnica

    Creadores: Baran bo Odar, Jantje Friese
    Producción: Baran bo Odar, Jantje Friese, Quirin Berg, Max Wiedemann
    Protagonistas: Louis Hofmann, Lisa Vicari, Andreas Pietschmann, Oliver Masucci
    Fotografía: Nikolaus Summerer
    Musicalización: Ben Frost
    Opening:Goodbye”, de Apparat
    País: Alemania
    Idioma: Alemán
    Género: Ciencia ficción, thriller, drama
    Temporadas: 3
    Nº de episodios: 26 (45-61 minutos)
    Primera emisión: 1 de diciembre de 2017
    Última emisión: 27 de junio de 2020


    *Esta serie está disponible en Netflix.


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    Etiquetas: [Cameron Diaz]  [Catherine Keener]  [comedia negra]  [fantasía]  [John Cusack]  [John Malkovich]  [Spike Jonze]  
    Fecha Publicación: 2020-06-26T15:46:00.004-07:00
    Un hombre, un nombre, una película


    Por: Sebastián Venegas

    ¿Alguna vez has querido ser alguien más? Bienvenido al mundo de Spike Jonze. Ponerse en los zapatos del otro nunca fue tan increíble como ahora. Siéntate, relájate y prepárate para Being John Malkovich (¿Quieres ser John Malkovich? en Latinoamérica), una experiencia audiovisual nominada a un Oscar a mejor guion original.

    ¿… Listo para ser John Malkovich…?



    La vida de Craig Schwartz (John Cusack) no es fácil; casado con una mujer obsesiva, es un maestro titiritero frustrado con la vida, desempleado, menospreciado e incomprendido por su entorno. Craig pide a gritos un nuevo rumbo en su vida para dedicarse a lo que más desea: ser apreciado como el genio titiritero que es. La película se basa en ese deseo de Craig y lo lleva al extremo: la adoración al lucro, invasión a la privacidad y, sobre todo, manipulación.



    Craig se nos presenta como una involución emocional; al no poder lidiar con su fracaso personal, decide manipular, bajo una extraña lógica de la idea “agujero de conejo”, al artista más inesperado del momento, JOHN MALKOVICH.

    Ese deseo de manipulación se ve incrementado gracias al apoyo de Maxine (Catherine Keener), compañera de trabajo de Craig, quien ve en él una vía de enriquecimiento. A Craig no le interesa el dinero ni el amor, le interesa ser alguien más, ser reconocido, ser John Malkovich.


    Craig, ciego de deseo, no se detiene. Eventualmente él ya no quiere ser Craig, quiere ser John Malkovichpara lucrar a través de él; manejarlo como a un títere para, irónicamente, cumplir su sueño de ser un titiritero reconocido.

    Dentro del mismo contexto, Craig sólo es un títere del director, Spike Jonze, quien maneja los hilos narrativos con una precisión casi quirúrgica. Spike nos muestra la locura surrealista a través de una paleta de colores fríos, entre grises a azules opacos, reservando los colores más cálidos para momentos de tensión.

    Kaufman, guionista de Spike, se encarga de mostrarnos personajes ordinarios que se vuelven extraordinarios gracias a la actuación, resaltando la de John Cusack, Cameron Diaz, y como se es de esperar, John Malkovich.


    Esta película es la consumación de un deseo, del personaje, y del director. El primero quiere lograr el éxito personal viendo a través de otros ojos; el segundo, lograr que veamos la película a través de sus ojos. El espectador ve y siente como Spike Jonze, Craig Schwartz y como John Malkovich.


    A fin de cuentas, ¿acaso nadie ha querido ser alguien más?


    Ficha técnica

    Dirección: Spike Jonze
    Producción: Michael Stipe, Sandy Stern, Steve Golin, Vincent Landay, Michael Kuhn
    Guion: Charlie Kaufman
    Música: Carter Burwell
    Maquillaje: Lynn Barron
    Fotografía: Lance Acord
    Montaje: Eric Zumbrunnen
    Vestuario: Casey Storm
    Protagonistas: John Cusack, Cameron Diaz, John Malkovich, Catherine Keener
    País: Estados Unidos
    Idioma: Inglés
    Año: 1999
    Género: Comedia negra, fantasía
    Duración: 112 minutos




    *La película se encuentra disponible en Popcorn Time.

    *Para leer más posts de Sebastián Venegas, te invitamos a visitar Cinematástico.


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    Etiquetas: [acción]  [aventura]  [ciencia ficción]  [Liveman]  [retropost]  [series]  [Super Sentai]  
    Fecha Publicación: 2020-04-27T21:35:00.000-07:00

    Escuadrón de Super Bestias Liveman, mejor que Power Rangers



    Por: Alexiel Vidam
                                     
    Hace varias semanas, motivada por un ataque de nostalgia, me puse a investigar sobre una serie que veía de niña y me volvía loca cada vez que aparecía en la tele: Chōjū Sentai Liveman (Escuadrón de Súper Bestias Liveman), 12da temporada de la franquicia Super Sentai (que años más adelante, sería comprada por Saban para adaptarla y realizar Power Rangers).

    Todas las tardes, en frente del televisor, los niños noventeros soñábamos con convertirnos en Halcón Rojo, León Amarillo o Delfín Azul, y enfrentarme a las poderosas “bestias cerebro” para salvar la Tierra. Coreografiábamos las poses y escenas de pelea, gritábamos las frases de transformación y hasta nos  improvisábamos disfraces con lo que teníamos a la mano (yo tenía mi reloj de Delfín Azul hecho con plumones, cartulina y clips).

    Tras una búsqueda exhaustiva en internet, encontré la serie completa, y ahora quiero dedicarle un homenajea esta serie que marcó nuestra infancia (y que es mejor que Power Rangers).



    "Estos tres jóvenes han jurado prometer toda forma de vida… ¡Ellos son LIVEMAN!"

    Así comenzaba el intro de Liveman en la versión latina emitida por Panamericana Televisión (en el caso de Perú) a inicios de los 90. La historia trataba de tres estudiantes de ciencias: Yusuke Amamiya, Jou Ohara y Megumi Misaki, quienes portaban los súper trajes de Halcón Rojo, León Amarillo y Delfín Azul respectivamente, para convertirse en Liveman, los defensores de la Tierra. 

    ¿Su archienemigo? El malvado Profesor Baias, quien, apoyado por sus jinners (soldados patrulla) y sus “bestias cerebro” (monstruos con la capacidad de hacerse gigantes), buscaba tomar control del planeta. Hasta aquí, la trama se parece mucho a lo que ya hemos visto en repetidas ocasiones en distintas temporadas de Power Rangers (los Liveman, por cierto, también cuentan con vehículos que se unen para formar un robot gigante); sin embargo, Liveman encierra una trama mucho más compleja y dramática que la de cualquier temporada reeditada en Estados Unidos.


    Liveman parte de un punto bastante trágico, de hecho: la muerte de dos amigos de los protagonistas (Takuji Yano y Mari Aikawa), a manos de otros tres amigos de los protagonistas: Kenji Tsukigata, Rui Zenda y Go Omura. Estos últimos, han sido seducidos por el poder de Baias, quien les ha ofrecido maximizar su potencial científico y hacerles señores de la Tierra junto con él.

    Ellos alteran sus cuerpos en la Base Cerebro de Baias y se convierten en los doctores Kemp, Mazenda y Obler, obteniendo habilidades especiales y una nueva apariencia (monstruosa en el caso de Kemp y Obler, y robótica en el caso de Mazenda). Esto genera sentimientos encontrados en los héroes, quienes continuamente se debaten entre la sed de venganza/justicia y las ganas de devolver a sus antiguos amigos/hoy enemigos a la normalidad.

    Este conflicto aumenta mucho más cuando Liveman obtiene dos nuevos integrantes: Tetsuya Yano (Bisonte Negro) y Junichi Aikawa (Rinoceronte Verde), hermanos menores de Takuji y Mari. Ellos muchas veces chocan con los tres Liveman originales, pues no comprenden la compasión que estos pueden sentir por los asesinos de sus hermanos.


    A la par, y así como los héroes aumentan en número, los villanos también lo hacen. Y es que, para Baias, la mejor manera de motivar el poder destructivo de sus discípulos, es conseguir nuevos discípulos que les hagan la competencia; por ello, recluta al Dr. Ashura —un antiguo delincuente callejero— y a dos alienígenas llamados Guildos y Butchy.

    La presencia de estos tres personajes, además de generar más problemas a los Liveman, servirá para ir descubriendo, poco a poco, la verdadera crueldad de Baias, que poco conoce de amigos o enemigos. De hecho, el personaje de Baias es especialmente interesante porque guarda mucho misterio incluso para sus propios secuaces; y esto no es inocente, pues Baias en el fondo sólo obedece a sus propios intereses.


    En cuanto a los otros personajes, aunque en principio pintan bastante planos, con el avance de los episodios van teniendo una evolución bastante interesante; incluso los villanos tienen conflictos con sus propios restos de humanidad.

    Aquí, además, los personajes secundarios pueden ir ganando protagonismo, como es el caso de la robot Colon, quien en un principio actúa como una simple “secretaria” de los Liveman, pero más adelante se compromete tanto con la causa que llega inclusive a pilotear el Live Robo (formado por los vehículos de los tres Liveman originales) y el Súper Live Robo (unión de Live Robo y Live Boxer —formado por los vehículos de Bisonte Negro y Rinoceronte Verde—).

    En el caso de los villanos, el robot Gash —fiel servidor de Baias— obtiene una importante participación en los últimos capítulos de la serie.


    A diferencia de lo que sucede con la franquicia gringa de los Power Rangers, la franquicia Super Sentai, y en este caso, específicamente Liveman, nos ofrece una historia donde los personajes sí pueden cambiar, evolucionar, ganar presencia, entrar en conflicto con sus aliados, o incluso morir. De hecho, es interesante cómo se genera un lazo empático tanto con los héroes como con los villanos, pues nosotros —como espectadores— sufrimos con la despedida tanto de unos como de otros.


    El tema de los efectos especiales ya es otra historia. Obviamente, y aun para su época, son malísimos (se nota que usan la misma maqueta de la ciudad en todas las tomas), y ni qué decir de la edición, que en más de un momento pierde coherencia.

    Tampoco podemos decir que las actuaciones sean muy brillantes, pues casi siempre pecan de forzadas (tal vez la única que guarda cierta naturalidad es Megumi Mori, quien interpreta a Megumi Misaki). De los detalles técnicos, podríamos rescatar la iluminación y el uso del color, que transmiten la oscuridad necesaria para las atmósferas decadentes o momentos dramáticos.

    La música también es un elemento importante, pues remarca en el sentimiento o la sensación de determinadas escenas.


    Por otra parte, quienes crecimos con estas series, sabemos que las fallas completan el encanto. Estos errores, que rayan con el ridículo —y requieren bastante indulgencia del público—, terminan siendo características representativas de un género que brilla por su pésima producción y adictivo desarrollo argumental.

    De hecho, estas series inspiraron a toda una generación que creció asumiendo que, si aprendíamos Artes Marciales, podríamos romper paredes de un sólo golpe sin sufrir un rasguño (y es que estaban hechas de tecnopor).


    Como sea, Liveman es una serie que despierta una emoción increíble, tanto por lo que es como por lo que rememora. Por eso, y para no dejar este post en pura nostalgia, les dejo acá el link para ver la serie completa, en idioma original subtitulada. ¡Que la disfruten!


    Ficha técnica

    Título original: Chōjū Sentai Liveman
    Título alternativo: 超獣戦隊ライブマン, Chōjū Sentai Raibuman
    Título en español: Bioman (España), Liveman (Hispanoamérica)
    Empresa creadora: Toei Company
    Empresa productora: Toei Company
    Reparto: Daisuke Shima, Kazuhiko Nishimura, Megumi Mori, Seiro Yamaguchi, Jin Kawamoto
    País: Japón
    Idioma: Japonés
    Episodios: 49
    Primera emisión: 27 de febrero de 1988
    Última emisión: 18 de febrero de 1989




    Etiquetas: [cine turco]  [Milagro en la celda 7]  [Netflix]  [remake]  
    Fecha Publicación: 2020-04-24T17:22:00.005-07:00


    Por: Luisella Palacios

    Ya me habían advertido que lloraría, así que me preparé… pero fue inevitable.

    Milagro en la celda 7 (2019) remake de su homónima coreana de 2013 es una de esas películas que no puedes "des-mirar". Es de aquellas que te marcan, que hacen que te replantees cosas y veas todo lo “invisible” que tienes. Su simplicidad de narración hace que sientas que te están contando un cuento, como si tu abuela te estuviese narrando una escena de antaño. A lo mejor esa sencillez facilita que, desde un principio, le abramos el corazón a esta gran historia.


    Nuestro protagonista, Mehmet/Memo (Aras Bulut İynemli), es un padre abnegado y amoroso, de los que dan la vida por sus hijos; sólo que tiene una diferencia con el común denominador: una discapacidad intelectual que no le permite comunicarse ni razonar con completa claridad; su edad mental es la misma —o incluso menor— que la de su hija Ova (Nisa Sofiya Aksongur).

    Con Memo conectamos de entrada. Nos da ganas de apachurrarlo y jugar con él y sus ovejas. Su inocencia y buen corazón te remiten a tus tempranos años de edad, cuando veías el mundo como un campo de juego infinito. Creo que es justo por ello que nos golpea tanto verle atrapado en la situación que le toca vivir: indefenso, ingenuo, aterrado, sin tener idea de lo que sucede realmente y sin poder ni saber defenderse.



    La película nos narra cómo la vida de esta familia de 3 —Memo, Ova y la abuela Fatma (Celile Toyon)— se desgarra repentinamente, al ser Memo acusado (sin ninguna prueba justificante) de la muerte de la hija del coronel del ejército (Ilker Aksum). Este hombre, lleno de rabia, decide arruinar su vida y la de su madre e hija, queriendo a toda costa que se le considere culpable, que se gane el odio del pueblo, y que se le dé la pena de muerte, ¡todo sin la investigación correspondiente!


    Memo es encarcelado y condenado a muerte después de firmar, tras engaños y muchos abusos, una declaración totalmente falsa, que lo deja en el peor estado. Minuto a minuto, nos indignamos más y más con el trato que se le da; se le considera una abominación humana tanto fuera como dentro de la cárcel, donde sus compañeros conocen únicamente la versión “oficial” de la historia. ¡Sólo queremos gritarles a todos que de una vez por todas lo dejen en paz!


    Sorprendentemente, no todo es tragedia. Llegan momentos que nos llenan de esperanza y deseamos —más que nunca— que se den los giros redentores, pero entre tanto, la trama nos mantiene en una montaña rusa de emociones: por un lado nos inunda de ternura, luego nos hace irrumpir en rabia, logra que nos colguemos con uñas, corazón y dientes de los destellos de optimismo para luego hacernos desbordar en lágrimas; todo en el orden que a la historia le pega la gana.


    Personalmente, pienso que las actuaciones son como pólvora para hacer explosionar tal historia.Cada personaje te pone en su propia piel, sea cual sea su edad física o mental. Entiendes el pensar, sentir y accionar de cada uno (menos el del despiadado, insensible e injusto antagonista, claro está).

    La trama conmueve —e indigna— con la profunda injusticia que se vive en este pueblo de Turquía, el desinterés por atender como se debe estos casos tan fuertes y trágicos para algunos, y el poder absoluto e incuestionable de un ser despreciable a quien le importa más su reputación —y que le vean siempre como superior—, que la vida de un inocente bondadoso y el destino de su familia.

    Así se nos abre los ojos a una realidad que posiblemente está mucho más cerca que Turquía —tal vez a la vuelta de la esquina—, pero en la que no nos habíamos detenido hasta el  momento.


    Uno de los elementos más envolventes de esta peli, aparte del argumento y la trama, es la música. Cada pieza de la banda sonora colorea y remarca muy bien cada uno de los acontecimientos y picos emocionales de la historia.

    Otra cosa que llama mucho mi atención, es la manera peculiar en que el director Mehmet Ada Öztekin organiza las imágenes que decide mostrarnos. Nosotros, los occidentales, estamos acostumbrados al manejo de encuadres (imágenes en pantalla) del cine hollywoodense, un cine en el cual, cada emoción está remarcada por el primer plano del gesto del personaje.

    Este film, por el contrario, juega con muchos planos abiertos, en los cuales no se observa de forma cercana los rostros de los personajes ni sus reacciones, y aun así se obtiene el efecto de cercanía y conexión emocional con la situación. Incluso, como dije líneas arriba, la narración atrapa con su manera particular de envolver cual si fuese un cuento.


    En resumen, Milagro en la celda 7 es una película que apunta directo al corazón y lo emociona al mil por ciento. Recomendación: mírala con mucho kleenex y buena compañía, que seguro acabarán moqueando (bien abrazaditos).


    Ficha técnica

    Título Original: 7. Yedinci Kogustaki Mucize
    Dirección: Mehmet Ada Öztekin
    Guion: Özge Efendioglu, Kubilay Tat
    Reparto: Aras Bulut Iynemli, Nisa Sofiya Aksongur, Deniz Baysal, Celile Toyon Uysal, Ilker Aksum
    Fotografía: Torben Forsberg
    Música: Hasan Ozsut
    País: Turquía
    Productora: Emitida por Netflix; O3 Turkey Medya
    Año: 2019
    Género: Drama
    Duración: 132 min.





    *Esta película se encuentra disponible en Netflix.

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    Etiquetas: [Alba Flores]  [Alvaro Morte]  [Itzar Ituño]  [la casa de papel]  [Nawja Nimri]  [Netflix]  [Pedro Alonso]  [series]  [Úrsula Corberó]  
    Fecha Publicación: 2020-04-09T17:33:00.001-07:00


    Por: Alexiel Vidam

    Si la temporada 3 ya nos había dejado con ganas, la cuarentena las multiplicó por 10. Todos esperábamos con ansias el estreno de la temporada 4 de La casa de papel para saber qué rayos pasaría con Nairobi y con Lisboa.

    *ATENCIÓN A SPOILERS*

    A mi parecer, la temporada 3 había comenzado de manera un tanto floja. No me terminaba de convencer que se armase semejante movimiento por la metidaza de pata de Río (un personaje que siempre destacó por ser el debilucho sensiblero del equipo). Sin embargo, el final nos dejó a todos con el corazón en la boca (y esto es un gol, pues, en tiempos en que uno consume series en un sólo día, siempre te queda más la sensación del final que la del principio).


    Esta cuarta temporada, se plantea de inicio con más coherencia. Se refuerzan los motivos que llevan a los personajes a estar donde están: eso de que la banda es la familia, y que todos sus integrantes conservan un vínculo emocional íntimo e intenso. Quizás, el personaje que mejor lo refleja, sea Nairobi.

    El personaje de Alba Flores está lleno de calidez; transmite sus sentimientos de forma sincera y sin caer en excesos edulcorados; destaca también por ciertas frases ingeniosas y plagadas de humor, así como por ser la líder que anima al equipo cuando todos se sienten de capa caída.

    Por eso su partida nos duele tanto.


    La escena más conmovedora, sin duda, es cuando vemos salir su improvisado ataúd inmortalizando la frase “la puta ama”. El tema Cuando suba la marea, de Amaral, cae preciso. A todos, este instante nos arranca unas lágrimas (no lo nieguen), más aún cuando Nairobi se reencuentra con sus compañeros caídos: Oslo, Berlín y Moscú (Roberto García, Pedro Alonso y Paco Tous)


    Sin embargo, Nairobi se va por todo lo alto. Tiene el final de un personaje que ha resistido al máximo, y por eso detestamos a quien que la ha matado de una manera tan cobarde: Gandía, un sujeto que, además, nos pone los pelos de punta. Gandía es un criminal que está de parte de la ley; un agente de seguridad que ejerce más por saciar su deseo asesino que por dar protección. Un personaje genialmente interpretado por José Manuel Poga, hecho para generar terror y rechazo.


    El otro implicado, es Palermo (Rodrigo De La Serna), el asaltante picón que liberó a Gandía. Este personaje pretende ser una versión “relanzada” de Berlín —y en principio generó cierta gracia—, pero su megalomanía tiene consecuencias demasiado graves y difíciles de disculpar. De hecho, ni siquiera podríamos decir que su fin justifica los medios, pues al ser liberado de sus ataduras, Palermo no parece tener algún plan para mantener al equipo y salvar el plan.

    Eso no quita, por supuesto, que la impulsiva Tokio (Úrsula Corberó) no tenga madera de líder (siendo más bien útil en los momentos de acción), de modo que habría que ver quién toma la posta a partir de la quinta temporada.


    Algunos fans, en la red, comentan que es probable que la próxima líder sea Lisboa (Itziar Ituño), ya rescatada y recolocada dentro del Banco de España. Ésta sería la elección más acertada, pues quién sino Lisboa tiene la capacidad estratega para guiar al equipo desde el terreno de juego. Lisboa, además, conoce el modus operandi de la policía, dada la experiencia de su antiguo cargo.

    Personalmente, me encantaría ver a Lisboa como líder. A mi parecer, este personaje ha sido sumamente desperdiciado en las dos últimas temporadas. En las dos primeras, vimos en Raquel Murillo a una mujer inteligente, analítica y astuta, que tranquilamente podía hacerle la contraparte al Profesor; por el contrario en las más recientes, su personaje se limita a hacer de “novia del Profesor” o de cautiva. 



    Esto resulta frustrante para quienes desarrollamos admiración por su personaje en la primera etapa de la serie; por esto, ese épico rescate —uno de los picos más emocionantes de la cuarta temporada— genera bastante expectativa en cuanto al nuevo rumbo que se dé a Lisboa.


    Otro personaje a destacar es, por supuesto, la inspectora Alicia Sierra, interpretada por la cinco veces candidata al Goya, Najwa Nimri. Sierra es una negociadora mucho más  fría de lo que jamás pudiese haber sido Raquel. Al igual que ella, es inteligente, astuta y analítica, pero sorprende sobre todo por su completa falta de escrúpulos al momento de perseguir sus objetivos.

    Ella, además, parece tener su propia agenda —al margen de quiénes sean sus jefes—, como lo demuestra en el momento de su confesión, cuando se convierte en prófuga de la justicia. Su agudeza, también, se deja ver, cuando consigue por fin el paradero del Profesor (Álvaro Morte), aunque su fin último no queda claro (aún), dada su condición de fugitiva.


    En cuanto a detalles algo más secundarios, tenemos a Tokio yRío (Miguel Herrán) en una aparente reconciliación —aunque aún no sabemos exactamente en qué términos—, lo mismo que Denver (Jaime Lorente) y Estocolmo (Esther Acebo) después de una pelea ocasionada por el indeseable Arturito (Enrique Arce).


    Este último, por cierto, parece haber convertido su (patético) papel en el primer atraco en su único motor de vida, cosa que le lleva a implicarse —como vimos en la temporada anterior— en este nuevo atraco con el único fin de conseguir protagonismo. Por supuesto, por el contrario de conseguir heroísmo, Arturo lo único que logra es ganar más desprecio, siendo la encarnación del lado más repulsivo de la humanidad.

    Dicho sea de paso, el aspecto más ruin de este personaje es sacado a la luz por el nuevo personaje interpretado por Belén Rueda: Julia/Manila, una mujer trans que funciona como espía de la banda entre los rehenes; un elemento que pinta interesante y que, no obstante, es desaprovechado, pues Manila no tiene más intervenciones importantes hasta el momento.


    Finalmente, vale decir que los flashbacks que muestra al siempre recordado Berlín siguen presentes en ésta como en la temporada anterior. Estos flashbacks, hasta ahora, parecen ser una mera excusa para seguir disfrutando del personaje —pues no aportan mucho a la misión actual—; sin embargo, la presencia de Tatiana (Diana Gómez), la esposa de Berlín, genera intriga dado que desconocemos su importancia. Ella va teniendo ya varias apariciones desde la temporada anterior, de modo que pareciera tener un objetivo, sólo que aún no sabemos cuál.


    En resumen, La casa de papel, temporada 4, tiene bastante acción, suspenso y momentos emotivos, pero no ha llegado aún  a plasmar la contundencia que observamos en las dos primeras temporadas. 

    Me atrevería a decir, que en buena parte se debe a que es una pieza aún dentro de un proceso; nos encontramos subiendo aún hacia el punto de clímax máximo, que tendría que verse en la siguiente temporada o en la subsiguiente.

    Este temporada, pues, abre la puerta para que ciertos personajes y piezas con mucho potencial nos den una tremenda sorpresa. Esperemos que sea así.

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    Etiquetas: [ciencia ficción]  [juegos]  [Netflix]  [Orphan Black]  [series]  [Tatiana Maslany]  [Test de personalidad]  
    Fecha Publicación: 2020-03-30T21:37:00.001-07:00


    Por: Alexiel Vidam y Luisella Palacios

    En estos días de cuarentena nos metimos la verdadera maratón de Orphan Black, una serie de ciencia ficción y suspenso que te deja pegado y con ganas de más capítulo tras capítulo. Para ti, que también amaste la serie (y si no la has visto, prende Netflix de una vez —maldita sea—), traemos este jueguito especial, para que descubras cuál de nuestros clones favoritos eres.

    1. En caso de descubrir a tu monitor tú…
    a. Lo confronto con algo de fuerza bruta y bastantes palabrotas.
    b. Coloco cámaras y micrófonos en los alrededores para obtener información útil.
    c. Lo ato a una silla y lo torturo hasta que diga la verdad.
    d. Le salto encima y lo mato a cuchillazos.
    e. Lo seduzco; así será más fácil obtener respuestas.


    2. Lo que más deseas es…
    a. Cambiar de vida; he cometido demasiados errores.
    b. La justicia.
    c. Tener una vida tranquila y estable.
    d. Proteger a mis seres queridos, aunque sea por la fuerza.
    e. Llegar a la verdad.


    3. ¿Cuál de éstas sería tu cualidad máxima?
    a. Lealtad.
    b. Valentía.
    c. Ingenio en los momentos más difíciles.
    d. Determinación.
    e. Capacidad de análisis.


    4. Si tuvieses que dedicarte a una actividad delictiva serías…
    a. Dealer.
    b. Espía.
    c. Político(a) corrupta.
    d. Asesino(a) a sueldo.
    e. Fabricante de anfetaminas en laboratorio.


    5. Tu adicción es…
    a. Tipos “malos”
    b. Trabajo.
    c. Vino, chelas y otras “bebidas espirituosas”
    d. Enormes cantidades de comida.
    e. Porritos y chicas lindas.


    6. Tu planazo de fin de semana sería…
    a. Juergón como lo pinte la noche.
    b. Cena elegante.
    c. Parrillita la family.
    d. Campamento rudazo a los confines del universo.
    e. Juegos de rol con los patas.


    7. ¿Cuál de éstos sería tu hobby?
    a. Salir de bares.
    b. Practicar tiro.
    c. Ir de compras y hacer pilates con YouTube.
    d. Escribir.
    e. Hacer “ciencia loca”


    8. ¿Cómo describirías tu forma de vestir?
    a. Rocker.
    b. Sobrio y formal.
    c. Lindo y combinado.
    d. La comodidad es lo que importa.
    e. Rasta.


    9. ¿Quién es o sería tu persona favorita?
    a. Hija(o).
    b. Mejor amigo.
    c. Esposo(a) o conviviente.
    d. Hermana(o).
    e. Saliente.


    10. ¿Qué es lo más extremo que podrías llegar a hacer?
    a. Robar una identidad.
    b. Saltar a las vías del tren.
    c. Enterrar un muerto en mi garaje.
    d. Parir en un sótano.
    e. Usarme de sujeto experimental.


    Mayoría a: Sarah
    Tu impulsividad y actitud rebelde te han causado más de un problema; es probable que seas “la oveja negra” de tu familia. Sin embargo, en el fondo eres una persona sensible, leal y muy valiente. No te tiras para atrás cuando se trata de defender a un ser querido, por lo cual serías capaz de poner en riesgo tu propia vida. Lo único que necesitas para convertirte en un verdadero héroe, es confianza y la cercanía de tu familia y amigos.


    Mayoría  b: Beth
    Eres una persona cautelosa y algo solitaria, con una intuición y capacidad de análisis sobresalientes. Puedes deducir hechos a partir de unos pocos indicios y no tienes miedo de llevar las cosas hasta las últimas consecuencias cuando se trata de hacer justicia. Aunque te cueste demostrar tus sentimientos, eres capaz de sacrificarlo todo por defender a quienes amas.


    Mayoría c: Alison
    Te consideras una persona bastante hogareña. Tu máxima aspiración es llevar una vida tranquila. A veces tienes una actitud demasiado comodona y controladora, pues te aferras bastante a las cosas que has conseguido. Sin embargo, cuando se trata de defender a tus seres queridos, eres peor que Rambo y tomas las acciones que sean necesarias.


    Mayoría d: Helena
    “Impulsividad es tu segundo nombre”. Pocos se atreven a darte la contra, pues saben que podrían caerles unos cuantos combazos. Sin embargo, quienes realmente te conocen saben que por dentro eres un marshmellow; con tus verdaderos amigos eres sencillamente encantador y amable con los niños. De hecho, tu hobby favorito es revolcarte en el barro con los sobrinos.


    Mayoría e: Cosima
    Eres el clásico “cerebrito” o “nerd cool generación Big Bang Theory”. A pesar de ser un “sabelotodo”, tienes éxito con las chicas gracias a tu aspecto “progre” rastafari. En tus ratos libres te juntas con tus amigos frikis a jugar “Calabozos y Dragones” o te dedicas a “regar tus plantas mágicas” (If you know what I mean).
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    Fecha Publicación: 2020-03-17T20:33:00.001-07:00
    Por: Alexiel Vidam

    Anoche acabé de leer El cielo enjaulado, novela de Christine Leunens, después de haber visto Jojo Rabbit dos veces consecutivas (me encantó esa película). Para quienes no lo sabían, Jojo Rabbit se inspira en esta novela, tomando la idea original, el nombre del protagonista y varios pasajes.

    Sin embargo, de ninguna manera podríamos decir que se trata de la misma historia, pues el modo en que se desarrollan las tramas y se colorean los distintos pasajes, marca una significativa diferencia; además, cada una cuenta con elementos propios que las hacen únicas, consiguiendo un impacto completamente distinto en cada caso.

    Foto de la obra teatral basada en El Cielo Enjaulado,
    escrita por Desiree Gezentsvey y dirigida por Andrew Foster.

    Como ya hemos señalado, el punto de partida se mantiene, de modo que tenemos a Johannes Betzler (a quien llaman Jojo” únicamente en la película), un niño de diez años fascinado por Hitler, que ingresa a las Juventudes Hitlerianas (un grupo a lo boy scouts que se usó para adoctrinar a niños y jóvenes en la ideología nazi).

    Tras un accidente, se ve obligado a pasar una temporada en casa, momento en el que descubre que su familia oculta a una joven judía de nombre Elsa Korr. Su presencia, genera en el protagonista un rechazo inicial que pronto se convierte en fascinación… y enamoramiento.


    Y a partir de aquí comienzan las diferencias.

    **ATENCIÓN A SPOILERS**

    Mientras que en la novela, los hechos comienzan con la anexión de Austria —donde se desarrolla la historia— al Tercer Reich, en la película, nos situamos en Alemania (por ende, la nacionalidad del protagonista cambia). Jojo se mantiene con diez años, pues en la versión cinematográfica, todo transcurre en un año y medio; por su parte, el Johannes de la novela, empieza con diez años, pero la mayor parte de la historia se la pasa entre la adolescencia y la adultez, terminando de narrar, inclusive, cuando ya tiene canas encima.


    La familia del protagonista, en la película, es básicamente la madre, pues la hermana ha muerto y el padre se encuentra ausente. En contraste, en la novela, Johannes vive con sus padres y su abuela; su hermana ha muerto de diabetes —en la película ha muerto de influenza— y el resto de personajes va desapareciendo progresivamente.


    Otro detalle fundamental es el amigo imaginario de Jojo, Adolf Hitler, quien en la versión cinematográfica le hace las veces de padre y otras veces de vieja creencia; es quien representa sus conflictos y cuestionamientos acerca de lo que siempre ha creído y puede no ser verdad.

    En la novela, este personaje es inexistente; casi tan inexistente como los conflictos ideológicos de Johannes. Johannes, en la novela, es un radical en todo sentido —no un niño ingenuo que sólo busca encajar—; es mucho más agresivo con sus creencias y, si bien de algún momento muestra decepción hacia Hitler, nunca llega a admitir que se había equivocado.


    Pero lo más importante de todo, es lo dicho en un comienzo: el tono de la historia. El cielo enjaulado es un drama de amores tóxicos y egoístas; ahí, se confunde la intensidad del amor con la dependencia; el deseo de compañía con el apego egoísta que pasa por alto el deseo del otro.

    Jojo Rabbit, es más bien una comedia dramática, donde se contrasta la caricaturización del fanatismo con la realidad cruda y desgarradora.Para Jojo, en un principio, todo parece un gran juego de aventuras, pero pronto se convierte en una tragedia donde reinan el hambre, la muerte y la soledad.


    A mi parecer, Jojo Rabbit es un relato mucho más ligado a reflexionar sobre la Historia —a pesar de que, en este sentido, la novela brinde mucho más detalle—, ridiculizando el nazismo en primera instancia, y luego mostrándonos sus crueles consecuencias. La novela, por otro lado, se centra más en la obsesión del protagonista. 

    Su visión del mundo ha creado una morbosa fijación en torno a Elsa, sobre quien, además, se siente por encima y con todo derecho a ejercer control sobre el curso de su vida. Se entiende, pues, que Jojo y Johannes, aunque se llamen igual, son diferentes personajes, pues en Jojo predominan la inocencia y la bondad, mientras en Johannes predominan la rabia y el egoísmo.



    Si bien en gustos se rompen esquemas y ambas obras tienen sus puntos interesantes, a mi parecer, la balanza se inclina a favor Jojo Rabbit, pues presenta un relato mucho más contundente y preciso. El mensaje la película, es la pérdida de la inocencia; la mirada mágica e infantil que se derrumba ante el descubrimiento de una realidad cruda y desgarradora.

    Esto se consigue, sobre todo, gracias al excelente guion de Taika Waititi —lleno de frases memorables— y a las brillantes actuaciones, destacando a Roman Griffin Davis como el entrañable Jojo, al propio Waititi como el caricaturesco Hitler y a Archie Yates como el cándido y apachurrable Yorkie.


    La novela, en contraste, se centra en el amor enfermizo que surge de la atracción hacia lo prohibido. Sin embargo, el problema principal de la obra literaria, consiste en el afán de abarcar demasiado.

    La historia comienza con el inicio de la II Guerra Mundial y acaba extendiéndose hasta la Guerra Fría (en la película ya nos ubican hacia fines de la II Guerra Mundial y llegamos hasta la conclusión de la misma), de modo seguimos al protagonista haciéndose mayor y los cambios que se van dando en su familia.

    Esto puede sonar interesante, pero a la vez provoca que el foco se desvíe de la relación con Elsa, la cual muchas veces permanece estancada. Llega un punto en el que sentimos que el vínculo entre ambos ha agotado posibilidades; el contexto histórico, inclusive, pierde interés con el fin de la guerra, lo cual conduce a que la mentira de Johannes se vuelva tediosa y los métodos de manipulación cada vez menos verosímiles.



    *Para leer el libro en pdf, click aquí.

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    Fecha Publicación: 2020-03-06T19:18:00.000-08:00


    Por: Alexiel Vidam

    Una de las cosas que más destacan de Jojo Rabbit, de Taika Waititi, es el matiz. El matiz de mostrar el lado vulnerable y cuestionador de una Alemania normalmente definida como el villano. El matiz de personas que tal vez tuvieron que aceptar algo por imposición, o de jóvenes cuya inocencia fue corrompida desde temprano, a fin de crear fantasmas que no existían allí.


    El representante máximo de esa inocencia perdida, es el pequeño Johannes Betzler, también conocido como “Jojo” (​Roman Griffin Davis); un niño alemán emocionado por su reciente ingreso a las Juventudes Hitlerianas (un grupo juvenil obligatorio en el que se mezclaba el adoctrinamiento con campamentos de verano y actividades a lo boy scouts).

    Como típico niño de su contexto, Jojo es fan de Hitler, con quien mantiene extensas —y satíricas— pláticas imaginarias. Hitler (Taika Waititi), en su imaginación, cumple el rol de mejor amigo y figura paterna al  mismo tiempo, pues su verdadero padre no está; su madre, Rosie (Scarlett Johansson), le ha dicho que está peleando en el frente.


    Para Jojo, hasta este punto, el mundo es sencillo: se divide en “buenos” y “malos”. Los alemanes, por supuesto, son los buenos, mientras que los judíos —esos monstruos con cuernos y escamas, que duermen boca abajo como murciélagos— son los malos, así como todos los enemigos de Alemania… Hasta que Jojo descubre a Elsa (Thomasin McKenzie), la niña que su madre esconde en el ático.


    Elsa es judía, y se convierte en la revolución mental del protagonista, cuando poco a poco se va acercando a ella, develando mitos y descubriendo sus propios sentimientos. Jojo está en un dilema: ¿Cómo podría querer a un ser que supuestamente es demoníaco y se come a los niños nazis? ¿Cómo es que su madre podría haberla estado escondiendo? Entonces ya nada es tan claro y Jojo comienza a cuestionar sus propias creencias. 

    Al mismo tiempo, comienzan las discusiones cada vez más frecuentes con su demandante amigo imaginario, quien intenta constantemente devolverle al camino nazi. Esa representación caricaturesca de Hitler, no es más que la vieja creencia ciega de Jojo, que se resiste a caer por completo.



    Jojo, pues, a pesar de su corta edad, es un personaje completo y con una evolución bastante intensa. Es apenas un niño, pero desde un inicio se le impulsa a incubar ideas radicales acerca de la guerra y dar la vida por el partido.

    Sin embargo, tanto su propia sensibilidad como su capacidad para evaluar las cosas que van pasando a su alrededor —con toda su brutalidad— le van llevado a cuestionar el pensamiento que se le había impuesto. Jojo tiene sólo 10 años, pero ha vivido más de la cuenta.



    Finalmente, cabe resaltar la sorprendente expresividad de este personaje (interpretado con brillantez por Roman Griffin Davis, quien hace aquí su debut cinematográfico). El pequeño Jojo nos roba el corazón apenas con una mirada, un gesto, una de sus sonrisas de conejo que le terminan de colocar el apodo (“Jojo, el conejo”, es el apodo que le ponen los bullies de las Juventudes Hitlerianos cuando no puede realizar una cruel tarea que le imponen).

    La crudeza de la guerra, de ese mundo de ilusiones que se resquebraja con un fuerte bombardeo de realidad, también es observada a través de sus ojos, que, de manera progresiva, aunque bastante drástica, pierden por completo la ingenuidad.




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    Fecha Publicación: 2020-03-04T22:31:00.000-08:00

    Por: Alexiel Vidam

    Si me preguntasen quién es mi héroe de acción favorito del cine, sin duda, diría que Jackie Chan, y es que, además de ser un verdadero maestro del kung fu, el actor se caracteriza por prescindir por completo de dobles. Esto, en más de ocasión le ha valido accidentes que lo han enviado directo a la clínica.

    Pero Jackie Chan no es el único actor que ha osado mandarse a realizar sus propias escenas de riesgo, y en este post conoceremos a algunos de ellos.

    Chloë Grace Moretz



    Por el contrario de lo que podría aparentar la figura delicada de Chlöe Grace Moretz, ella es una actriz de armas tomar, y eso lo demostró con uno de los papeles que la lanzó a la fama: el de la letal e irreverente Hit-Girl, de la película Kick Ass. “Yo hice en torno al 90% de todos mis movimientos, excepto correr por las paredes y cosas como esas, pero todo lo demás fui yo” —declaró la actriz.

    Para esto, estuvo entrenando durante 3 meses con el maestro Jackie Chan y su equipo de especialistas. Previamente, Moretz contaba con preparación en ballet y gimnasia.


    Tom Cruise       



    No en vano Tom Cruise se ha ganado la gama de “tipo duro”. ¿Pensabas que el verdadero héroe de Misión Imposible era un doble? Para nada. Fue el propio Cruise quien escaló el rascacielos Burj Khalifa (828m de altura) en Misión Imposible: Protocolo Fantasma (2011).

    Además de ello, le hemos visto escalando aviones en despegue, realizar un salto HALO (un salto de paracaidismo en el que el paracaídas no se abre hasta estar muy cerca del suelo), saltar por las escarpadas rocas del Gran Cañón de Colorado, entre otras proezas. Una de las más interesantes, personalmente, es la de Misión Imposible: Fallout (2018), en la cual estuvo al mando de un helicóptero que él mismo aprendió a pilotar en tiempo récord.


    Zoë Bell



    La neozelandesa Zöe Bell, realmente, comenzó su carrera en la televisión y el cine como doble de acción.Habiendo practicado gimnasia y tae kwon do, fue elegida a los 14 años para realizar su primer trabajo como especialista: un salto desde un auto en la serie neozelandesa Shortland Street.

    Luego de eso, ha sido la encargada de doblar a actrices tan afamadas como Lucy Lawless en Xena: La Princesa Guerrera  y a Uma Thurman en Kill Bill, entre otras películas. Gracias a esto último, fue fichada por Quentin Tarantino para protagonizar Death Proof, donde se interpreta a sí misma y la vemos mantenerse sobre el capó de un auto a toda velocidad.


    Tony Jaa



    Desde los doce años, la hoy estrella de la saga de Ong-Bak, Tony Jaa, soñaba con ser como su héroe Jackie Chan. Por eso, desde temprano se entrenó en gimnasia, manejo de espadas, y artes marciales como wushu, tae kwon do, muay thay y muay boran. 

    Al igual que su héroe, es reconocido actualmente como una de las más grandes estrellas de artes marciales del cine, y puede jactarse también de prescindir completamente de dobles.


    Jackie Chan


    Finalmente, llegamos al actor que fue la excusa para este post. El carismático y divertido Jackie Chan aprendió kung fu desde los 6 años, cuando ingresó a la Ópera de Pekín, donde tuvo que soportar hasta 19 horas diarias de entrenamiento y estudio.Fueron épocas duras para el actor, pero eso le valió ser la estrella que es hoy en día.

    Al no utilizar dobles, Jackie Chan se ha fracturado casi todos los huesos el cuerpo, al punto de que ha sido vetado por las compañías de seguros (él mismo debe pagar todas sus operaciones). Una de las escenas más impresionantes que ha protagonizado, se da en la película La Armadura de Dios, donde Jackie salta realmente de un avión hasta el tope de un globo aerostático.

    Cuenta el actor que literalmente casi se muere durante el rodaje de esa película; en otra escena, debía saltar y agarrarse de un árbol, pero las ramas de éste se rompieron y cayó hasta las rocas que rodeaban el tronco. El equipo de producción lo trasladó rápidamente al hospital y todo quedó en un susto, por fortuna.


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    Fecha Publicación: 2020-03-03T19:39:00.000-08:00


    Por: Alexiel Vidam

    ¡How I Met Your Mother ha vuelto!, y si eres seriéfilo y no la has visto aún, es tu obligación verla ahora que Amazon Prime nos la ha regresado. Acá quien escribe, se considera fan acérrima de la serie, así que he decidido refrescar un poco la memoria de los nostálgicos y animar —con este post— a quienes no la hayan visto aún.


    Primero que nada, la historia nos traslada al año 2030. Ted Mosby (Josh Radnor), es un arquitecto de Nueva York que comienza a contarles a sus hijos cómo fue que conoció a su madre.  Para esto, se remonta al año 2005, cuando sus mejores amigos Marshall y Lily (Jason Segel y Alyson Hanniganrespectivamente) se comprometen. Esto le provoca una crisis existencial y le hace sentir que el momento de buscar a su futura esposa ha llegado.



    Al poco tiempo, y gracias a la intervención de su amigo el “legen –espéralo-… dario” playboy Barney Stinson (Neil Patrick Harris), conoce a Robin Scherbatsky (Cobie Smulders), una reportera canadiense encargada de presentar las noticias más ridículas en un canal de televisión (noticias tan trascendentes e importantes como –por supuesto- la del mono que toca el ukelele).

    Ella es una mujer independiente que está luchando por alcanzar el éxito en su nueva ciudad, tiene sentido del humor, habla con citas de Los Cazafantasmas, ama el whisky y a los perros, lo cual convence a Ted de que se encuentra ante LA chica.

    Sin embargo, encontrar el amor muchas veces no resulta ser un asunto sencillo y eso lo descubrirá tanto Ted como los cinco protagonistas durante sus diferentes encuentros y desencuentros.


    De buenas a primeras, el argumento creado por Craig Thomas y Carter Bays —inspirándose en sus propias vidas– no resulta ni muy complejo ni tan original (de hecho,  lo que muchos seguidores de sitcoms critican de esta serie, es su gran similitud con la temática de Friends); no obstante, la manera en que la trama se desarrolla, y con ella sus personajes, es sencillamente genial.

    Marshall y Lily están basados en Craig Thomas y su esposa.

    Personalmente, conecto mucho con Ted; ese chico soñador que siempre está tratando de hacer todo perfecto, que a veces sueña tanto que peca de ridículo, pero que en el fondo sabe lo que quiere para su futuro. No es el personaje más genial de los cinco –ese puesto se lo lleva Barney o Robin-, pero es ese sujeto con el que alguien que ha tenido más de un tropezón en el amor, se puede sentir íntimamente identificado.



    Eso, por otra parte, no quiere decir que el resto del reparto deje de ser interesante; por la evoluciónque cada uno, a su estilo, presenta a lo largo de la historia. De hecho, otro punto fuerte de la serie, es cómo cada personaje tiene una personalidad distinta que a la vez se complementa dentro del grupo.

    Marshall y Lily, son la pareja perfecta que ha estado por años de años en una relación y que suele actuar muchas veces como figura paternal del grupo; luego está Robin, la chica encantadora, sexy e independiente que sólo se casa con su trabajo y deja siempre lo emocional en segundo plano; finalmente, está Barney, cuyo rol de seductor le convierte en un amo del disfraz, de los trucos de magia y de las juergas.


    Todos ellos se reúnen en un bar llamado McLarens, que está inspirado en el bar neoyorquino McGee, donde los creadores de la serie vivieron anécdotas de juventud. Este bar, en la serie, se ubica estratégicamente bajo el departamento de Ted, de modo que los escenarios más frecuentes en la historia son estos dos 

    (*Dato curioso: Si visitas Nueva York, no dudes en ir al McGee, pues tienen una carta de tragos inspirados en la serie).


    Otro de los platos fuertes de How I Met Your Mother, es la complejidad del guión. Aunque suene contradictorio, debido a lo básica de la idea central, las situaciones, las bromas y las frases memorables están muy bien pensadas.

    La historia arranca con un toque fuerte de suspenso (en torno a la identidad de la madre) que se mantiene hasta el final (cuando por fin descubrimos de quién se trata). Prácticamente no existen episodios ni personajes de relleno: todos vuelven a aparecer, todos tienen ilación, todos te revelan algún secreto en el futuro. 

    En esta serie casi no existen rellenos.
    Vale decir, además, que Ted y sus amigos constantemente están recordando anécdotas pasadas, de modo que siempre hay alusión a algún episodio pasado, añadiendo información que antes no teníamos.

    Quizás uno de los poquísimos misterios que quedó en el aire a lo largo de la serie, fue la aparición de la piña en el cuarto de Ted; sin embargo, gracias al pedido de los fans, los creadores grabaron una escena revelando el misterio, la cual fue añadida al DVD copilatorio de la serie (si no te importan los spoilers, puedes verlo aquí).


    Si eres aficionado a la cultura pop –particularmente si eres cinéfilo-, esta serie te da en la yema del gusto, pues las referencias a películas, músicos, historietas y otras series, son interminables (si no conoces mucho del tema, tampoco te asustes, pues –por lo bien armadas que están las situaciones- igual te ríes).

    Referencias a Star Wars van y vienen, entremezcladas con disfraces de Piratas del Caribe, diálogos de La Sociedad de los Poetas Muertos, Los Cazafantasmas, parodias de King Kong, Superman, entre otros, forman parte del repertorio de easter eggs; esto sin contar con las estrellas invitadas que te remontarán al MTV de los 90 y la radio de inicios de los 2000: Katy Perry, Mandy Moore, Britney Spears, Enrique Iglesias, Jennifer López, entre otros, aparecen en pantalla.


    Finalmente, no podemos cerrar este post sin mencionar la excelente banda sonora. Los temas de fondo, con un estilo bastante indie en general, van de lo divertido a lo conmovedor, pero es sobre todo en los momentos de mayor carga emocional cuando más se lucen.

    Personalmente, los que más recuerdo y más me tocan, son Downtown Train de Everything but the girl y con Let your heart hold fast de For Atlantic, temas que, literal, si estás muy conectado con las escenas, te pueden arrancar sus buenos lagrimones.

    En cuanto a los temas divertidos, por supuesto, mis favoritos son el opening de la serie (se llama HeyBeautiful y es de The Solids, la banda de los propios creadores), y el memorable Let’s go to the mall, de Robin Sparkles.


    En fin, una serie súper divertida y emotiva que no podrás olvidar, y cuyo desenlace te dejará pensando por un buen rato.   


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    Fecha Publicación: 2020-02-22T21:17:00.002-08:00


    Por: Alexiel Vidam

    Historia de un matrimonio, cuenta con uno de los inicios más bellos e impactantes que he visto en el cine en los últimos años; con una secuencia poética de imágenes que fluye dulcemente a través de las voces  de sus protagonistas. Charlie (Adam Driver) dice que lo que ama de Nicole (Scarlett Johansson), es que de verdad escucha, que es muy buena bailando, que es una mamá que de verdad juega, que sabe cuándo presionarle y cuándo dejarle tranquilo, que es competitiva.

    Nicole dice que Charlie es imperturbable; no deja que nada se interponga en su camino. Que soporta todos sus cambios de ánimo y no la hace sentir mal por eso, que siempre llora en las películas, que es competitivo, que adora ser padre.


    Este inicio, que parece el preámbulo de una historia romántica, está hecho para quebrarnos el corazón. Lo que escuchamos no es ningún preámbulo; es más bien el cierre de una historia de amor. Charlie y Nicole se encuentran frente a un psicólogo que les habla de la importancia de recordar por qué se casaron, de modo que, en la medida que se distancien, recuerden el cariño que sentían por la otra persona.

    El psicólogo desaparece por completo. Su imagen es reemplazada por la de dos asertivos e inescrupulosos abogados. Aunque en un principio la pareja había decidido separarse en buenos términos y sin intervención de terceros, pronto se siente obligada a tomar abogados que vuelven suyo el conflicto y generan una guerra entre las partes. El papel de estos abogados es crucial, pues actúa como un ente manipulador que a ratos parece llevar a los protagonistas cual si fuesen marionetas.



    Nora (Laura Dern), la abogada de Nicole, es una mujer que utiliza su astucia cual serpiente para ganarse su simpatía en primera instancia; luego, para presentarse como agente empoderador (identificado los deseos frustrados de Nicole), y finalmente, para reflejar sus propios demonios e intensificar la pugna entre dos personajes que, en primer lugar, no deseaban ninguna pugna. 

    Jay (Ray Liotta), el abogado de Charlie por su lado, aparece cuando este último se ve involucrado en una disputa legal —en contra de su voluntad— y se encuentra en peligro de perder la custodia de su hijo. Jay no tiene el grado de influencia sobre Charlie que tiene Nora sobre Nicole (de hecho, Charlie sabe que Jay es un “hijo de puta”), pero en la praxis actúa como su contraparte, pues no duda en soltar los golpes bajos que sean necesarios para ganar la contienda.



    En cuanto a los protagonistas en sí, parecen víctimas de sus propias circunstancias. Es evidente que Charlie y Nicole todavía guardan sentimientos el uno por el otro (la propia Nicole se lo dice a su abogada: “no es tan sencillo como ya no estar enamorados”); esto se observa en los pequeños detalles, como cuando Nicole se ofrece a cortar el cabello de Charlie, cuando le amarra el zapato o lo llama por teléfono para que solucione el problema de luz en su casa.

    Charlie, además, se muestra desconcertado en varias etapas del proceso de divorcio, y se entiende que —quizás— había aceptado el asunto sin llegar a asimilarlo del todo. En el fondo, él considera a Nicole y a la familia de ella como su familia (más aún, tomando en cuenta que él se encuentra alejado de sus propios padres), y le cuesta dejar de actuar como si no lo fueran.

    La escena en que se despiden cerrando el portón de la nueva casa de Nicole es desgarradora: observamos sus rostros afectados dividiéndose por esa enorme barrera corrediza.



    El enfoque de la historia cambia de un personaje al otro: comprendemos las motivaciones que llevan a Nicole a marcar el fin de la relación y a buscar reiniciar su vida con mayor independencia; sin embargo, la posición de Charlie también genera empatía. Se trata de un hombre que se siente desconcertado y confundido; que no acaba de entender bien en qué momento se malogró todo, y que se siente presionado y amenazado.

    Charlie, se ve obligado a trasladarse continuamente de Nueva York —donde trabaja— a Los Ángeles, adonde se ha trasladado Nicole junto a Henry (Azhy Robertson), el hijo de ambos. Debe manejar el proceso de divorcio a la vez que intenta aprovechar el poco tiempo que tiene con Henry, y dirigir su compañía de teatro a larga distancia.



    Saliendo un poco del argumento, debemos decir, que tan buena construcción de personajes, no se hubiese concretado en pantalla de no ser por el desempeño de los actores. Adam Driver y Scarlett Johasson son de lo más conmovedores. Es imposible no comprender el dolor de cada uno a través de sus gestos e incluso simples miradas.

    La escena mejor lograda a nivel actoral, es, sin duda, una de las más cargadas a nivel dramático; cuando ambos personajes estallan dolidos y desesperados por lo tensa que se ha vuelto la situación. En cuanto a papeles secundarios, Laura Dern tiene muy bien merecido el Oscar a mejor actriz de reparto, por su precisa interpretación de Nora, la venenosa abogada de Nicole.



    Otros puntos que me gustaron mucho fueron la fotografía y la elección de las tomas. Algunas de ellas son muy potentes, especialmente cuando se busca plasmar un sentimiento profundo y ambivalente. En cuanto a la fotografía, destacan los colores cálidos, tirando a naranja, lo cual genera cercanía y conexión con los personajes a pesar de las circunstancias complicadas.

    Me gustó bastante también el juego de iluminación en la parte del inicio, con tonos de color algo desteñidos pintando las imágenes con las que Charlie y Nicole recuerdan lo mejor el uno del otro. Estos colores crean una atmósfera de ensoñación, de sentimiento idílico pero, al mismo tiempo, que ya no es parte de la realidad.



    En líneas generales esta película me pareció hermosa y brutalmente emotiva. Con momentos de intensidad muy bien logrados y un final emocionante que puede arrancarnos unas cuantas lágrimas.


    Ficha técnica

    Dirección: Noah Baumbach
    Producción: David Heyman
    Guion: Noah Baumbach
    Música: Randy Newman
    Fotografía: Robbie Ryan
    Montaje: Jennifer Lame
    Protagonistas: Scarlett Johansson, Adam Driver, Laura Dern, Ray Liotta
    País: Estados Unidos
    Idioma: Inglés
    Año: 2019
    Género: Drama
    Duración: 136 minutos